Interview –The Cruel Intentions: ten years on the road, a new album, and the long-awaited Brazilian tour

Jørn Veberg

Mats Wernerson talks about the band's identity, the reception of All Hail Hypocrisy, and their debut in Brazil in 2027 

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By Thais Navarro (@_thais_navarro) 

Just a few months after the release of All Hail Hypocrisy — The Cruel Intentions' third album —, bassist Mats Wernerson spoke with Road to Metal about life behind the scenes of this Scandinavian band. In the interview, he discusses how the group's identity has solidified over ten years on the road, the impact the Peacemaker soundtrack had on the band's international reach, the current state of the sleaze scene and plans for the coming months: which include, finally, their arrival in Brazil in May 2027. 

Check out the full conversation below! 

Mats, thank you so much for your time and your music. How would you describe The Cruel Intentions (TCI) current identity? You have a unique formula in your songs that makes the band very unique. So how did you develop your identity over the years, and how does it come together now on All Hail Hypocrisy? 

Mats: What we've got going on right now comes from years and years of the four of us playing together, having a good time. I feel we're better than ever today. We know each other so fucking well after 10 years now.  

I think the sound came from the first album: punk rock, a lot of attitude, pretty dirty. The second album was more polished, a bit more melodic. So I think it's a very good mix of those two coming into All Hail Hypocrisy. And I think we found our perfect mix of dirty and melodic in this album, because we don't want to become a full-on melodic rock band, or whatever. We want to keep our identity, which is punk, metal, sleaze, everything in a good mix. And I think we found it perfectly on All Hail Hypocrisy, and it's organic, because of the time spent together, touring and playing. It's super organic and I love the sound of the new album. 

It's definitely a killer album. And you mentioned touring — the reputation of intense TCI live shows is a central part of the band. How is that built on stage and how important is it to you to give fans this intense, memorable live experiences? 

Mats: It's very important, and I don't think we could do anything else about it — it just comes naturally when we get on stage. This past week we were in Gatlinburg, Tennessee, playing two shows. We were very tired from jet lag and some late nights. And the moment we all hit the stage, none of that tiredness mattered anymore — you can't feel any of it. I looked over at Kristian (N. Solhaug, TCI guitar player) and he had this big grin on his face, and I thought, "okay, it's fucking go time." Then it was 100% energy.  

You also feed off the crowd, like the show in Oslo (in May) — a very small venue. This is also something else, because at the bigger shows people are a couple of meters away, but you still feed off the audience (but in smaller venues it's way easier), and seeing people sing along gives you even more energy. So I don't think we could do anything other than 100% rock and roll energy. 

You're coming to Brazil and other countries in Latin America next year. What are your expectations for this tour, and what can Brazilian fans expect? 

Mats: Expectations are actually very high. This is something I've been dreaming about for as long as I can remember — all of us. Lizzy (DeVine, TCI vocalist) was there 10 years ago with Lizzy DeVine Solo. He's been telling some stories, and I have friends from bands like Eclipse and Crashdïet who've been there too — everybody says it's the best. It's a lot of travel, late nights, but still one of the craziest audiences in the world, from what I hear from bands like Iron Maiden and, as I said, my friends.  

So, very high expectations, and I guess Latin America can expect the same from us — we're going to give it all. We're doing headline shows, so it's gonna be longer, gonna do more Vains of Jenna songs. I know there are a lot of Vains of Jenna fans, so we're gonna do a couple more than usual. And just a full-on rock and roll set with a lot of songs from the new album, the classics, and the Peacemaker songs. 

It's cool that you mentioned Peacemaker — how much of a difference did it make for you as a band? I watched this TV show partly because of the tracklist, and the scene with the Vigilante walking out of prison to Jawbreaker was mind-blowing. What was it like to appear in the show, and how much of a difference did it make for the band? 

Mats: It had a huge impact, starting with the first trailers. We had Borderline Crazy in the American and Canadian TV commercial trailer before the show even started. Then streaming went off the charts — a lot of streaming from South America, the UK and America, which we hadn't seen before. We used to have Sweden at the top, but now I think Brazil is actually our top country on Spotify, at least over the last year.  So the streaming was crazy. The show aired one episode a week, If i remember correctly, and the fourth episode had the Vigilante scene. After that, the YouTube channel, Instagram and Facebook blew up, with comments like "thank you James Gunn for giving me this band." Comments asking us to come to Brazil became even more common, which I love. It was very surreal to hear our music in a James Gunn show — we love James Gunn, and Peacemaker is a really good show.

You mentioned Crashdïet, and we're in a great run of releases right now from the sleaze scene. How would you describe its current state, and what do you expect going forward? 

Mats: I think it's amazing what's happening with the sleaze scene right now. It feels like a real revival, with us, Crashdïet and Confess releasing singles and albums together throughout the spring this year. And to see people all over the world become very happy about these singles and albums releasings. I think it's an amazing time right now for our type of music, sleaze rock and rock and roll in general. A lot of good bands, a lot of good albums coming out. 

Where do you and the band usually look for musical references? Do other art forms inspire you, inside or outside rock music? 

Mats: It's so hard to tell what inspires me. When I write music, it's usually like the state of mind you're in at the time. I don't actually listen to much music while I'm writing my own music, because I'm too occupied with this. But leading up to All Hail Hypocrisy, I was listening a lot to Tuk Smith and the Restless Hearts, which I think shows through a bit in some songs — maybe When Eden Burn leans a little more melodic, rock and roll type of thing.  

So inspiration can come from anything: daily life, just living, basically. I write most of the music together with Lizzy, and he writes all the lyrics, so I think his inspiration comes from his life, his experiences, the 10 years with the crew, all the late nights, the parties and the tours we've done together. A lot has happened, and we usually talk about that stuff and laugh about it while we write songs. Like "Porridge Head", for example. 

I was actually going to ask you specifically about that one. 

Mats: It's a very special song. I had that riff for a long time. It's a special riff; I think it was Erik Martensson from Eclipse, our producer, who said the riff was fucking awesome, and we kept working on it but couldn't find the right theme for the lyrics. So Lizzy started writing about "porridge head". Porridge Head it's a term used within the band, we've been using it for 10 years. Now, it's become more of a thing: we have hats, I have a t-shirt that says "Porridge Head," and people started talking about it, which was very funny for us to see. I think some of the verses are actually about me, from when I was younger and drinking a lot. So that's a Porridge Head.  

Like the line about “staints of vomit on your chest from food you never have? 

Mats: Maybe. Maybe it has happened. Who knows! 

I also love the lyrics. Lizzy, as you said, is a very good songwriter too. 

Mats: Yes, very good. His lyrics are insanely good, and there is dark and there is humor — sometimes very serious, sometimes just like "fuck off". I love his mix and his style of writing, and he comes up with everything so fast. 

Would you say Porridge head is your favorite song on the album, or do you have other ones?

Mats: It depends. I listened to this album so many times while we were mixing and leading up to the release. A lot in the car, at the gym, or out running, just to figure out how we should put the track order. So I've had a lot of favorite songs over the months leading up to release, and it's kept changing since we started playing these songs live. It changes from show to show.  Right now I think "Triple Threat" is my favorite to play live, because it's brutal — hard, heavy, fast, it's got everything, and people really enjoy it when we play the new songs, especially "Triple Threat" and "All Hail Hypocrisy." So it's different songs for different days. 

Do you want to play it live? And more songs from the album? 

Mats: Yeah, we're going to do more. We actually started rehearsing "Porridge Head" — and I loved it, I love playing it, it's got a lot of punk rock energy. I think we'll put that one on the setlist, for the Latin America dates. 

Now that it's been a few months since All Hail Hypocrisy came out, how do you feel about the public reception? 

Mats: It's been crazy. It's been so good, way beyond anything I could have imagined. When we were done in the studio, Lizzy and I talked and said, "We loved it. This is us, this is our best album for sure." I had a feeling people would like it, but not like this: we've had so many fantastic reviews from all over the world. Road to Metal's review was spectacular. 

We're approaching the end. After three amazing albums, what are your plans for the future in general? Is there something you want to do that you haven't done yet? 

Mats: Plans and goals — let's see. We've got some shows coming up this year: we're going back to America in a few weeks, and just before that we're playing at Rock the Sun in Barcelona with Eclipse and Michael Monroe. We're doing a Swedish tour with Hardcore Superstar in October and November, which I'm really looking forward to. I love Hardcore Superstar, all of us do, we're big fans of the music and the guys, and we get along really well with them. That's the plan for now.  Next year there's going to be even more shows — we're doing the Monsters of Rock Cruise in May, then heading straight to Mexico and all the Latin America dates, which is a dream come true. Another dream would be Japan. we've never been there, so that's the next goal, to get a couple of shows in Japan. And then we're starting to write the fourth album right now. We have started looking into titles, sounds, songs, I've got a couple of riffs.  

That's very good to hear.  Would you like something else? 

Mats: I'm just very excited to come to Brazil and the other countries. I've never been to Latin America — I've only been to Mexico, around Tulum, with the cruises. So I'm very excited to see all those countries in just five or six days. It's going to be very hectic, but that's what I'm looking forward to the most: playing these songs for what seems to be our biggest fan base. 

We've never had a response to a tour announcement like we did with Latin America. It was crazy, hundreds of comments and shares, people saying "fuck yeah, finally," because they'd been waiting so long. It's been like 10 years. I remember the first time someone wrote "come to Brazil," it was like 10 or 11 years ago, and I never thought we'd make it. Right from when we started, people were already writing "come to Brazil," "come to Argentina." So I'm very happy to go there and play these new songs for you guys. 

"Come to Brazil" is indeed a very popular thing here, we're very insistent. 

Mats: Yes, and it worked! This time it really fucking worked.  

The Cruel Intentions is coming to Brazil in May 2027. For more information, click here. Don't miss it! 

Entrevista – The Cruel Intentions: Dez anos de estrada, um novo álbum e a esperada turnê brasileira

Jørn Veberg

Mats Wernerson fala sobre a identidade da banda, a recepção de All Hail Hypocrisy e a esperada estreia no Brasil em 2027

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Por Thais Navarro (@_thais_navarro)

Poucos meses após o lançamento de All Hail Hypocrisy, terceiro álbum do The Cruel Intentions, o baixista Mats Wernerson conversou com a Road to Metal sobre os bastidores da banda escandinava. Na entrevista, ele fala sobre como a identidade sonora do grupo se consolidou ao longo de dez anos de estrada, o impacto que a trilha sonora de Peacemaker teve no alcance internacional da banda, o momento atual da cena sleaze e os planos para os próximos meses — que incluem, finalmente, a chegada ao Brasil em maio de 2027.

Confira a conversa completa abaixo!

Mats, muito obrigada pelo seu tempo e pela sua música. Como você descreveria a identidade atual do The Cruel Intentions (TCI)? Vocês têm uma fórmula única nas músicas que torna a banda muito singular. Como vocês desenvolveram essa identidade ao longo dos anos, e como ela se consolida agora em All Hail Hypocrisy?

Mats: O que temos hoje vem de anos e anos de nós quatro tocando juntos, nos divertindo. Sinto que estamos melhores do que nunca hoje. A gente se conhece muito bem depois de 10 anos.

Acho que o som veio do primeiro álbum: punk rock, muita atitude, bem sujo. O segundo álbum foi mais polido, um pouco mais melódico. Então acho que é uma mistura muito boa dessas duas fases chegando em All Hail Hypocrisy. E acho que encontramos nosso equilíbrio perfeito entre sujeira e melodia nesse álbum, porque não queremos nos tornar uma banda totalmente melódica de rock, nem nada disso. Queremos manter nossa identidade, que é punk, metal, sleaze, tudo em uma boa mistura. E acho que encontramos isso perfeitamente em All Hail Hypocrisy, e é orgânico, por causa do tempo que passamos juntos, tocando e em turnê. É super orgânico e eu amo o som do novo álbum.

É definitivamente um álbum incrível, E você mencionou as turnês — a reputação dos shows intensos do TCI é uma parte central da banda. Como isso é construído no palco e o quanto é importante pra você entregar aos fãs essa experiência ao vivo intensa e memorável?

Mats: É muito importante, e acho que não conseguiríamos fazer diferente: simplesmente acontece naturalmente quando subimos ao palco. Essa última semana estivemos em Gatlinburg, Tennessee, tocando dois shows. Estávamos muito cansados por causa do jet lag e de algumas noites mal dormidas. E no momento em que subimos ao palco, nada daquele cansaço importava mais — você não sente nada disso. Olhei pro Kristian (N. Solhaug, guitarrista do TCI) e ele tinha aquele sorriso enorme no rosto, e pensei: "ok, agora é hora do show, porra." Aí foi 100% de energia.

Você também se alimenta da energia da plateia, como no show de Oslo (em maio) — um local bem pequeno. Isso também é outra coisa, porque nos shows maiores as pessoas ficam a alguns metros de distância, mas ainda assim você se alimenta dessa energia da plateia, e ver as pessoas cantando junto te dá ainda mais energia. Então acho que não conseguiríamos fazer nada além de 100% de energia rock and roll.

Vocês vêm ao Brasil e a outros países da América Latina no próximo ano. Quais são suas expectativas para essa turnê, e o que os fãs brasileiros podem esperar?

Mats: As expectativas estão muito altas, na verdade. É algo que eu sonho desde que consigo me lembrar — todos nós. O Lizzy (DeVine, vocalista do TCI) esteve no Brasil há 10 anos com o Lizzy DeVine solo. Ele tem contado algumas histórias, e eu tenho amigos de bandas como Eclipse e Crashdïet que também já estiveram lá — todo mundo diz que é incrível. São muitas viagens, noites longas, mas ainda assim uma das plateias mais insanas do mundo, pelo que ouço desde bandas como Iron Maiden e, como eu disse, até dos meus amigos. Então, as expectativas estão muito altas, e acho que a América Latina pode esperar o mesmo de nós — vamos dar tudo de nós. Vamos fazer shows como headliners, então vai ser mais longo, vamos tocar mais músicas do Vains of Jenna. Sei que tem muitos fãs do Vains of Jenna, então vamos tocar algumas a mais do que o normal. É um setlist totalmente rock and roll, com muitas músicas do novo álbum, os clássicos, e as músicas do Peacemaker.

Interessante você ter mencionado o Peacemaker — o quanto isso fez diferença pra vocês como banda? Eu assisti essa série de TV em parte por causa da trilha sonora, e a cena do Vigilante saindo da prisão ao som de Jawbreaker foi ˜mind-blowing˜. Como foi aparecer na série, e o quanto isso mudou as coisas pra banda?

Mats: Teve um impacto enorme, começando já pelos primeiros trailers. Tivemos "Borderline Crazy" no comercial de TV americano e canadense antes mesmo da série estrear. Depois o streaming disparou — muito streaming vindo da América do Sul, do Reino Unido e dos Estados Unidos, coisa que a gente nunca tinha visto antes. Antes a Suécia era nosso país número um, mas agora acho que o Brasil é o nosso país número um no Spotify, pelo menos no último ano.

Então o streaming ficou uma loucura. A série ia ao ar com um episódio por semana, se não me engano, e o quarto episódio teve a cena do Vigilante. Depois disso, o canal no YouTube, o Instagram e o Facebook explodiram, com comentários tipo "obrigado, James Gunn, por me apresentar essa banda". Comentários pedindo pra gente ir ao Brasil ficaram ainda mais comuns, e eu amo isso. Foi muito surreal ouvir nossa música em uma série do James Gunn — a gente ama o James Gunn, e Peacemaker é uma série muito boa.

Você mencionou o Crashdïet, e estamos em uma ótima fase de lançamentos vindos da cena sleaze. Como você descreveria o estado atual dessa cena, e o que você espera daqui pra frente?

Mats: Acho incrível o que está acontecendo com a cena sleaze agora. Parece um verdadeiro renascimento, com a gente, o Crashdïet e o Confess lançando singles e álbuns juntos ao longo desta primavera. E ver pessoas do mundo todo ficando muito felizes com esses lançamentos de singles e álbuns. Acho que é um momento incrível pro nosso tipo de música, sleaze rock e rock and roll em geral. Muitas bandas boas, muitos álbuns bons saindo.

Onde você e a banda costumam buscar referências musicais? Outras formas de arte inspiram vocês, dentro ou fora do rock?

Mats: É muito difícil dizer o que me inspira. Quando escrevo música, geralmente é mais o estado de espírito em que você está naquele momento. Eu não costumo ouvir muita música enquanto estou escrevendo a minha própria, porque fico muito ocupado com isso. Mas no período antes de All Hail Hypocrisy, eu estava ouvindo bastante Tuk Smith and the Restless Hearts, o que acho que transparece um pouco em algumas músicas — talvez "When Eden Burn" penda um pouco mais pro lado melódico, tipo rock and roll.

Então a inspiração pode vir de qualquer lugar: da vida cotidiana, simplesmente de viver, basicamente. Eu escrevo a maior parte da música junto com o Lizzy, e ele escreve todas as letras, então acho que a inspiração dele vem da vida dele, das experiências dele, dos 10 anos com a galera, todas as noites tarde da madrugada, as festas e as turnês que fizemos juntos. Muita coisa aconteceu, e a gente costuma conversar sobre isso e rir enquanto escrevemos as músicas. Tipo "Porridge Head", por exemplo.

Eu ia perguntar justamente sobre essa.

Mats: É uma música muito especial. Eu tinha aquele riff há muito tempo. É um riff especial; acho que foi o Erik Martensson, da Eclipse, nosso produtor, que disse que o riff era foda, e a gente continuou trabalhando nele, mas não conseguia encontrar o tema certo pra letra. Então o Lizzy começou a escrever sobre "porridge head". "Porridge Head" é um termo usado dentro da banda, a gente usa isso há 10 anos. Agora virou mais uma coisa nossa: temos bonés, eu tenho uma camiseta que diz "Porridge Head", e as pessoas começaram a falar sobre isso, o que foi muito engraçado pra gente ver. Acho que alguns dos versos são na verdade sobre mim, de quando eu era mais novo e bebia muito. Então é isso, um Porridge Head.

Tipo a parte "stains of vomit on your chest of food you never had"?

Mats: Talvez. Talvez já tenha acontecido. Quem sabe!

Eu também amo as letras. O Lizzy, como você disse, é um excelente letrista.

Mats:  Sim, ele é muito bom. As letras dele são insanamente boas, tem um lado sombrio e tem humor — às vezes bem sério, às vezes só tipo "foda-se". Eu amo a mistura e o estilo de escrita dele, e ele cria tudo tão rápido.

Você diria que "Porridge Head" é sua música favorita do álbum, ou tem outras?

Mats: Depende. Eu ouvi esse álbum tantas vezes enquanto estávamos mixando e no período antes do lançamento. Muito no carro, na academia, ou correndo, só pra descobrir como deveríamos organizar a ordem das faixas. Então tive várias músicas favoritas ao longo dos meses antes do lançamento, e isso continuou mudando desde que começamos a tocar essas músicas ao vivo. Muda de show pra show.

Agora mesmo acho que "Triple Threat" é minha favorita pra tocar ao vivo, porque é brutal — pesada, rápida, tem tudo, e as pessoas curtem muito quando tocamos as músicas novas, especialmente "Triple Threat" e "All Hail Hypocrisy". Então é uma música diferente pra cada dia.

Vocês querem tocá-la ao vivo? E mais músicas do álbum?

Mats: Sim, vamos fazer mais. Na verdade, já começamos a ensaiar "Porridge Head" — e eu amei, adoro tocá-la, tem muita energia punk rock. Acho que vamos colocar essa no setlist, pras datas da América Latina.

Agora que já se passaram alguns meses desde o lançamento de All Hail Hypocrisy, como você se sente em relação à recepção do público?

Mats: Tem sido uma loucura. Tem sido muito bom, muito além de qualquer coisa que eu poderia imaginar. Quando terminamos no estúdio, eu e o Lizzy conversamos e dissemos: "Nós nos amamos. Isso somos nós, esse é com certeza nosso melhor álbum." Eu já tinha um pressentimento de que as pessoas iriam gostar, mas não nesse nível: tivemos tantas críticas fantásticas do mundo todo. A crítica da Road to Metal foi espetacular.

Estamos chegando ao final. Depois de três álbuns incríveis, quais são seus planos para o futuro em geral?

Mats:  Planos e metas — vamos ver. Temos alguns shows chegando ainda este ano: voltaremos aos Estados Unidos em algumas semanas, e pouco antes disso vamos tocar no Rock the Sun, em Barcelona, com Eclipse e Michael Monroe. Vamos fazer uma turnê sueca com o Hardcore Superstar em outubro e novembro, que estou muito ansioso pra fazer. Eu amo o Hardcore Superstar, todos nós amamos, somos grandes fãs da música e da galera, e nos damos muito bem com eles. Esse é o plano por enquanto.

No próximo ano vamos ter ainda mais shows — vamos fazer o Monsters of Rock Cruise em maio, e depois seguir direto pro México e todas as datas da América Latina, que é um sonho se tornando realidade. Outro sonho seria o Japão. Nunca estivemos lá, então essa é a próxima meta, conseguir alguns shows no Japão. E então estamos começando a escrever o quarto álbum agora. Já começamos a pensar em títulos, sons, músicas, já tenho alguns riffs.

É ótimo ouvir isso. Gostaria de acrescentar mais alguma coisa?

Mats: Apenas que estou muito animado para ir ao Brasil e aos outros países. Nunca estive na América Latina — só estive no México, perto de Tulum, em cruzeiros. Então estou muito animado para conhecer todos esses países em apenas cinco ou seis dias. Vai ser bem corrido, mas é isso que estou mais ansioso pra fazer: tocar essas músicas para o que parece ser nossa maior base de fãs.

Nunca tivemos uma resposta a um anúncio de turnê como a que tivemos com a América Latina. Foi uma loucura, centenas de comentários e compartilhamentos, gente dizendo "aí sim, finalmente, porra!", porque estavam esperando havia muito tempo. Já faz uns 10 anos.

Lembro da primeira vez que alguém escreveu "come to Brazil", foi tipo há uns 10 ou 11 anos, e eu nunca pensei que a gente fosse conseguir chegar lá. Desde quando começamos, as pessoas já escreviam "come to Brazil", "come to Argentina". Então estou muito feliz de ir até aí e tocar essas músicas novas pra vocês.

"Come to Brazil" é mesmo uma coisa bem popular por aqui, a gente é bem insistente.

Mats: Sim, e funcionou! Dessa vez funcionou mesmo.

O The Cruel Intentions vem ao Brasil em maio de 2027. Para mais informações, clique aqui. Não perca!

Cobertura de Show: Sanctuary – 30/08/2026 – Burning House/SP

Quando uma banda de metal dos anos 80 pisa no Brasil pela primeira vez, o evento pode ser considerado um marco histórico para o público que conseguiu presenciar aquele acontecimento. Foi isso que aconteceu no Burning House com a colaboração da Dark Dimensions ao trazer pela primeira vez o Sanctuary, lotando a casa e proporcionou uma noite memorável para os fãs após 40 anos de espera.

Não teve banda de abertura, mas poderiam ter encaixado alguém do underground como aconteceu em outros; sendo assim, o foco ficou voltado totalmente para o quinteto e o vocalista Joseph Michael (primo de Ronnie James Dio) que assumiu a difícil missão de substituir Warrel Dane (vocalista fundador falecido em 2017), foi essencial para celebrar toda atenção na continuidade consagrada da banda para quase uma geração inteira que acompanhava os clipes na falecida MTV nos anos 90 entre os discos Refuge Denied (1987) e Into the Mirror Black (1989).

O show abre com problemas na sonorização do microfone em “Arise and Purify” e “Frozen” do terceiro e último disco com Warrel Dane, “The Year The Sun Died (2014), o que não interferiu na performance da banda no palco e logo foi resolvido durante a apresentação. De cara, já se percebia o entusiasmo do palco e público, o som estava excelente vindo dos PAs, as guitarras de Lenny Rutledge – da formação original – e Will Wallner estavam bem pesadas com aquele som cadenciado característico de Heavy/Thrash Metal que a banda executava no passado ficou ainda melhor ao vivo. O baixista e também veterano George Hernandez ficou bem à vontade e impôs o baixo palhetado latente fazendo uma cozinha perfeita com o baterista Dave Budbill. Canhoto, descia o braço com mão pesada, também da formação original e se mostrando em plena forma durante todo o show.

Seguindo com “Die for My Sins”, “Seasons of Destruction” e “Veil of Disguise”, o vocalista Joseph Michael mostrou que não há dúvidas de estar entre um dos melhores vocais da atualidade no compromisso e continuidade na vida sonora do Sanctuary, manteve o timbre e agudos bem difíceis de serem executados ao vivo na afinação original das músicas, distribui carisma, conversou e cumprimentou por várias vezes o público, tomou vinho no palco junto com os integrantes e manteve sua voz com timbre muito parecido com o saudoso Warrel Dane. A expectativa em ouvir os clássicos “Future Tense” e “Taste Revenge” (cantada pelo público do começo ao fim) e “Long Since Dark” conectou todos com algo que vivemos no passado quando escutamos essas músicas pela primeira vez a exaustão com os amigos e cds emprestados (obrigado Luiz por dias memoráveis).

E pra surpresa de todos, um cover de “Breathe”, do Pink Floyd, colocou outro astral na casa mostrando um lado da banda com maestria e olhos atentos a cada detalhe da música e digna de aplau-sos. Momento especial que leva a banda de um extremo ao outro sem perder o respeito com os fãs numa homenagem a um clássico da música global. É algo que falta nas bandas de hoje, tocarem pelo menos um cover de alguém que os representam, que fica na memória e que eleva a qualidade musical de todos os integrantes; ainda embalaram com “White Rabbit”, do Jefferson Airplane.

Fecharam com “Soldiers of Steel” de supressa, mas não estava mais no local pois as luzes e o som mecânico haviam sido ligados sinalizando que havia acabado o show e dezenas de pessoas perderam essa música ao sair.

O Sanctuary deixou um exemplo de várias situações boas ao saímos do show, abre uma nova etapa da sua carreira no Brasil de forma grandiosa e reconhecimento merecido ao logo de todas essas décadas. Parecia que já estiveram aqui por várias vezes da forma como o show foi acontecendo. O memorável Warrel Dane foi lembrado por todos, cantado por todos e com certeza nunca será esquecido, tanto no Sanctuary quanto na carreira grandiosa do Nevermore. Exemplos corajosos assim de levar a continuidade a um legado tão brilhante dão oportunidade para os fãs resgatarem algo que viveram em algum momento de suas vidas, por isso Metal é tão generoso nessa empreitada de continuar a história para novos seguidores, novos ouvintes e novos amantes da música pesada. Tentar continuar é uma lição que o palco mostra para as pessoas que seguir em frente independente das mudanças que aconteceram no caminho, é a decisão mais consciente quando temos. 

Texto: Roberto Bertz

Fotos: André Tavares

Realização: Dark Dimensions

Press: JZ Press

Sanctuary – setlist:

Arise and Purify

Frozen

Die for My Sins

Seasons of Destruction

Veil of Disguise

Future Tense

Taste Revenge

Long Since Dark

Epitaph

The Mirror Black

Breathe (Pink Floyd cover)

White Rabbit (Jefferson Airplane cover)

Battle Angels

Not of the Living

The Year the Sun Died

Bis

Soldiers of Steel

Anthrax: Quase Um Ponto Final (Also In English)

Shinigami Records (Nac.) / Nuclear Blast (Imp.)

Por Flavio Borges 

Dez anos após For All Kings, o Anthrax retorna com Cursum Perficio, seu 12º álbum de estúdio e um trabalho que chega em um momento particularmente significativo para uma das bandas fundamentais do thrash metal. Gravado a partir de 2022 no Studio 606, de Dave Grohl, em Los Angeles, e produzido por Jay Ruston e pelo próprio Anthrax, o disco representa uma espécie de síntese de tudo o que o quinteto construiu ao longo de sua trajetória.

O título, uma expressão latina que pode ser traduzida como “Minha jornada chegou ao fim”, reflete tanto o longo processo de criação quanto as experiências vividas pela banda, especialmente durante a pandemia. Longe de sugerir uma despedida, Cursum Perficio funciona mais como a conclusão de um ciclo — uma oportunidade para revisitar diferentes momentos da carreira sem transformar o álbum em um exercício de nostalgia.

A introdução instrumental e sinfônica de “Persistence of Memory” prepara o terreno para “The Long Goodbye”, que mergulha imediatamente na sonoridade característica do Anthrax. A bateria agressiva de Charlie Benante, os riffs cortantes de Scott Ian e a segurança de Joey Belladonna nos vocais estabelecem as credenciais do disco, enquanto Jonathan Donais acrescenta solos que ajudam a atualizar uma fórmula que a banda domina há décadas.

Essa capacidade de olhar simultaneamente para passado e presente percorre todo o álbum. 

“It’s For The Kids”, primeiro single, é um thrash old school rápido, agressivo e extremamente melódico, daqueles que parecem ter sido concebidos para incendiar os palcos. Frank Bello também merece destaque pelo trabalho de baixo, particularmente evidente em uma faixa que representa o Anthrax em sua essência.

“Everybody’s Got A Plan”, terceiro single, desloca o eixo para a sonoridade mais moderna desenvolvida pela banda em Worship Music e For All Kings. O thrash visceral dá lugar a uma abordagem mais contemporânea, mas a identidade permanece intacta. É justamente essa alternância que torna Cursum Perficio interessante: cada faixa parece visitar um capítulo diferente da história do Anthrax, sem que o conjunto perca coerência.

O grande salto criativo acontece em “The Edge of Perfection”. Ambiciosa, sombria e surpreendentemente experimental, a faixa combina blast beats, atmosferas que flertam com o black metal e um refrão gigantesco e melódico. Scott Ian chegou a apontá-la como a melhor música já escrita pelo Anthrax — afirmação que pode parecer ousada diante de uma discografia que inclui Among the Living e Persistence of Time, mas que ganha força diante de uma composição que soa simultaneamente familiar e inédita. É o Anthrax fazendo aquilo que sabe fazer, mas de uma maneira que ainda não havia experimentado.

“‘Soa como Anthrax, mas também soa como algo que nunca tínhamos feito antes’”, resumiu Ian. É difícil encontrar definição melhor para a faixa.

“Infectious” mantém o peso, mas introduz uma dose generosa de groove. Belladonna entrega uma interpretação particularmente convincente, enquanto Donais volta a roubar a cena com um solo de tirar o fôlego. É também um dos momentos que melhor demonstram a variedade da primeira metade do álbum: as músicas podem ser diferentes entre si, mas todas carregam uma assinatura imediatamente reconhecível.

“NYC ’93” é outra viagem ao passado, embora de natureza diferente. A faixa funciona como uma cápsula do tempo, revisitando a Nova York de 1990 a 1993, justamente quando o Anthrax atravessava a transição entre Persistence of Time e Sound of White Noise. O crossover, a atitude punk e os vocais coletivos dão personalidade à composição, enquanto a letra assume um caráter quase autobiográfico. Talvez não seja uma das faixas mais impactantes do disco, mas certamente está entre as mais reveladoras.

Então chega a faixa-título, um dos grandes momentos de Cursum Perficio. Menos preocupada com velocidade do que com atmosfera, ela combina peso, melodia e um refrão épico para transformar o próprio título em uma reflexão sobre a trajetória da banda. Aqui, o Anthrax deixa de olhar apenas para sua história como grupo e passa a refletir sobre a jornada pessoal e artística de seus integrantes. É uma composição madura, carregada de significado e que funciona como o coração emocional do álbum.

A reta final é um pouco menos consistente.  “T.O.M.B. (Target On My Back)” é uma das faixas mais convencionais do disco, construída sobre riffs cadenciados e uma abordagem direta. A música demora um pouco para encontrar sua identidade, embora ganhe urgência à medida que avança. Composta originalmente em 2015, carrega ecos da fase Sound of White Noise/Stomp 442 e, nesse sentido, funciona como mais uma peça da retrospectiva sonora promovida pelo álbum. Não está entre os grandes momentos, mas ajuda a lembrar que a história do Anthrax vai muito além de seus primeiros anos de thrash.

“Watch It Go” é ainda mais peculiar. Com estrutura rítmica irregular, guitarras pesadas e uma abordagem que flerta com groove e nu metal, é uma faixa que não revela imediatamente todas as suas qualidades. Charlie Benante assume papel central, explorando uma bateria polirrítmica e uma influência de Dimebag Darrell que acrescenta uma dimensão diferente à composição. É provavelmente uma das experiências menos convencionais do álbum e, justamente por isso, uma que cresce com as audições.

E então chegamos a “My Victory”. A escolha não poderia ser mais adequada para fechar o disco. O thrash melódico, os riffs vigorosos e o caráter assumidamente voltado para os palcos devolvem uma última dose de energia, enquanto os vocais coletivos parecem feitos para serem entoados por milhares de fãs. Donais novamente deixa sua marca e, no golpe final, um riff thrash mais tradicional encerra a jornada com uma última lembrança do Anthrax clássico.

É uma conclusão particularmente simbólica. Se Cursum Perficio representa a conclusão da jornada, “My Victory” representa a celebração de ter chegado até aqui.

No fim das contas, Cursum Perficio não precisa competir com Among the Living, Persistence of Time ou qualquer outro clássico do passado — e talvez seu maior mérito esteja justamente em não tentar fazê-lo. O Anthrax revisita sua própria história, passeia pelo thrash dos anos 1980, reencontra a sonoridade mais pesada e alternativa dos anos 1990 e incorpora elementos que mostram uma banda ainda disposta a experimentar.

Aos 45 anos de carreira, o Anthrax não olha para trás para descobrir quem foi. Olha para trás para lembrar quem é — e, mais importante, para descobrir até onde ainda pode chegar. Cursum Perficio é, portanto, menos um ponto final do que a conclusão de um capítulo. Uma vitória, sim. Mas, para uma banda que continua tocando como se ainda tivesse algo a provar, certamente não a última.

***ENGLISH VERSION***

Ten years on from For All Kings, Anthrax return with Cursum Perficio, their 12th studio album and a record that finds one of thrash metal’s founding acts taking stock without getting trapped in its own past. Recorded between 2022 and 2025 at Dave Grohl’s Studio 606 in Los Angeles and produced by Jay Ruston alongside the band, it feels less like a trip down memory lane than a summation of everything Anthrax have become over the past four-and-a-half decades.

The title — Latin for “My journey has come to an end” — is an appropriately loaded choice. The album’s long gestation, shaped in part by the upheaval of the pandemic, gives the phrase added weight. Yet there is no sense of farewell here. Instead, Cursum Perficio feels like the closing of a chapter: a chance to look back across Anthrax’s history, revisit some of its defining sounds and still leave the door open to whatever comes next.

“Persistence of Memory”, a brief instrumental with a symphonic feel, provides the overture before “The Long Goodbye” kicks the album into gear. Charlie Benante’s ferocious drumming, Joey Belladonna’s commanding vocals and Scott Ian’s unmistakable riffing immediately put the Anthrax stamp on proceedings, while Jonathan Donais supplies the kind of sharp, melodic soloing that keeps the formula sounding contemporary rather than merely familiar.

That balance between past and present runs through the record. “It’s For The Kids”, the first single, is a full-throttle blast of old-school thrash, fast, aggressive and melodic in equal measure, with the sort of instant impact that should make it a natural live favourite. Frank Bello’s bass work is particularly prominent, adding extra muscle to a track that captures Anthrax in their most direct and recognisable form.

“Everybody’s Got A Plan” takes a different route, leaning towards the more contemporary approach the band developed on Worship Music and For All Kings. The attack is less rooted in classic thrash, but the identity remains unmistakably Anthrax. It is this ability to move between eras without sounding fragmented that gives Cursum Perficio much of its character.

The album’s most intriguing leap, however, comes with “The Edge of Perfection”. Dark, ambitious and genuinely adventurous, it combines blast-beat intensity with passages that flirt with black-metal atmospherics before exploding into a huge melodic chorus. Scott Ian has gone so far as to describe it as the greatest song Anthrax have ever written — quite a claim from a guitarist whose catalogue includes Among The Living and Persistence of Time. Yet the song goes some way towards justifying the boast.

It sounds unmistakably like Anthrax while simultaneously sounding like something they have never quite attempted before. That is a difficult trick for any veteran band to pull off, let alone one with 45 years of history behind it. Here, they manage it convincingly.

“Infectious” keeps the heaviness intact but introduces a stronger groove, with Belladonna delivering another assured vocal performance and Donais once again making his presence felt with a blistering solo. More importantly, it reinforces one of the album’s central strengths: the songs may explore very different territory, but they remain tied together by an unmistakable Anthrax identity.

“NYC ’93” heads back into the past, but not simply for nostalgia’s sake. The song functions as a musical time capsule, revisiting New York between 1990 and 1993, when Anthrax were moving from the Persistence of Time era towards the more experimental terrain of Sound of White Noise. Crossover energy, punk attitude and gang vocals give it a distinctly street-level feel, while the autobiographical edge makes it one of the album’s more personal moments. It may not be the biggest musical statement here, but it offers a revealing glimpse into the world that shaped the band.

The title track is where the album’s broader themes come fully into focus. Rather than relying on sheer speed, “Cursum Perficio” builds its impact through atmosphere, weight, melody and an expansive chorus. The title becomes a meditation on the road travelled by Anthrax and, more importantly, by the people inside the band. There is a maturity to the song that makes it the emotional centrepiece of the record. This is not Anthrax attempting to recreate the 1980s; it is Anthrax reflecting on what those years — and everything that followed — have meant.

The closing run is somewhat less consistent.

“T.O.M.B. (Target On My Back)” is one of the album’s more straightforward compositions, built around measured riffs and a direct, muscular approach. It takes a little while to gather momentum, but gradually develops a greater sense of urgency. Originally written in 2015, it carries clear echoes of the Sound of White Noise and Stomp 442 period, making it another piece of the retrospective puzzle. It may not rank among the record’s strongest cuts, but its inclusion makes sense within the album’s wider journey through Anthrax’s catalogue.

“Watch It Go” ventures further off the beaten track. Its irregular rhythmic structure, heavy guitar work and groove-driven attack occasionally stray towards nu-metal territory, making it one of the record’s less immediately accessible moments. Charlie Benante is the key figure here, employing polyrhythmic patterns and bringing an unmistakable Dimebag Darrell influence into the mix. It is an unusual direction for Anthrax, and one that takes a few spins to fully appreciate — but its strengths become increasingly apparent with repeated listens.

Then comes “My Victory”, an almost tailor-made finale. Melodic thrash, muscular riffs and a distinctly live-oriented feel provide one final surge of energy, while the gang vocals practically demand to be shouted back by a festival crowd. Donais delivers another strong solo, before the closing riff returns to more traditional thrash territory and brings the album full circle.

It is a fittingly symbolic ending. If Cursum Perficio represents the completion of a journey, “My Victory” is the celebration of having made it this far.

Ultimately, Cursum Perficio does not need to compete with Among The Living, Persistence of Time or any of Anthrax’s other acknowledged classics — and its greatest strength may be that it never attempts to. Instead, the band revisit their own history on their own terms, moving from the ferocity of 1980s thrash through the heavier, more alternative sounds of the 1990s and into the more adventurous territory of their later work.

After 45 years, Anthrax are not looking backwards to discover who they once were. They are looking back to remind themselves — and us — of who they are, while asking how much further they can still go.

Cursum Perficio is therefore less a full stop than the end of a chapter. It is a record about survival, identity and perspective. A victory, certainly. But for a band that still sounds as though it has something left to prove, it is most definitely not the end of the story.

Travis Shinn

Entrevista – Degreed: Entre a Tradição e o Futuro do Rock Melódico

Divulgação

Por Flavio Borges

Há algo particularmente interessante no modo como o Degreed construiu sua identidade ao longo dos anos. Vindos da Suécia — um dos grandes celeiros mundiais de melodias, do hard rock e do pop de alcance global —, os músicos nunca se limitaram a reproduzir a fórmula clássica do rock melódico. Ao contrário, desde os primeiros trabalhos, a banda vem combinando guitarras pesadas, vocais agressivos, elementos modernos e uma forte preocupação com melodias, criando uma sonoridade que transita com naturalidade entre o hard rock tradicional e uma abordagem mais contemporânea.

Em conversa com Road To Metal, o vocalista Robin Eriksson falou sobre o processo de criação de Curtain Calls, a liberdade de trabalhar separadamente dos demais integrantes e a busca constante por novas possibilidades dentro do universo do rock melódico. 

Entre planos para novos shows, material inédito e até uma nova versão cover que Robin preferiu manter em segredo durante a entrevista, o futuro do Degreed parece apontar para a mesma direção de sua música: preservar aquilo que funciona, mas nunca ficar parado. Pesado e intenso, mas também suave, bonito e melódico — como o próprio Robin define —, o Degreed continua buscando seu espaço entre a tradição do hard rock e o futuro do rock melódico.

Acredito que podemos começar falando sobre o álbum mais recente, Curtain Calls. É o trabalho mais recente de vocês e, não apenas para mim, mas para a maioria das pessoas, ele representa exatamente a proposta que a banda nos apresenta: uma mistura entre o hard rock tradicional e o moderno, ou o melodic rock, como você preferir chamar. O que você pode nos contar sobre isso? Sobre o processo? Como começou a composição desse álbum? Houve alguma coisa diferente em relação aos outros?

Robin: Hoje em dia, nós dois moramos em uma cidade pequena, ou melhor, em uma vila chamada Koppa Bay. Foi onde eu cresci, então fica mais ou menos no centro da Suécia. Eu e meu irmão, o baterista Mats, moramos em Copperberg. Já o Mike, tecladista, e o Daniel, guitarrista, moram em Estocolmo.

Nós quatro costumávamos morar em Estocolmo, mas agora estamos separados, e com trabalho, filhos e tudo mais, acabamos fazendo a maior parte das composições, das gravações e de todo o resto separadamente. É assim que tem sido nos últimos cinco, seis, sete anos.

Mas tudo bem. Na verdade, eu gosto de gravar sozinho, sem ninguém apontando o dedo e dizendo o que fazer.

Frontiers Records (Imp.)

Eu entendo (risos).

Robin: É, e acho que os outros também gostam disso. Você sabe, existem aspectos positivos e também negativos, é claro. Às vezes é bom ter alguém dizendo: “Você pode fazer isso melhor”. Mas, de qualquer forma, esse foi mais ou menos o processo.

E nós tentamos manter os elementos que já são característicos da banda, como você mencionou. O que normalmente temos com o Degreed: um som um pouco pesado, mas também muito melódico, e isso é importante para nós. Tudo isso continua presente, mas, ao mesmo tempo, tentamos sempre seguir em frente.

Sempre. E ter uma versão atualizada, algo assim...

Robin: E isso pode acontecer em pequenas coisas. Por exemplo, eu não estou mixando o álbum, mas falei para o Mats, que está mixando, que queria que a bateria tivesse um som um pouco mais sujo. E acho que conseguimos isso. Fiquei feliz com o resultado.

Então, podem ser pequenas coisas que acabam mostrando: “Ah, esse é o som desse álbum em particular”. Nesse caso, de Curtain Calls.

E você acredita que esse tipo de coisa é o que faz o Degreed ser diferente das outras bandas do mesmo gênero? Vocês têm um som um pouco mais pesado, um pouco mais sujo, mas, como você disse, sempre mantendo a melodia, certo?

Robin: Sim, eu acho que sim. E acho que somos um pouco diferentes porque temos um som bem variado. Não sei se essa é a palavra certa, “variado”, mas, temos um pouco disso, um pouco daquilo. Às vezes, o som é um pouco sinfônico, podemos ter uma balada de piano e também podemos ter coisas realmente pesadas. Às vezes eu grito, e em outras canto de forma bem suave.

Em relação à sua voz, como você comentou, você usa vários tipos diferentes de vocais no álbum. É você quem escolhe os efeitos, ou deixa isso por conta do produtor?

Robin: Eu diria que, na maioria das vezes, sou eu. Acho que tenho uma ideia de como quero que soe, mas não sei exatamente como fazer isso acontecer. Seja qual for o programa que você usa, como o Pro Tools ou o Logic. Não sei se você conhece esses diferentes programas.

Apenas decisões técnicas.

Robin: No meu caso, eu só consigo dizer como quero que soe, tipo: 'ok, você pode colocar um pouco daquele som? Quero que minha voz soe como a do Ozzy Osbourne. Faça acontecer, por favor.' Mas eu não sei como fazer isso (risos). 

E, como você estava falando sobre todos esses tipos diferentes de vocais e todos esses tipos diferentes de sonoridades — um som mais pesado, um som mais sujo —, eu tinha uma pergunta para fazer mais tarde, mas vou fazê-la agora, porque também sou um grande fã do Children of Bodom. E, para mim, foi uma grande surpresa ver uma banda de hard rock, de metal rock, fazendo um tributo ao Alexi. Foi muito legal, cara. Eu gostaria que você falasse um pouco sobre isso, porque foi realmente uma surpresa ver vocês fazendo um tributo a uma banda completamente diferente da de vocês.

Robin: Na verdade, o nosso tecladista, o Mike, é muito, muito influenciado pelo Children of Bodom e pelo tecladista Janne Wirman, se você o conhece. Então, ele sempre foi um grande fã da banda. O Mike é meu primo, na verdade, então nos conhecemos a vida inteira.

Basicamente é uma banda de família: seu irmão, seu primo...

Robin: Sim, exatamente. Enfim, nós também temos a mesma idade. Então, ele escuta essa banda desde que nós éramos adolescentes, basicamente. E ele foi vê-los várias vezes em Estocolmo. Eu sei que existe um show ao vivo gravado em Estocolmo, de 2003 ou algo assim, não é?

Algo desse tipo.

Robin: Sim, você já ouviu falar sobre isso, e ele estava lá. Então, ele vem acompanhando a banda há bastante tempo. A inspiração vem dele, ou melhor, ele é como uma ponte entre nós e a banda. Então, eu também comecei a ouvir Children of Bodom, e o Alexi era uma verdadeira estrela do rock. Ele realmente era.

Sim, só para você saber, eu trabalhei com eles aqui na América Latina.

Robin: Você trabalhou com eles?

Sim. Eu trabalhei com eles quando estavam em turnê com o Amorphis, em 2009, se não estou enganado.

Robin: Ah, então você conheceu eles, passou um tempo com a banda e tudo mais?

Sim, por alguns dias no Brasil, na Argentina e no Chile.

Robin: Uau, que legal!

Eles eram realmente estrelas do rock (risos).

Robin: Sim, esse é o tipo de cara que você admira, por assim dizer. Ele era como alguém intocável para algumas pessoas, se é que você me entende. Provavelmente, ele era a pessoa mais gente boa do mundo e um cara supernormal, apesar de provavelmente conseguir beber mais do que todo mundo na mesa.

Exatamente. Ele era esse tipo de cara.

Robin: É, basicamente todos os caras daquela banda naquela época, porque alguns deles eram finlandeses.

Sim. Posso imaginar (risos).

Robin: É, mas enfim... Nós, na verdade, temos alguns elementos nos nossos álbuns que, se você prestar mais atenção, mostram bastante essa influência do Children of Bodom, mesmo antes daquela música em tributo. Posso citar uma música chamada “War”, do nosso álbum autointitulado. Escute essa. Basicamente, é uma música do Children of Bodom.

Eu sei, eu tenho todos os álbuns de você (risos).

Robin: Fico feliz em ouvir isso. Então, principalmente as partes de teclado, são muito inspiradas no Children of Bodom. É algo bem legal que provavelmente muitas pessoas não tinham percebido antes (risos).

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Outra pergunta que eu tenho, e que realmente me interessa, é sobre você. Você vem de um país, a Suécia, que tem uma enorme tradição no rock melódico e, especialmente, em bandas de pop rock, com produções gigantescas. Isso inclui, por exemplo, uma série de...

Robin: Max Martin?

Sim, tem uma série na internet, na Netflix, sobre isso. Como isso influenciou você e os outros integrantes da banda? Vocês também foram muito influenciados por esse cenário musical que existe no próprio país de vocês?

Robin: Nós somos realmente muito inspirados quando o assunto são melodias, pela música pop. Tenho que admitir isso. Talvez venha da tradição que temos, talvez seja algo natural, por assim dizer. Não sei. Mas temos todas essas bandas e artistas gigantes da Suécia quando se trata de melodias. Temos o Europe, por exemplo, e o Max Martin, que hoje é o maior compositor de todos os tempos.

Sim, com certeza.

Robin: E temos o Roxette, além de muitos outros artistas e bandas gigantes. Também temos todas essas bandas de rock melódico, maiores e menores, como H.E.A.T, Eclipse e todas essas outras. Não sei o que é. Não sei se é o ar fresco do norte ou...

Sim. Aqui no Brasil, costumamos dizer que é a água.

Robin: Sim, exatamente. É a água. Deve ser alguma coisa.

Sim. E durante toda essa trajetória que vocês já construíram, qual foi o maior desafio que vocês enfrentaram no dia a dia? Foi a divulgação, os shows, as turnês? O que é mais difícil? Qual é o desafio para vocês?

Robin: Acho que foi quando a Covid chegou. Tenho que dizer que esse foi o maior desafio. E todas aquelas festas acabaram cobrando seu preço de mim (risos).

Durante aquele período, foi realmente muito difícil voltar. Na verdade, foi muito difícil retomar depois da pandemia. Antes disso, estávamos prestes a fazer nossa primeira turnê como atração principal e tudo estava acontecendo. Então, com a pandemia e tudo o que veio junto com ela, meio que desacelerou tudo, e tivemos que começar do zero. Essa foi a parte mais difícil. E, além disso, queremos sair mais em turnê. E é realmente difícil fazer isso acontecer. É muito caro e tem toda essa questão de custos e coisas do tipo. Então, eu diria que esse é o maior desafio.

Você tem alguma ideia sobre os fãs da América Latina?

Robin: Um pouco, mas eu adoraria conhecer mais e ver isso de perto. Espero que tenhamos a oportunidade de ir para aí algum dia e que possamos conhecer vocês.

No Spotify, existe uma ferramenta chamada Spotify for Artists, não sei se você já ouviu falar, e conseguimos acompanhar estatísticas e coisas do tipo. E podemos ver que o Brasil está sempre entre os países com mais ouvintes, na verdade.

Sim, nós também temos uma tradição de estar entre os cinco primeiros quando se trata de bandas de hard rock e rock melódico no mundo todo. 

Robin: Seria muito legal descer do avião no Brasil.

Sim, esperamos que isso aconteça (risos).

Robin: E os fãs estão esperando por nós.

Sim. E, como você já comentou que vocês têm a intenção de vir para cá, existe alguma música em especial que vocês gostariam muito de tocar na América Latina?

Robin: Sim, estou pensando no cover de “Spending My Time”, do Roxette.

Ah, isso vai ser muito legal (risos).

Robin: Porque percebemos que o maior número de ouvintes dessa música vem justamente do Brasil. Não sei por quê.

Bom, o Roxette é realmente muito grande aqui. Eu fiz uma turnê com eles por aqui em 2011.

Robin: Ah, que legal!

Ela ainda estava viva. Foi a última turnê deles. E eles acabaram de tocar aqui, fizeram uns cinco ou seis shows com ingressos esgotados em alguns lugares.

Robin: Só no Brasil?

Sim. Não sei se eles foram para outros países da América Latina, mas sei que vieram para o Brasil e fizeram alguns shows aqui, para cinco ou seis mil pessoas. Eles eram realmente muito grandes no Brasil, assim como outras bandas suecas, como o Europe. Eu já fiz turnês com eles por aqui. E até com o Yngwie Malmsteen, fizemos um show com ele há alguns meses. Todas essas pessoas fazem parte da sua vida desde que você é fã de rock, certo?

Robin: Sim, fazem.

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Então, também gostaria de saber: você acredita que o próprio rock melódico vai evoluir ainda mais do que já está evoluindo atualmente? Não sei se você concorda comigo, mas há muitas bandas novas surgindo com novas propostas, e acredito que vocês estejam um passo à frente. Acho que o Degreed é a banda que lidera essa nova abordagem, misturando elementos da música moderna com o hard rock tradicional. Você acredita que esse é o caminho pelo qual o rock melódico vai evoluir?

Robin: Espero que sim (risos). Acho que fomos uma das primeiras bandas a misturar um pouco de batidas e coisas do tipo na nossa música. E depois começamos a ouvir outras bandas surgindo com essa proposta alguns anos mais tarde. Eu espero que sim. E gosto que você diga que somos os líderes desse tipo de abordagem (risos).

Sim, porque posso estar errado, mas acredito que, quando ouvimos até mesmo os seus discos mais antigos, percebemos que existe uma abordagem moderna, mas sem nunca deixar de lado o tradicional, certo?

Robin: Exatamente.

Sabe, é uma mistura perfeita. E é por isso que estou perguntando: você acredita que vocês já estejam influenciando outras bandas, de uma forma que você nunca sente?

Robin: Não, nunca pensei dessa forma, na verdade. Mas talvez esteja acontecendo, e isso seria muito legal. Quer dizer...

Porque, para mim, acredito que seja muito mais fácil perceber isso de fora.

Robin: Sim, acho que sim.

Eu teria que ouvir muitas bandas para perceber isso, mas é algo que tenho em mente há algum tempo, porque, para ser sincero, vocês foram uma das primeiras bandas que ouvi usando guitarras com vocais agressivos. Isso não era tão comum no rock melódico.

Robin: Não, não, não. É verdade. Nós ousamos misturar um pouco as coisas (risos). Mas talvez, um dia a gente se torne algum tipo de lenda (risos).

Por que não? Nunca se sabe.

Robin: Agora, com o Rush fazendo uma nova turnê, eles são a banda mais legal do mundo.

Você acha?

Robin:  Sim, no momento eu acho que eles são muito legais. Quinze anos atrás eu não pensava assim. E aposto que as pessoas também não pensavam assim quando eles surgiram. Eles estavam um pouco à frente do seu tempo. Você entende o que quero dizer?

Sim, eu sei do que você está falando. E, falando nisso, quais são os planos para o futuro?

Robin: Temos três shows em agosto, então essa é a primeira coisa que vamos fazer. E acho que estamos prestes a lançar um novo single, na verdade, uma nova música cover (N.T.: Robin se refere ao cover de "Still In Love with You", do Thin Lizzy. A entrevista foi realizada em junho). Eu nunca contei isso para ninguém, mas vai acontecer muito em breve (risos). Depois disso, é continuar trabalhando e fazendo mais shows. Acho que essa é a coisa mais importante agora. E, quando se trata de lançar músicas novas, nós sempre temos novas canções e material novo, então provavelmente teremos novidades mais cedo ou mais tarde, como sempre.

Então vocês já estão trabalhando em material novo?

Robin: Um pouco. E também temos algumas coisas guardadas. Então, vamos ver. Nós lançamos The Leftovers, e existe uma razão para termos chamado de Vol. I.

Imagino (risos).

Robin: É, então vamos ver.

Eu sei que todos esses shows são na Suécia. 

Robin:Não. Um deles é na Espanha, na verdade.

Ah, legal!

Robin: Acho que é um lugar nos arredores de Madri. Ou era Barcelona? Na verdade, não consigo lembrar. É sempre assim: se não é uma cidade grande, eu simplesmente vou e penso: 'ok.'

Prepare-se, porque vai estar quente lá.

Robin: Eu sei, já ouvi falar.

É igual aqui.

Robin: É mesmo? Quanto está fazendo de temperatura aí agora?

Não, não, estou perguntando porque, no Brasil, normalmente faz calor, mas hoje, para os padrões brasileiros, está muito frio. Está fazendo 13 graus. Está muito frio.

Robin: 13? 

Sim. No Brasil, 13 graus é muito frio. Se você for para a Suécia, eu sei que é pleno verão (risos).

Robin:Sim, exatamente. Isso é algo normal por aqui.

Mas, para os brasileiros, 13 graus é meio estranho. Eu só tenho uma última pergunta para você. Se você tivesse que descrever o Degreed para os fãs brasileiros que ainda não conhecem vocês, que frase usaria para descrevê-los?

Robin: É pesado e intenso, mas também suave, bonito e melódico. Você pode bater cabeça, pode relaxar, pode fazer de tudo com a nossa música.

Michael Bormann's Jaded Hard: Velha Fórmula, Novo Vigor (Also In English)

RMB Records (Imp.)

Por Flavio Borges

Formado a partir da trajetória de Michael Bormann à frente do Jaded Heart, o Michael Bormann’s Jaded Hard chega a South West reafirmando uma identidade que o vocalista ajudou a consolidar no hard rock melódico europeu: guitarras marcantes, grandes melodias, refrãos imediatos e uma produção contemporânea, mas sem abrir mão do peso e da atitude que sempre acompanharam sua carreira.

Este projeto funciona como uma ponte entre o presente e a fase mais celebrada da trajetória de Bormann. Ao longo de seus trabalhos solo, o músico explorou diferentes possibilidades dentro do rock, mas foi no Jaded Heart que sua assinatura se tornou particularmente reconhecível. South West recupera justamente essa essência, embora esteja longe de ser uma tentativa de reproduzir o passado.

A abertura com “Country Boy” estabelece rapidamente as regras do jogo. O hard rock cadenciado, de forte inspiração americana, serve de plataforma perfeita para a voz rouca de Bormann, enquanto o refrão assume uma dimensão quase hínica. “Love, Touch and Trouble” segue pela mesma estrada, com guitarras de timbres clássicos, baixo e bateria formando uma base sólida e backing vocals cuidadosamente posicionados para ampliar o impacto dos refrãos. É uma fórmula conhecida, mas executada com segurança e, principalmente, com consciência de suas próprias virtudes.

A grande qualidade de South West, entretanto, está na maneira como o álbum trabalha as diferentes velocidades e atmosferas sem perder sua identidade. Há espaço para o hard rock mais direto, para momentos AOR, para faixas cadenciadas e para baladas, criando uma dinâmica que impede que as 11 músicas pareçam variações de uma mesma ideia.

“Stop Those Rainy Days (30 Years Later)” exemplifica bem esse equilíbrio. A faixa parte de uma estrutura que poderia facilmente conduzir a uma power ballad convencional, mas ganha corpo com guitarras acústicas, mudanças de intensidade e um refrão que amplia progressivamente a composição. A influência de gigantes como o Whitesnake é perceptível, mas o resultado não soa como mera reprodução de um modelo consagrado. Já “That’s the Only Truth” assume de maneira mais explícita os códigos da power ballad clássica, com guitarras limpas que cedem espaço à distorção no momento certo, coros e backing vocals criando a atmosfera esperada — e uma interpretação particularmente inspirada de Bormann.

Os teclados também desempenham papel importante na construção do álbum. Em “In the Shadows of the Night”, eles aproximam a banda do AOR oitentista e ajudam a criar um contraste interessante com as guitarras e a aceleração da faixa. Em outros momentos, aparecem de maneira mais discreta ou assumem uma função quase atmosférica, como em “Kissed by You”, que começa flertando com uma estética synthwave antes de ganhar contornos mais definidos de hard rock. Essa utilização dos teclados adiciona textura e variedade ao disco sem deslocá-lo de seu eixo principal.

É justamente nessa combinação entre tradição e atualização que South West encontra seu maior mérito. “I’ll Always Remember You” transita por uma zona intermediária entre balada e faixa cadenciada, enquanto “There’s No Living Without You” recupera aquele hard rock clássico de refrão imediatamente assimilável, com guitarras e teclados muito bem integrados à seção rítmica. São músicas que demonstram que Bormann conhece profundamente os mecanismos do gênero e sabe exatamente quando deixar a voz assumir o protagonismo.

E a voz continua sendo um dos grandes trunfos. Mesmo quando opta por uma interpretação mais limpa, Bormann permanece imediatamente reconhecível. Sua rouquidão característica acrescenta personalidade às composições mais pesadas, enquanto os momentos mais contidos revelam um intérprete capaz de trabalhar emoção sem recorrer ao excesso.

“I’m a Liar (That’s No Fantasy)” talvez seja o melhor exemplo disso. Construída inicialmente sobre piano e voz, a faixa cresce gradualmente até adquirir contornos quase épicos, com a entrada dos demais instrumentos, melodias marcantes e um solo que complementa a atmosfera. O momento em que a voz permanece praticamente sozinha antes da retomada instrumental é particularmente eficiente e mostra um Bormann confortável também quando o arranjo exige contenção.

No outro extremo, “One Step Back” devolve ao álbum a energia mais festiva do hard rock, reunindo guitarras, teclados, backing vocals e outro refrão feito para ser cantado em coro. O mérito está novamente nos detalhes: os timbres foram escolhidos para dialogar entre si e, sobretudo, para valorizar a voz de Bormann.

A faixa de encerramento, “Cheers To”, adiciona uma dimensão mais pessoal ao disco. Dedicada ao guitarrista Holger Bussler, a composição aposta em uma abordagem semiacústica e funciona como uma despedida menos convencional, acrescentando uma nova nuance ao álbum sem quebrar sua unidade.

No fim das contas, South West não tenta reinventar o hard rock melódico — e não precisa fazê-lo. Sua força está justamente em compreender o que tornou essa linguagem tão duradoura e reapresentá-la com uma produção atual, bons arranjos e uma banda que sabe explorar suas possibilidades. O álbum alterna momentos mais pesados e diretos com passagens atmosféricas, AOR e baladas, mantendo sempre uma preocupação evidente com melodias e refrãos.

É também por isso que o Michael Bormann’s Jaded Hard merece ser visto para além da simples nostalgia. Se a carreira solo permitiu ao músico explorar diferentes territórios, este projeto recupera deliberadamente a identidade que marcou sua passagem pelo Jaded Heart — não como uma tentativa de voltar no tempo, mas como uma evolução natural daquela fórmula. South West soa como um músico revisitando uma parte importante de sua própria história com a experiência acumulada ao longo de décadas.

Para quem acompanha Bormann desde os tempos do Jaded Heart, há aqui elementos familiares suficientes para despertar a memória afetiva. Para quem chega agora, porém, o álbum funciona perfeitamente por seus próprios méritos: é hard rock melódico, acessível e vigoroso, produzido para o presente, mas com pleno conhecimento de onde veio.

***ENGLISH VERSION***

Built around Michael Bormann’s legacy with Jaded Heart, Michael Bormann’s Jaded Hard arrives with South West reaffirming an identity the vocalist helped establish within European melodic hard rock: strong guitars, memorable melodies, immediate choruses and contemporary production, without sacrificing the weight and attitude that have always defined his career.

This project serves as a bridge between the present and the most celebrated period of Bormann’s career. Throughout his solo work, the musician has explored different possibilities within rock, but it was with Jaded Heart that his signature became particularly recognizable. South West recaptures that essence, although it is far from an attempt to simply recreate the past.

“Country Boy” sets the tone immediately. Its laid-back, distinctly American-flavored hard rock provides the perfect platform for Bormann’s raspy voice, while the chorus takes on an almost anthemic quality. “Love, Touch and Trouble” follows a similar path, with classic hard rock guitar tones, bass and drums forming a solid foundation and carefully placed backing vocals adding impact to the choruses. It is a familiar formula, but one executed with confidence and, more importantly, with a clear understanding of its own strengths.

The greatest quality of South West, however, lies in the way the album moves between different tempos and atmospheres without losing its identity. There is room for more direct hard rock, AOR touches, mid-tempo tracks and ballads, creating enough dynamics to prevent the 11 songs from feeling like variations on the same idea.

“Stop Those Rainy Days (30 Years Later)” is a good example of this balance. The song begins with a structure that could easily develop into a conventional power ballad, but gains substance through acoustic guitars, shifts in intensity and a chorus that gradually expands the arrangement. The influence of giants such as Whitesnake is noticeable, yet the result never feels like a mere reproduction of an established template. “That’s the Only Truth”, meanwhile, embraces the classic power-ballad formula more directly, with clean guitars giving way to distortion at precisely the right moment, layered vocals and backing harmonies creating the expected atmosphere — along with a particularly inspired performance from Bormann.

Keyboards also play an important role in shaping the album. On “In the Shadows of the Night”, they bring the band closer to ’80s AOR while creating an interesting contrast with the guitars and the song’s increased pace. Elsewhere, they appear more discreetly or take on an almost atmospheric role, as on “Kissed by You”, which initially flirts with a synthwave aesthetic before developing into a more defined hard rock track. This use of keyboards adds texture and variety without pulling the album away from its central direction.

It is precisely this combination of tradition and modernization that becomes South West’s greatest strength. “I’ll Always Remember You” occupies the territory between a ballad and a mid-tempo rocker, while “There’s No Living Without You” brings back the kind of classic hard rock built around an instantly memorable chorus, with guitars and keyboards seamlessly integrated into the rhythm section. These songs demonstrate that Bormann understands the mechanics of the genre inside out and knows exactly when to put his voice at center stage.

And that voice remains one of the album’s greatest assets. Even when he opts for a cleaner delivery, Bormann remains instantly recognizable. His characteristic rasp adds personality to the heavier compositions, while the more restrained moments reveal a singer capable of conveying emotion without resorting to excess.

“I’m a Liar (That’s No Fantasy)” may be the clearest example. Initially built around piano and vocals, the song gradually expands into something almost epic as the other instruments enter, supported by strong melodies and a tasteful solo that complements the atmosphere. The moment when Bormann’s voice is left almost completely alone before the instrumental arrangement returns is particularly effective, demonstrating that he is equally comfortable when the music calls for restraint.

At the other end of the spectrum, “One Step Back” restores the album’s more celebratory hard rock energy, bringing together guitars, keyboards, backing vocals and another chorus seemingly designed for a crowd to sing along with. Once again, the details make the difference: the tones have been carefully chosen to complement one another and, above all, to enhance Bormann’s voice.

The closing track, “Cheers To”, adds a more personal dimension to the album. Dedicated to guitarist Holger Bussler, the song takes a semi-acoustic approach and serves as a less conventional farewell, introducing another shade to the record without disrupting its overall unity.

Ultimately, South West does not attempt to reinvent melodic hard rock — and it does not need to. Its strength lies in understanding what has made this musical language so enduring and presenting it through modern production, strong arrangements and a band capable of exploring its possibilities. The album moves between heavier, more direct moments, atmospheric passages, AOR and ballads, while maintaining a clear focus on melodies and memorable choruses.

This is also why Michael Bormann’s Jaded Hard deserves to be viewed as more than a nostalgia project. If Bormann’s solo career allowed him to explore different territories, this band deliberately reconnects with the identity that defined his time with Jaded Heart — not as an attempt to turn back the clock, but as a natural evolution of that formula. South West sounds like a musician revisiting an important chapter of his own history with the experience accumulated over decades.

For those who have followed Bormann since his Jaded Heart days, there are enough familiar elements here to trigger a strong sense of nostalgia. For newcomers, however, the album stands perfectly well on its own merits: accessible, energetic melodic hard rock made for the present, but created by musicians who have a clear understanding of where it all came from.