Mikko Karmila — The Man Behind the Sound That Took Finnish Metal to the World

By Flavio Borges

There are musicians who become part of history because they wrote the songs. Others because they walked onto a stage and turned their presence into the soundtrack of a generation. And then there are those who work far from the spotlight, yet whose contribution can be heard on hundreds of records.

Mikko Karmila belonged to that rare last category.

Producer, recording engineer and, above all, one of the most respected mixing engineers in the history of European heavy metal, Karmila died on September 9, 2026, at the age of 62. Born in Lohja, Finland, in 1964, he spent more than four decades behind recording consoles and left his mark — directly or indirectly — on more than 300 albums.

For those unfamiliar with his name, it is enough to look at some of the records that helped turn Finnish metal into an international phenomenon: Nightwish, Stratovarius, Children of Bodom, Amorphis, Sonata Arctica, Lordi, Waltari, Sentenced, Tarot, Norther, Charon, Kotiteollisuus and Stone, among many others.

Karmila was not necessarily credited as producer on all of these albums. On some, he worked as an engineer; on others, as a mixer, producer, or in several roles at once. But his work was crucial in making that music reach listeners with the power, clarity and definition that would become hallmarks of an entire generation.

The Beginning of a Story That Would Help Change Finnish Metal

Karmila's story began long before Finland became a heavy metal powerhouse.

As a young man, he made rudimentary recordings of his own band on cassette tapes. His fascination with the recording process eventually became a profession, leading him to work with bands emerging from Finland's underground scene.

One of the first major chapters of his career was written alongside Stone, a band that played a fundamental role in the development of Finnish thrash metal.

It was the beginning of a relationship that would later be repeated with many of the country's most important bands: Karmila entered the studio not simply to document what a band was playing, but to help determine how that music should sound on record.

By 1991, his work had already received national recognition. Karmila was named Producer of the Year at the Emma Awards, one of Finland's most important music industry honors.

From that point forward, his career would become increasingly intertwined with the evolution of Finnish heavy music.

Finnvox and the Construction of an Identity

A large part of that story took place at Finnvox Studios in Helsinki, where Karmila became a central figure.

For decades, the studio served as a meeting point for musicians, producers and engineers responsible for some of the most important records in Finnish heavy music.

It was in this environment that an expression often associated with Karmila's work began to emerge: the idea of a distinctive "Finnish sound."

It was never a rigid formula.

Karmila did not make every band sound the same. Quite the opposite. His challenge was to preserve the identity of each group while making sure that guitars, drums, vocals, keyboards and arrangements had enough impact and definition to stand alongside the biggest international productions.

This became particularly important at a time when Finnish heavy metal was beginning to move beyond the country's borders.

And Karmila was right at the center of that transformation.

An Entire Generation Passed Through the Same Room

One of the most fascinating aspects of Karmila's career is that he did not work exclusively with established bands. In many cases, he encountered musicians while they were still developing their identities.

His career therefore became intertwined with the evolution of an entire generation.

Bands that had started out playing small clubs and rehearsing in modest rooms arrived at the studio with ambitions that often exceeded their resources. Someone had to transform their energy, musicianship and songwriting into something capable of surviving the most demanding test of all: the record.

Karmila understood that recording was not simply a photograph of a band playing. It was an interpretation.

A producer and engineer had to decide how much weight a guitar should carry, where the drums should sit, how a vocal should cut through a wall of guitars, and how far a production could be pushed without destroying the musicians' personality.

That technical knowledge, combined with an almost instinctive understanding of heavy music, became one of the defining characteristics of his work.

And it helps explain why so many musicians returned to him years later.

Stratovarius, Nightwish, Children of Bodom: Three Roads to the World

Few professionals were as closely involved in the international rise of Finnish metal as Karmila.

With Stratovarius, his involvement extended across different periods of the band's career, beginning with Dreamspace and continuing through some of its most important releases. Episode, Visions, Destiny and Infinite helped establish a new reference point for European power metal — melodic, fast, grandiose and technically precise.

Karmila worked as producer, engineer and mixer at different stages of that journey.

With Nightwish, his relationship was even more extensive. Karmila mixed Oceanborn, the band's 1998 album that introduced a still-developing group to a much wider international audience.

From there, his collaboration accompanied Nightwish's transformation into one of the biggest metal bands on the planet.

And then there was Children of Bodom.

If Stratovarius helped consolidate Finnish power metal and Nightwish expanded the boundaries of symphonic metal, Children of Bodom represented a new possibility: speed, aggression, virtuosity and keyboard melodies existing within a musical language that refused to fit comfortably into a single category.

Karmila mixed Hatebreeder, Follow the Reaper and Hate Crew Deathroll, and later took on production and engineering duties on albums including Are You Dead Yet?, Blooddrunk, Halo of Blood, I Worship Chaos and Hexed.

The result was one of the most recognizable sounds in European metal at the dawn of the 21st century.

Far More Than Power Metal

It would nevertheless be a mistake to reduce Karmila to melodic metal.

His discography crossed virtually every territory of Finnish heavy music.

He worked with Amorphis, following the band's transformation from its death metal roots into a sophisticated combination of metal, progressive rock and elements drawn from 

Finnish musical tradition.

He worked with Waltari, a band known for challenging stylistic boundaries and blending metal, alternative rock, electronic music and experimental elements.

He was also connected to Tarot, Sentenced, Norther, Charon, Impaled Nazarene, Kalmah, 

Eternal Tears of Sorrow, Lullacry, To/Die/For and Peer Günt, among many others.

And he maintained a long-standing relationship with Kotiteollisuus, becoming something of a trusted man behind the console for the band.

Then there was Lordi, the masked hard rock phenomenon that won the Eurovision Song Contest in 2006, with Karmila involved in several stages of the band's recording career.

This diversity may be the best way to understand his importance:

Karmila did not create a single sound. He helped shape an entire musical landscape.

When the World Started Knocking on the Door

As Finnish metal gained international recognition, Karmila's work began crossing the country's borders as well.

He became involved with important names in German metal, including Avantasia, Edguy and Masterplan.

He worked on Tobias Sammet's first Avantasia releases, The Metal Opera and The Metal Opera Part II, helping shape the sound of a project that brought together some of the most prominent vocalists and musicians in European heavy metal.

His international credits also included artists and bands from other countries, among them the Argentine project Beto Vázquez Infinity, Italy's Novembre, and numerous other European acts.

His influence eventually reached even farther.

In Japan, Karmila became the mixing engineer for Lovebites, one of the most prominent power metal bands to emerge from the country in the past decade.

The band deliberately sought out the experience of the Finnish production school that had helped define the classic European melodic metal sound.

Karmila and mastering engineer Mika Jussila, also closely associated with Finnvox, became an important part of Lovebites' sonic identity.

There is something almost poetic about that.

A professional who had helped define the sound of one generation of Finnish bands was, decades later, being sought out by a new generation of musicians on the other side of the world precisely because they wanted that sound.

The Karmila–Jussila Partnership and the Finnvox School

Perhaps no professional relationship better illustrates the scope of Karmila's work than his partnership with Mika Jussila.

While Karmila often shaped the mix — the stage at which all the elements of a recording must find their place — Jussila handled mastering, the final process through which an album is prepared for release.

Together, they became something of a calling card for Finnish heavy music.

Their work helped establish standards of clarity, power and definition that became associated with heavy music produced in Finland.

But the most interesting part is that this "school" was not born from a manifesto or a deliberate attempt to create a recognizable brand.

It was born from the work itself.

Record after record.

Band after band.

Year after year.

By the time the world realized that something extraordinary was happening in Finnish heavy music, Karmila and Jussila had already spent years making sure that it sounded as good as it possibly could.

The Producer Who Never Needed to Outshine the Band

There is something particularly human about Karmila's career.

He was never a figure built for the spotlight. His territory was the recording room, the mixing console, the studio monitors and the long hours spent trying to find the balance between what a band played and what the listener would ultimately hear.

That position behind the scenes may explain why his name remains far less familiar to the general public than those of the musicians he worked with.

But the record industry is also built by people like him.

A great engineer can make a drum kit sound bigger. He can separate two guitars that originally occupy the same sonic space. He can make a vocal cut through a wall of guitars. 

He can turn a good recording into a memorable album.

And, perhaps most importantly, he can understand when not to interfere.

That was one of the qualities that made Karmila so sought after.

His signature was not necessarily about making everything sound like Mikko Karmila. It was about discovering how that particular band needed to sound.

More Than 300 Records and a Career That Spanned Generations

Throughout his career, Karmila maintained a personal archive of his work. The list eventually surpassed 300 albums, often with him performing more than one role on the same project.

The number itself is impressive, but perhaps it is not the best way to measure his legacy.

What matters more is the names on that list.

Stone, Stratovarius, Nightwish, Amorphis, Children of Bodom, Sonata Arctica, Sentenced, Waltari, Tarot, Lordi, Kotiteollisuus, Avantasia, Edguy, Masterplan, Lovebites.

They represent different generations, different styles and different countries.

Some helped create modern Finnish metal. Others brought European power metal to a new generation. Some helped reshape extreme metal. Others simply turned to Karmila because they knew he understood how to make a heavy band sound powerful, clear and larger than life.

The Man Behind the Music

Perhaps the best way to explain Mikko Karmila's importance is to imagine what might have happened if, between the late 1990s and early 2000s, all those records had reached the market with less powerful productions.

It is impossible to know.

But we do know that Karmila was there when a generation of Finnish musicians began transforming ideas, riffs and melodies developed in rehearsal rooms into records capable of crossing borders.

The musicians wrote the songs.

The musicians walked onto the stage.

The musicians won the audience.

But Karmila helped make sure that what happened inside a rehearsal room could be heard anywhere in the world.

That is the greatness of professionals like him.

Mikko Karmila was not a rock star.

He never needed to be.

His work is somewhere else: in the records.

And when the history of Finnish heavy metal is told decades from now, his name should appear not merely in the credits, but among the professionals who helped make possible what today seems almost inevitable:

Finland becoming one of the world's great powers in heavy music.

Karmila died at 62, but his work continues to be heard every day by millions of listeners.

Perhaps that is the finest legacy a music professional can leave behind.

As long as these records keep playing, Mikko Karmila will keep working.

Mikko Karmila — O homem por trás do som que levou o metal finlandês ao mundo (Also In English)

Por Flavio Borges

Há músicos que entram para a história porque escreveram canções. Outros, porque subiram aos palcos e transformaram sua presença em parte da memória de uma geração. E há aqueles que trabalham longe dos holofotes, mas cuja contribuição pode ser ouvida em centenas de discos. Mikko Karmila pertence a essa última e rara categoria.

Produtor, engenheiro de gravação e, sobretudo, um dos mais respeitados engenheiros de mixagem da história do heavy metal europeu, Karmila morreu em 9 de setembro de 2026, aos 62 anos. Nascido em Lohja, na Finlândia, em 1964, ele passou mais de quatro décadas atrás das mesas de gravação e deixou sua assinatura — direta ou indiretamente — em mais de 300 álbuns.

Para quem não conhece seu nome, basta olhar para alguns dos discos que ajudaram a transformar o metal finlandês em um fenômeno internacional: Nightwish, Stratovarius, Children of Bodom, Amorphis, Sonata Arctica, Lordi, Waltari, Sentenced, Tarot, Norther, Charon, Kotiteollisuus e Stone, entre muitos outros. Karmila não estava necessariamente creditado como produtor em todos esses trabalhos — em alguns foi engenheiro, em outros mixer, produtor ou acumulou várias funções —, mas seu trabalho foi decisivo para que aquela música chegasse ao público com a força e a definição que se tornariam características de uma geração inteira.

O começo de uma história que ajudaria a mudar o metal finlandês

A história de Karmila começou muito antes de a Finlândia se tornar uma potência do heavy metal. Ainda jovem, ele fazia gravações rudimentares de sua própria banda em fitas cassete. O interesse pelo processo de gravação acabou falando mais alto, e ele passou a trabalhar profissionalmente com grupos da cena finlandesa.

Um de seus primeiros grandes capítulos foi escrito ao lado do Stone, banda fundamental para o desenvolvimento do thrash metal na Finlândia. Era o começo de uma relação que posteriormente se repetiria com algumas das principais bandas do país: Karmila entrava no estúdio não apenas para registrar uma banda, mas para ajudá-la a descobrir como aquela música deveria soar em um disco.

Em 1991, seu trabalho já havia alcançado reconhecimento nacional: Karmila recebeu o prêmio de Produtor do Ano no Emma Awards, uma das principais premiações da música finlandesa.

A partir daí, sua trajetória se confundiria cada vez mais com a própria evolução do rock pesado finlandês.

Finnvox e a construção de uma identidade

Grande parte dessa história passa pelo Finnvox Studios, em Helsinque, onde Karmila se tornou uma figura central. Durante décadas, o estúdio foi uma espécie de ponto de encontro para músicos, produtores e engenheiros responsáveis por alguns dos discos mais importantes da música pesada finlandesa.

É nesse contexto que surge uma expressão frequentemente associada ao trabalho de Karmila: o chamado "som finlandês".

Não se tratava de uma fórmula rígida. Karmila não fazia todas as bandas soarem iguais. Pelo contrário. O desafio estava justamente em preservar a personalidade de cada grupo e, ao mesmo tempo, fazer com que guitarras, bateria, vocais, teclados e arranjos tivessem impacto e definição suficientes para competir com as grandes produções internacionais.

Foi uma tarefa especialmente importante em uma época em que o heavy metal finlandês estava deixando de ser um fenômeno essencialmente doméstico.

E Karmila estava no centro dessa transformação.

Uma geração inteira passou pela mesma sala

Existe uma característica particularmente fascinante na carreira de Karmila: ele não trabalhou apenas com grandes bandas já estabelecidas. Em muitos casos, encontrou músicos quando eles ainda estavam construindo sua identidade.

Isso significa que seu trabalho acompanhou a evolução de uma geração inteira.

Bandas que começaram em pequenos clubes e salas de ensaio chegaram ao estúdio com ambições muito maiores do que sua estrutura permitia. Era necessário transformar energia, técnica e composição em algo que pudesse sobreviver ao teste mais difícil de todos: o disco.

Karmila sabia que uma gravação não era simplesmente uma fotografia de uma banda tocando. Era uma interpretação.

O produtor e o engenheiro precisavam decidir quanto peso uma guitarra deveria ter, onde a bateria deveria ocupar espaço, como um vocal deveria atravessar a mixagem e até onde seria possível levar uma produção sem eliminar a personalidade dos músicos.

Esse conhecimento técnico, aliado a uma compreensão quase intuitiva da música pesada, tornou-se uma das marcas de seu trabalho.

E explica por que tantos músicos voltaram a procurá-lo anos depois.

Stratovarius, Nightwish, Children of Bodom: três caminhos para o mundo

Poucos profissionais estiveram tão presentes na internacionalização do metal finlandês quanto Karmila.

Com o Stratovarius, sua participação atravessou diferentes fases da carreira da banda, começando em Dreamspace e passando por alguns de seus trabalhos mais importantes. Episode, Visions, Destiny e Infinite ajudaram a estabelecer uma nova referência para o power metal europeu — melódico, veloz, grandioso e tecnicamente impecável.

Karmila foi produtor, engenheiro e mixer em diferentes momentos dessa trajetória.

Com o Nightwish, sua relação foi ainda mais longa. Karmila mixou Oceanborn, álbum de 1998 que apresentou uma banda ainda em formação a um público internacional muito maior. A partir daí, sua colaboração acompanhou a transformação do grupo de Tuomas Holopainen em uma das maiores bandas de metal do planeta.

E então veio o Children of Bodom.

Se o Stratovarius ajudou a consolidar o power metal finlandês e o Nightwish ampliou as fronteiras do metal sinfônico, o Children of Bodom representou uma nova possibilidade: velocidade, agressividade, virtuosismo e melodias de teclado convivendo dentro de uma linguagem que não cabia confortavelmente em uma única classificação.

Karmila mixou Hatebreeder, Follow the Reaper e Hate Crew Deathroll, e posteriormente assumiu também funções de produção e engenharia em trabalhos como Are You Dead Yet?, Blooddrunk, Halo of Blood, I Worship Chaos e Hexed.

O resultado foi um dos sons mais reconhecíveis do metal europeu do início do século XXI.

Muito além do power metal

Seria, entretanto, um erro reduzir Karmila ao metal melódico.

Sua discografia atravessa praticamente todos os territórios da música pesada finlandesa. Trabalhou com o Amorphis, acompanhando a transformação da banda desde suas raízes death metal até sua sofisticada combinação de metal, rock progressivo e elementos da tradição musical finlandesa.

Trabalhou com o Waltari, grupo conhecido por desafiar fronteiras estilísticas e misturar metal, rock alternativo, música eletrônica e elementos experimentais.

Também esteve ligado a Tarot, Sentenced, Norther, Charon, Impaled Nazarene, Kalmah, Eternal Tears of Sorrow, Lullacry, To/Die/For, Peer Günt, Don Huonot, Popeda e manteve uma longa relação com o Kotiteollisuus, banda da qual se tornou uma espécie de homem de confiança no estúdio.

E há ainda o Lordi, vencedor do Eurovision de 2006, com quem Karmila trabalhou em diferentes momentos.

Essa diversidade talvez seja uma das melhores maneiras de entender sua importância: Karmila não construiu um único som; ajudou a construir uma paisagem inteira.

Quando o mundo começou a bater à porta

À medida que o metal finlandês ganhou projeção internacional, o trabalho de Karmila também ultrapassou as fronteiras do país.

Ele esteve envolvido com importantes nomes do metal alemão, incluindo Avantasia, Edguy e Masterplan. Participou dos primeiros trabalhos do projeto de Tobias Sammet, The Metal Opera e The Metal Opera Part II, ajudando a definir o som de um projeto que reunia alguns dos principais vocalistas e músicos do heavy metal europeu.

Também trabalhou com artistas e bandas de outros países, entre eles o projeto argentino Beto Vázquez Infinity, o italiano Novembre e diversos grupos europeus.

Sua influência chegou ainda mais longe.

No Japão, tornou-se o responsável pela mixagem dos trabalhos do Lovebites, uma das mais importantes bandas japonesas de power metal surgidas na última década. O grupo buscou justamente na Finlândia a experiência que havia ajudado a construir o som clássico do metal melódico europeu.

Karmila e o engenheiro de mastering Mika Jussila, também ligado ao Finnvox, tornaram-se parte fundamental da identidade sonora da banda.

É uma ironia interessante: um profissional que ajudou a definir o som de uma geração de bandas finlandesas acabou sendo procurado décadas depois por uma nova geração de músicos do outro lado do mundo que queria justamente aquele som.

A dupla Karmila–Jussila e a “escola Finnvox”

Talvez nenhum outro relacionamento profissional ajude tanto a explicar a dimensão de seu trabalho quanto sua parceria com Mika Jussila.

Enquanto Karmila frequentemente construía a mixagem — o momento em que todos os elementos de uma gravação precisam encontrar seu lugar —, Jussila assumia o mastering, a etapa final que preparava o álbum para chegar ao público.

A combinação dos dois se tornou uma espécie de cartão de visitas da produção pesada finlandesa.

O resultado ajudou a estabelecer padrões de clareza, potência e definição que passaram a ser associados à música pesada produzida na Finlândia.

Mas o mais interessante é que essa "escola" não nasceu de um manifesto estético ou de uma tentativa deliberada de criar uma marca.

Ela nasceu do trabalho.

Disco após disco. Banda após banda. Ano após ano.

Quando o mundo percebeu que havia algo especial acontecendo na música pesada finlandesa, Karmila e Jussila já estavam há muito tempo trabalhando para que aquilo soasse da melhor maneira possível.

O produtor que não queria aparecer mais do que a banda

Existe algo de particularmente humano na trajetória de Karmila.

Ele nunca foi uma figura construída para os holofotes. Seu território era a sala de gravação, a mesa de mixagem, os monitores de estúdio e as longas horas tentando encontrar o equilíbrio entre o que uma banda tocava e aquilo que o ouvinte finalmente escutaria.

Essa posição de bastidor talvez explique por que seu nome é muito menos conhecido pelo grande público do que os dos músicos com quem trabalhou.

Mas a indústria fonográfica é feita também dessas pessoas.

Um grande engenheiro pode fazer uma bateria parecer maior. Pode separar duas guitarras que originalmente ocupam o mesmo espaço. Pode fazer um vocal atravessar uma parede de guitarras. Pode transformar uma boa gravação em um disco memorável.

E pode, sobretudo, entender quando não deve interferir.

Essa era uma das características que fizeram de Karmila um profissional tão procurado. Sua assinatura não estava necessariamente em fazer tudo soar como Mikko Karmila, mas em descobrir como aquela determinada banda deveria soar.

Mais de 300 discos e uma carreira que atravessou gerações

Ao longo da carreira, Karmila manteve um arquivo pessoal de seus trabalhos. A lista ultrapassava 300 álbuns, muitas vezes com mais de uma função exercida no mesmo projeto.

Esse número impressiona, mas talvez não seja a melhor maneira de medir seu legado.

Mais importante é observar os nomes que aparecem nessa lista.

Stone, Stratovarius, Nightwish, Amorphis, Children of Bodom, Sonata Arctica, Sentenced, Waltari, Tarot, Lordi, Kotiteollisuus, Avantasia, Edguy, Masterplan, Lovebites.

São bandas que representam diferentes gerações, diferentes estilos e diferentes países.

Algumas ajudaram a criar o metal finlandês moderno. Outras levaram o power metal europeu a uma nova geração. Algumas ajudaram a renovar o metal extremo. Outras simplesmente procuraram em Karmila a experiência de alguém que sabia como fazer uma banda pesada soar grande.

O homem por trás da música

Talvez a melhor maneira de explicar a importância de Mikko Karmila seja imaginar o que aconteceria se, entre o final dos anos 1990 e o início dos anos 2000, todos aqueles discos tivessem chegado ao mercado com produções menos impactantes.

É impossível saber.

Mas é possível afirmar que Karmila estava lá quando uma geração de músicos finlandeses passou a transformar ideias, riffs e melodias criadas em salas de ensaio em discos capazes de atravessar fronteiras.

Os músicos escreveram as músicas.

Os músicos subiram ao palco.

Os músicos conquistaram o público.

Mas Karmila ajudou a fazer com que aquilo que acontecia dentro de uma sala de ensaio pudesse ser ouvido em qualquer lugar do mundo.

Essa é a grandeza de profissionais como ele.

Mikko Karmila não foi uma estrela do rock. Não precisou ser.

Sua obra está em outro lugar: nos discos.

E quando a história do heavy metal finlandês for contada daqui a algumas décadas, seu nome deverá aparecer não apenas nos créditos, mas entre os profissionais que ajudaram a tornar possível aquilo que hoje parece quase natural: a Finlândia como uma das grandes potências mundiais da música pesada.

Karmila morreu aos 62 anos, mas seu trabalho continua sendo ouvido diariamente por milhões de pessoas. Talvez esse seja o destino mais bonito que um profissional de música possa desejar.

Enquanto esses discos continuarem tocando, Mikko Karmila continuará trabalhando.

Cobertura de Show: Timo Tolkki – 12/09/2025 – Rooftop Galeria do Rock/SP

O nome Timo Tolkki é um daqueles nomes que normalmente se dividem entre a parcela que o desconhece completamente e aqueles que não só o conhecem, como entendem sua importância para o que temos hoje do power metal melódico. Isso porque, juntando-se em 1985 ao Stratovarius, o guitarrista (que também desempenhou a função dos vocais nos primeiros anos) ajudou a sedimentar, pelos 23 anos seguintes, todo um subgênero, sendo creditado ao lado de grandes como o Helloween, como pertencente a esta primeira geração.

Riffs rápidos, melodiosos e cheios de personalidade sempre foram características do músico, que já figurou em listas entre os guitarristas mais rápidos do mundo, deixando sua clara marca pelo Stratovarius através dos anos, até sua saída em 2008. Mas engana-se quem pense que o mesmo fica “apenas” creditado às obras de sua banda passada, tendo construído distintos projetos como o Revolution Renaissance e o Avalon, projetos que trouxeram diferentes participações como Michael Kiske, Tobias Sammet, Russell Allen, Tony Kakko e por aí vai.

Tudo isso para dizer que, ao refletir sobre o nome do músico, é inegável o impacto e a ligação deste com sua antiga banda mais icônica, mas que o tempo e suas outras produções contribuíram também para o reconhecimento como essa figura celebrada pela sua contribuição e contínuo desenvolvimento para a cena do metal. E não é absurdo compreender também o quanto esta história não só é reconhecida, como celebrada pelo brasileiro, especialmente dada a ligação com o gênero.

Desta forma, uma passagem do artista pelo nosso solo parecia um momento oportuno para celebrar sua história e possibilitar o contato do público com essa figura, algo que, inicialmente, acabou por sofrer contratempos e frustrações, uma vez que a turnê marcada para meados de março havia sido cancelada devido a problemas de saúde enfrentados pelo músico, especialmente em sua luta contra a diabetes tipo 2, que traz diferentes desafios, incluindo de mobilidade.

Com o tempo e recuperado, a turnê que parecia não ocorrer ganhou novas datas e lugares, espalhada por treze cidades brasileiras, cobrindo do sul ao nordeste do país. Falando especificamente de São Paulo, o show ficou marcado para acontecer na emblemática e histórica Galeria do Rock, dentro de seu recente espaço Rooftop Galeria do Rock, promovendo não só uma experiência única pela vista, mas também uma proposta diferente que contou com open bar para os pagantes e uma estrutura que propiciava um momento mais íntimo.

A grata surpresa da noite se deu pela abertura, a cargo de um super time que contou com Gus Monsanto nos vocais, Cesário Filho na guitarra, Bruno Sá no teclado e backing, Cristiano Gavioli no baixo e Rodrigo Martinho na bateria. Digo surpresa pois, apesar dos nomes de Gus e Cesário serem creditados no flyer como “participação especial”, não havia se deixado claro que haveria uma apresentação completa previamente ao show, o que inclusive acabou confundindo algumas pessoas sobre os horários reais de seu início.

Pois, pouco após as 20h, horário programado para o início, subiam ao palco do Rooftop os músicos, em um clima realmente pouco usual: um público até então espalhado, sentado entre conversas e bebidas, que ia se enfileirando pelo espaço, onde, para além do palco, era possível contemplar a bela vista para os arranha-céus, prédios antigos e o movimento da cidade que nunca dorme.

O repertório foi instantaneamente bem aceito, inflamando o lugar à medida que gerava crescente aprovação. De Yngwie Malmsteen a Scorpions, Black Sabbath, Deep Purple, entre outros, a banda reunida foi esperta ao mesclar diversas músicas de grandes hits a lados B que não só passaram voando, como serviram para o público aquecer o vocal junto a Gus, que aproveitou também para intercalar músicas de seu projeto solo e álbum mais recente, lançado em 2024, Dandelions, trazendo Hipnotized e Unbroken, ambas marcantes, cheias de ginga, do mais puro hard n’ heavy, destacando-se pela voz potente e um pouco mais “rasgada”, que chama a atenção.

E quando o assunto é chamar a atenção, impossível não mencionar talvez o destaque da noite, Cesário Filho, pela impressionante velocidade das palhetadas e riffs em sua interpretação das músicas, que eram verdadeiramente de deixar o queixo cair. Aproveitaram também para tocar uma música do guitarrista, prestes a ser lançada, chamada Tarot Cards. Não havia uma pessoa que, passando ou simplesmente parada, não fosse hipnotizada pelo som e não tecesse um elogio à proeza do músico. Nesse sentido, os elogios são importantes a serem deixados também para Bruno Sá, em todo seu carisma e a boa parceria que fazia com Cesário, fosse nos solos de teclado ou nos momentos de “conversa” entre guitarra e teclados, que eram simplesmente divertidíssimos.

Cristiano não ficava para trás, junto a Rodrigo promovendo aquele peso, profundidade e constância que permitiram à banda como um todo se sobressair e se elevar em tamanhas músicas de grande relevância na história, mas deixando claro que, para além de uma banda reunida para interpretações, estávamos claramente vendo competentes e experientes músicos que, ainda que talvez inesperados para alguns (eu incluso), pareciam simplesmente a atração principal, deixando todos satisfeitos com a performance.

Mas, encerrada a apresentação, era o momento de nos lembrar de que ainda havia a grande estrela da noite, para nos conduzir aos primórdios do power metal através das eras douradas do Stratovarius. Pouco a pouco, o palco começou a ser montado novamente, onde subia o Galaxie, banda de apoio de Timo no Brasil, formada por amantes do Stratovarius que nomearam a banda justamente em homenagem, e que curiosamente mantém também um projeto voltado ao universo do rock japonês e célebres músicas de tokusatsus e animes, de nome Banda KameRider, formada por Chico Saga (vocais), George Rolim (baixo), Thiago Bruno (teclado) e Ge Costa (bateria). 

Com tudo aparentemente ajustado, incluindo uma bandeja com três caipirinhas dispostas para o músico em sua cadeira, tivemos um breve discurso de Flavio, responsável pela agência e produtora Breakdown Media, comentando sobre os desafios enfrentados até aquele momento e até mais recentes, com uma queda sofrida por Timo, que o estava fazendo tocar sentado, tendo essa preocupação de transparência para com o público.

De longe, já era possível ver chegando a grande figura do músico que, após se sentar, entre os constantes gritos dos fãs, iniciou da melhor forma possível, com Hunting High and Low, principal “hino” do Stratovarius de seu álbum Infinite (1999), que em um primeiro momento, abafada pelo cantarolar do público em frenesi, escondeu as primeiras aparições do que viria a ser o grande vilão da noite: problemas técnicos.

Em Paradise e Cold Winter Nights, as coisas começaram a soar frustrantes, principalmente entre os próprios músicos e Timo, que comentava sobre problemas com os retornos, instrumentos cujo som simplesmente sumia e exigências técnicas que demandaram tempo para se entender o que estava ocorrendo, até pouco a pouco se chegar ao melhor possível para entregar uma apresentação satisfatória ao público, que, por sua vez, entre um mix de sentimentos, parecia bem compreensivo e solidário, especialmente a Tolkki, que se mostrava desconfortável com os imprevistos.

Vale a nota de que até então, não havíamos tido quaisquer problemas do tipo (vide a apresentação anterior) e muitos dos entraves e ajustes realizados ao longo da apresentação  aparentaram ser pedidos de Timo em relação ao seu próprio instrumento, fato este que em alguns momentos contou ainda com a ajuda de Cesário Filho para ajudar o guitarrista a deixar seu som o mais próximo de seu objetivo.

Curiosamente, em Stratosphere as coisas pareciam engrenar, onde o claro brilho e foco da apresentação estava na possibilidade de acompanhar o guitarrista fazendo sua arte em momentos que pareciam fazer desaparecer todo o resto. Houve espaço para surpresas também, como o retorno de Gus aos palcos para tocar duas músicas que fugiam do acervo do Stratovarius e batiam no do Revolution Renaissance, banda esta da qual Gus integrou, e revelou sobre aquele ser o primeiro encontro em 15 anos de ambos, fazendo daquele um momento cheio de significado para todos. Do repertório, fica o destaque para Age of Aquarius, autointitulada do álbum que traz esse lado mais progressivo e melódico do que um power propriamente dito, mas que, considerando a proposta do setlist, acabou dando um grande contraponto, com, claro, direito a um baita solo.

Houve sim, nesse meio tempo, mais alguns probleminhas aqui e ali, mas que não impediram o show de continuar, passando por outros hinos como Speed of Light e a música que fechou a noite, Black Diamond, no que, dentro da perspectiva do público, parecia satisfatório, mesmo que somado aos contratempos e à apresentação mais enxuta. Vale mencionar o próprio apoio da banda Galaxie que, a todo momento, buscou celebrar Timo, e parecia que a presença do mesmo os fazia entregar tudo de si para estar à altura da célebre obra do guitarrista.

Timo, do seu jeito, parecia também agradecer e interagir com o público, mesmo sendo mais reservado e se retirando assim que finalizada a apresentação. Aqui vale também comentar sobre o som que, apesar de ter encontrado seus desafios, quando em comparação à banda de abertura, ainda assim, pensando em um espaço aberto e de, em tese, zero eficiência em termos de propagação sonora, esteve muito bom ao longo da apresentação como um todo.

Ainda que marcado pelos desafios, colocado na balança o significado para o gênero e o legado incontestável, tivemos em primeira mão uma noite única na capital paulista, em que, para o futuro, fica guardada a expectativa de uma próxima vinda em que as estrelas se alinhem ainda mais e que o sentimento aparente seja exclusivamente o de satisfação.

Texto: Pedro Delgado (Rato de Show)

Fotos: Rita Zuini e Luciano Silva Rodrigues do Pega Essa Novidade

Edição/Revisão: Gabriel Arruda 

Realização: Breakdown Media / Rooftop Galeria do Rock

Timo Tolkki – setlist: 

Hunting High and Low

Paradise 

Cold Winter Nights

Stratosphere 

Age of Aquarius

Speed of Light 

Black Diamond

Cobertura de Show: Monsters Of Rock – 19/04/2025 – Allianz Parque/SP

No dia 19 de abril, sábado, o Allianz Parque recebeu mais uma edição do Monsters Of Rock, festival considerado um dos maiores quando o assunto é Rock e Heavy Metal no Brasil. Ao longo de seus 30 anos de história, o evento já trouxe nomes de peso como Kiss, Black Sabbath, Slayer, Suicidal Tendencies e Ratt, além de representantes nacionais consagrados como Angra, Viper e Raimundos.

Mantendo a tradição e fazendo jus ao nome, a edição comemorativa de três décadas reuniu gigantes do Hard Rock, Heavy Metal, Power Metal e Prog Metal, com um line-up formado por Scorpions, Judas Priest, Europe, Savatage, Queensrÿche, Opeth e Stratovarius. Cada banda fez a alegria dos milhares que lotaram a arena com shows impecáveis, som de altíssima qualidade e uma pontualidade britânica que surpreendeu até os mais céticos.

Stratovarius

Quem se incumbiu de iniciar os trabalhos do dia foram os finlandeses do Stratovarius. Considerado um dos nomes mais respeitados do Power Metal – o ou Metal Melódico, como os brasileiros costumam dizer –, a banda conseguiu arrastar um bom público logo cedo. Nada surpreendente, já que o grupo possui uma legião de fãs no Brasil.

Depois de dois anos sem pisar no país, dava pra perceber que a maioria estava ansiosa para ver Timo Kotipelto – que continua dispensando comentários – e companhia, prontos para entregar os clássicos que marcaram o final da década de 90, como “Forever Free”, “World on Fire”, “Paradise” (a mais festejada desse começo de set) e “Eternity”, que fizeram os falantes vibrarem.

Além dos hits do passado, o repertório incluiu músicas do mais recente trabalho, entre elas “World on Fire” e a faixa-título “Survive”, que ao vivo ganharam ainda mais peso, mostrando que a atual formação – com Matias Kupiainen (guitarra), Lauri Porra (baixo), Rolf Pilve (bateria) e Jens Johansson (teclados) – está entrosada e encaixa perfeitamente no momento atual da banda. Os melhores momentos ficaram para o final, com a execução de “Black Diamond” e “Hunting High and Low”, antecedida por “Unbreakable”, na qual Timo pediu que todos cantassem o refrão com força, e foi exatamente o que aconteceu.

Um show excelente, que mostrou por que o Stratovarius segue sendo um dos pilares do gênero.

Opeth

Na sequência, os suecos do Opeth subiram ao palco com seu som dinâmico e cheio de nuances, flertando principalmente com o Death Metal e o Progressivo No entanto, entre as sete bandas escaladas, foi a que mais destoou das demais, o que rendeu até comentários bem-humorados de amigos próximos, como “o Oasis do Heavy Metal”. Nesse momento, muitos aproveitaram para se alimentar e recarregar as energias para as atrações seguintes.

Apesar das controvérsias, o público não deixou de reconhecer o empenho e a entrega da banda no palco. O vocalista e guitarrista Mikael Åkerfeldt, com um humor inigualável, chegou a notar a distração de parte da plateia em alguns momentos, brincando e se desculpando pelas músicas serem muito longas. Ainda assim, deixou claro o quanto estava feliz por dividir o palco com tantas lendas.

O setlist, enxuto e com apenas sete músicas, trouxe duas faixas do novo trabalho, The Last Will and Testament, lançado no ano passado: “§1”, que abriu o show, e “§3”, não empolgaram tanto quanto as famosas “Master’s Apprentices”, “In My Time of Need” e “Deliverance”, esta última considerada, segundo Mikael, o maior hit da carreira da banda. 

No fim das contas, foi um show primoroso em técnica, que talvez, por seu estilo mais introspectivo, não tenha empolgado tanto quanto os demais. Isso, no entanto, está longe de significar que foi uma apresentação ruim, muito pelo contrário.

Queensrÿche

Na opinião deste que vos escreve, os shows seguintes foram os grandes destaques do festival, não apenas pela saudade que essas bandas deixaram durante os anos longe dos palcos brasileiros, mas principalmente por mostrarem, com maestria, como se faz um verdadeiro espetaculo: resgatando o legado, a essência e o melhor de suas respectivas carreiras.

Com quatro décadas na ativa, os americanos de Seattle, Queensrÿche, estrearam sua atual formação no Brasil após 12 anos desde a última passagem pelo país. Naquela ocasião, a banda enfrentava situações lamentáveis, incluindo uma suposta agressão entre os antigos membros. Agora, com uma nova formação consolidada há 10 anos – contando com o competente Todd La Torre nos vocais – , o grupo vive um momento muito diferente do turbulento cenário da década passada.

O setlist reuniu músicas do primeiro e homônimo disco, The Warning, Rage for Order, Operation: Mindcrime e Empire, considerados os trabalhos mais importantes da carreira. Os destaques ficaram por conta das faixas da fase inicial da banda, como “Queen of the Reich” e “Warning”, que se juntaram às clássicas “Operation: Mindcrime”, “Walk the Shadows” e “I Don’t Believe in Love”, levando os fãs à euforia a cada execução.

Todd La Torre atraiu a atenção de todos não apenas pelo seu talento vocal – substituindo à altura o lendário Geoff Tate –, mas também por sua presença de palco magnética e carisma. Ele demonstrou estar visivelmente feliz por ver a banda de volta ao Brasil depois de tanto tempo e agradeceu pela receptividade calorosa do público.

Os demais integrantes também receberam seus merecidos aplausos. Casey Grillo deu uma nova dinâmica à bateria da banda. Já os veteranos Eddie Jackson (baixo) e Michael Wilton entregou riffs e solos afiados ao lado de Mike Stone, mantendo vivo o legado do Queensrÿche desde os primórdios.

O show do Queensrÿche se resume a três adjetivos: pesado, energético e animal, onde tem que ter no currículo de qualquer fã de Heavy Metal que se prece. Muitos esperavam, para o final, a execução de “Silent Lucidity” e “Jet City Woman”, mas a ausência dessas faixas não desanimou o público, que ainda teve o privilégio de ouvir obras-primas como “Empire”, “Screaming in Digital” e “Eyes of a Stranger”.

Savatage

A quarta atração da tarde deixou o público empolgado desde o momento do anúncio: Savatage. Após dez anos afastados dos palcos e atendendo a incansáveis pedidos dos fãs, a banda escolheu o Brasil como ponto de partida para essa tão aguardada volta. Muitos dos presentes vestiam camisetas da banda, o que só reforça a ansiedade e a devoção dos fãs por esse retorno histórico.

A única baixa desse retorno foi a ausência do vocalista e pianista Jon Oliva, que não pôde estar presente devido a problemas de saúde. No mais, a formação seguiu praticamente a mesma de sempre, com Zack Stevens (vocal), Chris Caffery e Al Pitrelli (guitarras), Jeff Plate (bateria), além de dois tecladistas cuja identidade não consegui confirmar até o fechamento deste texto.

O repertório foi um verdadeiro greatest hits, com direito a algumas surpresas, como a inclusão de “The Ocean” e “Welcome”, acompanhadas de “Jesus Saves” – que caiu muito bem com o clima pascoal – , e “The Wake of Magellan”, que não era tocada ao vivo há bastante tempo. Já nesse início, o público se entregou completamente, criando uma conexão imediata com a banda, que mostrou não ter perdido a força. Em “Handful Of Rain” contou com a presença de uma leve garoa para combinar com o clima da música. 

Caso fosse possível, a banda teria passado todo o tempo do show executando seus maiores clássicos. No entanto, por se tratar de um festival e haver um tempo estipulado para cada apresentação, o grupo precisou selecionar cuidadosamente o repertório. Entre os destaques, estiveram as icônicas “Gutter Ballet” e “Edge of Thorns”, acompanhadas por momentos de interação com Zak jogando bolas de futebol para a plateia e até a invasão de uma fã no palco. Contudo, foi durante a execução da balada “Believe” que o momento mais emocionante da tarde se deu: um vídeo com Jon Oliva cantando e tocando piano foi exibido, acompanhado de imagens de seu irmão, o saudoso Criss Oliva – falecido em 1993. Criss também foi homenageado pouco antes do início do show, com sua guitarra sendo mostrada nos telões, coberta por rosas. O encerramento ficou por conta de “Sirens” e “Hall of the Mountain King”, deixando no ar a expectativa por um retorno em breve. 

Europe 

A participação do Europe no festival foi um verdadeiro presente para os fãs de Hard Rock. Com quatro décadas de estrada, os suecos mostraram que, mesmo com o passar dos anos, continua relevante e poderosa ao vivo. Desde o começo com “On Broken Wings”, seguida de “Rock The Night” – primeiro hit do começo da noite – ficou claro que o grupo estava ali para entregar um show memorável.

O setlist trouxe uma boa seleção de tudo que a banda fez nos anos 80 e nos últimos anos desde que retornou a ativa em 2003, incluindo “Walk the Earth”, a rápida e pesada “Scream of Anger” e “Sign of the Times”, mas foi na clássica “Carrie” que o público entrou êxtase com um mar de celulares acessos e um coro cheio de emoção. Um público de todas as idades, emocionado, cantando esse hino atemporal – ver e sentir milhares de pessoas conectadas pelo mesmo sentimento foi surreal. Perceber que, mesmo depois de décadas, as bandas que fizeram nossos pais e avós vibrarem ainda despertam o mesmo entusiasmo na geração atual, trazendo uma sensação nostálgica e poderosa de que o rock, além de vivo, continua pulsando com força.

Com uma performance segura e carismática, o vocalista Joey Tempest conduziu o público com maestria, interagindo com os fãs e mostrando toda sua energia e domínio de palco. Os músicos demonstraram entrosamento e técnica, com destaque para os solos de guitarra de John Norum e os teclados marcantes de Mic Michaeli.

Cada canção foi recebida com entusiasmo pelo público. Antes do ápice, a banda ainda despojou “Ready or Not” e “Superstitious”, que teve um pequeno de trecho de “No Woman No Cry” do Bob Marley. Como era de se esperar, “The Final Countdown”, antecedida por “Cheroke”, transformou o Allianz Parque em um mar de vozes, encerrando o show de forma emocionante e com a certeza de que eles vão retornar, conforme dize Joey antes de deixar o palco.

Judas Priest

O Judas Priest, uma das maiores bandas de Heavy Metal da história, entregou mais do que um show, mas sim uma verdadeira aula. Desde 1991 que a banda visita o Brasil, e o que vimos nessa última passagem é mais uma lembrança histórica que ficara guardada na memória dos fãs brasileiros, principalmente dos paulistanos.

A formação atual traz o inconfundível Rob Halford nos vocais, Ritchie Faulkner e Andy Sneap nas guitarras, Ian Hill no baixo e Scott Travis na bateria. E a verdade é que eles já entraram com o jogo ganho. A conexão com o público, a entrega no palco e o peso do som mostraram que o Priest está mais vivo do que nunca.

Halford, com suas barbas brancas e marcas do tempo, provou que idade é apenas um número. Ele continua cantando como nunca, e sua presença de palco é simplesmente hipnotizante. Já a dupla de guitarristas mostrou que o peso de substituir K.K. Downing e Glenn Tipton é grande, mas Faulkner e Sneap fazem jus ao legado.

O repertório foi de tirar o fôlego. A abertura com "Panic Attack", do mais recente álbum Invincible Shield, já mostrou o que viria pela frente. Mas foi na sequência oitentista com "You’ve Got Another Thing Comin’", "Rapid Fire", "Breaking the Law", "Riding on the Wind", "Love Bites" e "Devil’s Child" – recebidas com gritos e punhos erguidos – que tudo explodiu. 

A chuva resolveu dar o ar da graça quando veio "Crown of Horns". Alguns se assustaram, outros nem ligaram, mas o que importa é que o show continuou firme. São Pedro só deu uma trégua em "Turbo Lover", que é minha favorita do Judas e, ao vivo, soa ainda mais grandiosa. Já "Victim of Changes" trouxe um momento especial: uma homenagem emocionante ao guitarrista Glenn Tipton, afastado dos palcos devido ao Parkinson. E o fechamento da primeira parte veio com a explosiva "Painkiller", que com a introdução arrebatadora de Scott Travis, levou todos ao delírio.

Mas não parou por aí. O bis veio com tudo: "Electric Eye", precedida pela clássica intro "The Hellion", abriu os trabalhos. Na sequência, "Hell Bent for Leather" marcou a entrada triunfal de Halford montado em uma Harley-Davidson, e o grand finale veio com "Living After Midnight", encerrando a noite de forma festiva, com um coro uníssono da plateia.

Scorpions

Encerrando o Monsters of Rock, o Scorpions transformou o Allianz Parque numa verdadeira celebração, vide o vídeo retrospectivo no começo relembrando os 60 anos de estrada de um dos maiores nomes do Hard Rock mundial. “Coming Home” tomou conta do palco e dos corações, abrindo o set com intensidade. “Gas in the Tank”, a única do mais recente álbum Rock Believer, veio logo depois, mostrando que o gás da banda está longe de acabar. “The Zoo” trouxe aquele peso característico, com solos estendidos e clima denso. 

Klaus Meine não tem mais o mesmo alcance vocal de décadas atrás, mas compensa com uma entrega sólida e um domínio de palco que só o tempo proporciona. Quem roubou a cena instrumentalmente foi a dupla de guitarristas Rudolf Schenker e Matthias Jabs com uma performance afiadíssima: riffs certeiros, solos bem desenhados e muita presença. Mikkey Dee brilhou com um solo de bateria pesado, relembrando seu legado com o Motörhead e mostrando que se encaixou perfeitamente na engrenagem do Scorpions. 

O set foi estrategicamente construído para equilibrar hits incontestáveis com momentos de surpresa. Um dos mais celebrados foi o medley matador reunindo “Top of the Bill / Steamrock Fever / Speedy’s Coming / Catch Your Train”, uma verdadeira viagem à fase setentista que incendiou os fãs das antigas.

A sequência emocional veio logo depois de “Bad Boys Running Wild” com “Send Me an Angel” e “Wind of Change”. O estádio inteiro virou um coral iluminado, num dos momentos mais bonitos da noite. A partir daí, foi só pancada: “Loving You Sunday Morning”, que retornou ao set após anos, “Tease Me Please Me” e “Big City Nights” foram executadas com precisão e empolgação, mantendo o público em transe.

“Still Loving You” trouxe um ar de romantismo, preparando o terreno para um dos clímax visuais da noite: “Blackout”, que veio acompanhada pela aparição de um enorme escorpião inflável atrás do palco, arrancou arrepios. Para fechar, “Rock You Like a Hurricane” veio como uma tempestade, colocando um ponto de exclamação numa noite histórica, ou melhor, dia histórico. 

Com um line-up de respeito, estrutura impecável e público apaixonado, o Monsters of Rock de 2025 entrou para a história como uma edição emblemática. Mais do que uma simples reunião de grandes bandas, foi uma celebração de gerações, estilos e memórias. Na hora de ir embora, ficou a certeza de que, enquanto houver fãs de Rock, Heavy Metal e seus variados gêneros, o Monsters seguirá mais vivo do que nunca.

Texto: Gabriel Arruda

Fotos: Ricardo Matsukawa

Edição/Revisão: Gabriel Arruda

Realização: Mercury Concerts

Press: Catto Comunicação

Stratovarius – setlist: 

Forever Free

Eagleheart

World on Fire

Speed of Light

Paradise

Survive

Eternity

Black Diamond

Unbreakable

Hunting High and Low

Opeth – setlist: 

§1

Master's Apprentices

§3

In My Time of Need

Ghost of Perdition

Sorceress

Deliverance

Queensrÿche – setlist:

Queen of the Reich

Operation: Mindcrime

Walk in the Shadows

I Don't Believe in Love

Warning

The Needle Lies

The Mission

Nightrider

Take Hold of the Flame

Empire

Screaming in Digital

Eyes of a Stranger

Savatage – setlist:

The Ocean

Welcome

Jesus Saves

The Wake of Magellan

Dead Winter Dead

Handful of Rain

Chance

Gutter Ballet

Edge of Thorns

Believe

Sirens

Hall of the Mountain King

Europe – setlist:

On Broken Wings

Rock the Night

Walk the Earth

Scream of Anger

Sign of the Times

Hold Your Head Up

Carrie

Prelude

Last Look at Eden

Ready or Not

Superstitious

Cherokee

The Final Countdown

Judas Priest – setlist:

Panic Attack

You've Got Another Thing Comin'

Rapid Fire

Breaking the Law

Riding on the Wind

Love Bites

Devil's Child

Crown of Horns

Sinner

Turbo Lover

Invincible Shield

Victim of Changes

The Green Manalishi (With the Two Prong Crown) (Fleetwood Mac cover) 

Painkiller

Bis

The Hellion

Electric Eye

Hell Bent for Leather

Living After Midnight

Scorpions – setlist:

Coming Home

Gas in the Tank

Make It Real

The Zoo

Coast to Coast

Top of the Bill / Steamrock Fever / Speedy's Coming / Catch Your Train

Bad Boys Running Wild

Send Me an Angel

Wind of Change

Loving You Sunday Morning

I'm Leaving You

New Vision

Tease Me Please Me

Big City Nights

Still Loving You

Bis

Blackout

Rock You Like a Hurricane