Cobertura de Show: Sonata Arctica – 03/10/2026 – Audio/SP

Sonata Arctica e Noturnall transformam sábado paulistano em celebração à vida e à música ao vivo

São Paulo teve um daqueles sábados em que cruzar a cidade para ir a um show significou muito mais do que simplesmente assistir a uma banda no palco. No último dia 3, o Espaço Audio recebeu Noturnall e Sonata Arctica em uma noite que reuniu peso, experiência, virtuosismo e, principalmente, uma conexão muito particular entre músicos e público. Em meio à reta final de um fim de semana marcado pela expectativa das eleições, quase três mil pessoas escolheram ocupar a casa para celebrar aquilo que só um show consegue proporcionar: estar presente, dividir o mesmo espaço e viver a música em tempo real./

Noturnall: técnica, experiência e sangue no olho

A missão de abrir a noite ficou com o Noturnall, que apresentou um set coeso e musicalmente muito bem amarrado. A trajetória individual dos integrantes é perceptível e aparece tanto na execução quanto nos arranjos, mas a apresentação não se apoiou só no currículo ou na capacidade técnica dos músicos. Havia uma banda funcionando como unidade, com peso, precisão e segurança suficientes para sustentar uma abertura diante de um público que ainda aguardava a atração principal.

No centro dessa dinâmica esteve Thiago Bianchi. O vocalista assumiu naturalmente a função de conduzir a apresentação, estabelecendo uma comunicação direta com a plateia e mantendo a intensidade do show do início ao fim. O resultado foi uma apresentação que soube equilibrar a complexidade musical do Noturnall com uma postura de palco acessível e espontânea. No encerramento, Bianchi deixou o palco e se jogou no meio do público, levando para a pista a mesma energia que havia construído durante o set. Foi uma escolha que resumiu bem a proposta da banda naquela noite.

Sonata Arctica: 30 anos de história compartilhada

Quando o Sonata Arctica entrou em cena, a resposta foi imediata. O Espaço Audio estava tomado por um público que conhecia aquelas músicas como parte da discografia de uma das principais bandas do power metal finlandês, e principalmente, como trilha sonora de diferentes momentos de suas próprias vidas. A celebração dos 30 anos de carreira ganhou, portanto, um significado que ultrapassava a marca comemorativa da turnê. Era também uma oportunidade de reencontro entre a banda, seus fãs e memórias construídas ao longo de décadas.

“I Have a Right”, “Black Sheep” e “Paid in Full” colocaram a apresentação em movimento desde os primeiros minutos, enquanto “Last Drop Falls” e “Tallulah” ampliaram o repertório emocional da noite. A sequência ainda passou por “8th Commandment”, “Closer to an Animal”, “Letter to Dana” e “White Pearl, Black Oceans...”, mostrando a capacidade do Sonata Arctica de transitar entre diferentes momentos de sua carreira sem perder a identidade. A banda não precisou transformar o aniversário em uma retrospectiva protocolar. O próprio repertório foi suficiente para evidenciar o caminho percorrido ao longo dessas três décadas.

Tony Kakko foi um dos grandes responsáveis pela atmosfera criada no palco. Muito à vontade, o vocalista conversou, brincou e interagiu constantemente com a plateia, diminuindo qualquer distância entre o palco e quem estava na pista. Ao seu lado, Elias Viljanen, Pasi Kauppinen, Henrik Klingenberg e Tommy Portimo sustentaram a apresentação com precisão e entrosamento, formando uma base sólida para que as músicas ganhassem força ao vivo. “Shy” preparou o terreno para “FullMoon”, que se tornou um dos momentos mais catárticos da noite, antes de a banda retornar para o bis com “The Last Amazing Grays”, “Don’t Say a Word” e a tradicional “Vodka”, encerrando a apresentação em clima de celebração.

Na minha visão, o que marcou a noite foi a dimensão coletiva daquele encontro. Desde os primeiros acordes, o público cantou, respondeu às interações de Kakko e acompanhou praticamente todas as músicas. Ver o Audio cheio de pessoas genuinamente felizes por estar ali trouxe uma dimensão diferente para a apresentação. Em uma época em que boa parte do consumo musical acontece individualmente, por meio de fones, telas e algoritmos que determinam o que chega até nós, havia algo particularmente significativo em ver tantas pessoas escolhendo sair de casa para compartilhar a mesma experiência.

Essa percepção ganhou ainda mais força quando Kakko falou sobre a importância de continuar consumindo música ao vivo. O vocalista lembrou que apresentações como aquela só são possíveis porque existe um público disposto a comprar ingressos, frequentar casas de shows e manter esse circuito funcionando. O comentário poderia parecer simples, mas ganhou peso naquele contexto. O show só existia porque havia músicos dispostos a estar no palco e pessoas dispostas a estar diante dele, mantendo viva uma relação que nenhuma plataforma digital consegue reproduzir completamente.

Às vésperas das eleições, o Espaço Audio acabou funcionando como um intervalo do ruído que tomava conta do lado de fora, mas sem representar uma fuga da realidade. Era um espaço de encontro, convivência e expressão através da arte. No fim, Noturnall e Sonata Arctica entregaram propostas diferentes, mas complementares: de um lado, uma banda brasileira mostrando força, experiência e excelência musical; do outro, uma formação com três décadas de história reafirmando sua capacidade de reunir gerações em torno de suas canções.

Texto: Stephanie Ferreira

Fotos: André Tavares

Realização: Honorsounds

Press: Hoffman & O'Brian

Noturnall – setlist:

Try Harder

No Turn at All

Reset the Game

Sugar Pill

Shadows

Shallow Grave

Scream! For!! Me!!!

Nocturnal Human Side

Sonata Arctica – setlist:

I Have a Right

Black Sheep

Paid in Full

Last Drop Falls

Tallulah

8th Commandment

Closer to an Animal

Letter to Dana

White Pearl, Black Oceans...

Shy

FullMoon

Bis

The Last Amazing Grays

Don't Say a Word

Vodka

Helloween entrega uma aula de Heavy Metal, mas acessibilidade e imprensa ficam em segundo plano em Porto Alegre

Por Renato Sanson

Fotos Vinny Vanoni

Existe uma diferença enorme entre organizar um show e proporcionar uma experiência completa para quem participa dele. E foi justamente essa diferença que ficou evidente na noite de 16 de setembro de 2026, quando o Helloween desembarcou em Porto Alegre para apresentar sua 40 Years Anniversary Tour, na KTO Arena, antiga Pepsi On Stage.

Se de um lado os alemães mostraram por que continuam sendo uma das maiores referências do power metal mundial, do outro, a estrutura oferecida para imprensa e pessoas com deficiência deixou bastante a desejar.

E, neste caso, falo não apenas como jornalista, mas também como cadeirante e profissional que já realizou coberturas de shows no Brasil e fora do país.

Começando pelo credenciamento

A experiência já começou de maneira pouco organizada.

As informações referentes ao credenciamento da imprensa eram escassas e, em uma noite particularmente fria em Porto Alegre, foi necessário descobrir praticamente no local que a retirada das credenciais aconteceria dentro do estacionamento ao lado da casa de shows, com acesso pelos fundos do palco.

Até aí, tudo bem. Situações de logística podem acontecer em grandes eventos.

O problema começou quando, já dentro da Arena KTO, ficou evidente que não havia um espaço adequado e previamente estruturado para pessoas com deficiência acompanharem o espetáculo.

A situação foi especialmente complicada porque, como cadeirante credenciado para realizar a cobertura, surge uma pergunta bastante simples: onde eu assistiria ao show para depois poder fazer o meu trabalho?

Foi necessário procurar a assessoria responsável pelo evento para explicar a situação. E aqui é importante fazer justiça: a equipe de assessoria procurou resolver o problema e fez o possível diante da situação encontrada.

A solução, entretanto, estava longe de ser ideal.

Um espaço improvisado e com visão comprometida

Fui colocado após a grade, em uma área lateral próxima ao palco.

A orientação dada era que, caso aparecessem outros cadeirantes, eles também seriam colocados naquele espaço, enquanto as demais pessoas com deficiência seriam direcionadas para uma suposta área dentro da casa.

O problema é que essa área destinada às pessoas com deficiência simplesmente não estava disponível de maneira adequada.

E, caso mais cadeirantes chegassem, a situação poderia ficar ainda pior.

O espaço em que fui colocado já apresentava visibilidade bastante prejudicada, com um pilar justamente à frente e um segurança posicionado no local por questões de segurança. Durante boa parte da apresentação, portanto, minha visão do palco ficou comprometida pelo próprio profissional de segurança.

Para quem está ali apenas como espectador, já seria frustrante.

Para quem está ali trabalhando, fotografando, observando a apresentação e posteriormente escrevendo uma resenha, torna-se ainda mais problemático.

MINHA VISÃO DO SHOW POR BOA PARTE...

É difícil realizar uma cobertura adequada quando você precisa disputar visualmente o palco com um pilar e com um segurança.

E existe uma questão ainda maior: acessibilidade não pode depender de improviso no momento em que o cadeirante chega ao evento.

A própria divulgação do evento informava que havia acesso para a área PCD. Na prática, entretanto, a experiência que tive naquela noite não correspondeu ao que havia sido anunciado.

E os fotógrafos?

A situação da imprensa também merece ser mencionada.

Os fotógrafos credenciados precisaram permanecer do lado de fora, ao relento, esperando pela liberação da produção para serem conduzidos até o pit.

Em uma noite de frio intenso, não é exatamente o tipo de tratamento que se espera de uma produção responsável por um show internacional de grande porte.

Não se trata de exigir privilégios.

Trata-se de oferecer condições mínimas para que profissionais credenciados possam desempenhar seu trabalho.

E infelizmente essa parece ser uma situação que vem se repetindo em eventos no Rio Grande do Sul.

Já tive a oportunidade de realizar coberturas fora do estado e também fora do Brasil. A comparação inevitavelmente acaba acontecendo. E é difícil não perceber a diferença na maneira como profissionais de imprensa são tratados em determinadas produções.

Cada vez mais, realizar uma cobertura profissional de shows no RS parece uma tarefa que exige mais disposição para enfrentar a logística do que para propriamente cobrir o espetáculo.

O antigo Pepsi On Stage

A situação chama ainda mais atenção porque estamos falando de um espaço que possui uma longa história na música ao vivo de Porto Alegre.

Inaugurado em 2006, o local funcionou por quase duas décadas como Pepsi On Stage e recebeu grandes nomes nacionais e internacionais. Em 2025, passou a se chamar KTO Arena após a aquisição dos naming rights pela KTO, permanecendo sob administração da Opinião Produtora.

A expectativa, portanto, naturalmente seria encontrar uma estrutura preparada para receber grandes eventos e diferentes públicos.

A própria divulgação da nova KTO Arena anunciava transformações internas e uma nova experiência para os visitantes.

Por isso, encontrar uma estrutura tão pouco preparada para uma situação básica de acessibilidade acabou sendo ainda mais decepcionante.

A impressão deixada naquela noite foi a de um espaço que, apesar do tamanho e da história, ainda precisa evoluir bastante quando o assunto é pensar no público em sua totalidade.

Mas então vamos falar do Helloween

Porque, felizmente, quando as luzes se apagaram e o Helloween entrou no palco, a história mudou completamente.

A banda alemã está celebrando 40 anos de carreira, e a apresentação em Porto Alegre fez jus à dimensão dessa trajetória.

Com um palco de grande porte, produção competente, muita movimentação e uma passarela avançando em direção ao público, o Helloween transformou a KTO Arena em uma verdadeira celebração do power metal.

O repertório foi um dos grandes destaques.

A apresentação começou com a introdução de “Let Me Entertain You”, de Robbie Williams, antes de a banda entrar de vez com “March of Time” e “The King for a 1000 Years”.

Na sequência vieram clássicos como “Future World”, “We Burn”, “Twilight of the Gods”, “Ride the Sky”, “Hey Lord!” e “I Want Out”.

O set também contemplou a fase mais recente da banda, com “This Is Tokyo”, “Into the Sun”, “Universe (Gravity for Hearts)” e “A Little Is a Little Too Much”, mostrando que a comemoração não ficou presa apenas à nostalgia. O repertório da noite percorreu diferentes momentos da discografia do grupo.

E, obviamente, não poderiam faltar alguns dos momentos mais aguardados pelos fãs.

“A Tale That Wasn't Right”, “Heavy Metal (Is the Law)” e principalmente “Halloween” deram ao público alguns dos grandes momentos da noite.

No bis, a banda voltou para entregar uma sequência praticamente obrigatória para qualquer fã de Helloween: “Eagle Fly Free”, “Power”, “Dr. Stein” e, encerrando a apresentação, o trecho final de “Keeper of the Seven Keys”.

O show teve início por volta das 21h e terminou aproximadamente às 23h10, totalizando cerca de duas horas de apresentação.

Uma banda impecável em uma experiência que poderia ter sido muito melhor

E talvez essa seja a parte mais difícil de escrever desta resenha.

O Helloween fez aquilo que se esperava, e mais.

Uma banda com quatro décadas de história, músicos experientes, repertório gigantesco e uma produção à altura entregou um show que, musicalmente, tinha tudo para ser inesquecível.

Mas a experiência de quem estava ali para trabalhar foi prejudicada antes mesmo de a primeira nota ser tocada.

No meu caso, como cadeirante, a dificuldade de encontrar um local adequado para acompanhar o espetáculo acabou interferindo diretamente na experiência. É impossível ignorar que boa parte da apresentação foi assistida com obstáculos físicos comprometendo a visão do palco.

E isso não é uma crítica ao Helloween.

É justamente o contrário.

Uma banda desse tamanho merece uma estrutura à altura também fora do palco.

Acessibilidade não deveria ser uma solução improvisada depois que alguém reclama. Da mesma forma, profissionais de imprensa credenciados não deveriam precisar permanecer no frio esperando por uma orientação básica de acesso ao local de trabalho.

O metal continua gigante. A estrutura precisa acompanhar.

O público de Porto Alegre mostrou mais uma vez que existe espaço para grandes turnês internacionais na cidade. A passagem do Helloween pela capital gaúcha integrou a celebração de quatro décadas da banda e trouxe um repertório que passeou por diferentes eras do grupo, com clássicos capazes de fazer qualquer fã cantar do começo ao fim.

Mas fica também uma reflexão para produtores, casas de shows e assessorias:

não basta trazer grandes bandas. É preciso oferecer uma experiência digna para todos que fazem parte dela.

Pessoas com deficiência precisam ter autonomia e visibilidade real para assistir aos shows.

Fotógrafos precisam ter condições mínimas para trabalhar.

Jornalistas precisam conseguir realizar suas coberturas sem enfrentar obstáculos que poderiam ser resolvidos com planejamento.

No fim das contas, o Helloween fez sua parte.

A banda entregou uma noite de heavy metal de altíssimo nível.

Quem sabe, para os próximos grandes shows, a estrutura ao redor do palco consiga finalmente acompanhar o nível do que acontece em cima dele.

Voodoo Highway: De Volta às Raízes de Sempre (Also In English)

Pride And Joy Music (Imp.),

Por Flavio Borges 

Há bandas que revisitam o passado por nostalgia. Outras simplesmente parecem ter nascido na década errada. O Voodoo Highway pertence a uma terceira categoria: conhece profundamente a tradição do hard rock, não faz questão de escondê-la e, justamente por isso, consegue transformar referências clássicas em algo que soa genuinamente seu.

The Satan Inqviesta marca o retorno do grupo italiano aos álbuns de estúdio depois de quase uma década. E, se havia alguma dúvida sobre o caminho que a banda pretendia seguir, ela desaparece logo nos primeiros acordes. O Voodoo Highway não está interessado em modernizar artificialmente sua sonoridade, tampouco em transformar o passado em uma peça de museu. Seu território continua sendo aquele em que riffs pesados, groove, melodias fortes e uma boa dose de teatralidade convivem com a tradição do hard rock britânico.

Deep Purple, Rainbow, Uriah Heep, Led Zeppelin e Whitesnake são referências fáceis de identificar, mas o mérito está justamente em como elas são utilizadas. O Voodoo Highway conhece sua linhagem, mas não se limita a reproduzi-la. Há algo de muito natural na maneira como a banda combina hard rock setentista, blues rock, heavy metal tradicional e elementos mais melódicos. Não existe a necessidade de demonstrar o tempo todo de onde vieram suas influências — elas simplesmente fazem parte do DNA do grupo.

E se há um elemento capaz de traduzir essa personalidade, é o Hammond de Massimiliano Sabbadini.

Mais do que uma assinatura sonora, o instrumento funciona quase como um segundo protagonista. Sabbadini sabe quando ocupar o primeiro plano e quando recuar, criando diferentes texturas ao longo do álbum. Em alguns momentos, o Hammond assume o comando e estabelece um verdadeiro duelo com as guitarras de Filippo Romeo; em outros, permanece discretamente à margem, acrescentando atmosfera e profundidade. Essa versatilidade é talvez o maior trunfo instrumental de The Satan Inqviesta.

É uma diferença importante. Muitas bandas que trabalham com o hard rock clássico utilizam o Hammond como um recurso estilístico quase obrigatório. Aqui, ele é parte orgânica da composição. Está presente sem jamais se tornar repetitivo, e suas diferentes sonoridades são utilizadas de acordo com aquilo que cada música pede.

A abertura, October's Rust, apresenta imediatamente esse universo, combinando riffs robustos, Hammond em evidência e uma melodia que aproxima o hard rock setentista de uma sensibilidade mais melódica. Space Invaders leva essa fórmula ainda mais longe e talvez seja a faixa que melhor sintetiza a identidade do álbum: guitarra e órgão disputando espaço, groove consistente e aquela atmosfera que remete diretamente à escola britânica dos anos 1970.

Mas o disco não depende exclusivamente do peso. A Song Of May mostra um Voodoo Highway mais contemplativo e melódico, enquanto 60k Degrees mergulha com mais intensidade no blues rock. Já a faixa-título acrescenta uma dimensão mais teatral e sombria ao repertório, explorando o imaginário ocultista que acompanha o álbum sem sacrificar sua objetividade.

Outro aspecto que merece atenção é a voz de Federico Di Marco. Seu desempenho está longe de seguir uma única fórmula. O vocal é moldado de acordo com cada composição, tanto em timbre quanto em intensidade, evitando aquela abordagem excessivamente uniforme que muitas vezes aparece em discos de hard rock. Di Marco não tenta dominar as músicas a qualquer custo; sua voz funciona como mais um instrumento dentro dos arranjos, encontrando o tom adequado para cada momento.

Essa ausência de exageros é uma das qualidades do álbum. The Satan Inqviesta não precisa de grandes demonstrações técnicas para chamar atenção. A banda parece muito mais interessada em fazer as músicas funcionarem — e elas funcionam justamente porque cada elemento ocupa seu espaço.

Isso não significa que o disco seja perfeito. A mesma fidelidade às raízes que constitui sua força também estabelece seus limites. Quem procura inovação ou uma ruptura significativa com os cânones do hard rock encontrará poucas surpresas. Alguns refrãos e estruturas caminham por terrenos bastante conhecidos, e faixas como Serpent's Choir, Your Love Is Such A Tease e The Lord Of Flies não atingem o mesmo impacto dos melhores momentos do álbum.

Mas há uma diferença importante entre previsibilidade e falta de personalidade. O Voodoo Highway pode até trabalhar com fórmulas conhecidas, mas sabe fazê-lo com convicção e, principalmente, com músicos que parecem genuinamente envolvidos com aquilo que estão tocando.

E essa sensação atravessa todo o disco.

Existe prazer em tocar em The Satan Inqviesta. Ele está nos riffs, na bateria, nas intervenções do Hammond, na maneira como as guitarras se encontram e, sobretudo, na forma como as músicas respiram. A banda não parece preocupada em provar que consegue tocar hard rock à moda antiga. Simplesmente parece gostar de fazê-lo.

Também ajuda o fato de o álbum ser direto. Com aproximadamente meia hora de duração, The Satan Inqviesta apresenta suas ideias sem excessos e encerra a viagem antes que a fórmula tenha tempo de se desgastar. É uma qualidade cada vez mais rara em lançamentos contemporâneos e que combina perfeitamente com a proposta do grupo.

No fim das contas, The Satan Inqviesta não pretende reinventar o hard rock — e talvez seja justamente por isso que funcione tão bem. O Voodoo Highway entende que suas referências não precisam ser escondidas para que sua música tenha personalidade. Pelo contrário: ao assumir sua herança, a banda consegue trabalhar dentro dela com segurança, espontaneidade e identidade.

Depois de quase uma década desde seu último álbum de estúdio, o retorno poderia ter vindo acompanhado de concessões ou de uma tentativa de acompanhar tendências. Não é o caso. O Voodoo Highway volta exatamente onde parece se sentir mais confortável: entre guitarras carregadas de riffs, vocais bem colocados, blues, groove e um Hammond que continua sendo uma de suas armas mais poderosas.

The Satan Inqviesta não olha para o passado com nostalgia. Olha para ele com conhecimento. E há uma diferença enorme entre as duas coisas.

***ENGLISH VERSION***

Some bands revisit the past out of nostalgia. Others simply seem to have been born in the wrong decade. Voodoo Highway belongs to a third category: a band that understands the traditions of hard rock inside out, makes no attempt to hide them and, precisely because of that, manages to turn classic influences into something that feels genuinely its own.

The Satan Inqviesta marks the Italian band's return to the studio after almost a decade. And if there was ever any doubt about which direction Voodoo Highway intended to take, it disappears within the first few chords. This is not a band interested in artificially modernising its sound, nor in turning the past into a museum piece. Their territory remains one where heavy riffs, groove, strong melodies and a healthy dose of theatricality coexist with the traditions of British hard rock.

Deep Purple, Rainbow, Uriah Heep, Led Zeppelin and Whitesnake are easy reference points to identify, but the real achievement lies in how those influences are used. Voodoo Highway knows its lineage, but never settles for simply reproducing it. There is something remarkably natural about the way the band combines '70s hard rock, blues rock, traditional heavy metal and more melodic elements. There is no need to constantly prove where the influences came from — they are simply part of the band's DNA.

And if there is one element capable of translating that personality, it is Massimiliano Sabbadini's Hammond organ.

More than just a sonic trademark, the instrument almost becomes a second protagonist. Sabbadini knows when to step into the spotlight and when to pull back, creating a variety of textures throughout the album. At times, the Hammond takes command and engages in a genuine duel with Filippo Romeo's guitars; elsewhere, it remains subtly in the background, adding atmosphere and depth. That versatility may well be The Satan Inqviesta's greatest instrumental strength.

It is an important distinction. Many bands working within classic hard rock use the Hammond almost as an obligatory stylistic device. Here, it is an organic part of the songwriting. It is always present without ever becoming repetitive, and its different tones are deployed according to what each song demands.

The opening track, October's Rust, immediately establishes this territory, combining muscular riffs, prominent Hammond and a melody that brings '70s hard rock closer to a more melodic sensibility. Space Invaders takes the formula even further and may be the track that best encapsulates the album's identity: guitar and organ fighting for space, a solid groove and an atmosphere that points directly back to the British school of the 1970s.

But the album does not rely solely on weight. A Song Of May reveals a more contemplative and melodic side of Voodoo Highway, while 60k Degrees dives deeper into blues rock. The title track, meanwhile, adds a darker, more theatrical dimension to the record, exploring the occult imagery surrounding the album without sacrificing the band's direct approach.

Another aspect worth highlighting is Federico Di Marco's vocal performance. His delivery never follows a single formula. The vocals are shaped around each composition, both in tone and intensity, avoiding the overly uniform approach that can often appear on hard rock records. Di Marco never tries to overpower the songs; instead, his voice functions as another instrument within the arrangements, finding the right character for each moment.

That lack of excess is one of the album's strengths. The Satan Inqviesta does not need flashy displays of technical ability to make an impression. Voodoo Highway seems far more interested in making the songs work — and they do, precisely because every element is given room to breathe.

That does not mean the album is flawless. The same devotion to its roots that gives the record its strength also defines its limitations. Anyone looking for innovation or a significant break with the conventions of hard rock will find few surprises here. Some choruses and structures travel well-worn paths, while tracks such as Serpent's Choir, Your Love Is Such A Tease and The Lord Of Flies do not quite match the impact of the album's strongest moments.

But there is an important difference between predictability and a lack of personality. Voodoo Highway may be working with familiar formulas, but they do so with conviction and, above all, with musicians who sound genuinely invested in what they are playing.

And that feeling runs throughout the record.

There is a real sense of enjoyment in The Satan Inqviesta. You can hear it in the riffs, the drums, the Hammond passages, the way the guitars interact and, above all, in the way the songs are allowed to breathe. The band never sounds as though it is trying to prove that it can play old-school hard rock. It simply sounds like a band that loves doing it.

The album's directness also works in its favour. At roughly half an hour, The Satan Inqviesta presents its ideas without excess and gets out before the formula has a chance to wear thin. That is an increasingly rare quality in contemporary releases, and one that suits the band's approach perfectly.

Ultimately, The Satan Inqviesta does not attempt to reinvent hard rock — and perhaps that is precisely why it works so well. Voodoo Highway understands that its influences do not have to be concealed for its music to have personality. On the contrary, by embracing its heritage, the band is able to work within it with confidence, spontaneity and identity.

Almost a decade after their previous studio album, the comeback could have arrived with concessions or an attempt to follow current trends. It does not. Voodoo Highway returns to the place where it seems most comfortable: somewhere between riff-driven guitars, well-judged vocals, blues, groove and a Hammond organ that remains one of its most powerful weapons.

The Satan Inqviesta does not look to the past with nostalgia. It looks back with knowledge. And there is a world of difference between the two.

Divulgação 

Brymir: Além dos Limites da Melodia (Also In English)

Napalm Records (Imp.)

Por Flavio Borges

Quatro anos depois de Voices in the Sky, o Brymir retorna com What We Leave Behind, seu quinto álbum de estúdio, ampliando as fronteiras de um som que sempre encontrou no melodic death metal seu ponto de partida, mas nunca seu limite. Mais sombrio, grandioso e cinematográfico, o novo trabalho mostra uma banda disposta a explorar novas possibilidades sem abrir mão dos elementos que construíram sua identidade.

Orquestrações, coros, teclados e elementos de folk e pagan metal convivem com passagens que flertam abertamente com o black e o power metal, enquanto riffs agressivos, blast beats e os vocais extremos de Viktor Gullichsen mantêm o disco firmemente ancorado no metal extremo. O resultado poderia facilmente cair no excesso, mas o Brymir demonstra um controle considerável sobre todos esses elementos.

A atmosfera é uma das grandes forças de What We Leave Behind. Desde a introdução de “Slaying Star”, o álbum assume uma dimensão quase cinematográfica, estabelecendo um clima que rapidamente dá lugar à velocidade e à fúria de “Sleipnir”. A faixa funciona como uma declaração de intenções: guitarras velozes, bateria extrema, orquestrações e vocais agressivos surgem em uma combinação que soa simultaneamente épica e ameaçadora.

“Tempestbound” desloca o foco para o lado mais melódico da banda. As guitarras e os coros conduzem uma composição de forte apelo épico, enquanto o refrão demonstra que, mesmo trabalhando dentro de uma sonoridade extrema, o Brymir não perdeu de vista a importância de uma melodia capaz de permanecer na memória depois que a música termina.

A faixa-título aprofunda essa característica. “What We Leave Behind” combina elementos modernos com referências às raízes finlandesas do grupo, alternando agressividade e melancolia em uma composição que parece sintetizar o próprio conceito do álbum. Há peso, mas também espaço para respirar; há grandiosidade, mas ela não encobre as melodias.

Se a primeira metade estabelece esse equilíbrio, “True Darkness” revela um lado consideravelmente mais sombrio. Blast beats, ritmos extremos e timbres mais ameaçadores aproximam o Brymir do território do black metal sinfônico, sem que a banda precise abandonar sua vocação melódica. É justamente nesse contraste entre brutalidade e grandiosidade que o álbum começa a revelar uma personalidade mais ampla do que aquela apresentada em seus trabalhos anteriores.

“Moment of Silence” surge como um breve intervalo antes de “Buried Legion”, uma das composições em que a dimensão cinematográfica do álbum se manifesta de maneira mais evidente. A combinação de vocais agressivos, orquestrações e uma atmosfera quase bélica transforma a faixa em uma espécie de marcha épica, enquanto “Thy Self the Highest Love” prepara o terreno para a parte final do disco.

Em “The Roaring King” e, principalmente, em “Broken Dawn”, a banda reduz parte da urgência apresentada anteriormente para investir em construções mais lentas, melancólicas e expansivas. Longe de representar uma perda de intensidade, essa mudança de dinâmica amplia o alcance do álbum. O peso deixa de estar necessariamente associado à velocidade e passa a depender também de atmosfera, tensão e emoção.

É nesse ponto que a experiência de Viktor Gullichsen como sound designer cinematográfico parece encontrar terreno particularmente fértil. Teclados, efeitos, coros e arranjos não funcionam simplesmente como decoração para as guitarras e a bateria; eles ajudam a construir ambientes, criar transições e dar ao álbum uma dimensão narrativa. What We Leave Behind muitas vezes soa como a trilha sonora de um filme que nunca existiu.

E então chega “How Much Is The Fish?”, a inesperada releitura do clássico do Scooter. Depois de uma sequência cuidadosamente construída, a escolha inevitavelmente provoca algum estranhamento, mas também revela um Brymir disposto a não levar a própria grandiosidade tão a sério. Transformada em melodic death metal, a faixa funciona como um epílogo irreverente e, ao mesmo tempo, estabelece uma ligação com a preocupação ambiental presente no conceito do trabalho.

Um dos grandes méritos do álbum, entretanto, está na produção. Em uma sonoridade que reúne guitarras pesadas, bateria extrema, vocais, teclados, orquestrações e coros, existe sempre o risco de transformar tudo em uma massa sonora indistinta. Isso não acontece aqui. Cada camada encontra seu espaço, permitindo que os detalhes sejam percebidos mesmo nos momentos de maior densidade. É uma produção que favorece tanto o impacto quanto a compreensão da música.

Mais do que simplesmente tornar o Brymir mais pesado, What We Leave Behind mostra uma banda interessada em ampliar sua paleta sem perder sua identidade. O melodic death metal permanece no centro, mas agora divide espaço de maneira orgânica com elementos sinfônicos, cinematográficos, folk, pagan, power e black metal.

E talvez seja justamente o equilíbrio que melhor defina o álbum. O Brymir alterna agressividade e calma, peso e melodia, velocidade e atmosfera em doses suficientemente bem calibradas para que o disco mantenha sua força ao longo de toda a audição. Mesmo quando reduz a intensidade, a banda não abandona a tensão; quando acelera, não sacrifica a melodia.

What We Leave Behind é, portanto, um trabalho que olha para diferentes momentos da trajetória do Brymir sem ficar preso a eles. É um álbum extremo, mas também acessível; grandioso, mas atento aos detalhes; sombrio, mas profundamente melódico. Acima de tudo, mostra uma banda que parece ter compreendido que evolução não significa abandonar aquilo que a tornou reconhecível — significa descobrir até onde essa identidade pode chegar.

***ENGLISH VERSION***

Four years after Voices in the Sky, Brymir return with What We Leave Behind, their fifth studio album and a record that pushes the boundaries of a sound that has always taken melodic death metal as its starting point, but never its limit. Darker, grander and more cinematic, the new album finds the band exploring new territory without abandoning the elements that have shaped their identity.

Orchestration, choirs, keyboards and elements of folk and pagan metal sit alongside passages that openly flirt with black and power metal, while aggressive riffs, blast beats and Viktor Gullichsen’s extreme vocals keep the record firmly rooted in the world of extreme metal. It is a combination that could easily become excessive, yet Brymir display considerable control over all these elements.

Atmosphere is one of What We Leave Behind’s greatest strengths. From the opening strains of “Slaying Star”, the album takes on an almost cinematic dimension, establishing a mood that quickly gives way to the speed and fury of “Sleipnir”. The track feels like a statement of intent: fast guitars, extreme drumming, orchestration and aggressive vocals come together in a sound that is simultaneously epic and threatening.

“Tempestbound” shifts the focus towards the band’s more melodic side. Guitars and choirs drive an inherently epic composition, while the chorus demonstrates that, even within such an extreme musical framework, Brymir have not lost sight of the importance of a melody that stays with you long after the song has ended.

The title track takes that idea further. “What We Leave Behind” combines modern elements with echoes of the band’s Finnish roots, moving between aggression and melancholy in a composition that seems to encapsulate the album’s central concept. There is weight, but there is also room to breathe; there is grandeur, but it never overwhelms the melodies.

If the first half establishes that balance, “True Darkness” reveals a considerably darker side of the band. Blast beats, extreme rhythms and more menacing textures bring Brymir closer to symphonic black metal territory, without forcing them to abandon their melodic instincts. It is precisely this contrast between brutality and grandeur that begins to reveal a broader personality than the one presented on their earlier work.

“Moment of Silence” provides a brief respite before “Buried Legion”, one of the tracks where the album’s cinematic dimension becomes particularly apparent. The combination of aggressive vocals, orchestration and an almost warlike atmosphere turns the song into a kind of epic march, while “Thy Self the Highest Love” sets the stage for the album’s closing stretch.

On “The Roaring King” and, particularly, “Broken Dawn”, the band ease back from some of the urgency heard earlier, instead embracing slower, more melancholic and expansive arrangements. Rather than representing a loss of intensity, this change in dynamics broadens the album’s emotional range. Here, heaviness is no longer necessarily tied to speed, but also to atmosphere, tension and emotion.

This is where Viktor Gullichsen’s experience as a cinematic sound designer seems particularly relevant. Keyboards, effects, choirs and arrangements are not merely decorative additions to the guitars and drums; they help create environments, shape transitions and give the album a narrative dimension. At times, What We Leave Behind sounds like the soundtrack to a film that never existed.

And then comes “How Much Is The Fish?”, the unexpected cover of Scooter’s Eurodance classic. After such a carefully constructed sequence, the choice inevitably comes as something of a surprise, but it also reveals a Brymir willing to step outside its own grandeur and not take itself too seriously. Recast as a melodic death metal track, it works as an irreverent epilogue while also connecting with the environmental concerns running through the album’s concept.

One of the album’s major strengths, however, lies in its production. With heavy guitars, extreme drumming, vocals, keyboards, orchestration and choirs all occupying the same sonic space, there is always a risk of turning everything into an indistinct wall of sound. That never happens here. Each layer has room to breathe, allowing details to remain audible even at the album’s most densely packed moments. It is a production that serves both impact and clarity.

More than simply making Brymir heavier, What We Leave Behind shows a band intent on expanding its sonic palette without losing its identity. Melodic death metal remains at the core, but it now shares the stage organically with symphonic, cinematic, folk, pagan, power and black metal elements.

And perhaps balance is the word that best defines the album. Brymir move between aggression and restraint, heaviness and melody, speed and atmosphere in carefully measured doses, allowing the record to maintain its strength throughout. Even when the intensity drops, the band never loses the tension; when they accelerate, they never sacrifice melody.

What We Leave Behind is ultimately a record that looks back at different points in Brymir’s journey without becoming trapped by them. It is extreme yet accessible, grand yet attentive to detail, dark yet deeply melodic. Above all, it shows a band that seems to understand that evolution does not mean abandoning what made them recognizable — it means discovering just how far that identity can go.

Lacrimas Profundere: Entre a Melancolia Gótica e a Violência Moderna

Steamhammer (Imp.)

Por Stephanie Ferreira

Há bandas que passam décadas tentando preservar uma identidade. O Lacrimas Profundere fez algo um pouco mais complicado: passou décadas descobrindo quantas formas diferentes essa identidade poderia assumir sem deixar de ser reconhecível.

Formado em 1993, o grupo alemão atravessou o death/doom dos primeiros trabalhos, mergulhou no gothic metal e no dark rock e, nos últimos anos, incorporou elementos cada vez mais modernos à sua sonoridade. Lay Me Down O Silent Fear, lançado em 25 de setembro pela Steamhammer, chega quatro anos depois de How To Shroud Yourself With Night e encontra a banda em um ponto particularmente interessante dessa trajetória. São dez faixas distribuídas em pouco mais de 40 minutos, mas a sensação é de que o Lacrimas Profundere está tentando colocar várias versões de si mesmo dentro do mesmo disco.

Mick Figura

1. Days Of Doom

A primeira faixa já dá uma pista importante sobre o caminho escolhido pela banda. Days Of Doom começa com um peso quase físico, sustentado por uma linha de baixo que evoca o doom e por guitarras que deixam o andamento mais encorpado. Quando Julian Larre entra com os vocais extremos, a música imediatamente ganha uma segunda camada de agressividade.

O detalhe que impede a faixa de virar simplesmente metal moderno é a maneira como a banda mantém a atmosfera gótica por baixo dessa brutalidade. Há melodia, há espaço para os vocais limpos e há aquele sentimento de decadência que sempre fez parte do DNA do Lacrimas Profundere.

2. Nevermore

Se Days Of Doom apresenta a faceta pesada, Nevermore lembra por que o Lacrimas Profundere ainda consegue funcionar tão bem quando simplesmente deixa o gothic rock respirar.

A guitarra assume um papel mais melódico, o andamento fica mais acessível e Larre abandona parte da agressividade para entregar um vocal limpo, grave e bastante expressivo. A atmosfera remete à tradição do gothic metal europeu, com aquela combinação de romantismo sombrio, melodia pegajosa e guitarras que parecem carregar uma espécie de nostalgia permanente.

3. Heart I Will Break You Before You Break Me

O título enorme combina perfeitamente com uma música que também se recusa a ser simples. Heart I Will Break You Before You Break Me começa trabalhando uma atmosfera mais contemplativa, mas logo abre espaço para guitarras mais pesadas, bateria mais intensa e mudanças vocais. É uma das composições que melhor representam a proposta híbrida do disco.

Há também um cuidado maior com as camadas de produção. Teclados e elementos orquestrais aparecem por trás da banda sem dominar a composição, aumentando a sensação cinematográfica. 

4. O Silent Fear

Aqui o álbum finalmente revela seu verdadeiro cartão de visitas. Com mais de cinco minutos, O Silent Fear é uma das composições mais desenvolvidas do disco e também uma das mais agressivas. O riff principal tem uma energia que aproxima o Lacrimas Profundere do death metal melódico, enquanto os vocais extremos de Larre aumentam a sensação de urgência.

5. Agony (In Dread And Dust)

Depois de quatro músicas relativamente densas, Agony (In Dread And Dust) desacelera. A faixa mergulha mais profundamente no doom, com uma construção arrastada e um vocal que transmite mais resignação do que raiva. Larre trabalha muito bem essa mudança de registro, deixando os vocais extremos menos explosivos e mais integrados à atmosfera.

Talvez seja também uma das faixas que mais se beneficiam de repetição. Na primeira passagem, ela pode parecer menos imediata. Depois, os detalhes de guitarra, as camadas atmosféricas e o peso do arranjo começam a fazer mais sentido.

6. Faceless

Se existe uma música que coloca o lado moderno do Lacrimas Profundere no centro da mesa, é Faceless. O riff é mais direto, a bateria ganha uma postura mais agressiva e os vocais extremos de Larre aparecem com muito mais intensidade. A música tem elementos que remetem claramente ao metalcore, mas a banda não abandona os refrães melódicos que sustentam sua identidade.

7. Arcane Promises

Arcane Promises recupera parte dessa agressividade, mas com uma abordagem mais épica. Os riffs são grandes, a produção cria bastante espaço para os teclados e o refrão tem uma dimensão quase de hino. A música também flerta novamente com o metalcore, incluindo uma quebra mais pesada, mas consegue equilibrar isso com uma estrutura mais melódica.

É uma das faixas em que a produção aparece com mais força. Tudo parece maior: guitarras, bateria, vocais e efeitos. Existe quase uma sensação cinematográfica no arranjo, como se o Lacrimas Profundere estivesse tentando transformar seu gothic metal em algo mais monumental.

8. A Sinful Desire

A Sinful Desire recupera o romantismo sombrio que praticamente define o nome Lacrimas Profundere. O riff de abertura é simples o suficiente para ficar na cabeça, mas a faixa rapidamente ganha corpo com a alternância entre vocais limpos e agressivos. O refrão é provavelmente um dos mais fáceis de cantar junto em todo o álbum.

E aqui aparece novamente uma característica interessante da voz de Larre: ele consegue transitar de um registro profundo e sombrio para uma interpretação mais aberta sem parecer que estamos ouvindo dois vocalistas diferentes.

Há, inclusive, momentos em que seu timbre mais limpo lembra determinadas escolas do metal alternativo contemporâneo. Essa aproximação pode ser vista como qualidade ou como excesso de referência, dependendo do ouvido de quem escuta.

9. Veil XV

E então o álbum encontra seu momento mais delicado. Veil XV é uma balada, mas o termo não dá conta de sua construção. A música começa de maneira contida e gradualmente amplia o arranjo até chegar a um refrão de proporções muito maiores.

A música trabalha justamente com contenção e expansão, deixando que a emoção venha do arranjo e da melodia em vez de depender de exageros vocais. As guitarras aparecem com mais peso conforme a música cresce, enquanto as camadas atmosféricas dão ao refrão uma dimensão quase cinematográfica.

10. At The End Of A Dream Lies The Hope You Once Killed

O título parece uma sentença. A música também. Depois da delicadeza de Veil XV, o Lacrimas Profundere encerra o álbum retomando a agressividade. A guitarra entra pesada, a bateria empurra a composição para frente e Larre volta aos vocais extremos com uma intensidade que faz a faixa parecer quase uma reação física à melancolia anterior.

Mick Figura

Confira a tracklist completa:

1. Days Of Doom 

2. Nevermore 

3. Heart I Will Break You Before You Break Me

4. O Silent Fear

5. Agony (In Dread And Dust)

6. Faceless

7. Arcane Promises

8. A Sinful Desire

9. Veil XV

10. At The End Of A Dream Lies The Hope You Once Killed

Skáld: Entre Destino, Escolha e Os Ecos de Um Mundo Antigo

Napalm Records (Imp.)

Por Stephanie Ferreira - @instephanie

Há discos que contam uma história. Há outros que tentam fazer o ouvinte entrar nela. Ørlǫg, quarto álbum de estúdio do SKÁLD, pertence definitivamente à segunda categoria.

Lançado em 25 de setembro pela Napalm Records, o trabalho encontra no próprio título o conceito que organiza sua existência: no pensamento nórdico, ørlǫg está relacionado às bases primordiais que estruturam o destino, aquilo que foi estabelecido antes de nós. Mas o SKÁLD não trata esse destino como uma sentença imutável. Ao longo das dez faixas, a banda francesa trabalha justamente com a tensão entre aquilo que herdamos e aquilo que fazemos com o que recebemos.

1. Draumakona

A primeira faixa já deixa claro que Ørlǫg não será uma coleção aleatória de músicas inspiradas na mitologia nórdica. Existe uma construção quase hipnótica aqui. A percussão mantém o pulso enquanto a voz feminina conduz a narrativa e os demais vocais entram progressivamente, criando uma espécie de diálogo entre indivíduo e coletivo.

A música fala sobre a dimensão feminina da profecia e da visão xamânica, colocando as Nornas no centro dessa narrativa. E a escolha de começar o álbum dessa maneira é extremamente coerente: antes de falar sobre destino, o SKÁLD apresenta quem o enxerga, interpreta e, de certa maneira, ajuda a tecê-lo.

2. Myrkviðr

Se Draumakona apresenta o lado mais etéreo do álbum, Myrkviðr coloca os pés no chão. A mudança de protagonismo vocal é perceptível logo de cara. As vozes masculinas assumem a frente e a faixa ganha uma densidade diferente, com uma pulsação mais firme e uma sensação de movimento mais pronunciada.

Mas o interessante está na história por trás da música. Christophe Voisin Boisvinet contou que Myrkviðr parte de uma antiga lenda ligada a uma floresta onde humanos, animais e elfos conviviam até que a exploração excessiva da natureza rompeu esse equilíbrio. A floresta é destruída pelo fogo e somente uma chuva de sangue consegue apagar as chamas.

3. Ratatoskr

Aqui o SKÁLD fica particularmente interessante. Ratatoskr poderia facilmente ter virado uma música folclórica simpática sobre o famoso esquilo que percorre Yggdrasil levando mensagens entre seus habitantes. Em vez disso, a banda transforma o personagem em uma representação bastante contemporânea da provocação, da fofoca e da disseminação de conflitos.

E a escolha sonora acompanha isso. A percussão seca, os sons repetitivos e o canto gutural criam uma sensação quase mecânica. A repetição do nome Ratatoskr começa a funcionar como um mantra, mas também como algo perturbador.

4. Dǫkksalir

Depois da tensão de Ratatoskr, Dǫkksalir parece abrir uma janela para outro lugar. A música é muito mais delicada. As melodias desaceleram e os vocais assumem uma qualidade quase hipnótica, próxima de uma canção de ninar.

Só que existe algo inquietante por baixo dessa beleza. A faixa trata das criaturas do mar e das sereias que atraem aqueles que se aproximam, e a escolha de fazer a composição soar tão doce cria exatamente o contraste necessário. A música seduz antes de ameaçar.

É uma das melhores decisões de arranjo do disco porque o SKÁLD não precisa tornar o perigo explicitamente agressivo. Pelo contrário: quanto mais bonita a superfície, mais desconfortável fica a ideia de aquilo estar escondendo alguma coisa.

5. Útgarðr

Se há uma música que transforma a experiência vocal do álbum em espetáculo, é Útgarðr. Aqui, as diferentes vozes deixam de funcionar apenas como acompanhamento e passam a ser personagens dentro da própria composição. Elas se alternam, se sobrepõem e, em determinados momentos, parecem disputar espaço.

O resultado é um arranjo que cresce progressivamente até chegar a um clímax bastante expressivo. É também um dos melhores exemplos daquilo que Christophe descreve como uma espécie de “caos controlado”: vozes com timbres diferentes são colocadas umas sobre as outras para criar contraste, em vez de simplesmente buscar uma harmonia perfeitamente uniforme.

6. Ek skal riða

Com mais de seis minutos, Ek skal riða é a faixa que mais exige paciência do ouvinte. E talvez seja justamente por isso que ela funciona melhor dentro do álbum do que isoladamente.

Depois do impacto de Útgarðr, a música parece recolher tudo para dentro. Os vocais ficam mais espaçados e os instrumentos passam a trabalhar de maneira mais atmosférica. A composição tem uma qualidade ritualística muito forte, como se estivéssemos diante de uma cerimônia que ainda não chegou ao seu ponto culminante.

7. Himinbjǫrg

E então o álbum volta a se movimentar. Himinbjǫrg tem uma pulsação muito mais física. Existe algo quase dançante na maneira como a percussão conduz a faixa, mas sem abandonar a atmosfera ritualística que domina todo o disco.

A temática também combina com essa sensação de passagem: Himinbjǫrg está ligado ao lugar de Heimdall, o guardião da ponte Bifröst, e a música parece construir justamente essa ideia de travessia.

O contraste entre a voz masculina mais profunda e os vocais femininos é particularmente eficiente. Não é apenas uma questão de timbre: as diferentes vozes parecem representar perspectivas diferentes dentro da mesma narrativa.

8. Heiemo og Nykkjen

Uma das decisões mais interessantes de Ørlǫg está justamente aqui. Heiemo og Nykkjen nasce diretamente de uma antiga balada medieval norueguesa. A protagonista, Heiemo, enfrenta o Nykkjen, uma criatura aquática associada ao perigo, e não espera passivamente por um salvador. Ela assume o próprio destino.

9. Veit barnit

Com pouco menos de dois minutos, Veit barnit é praticamente uma passagem. E justamente por isso seria um erro julgá-la pelos mesmos critérios das demais faixas.

A presença de uma voz infantil muda completamente a atmosfera. Depois de tantas vozes adultas, graves, guturais, femininas e corais, existe algo quase inocente nessa pequena interrupção. Mas a inocência não significa ausência de significado.

A faixa trabalha com a ideia do conhecimento das crianças e funciona como uma espécie de suspensão antes do encerramento. É como se o álbum, depois de atravessar tantos personagens, mundos e interpretações sobre destino, parasse por alguns instantes para ouvir uma voz que ainda não carrega todo esse peso.

10. Eldr ok íss

E Ørlǫg termina exatamente como deveria: no caos. Eldr ok íss, “fogo e gelo”, é o encerramento mais sombrio do álbum e recupera a dimensão primordial da mitologia nórdica. A faixa faz referência ao encontro entre o fogo de Muspelheim e o gelo de Niflheim, forças associadas à criação do mundo e ao surgimento de Ymir.

O álbum começa com uma visão e termina diante das forças primordiais que existiam antes dela. Entre uma coisa e outra, o SKÁLD percorre florestas, mundos, criaturas, pontes, histórias medievais e personagens que representam diferentes formas de lidar com aquilo que não podemos controlar.

Romy Lena

Confira a tracklist completa:

1. Draumakona 

2. Myrkviðr 

3. Ratatoskr

4. Dǫkksalir

5. Útgarðr

6. Ek skal riða

7. Himinbjǫrg 

8. Heiemo og Nykkjen 

9. Veit barnit 

10. Eldr ok íss