Cobertura de Show: Roy Khan – 17/10/2026 – Carioca Club/SP

Roy Khan no Carioca Club: nostalgia, grandes clássicos e uma noite para guardar na memória

Sabe aquele show que você fica esperando há um tempão e, quando finalmente acontece, dá vontade de voltar no dia seguinte só para viver tudo de novo? Foi mais ou menos assim que saí do Carioca Club no dia 17 de outubro, depois de assistir ao show de Roy Khan, uma das vozes mais marcantes do metal melódico.

Quem conhece o trabalho do Roy sabe que não estamos falando de qualquer cantor. O cara fez história no Kamelot, participou de alguns dos discos mais importantes da banda e tem aquela voz que você reconhece em poucos segundos. E ouvir ao vivo músicas que fizeram parte da nossa vida tem um gostinho especial, né?

Roy esteve no Brasil em abril, quando se apresentou no Bangers Open Air, mas, infelizmente, eu estava cobrindo outro show, que agora não vou me lembrar (risos). Fiquei naquela situação de ver todo mundo comentando sobre o show e pensando: poxa, perdi essa! Mas eis que veio uma segunda oportunidade. Pensando nos fãs que também não conseguiram estar no show do Bangers Open Air, o cantor voltou a São Paulo para uma apresentação no Carioca Club.

E, olha, ainda bem que esse show aconteceu, porque eu não ia querer ficar só na vontade de ouvir esses clássicos ao vivo.

Roy Khan: uma voz que marcou a história do Kamelot

Antes de falar do show em si, vale lembrar um pouquinho da trajetória desse homem, porque história é o que não falta.

Roy Khan começou sua carreira com o Conception, banda norueguesa de metal progressivo, nos anos 1990. Em 1998, entrou para o Kamelot e, a partir daí, ajudou a construir uma das fases mais queridas da banda.

E não foram poucos os discos que marcaram essa trajetória. Karma (2001), Epica (2003), The Black Halo (2005) e Ghost Opera (2007) estão entre os trabalhos que consolidaram seu nome no metal. São álbuns que misturam power metal, elementos sinfônicos, melodias marcantes e aquela dramaticidade que combina perfeitamente com a interpretação de Roy.

Se eu tivesse que escolher um disco para representar essa fase, seria The Black Halo. Aliás, esse álbum é um dos meus favoritos do Kamelot! Lançado em 2005 e inspirado na história de Fausto, ele tem músicas que continuam funcionando tão bem hoje quanto na época em que foram lançadas.

“March of Mephisto”, “When the Lights Are Down” e “The Haunting” são alguns exemplos de como a banda conseguia criar músicas grandiosas sem perder o peso e a melodia. E a voz de Roy era uma parte fundamental disso tudo.

Ele deixou o Kamelot em 2011, mas continuou sua trajetória com o retorno ao Conception, que lançou My Dark Symphony (2018) e State of Deception (2020). Ao longo dos anos, também participou de outros projetos e colaborações, mantendo seu nome presente na cena.

Mas, convenhamos, para muita gente, Roy Khan será sempre aquela voz que deu vida a alguns dos maiores clássicos do Kamelot. E o show no Carioca Club foi uma bela oportunidade de matar a saudade dessa fase.

Maestrick: os brasileiros mostraram a que vieram!

A noite começou com a Maestrick, banda brasileira de metal progressivo que vem conquistando cada vez mais espaço na cena. E já vou adiantar: os caras fizeram bonito!

A banda foi escolhida para acompanhar Roy Khan na turnê The Black Halo and Beyond, pela América Latina. E, depois de assistir à apresentação, ficou bem fácil entender essa escolha.

A Maestrick não estava ali apenas para acompanhar um artista internacional. Os músicos mostraram personalidade, qualidade e um entrosamento daqueles que fazem a gente perceber quando existe muito trabalho por trás de uma apresentação.

Fabio Caldeira nos vocais, Caio Kehyayan na guitarra, Renato Montanha no baixo, Chris Oliveira na bateria e Charles Soulz nos teclados entregaram um show muito consistente. Todo mundo estava afiado, e a interação com o público aconteceu de maneira natural, sem aquela sensação de que a banda estava apenas cumprindo tabela antes da atração principal.

Fabio, em especial, me chamou a atenção pela maneira como conduz os vocais. Ele tem técnica, precisão e sabe colocar emoção na interpretação. Não é só aquela coisa de mostrar que consegue cantar notas difíceis: existe sentimento ali, e isso faz diferença demais no palco.

E essa parceria com Roy Khan não começou agora. No ano passado, a Maestrick lançou “Lunar Vortex”, faixa que conta com a participação do cantor norueguês. Então, os músicos já tinham essa conexão, e foi muito legal ver como ela funciona também ao vivo.

Outra coisa de que gosto na Maestrick é que, apesar de a banda trabalhar com uma sonoridade que conversa muito bem com o prog metal internacional e cantar bastante em inglês, ela não deixa suas raízes brasileiras de lado.

Um dos momentos mais legais do show foi “Penitência”, cantada em português e carregada daquela identidade cultural que faz parte da proposta da banda. E eu acho isso muito importante! É ótimo ver nossos músicos buscando espaço lá fora, mas sem precisar deixar de lado aquilo que os torna únicos.

Durante a apresentação, Fabio agradeceu ao público pela recepção e falou sobre a emoção de ter a oportunidade de acompanhar Roy Khan nessa turnê. Foi um momento muito bacana, porque dava para perceber o quanto aquilo significava para ele.

E o público correspondeu! A galera cantou, pulou e vibrou junto com a banda. Claro que todo mundo estava ansioso para ver Roy, mas a Maestrick conseguiu segurar muito bem essa expectativa e entregar uma apresentação que valeu por si só.

Sabe quando você vai para um show esperando curtir a atração principal e acaba saindo também com vontade de ouvir mais da banda de abertura? Foi essa a sensação. E, sinceramente, é muito bom ver uma banda brasileira mostrando serviço em um palco desses.

Roy Khan: pontualidade, clássicos e um público que sabia cada palavra

Roy subiu ao palco às 19h15, cravadas! E eu preciso fazer um comentário aqui: como é bom quando um show começa no horário anunciado! (risos).

Pode parecer bobagem, mas eu valorizo muito isso. É respeito com quem comprou ingresso, se organizou para chegar ao local e tem outros compromissos no dia seguinte. E nós, os 30+, agradecemos especialmente quando o show começa cedo e não precisamos voltar para casa de madrugada!

Mas vamos ao que interessa: Roy Khan estava ali, diante de nós, pronto para cantar aqueles clássicos que tanta gente esperava ouvir.

O show foi lindo. E digo isso não apenas pela qualidade vocal, que continua impressionante, mas também pela maneira como ele se relacionou com o público durante toda a apresentação.

Roy tem uma presença de palco muito particular. Não precisa ficar exagerando nos movimentos ou tentando chamar atenção o tempo inteiro. Ele simplesmente entra, começa a cantar e pronto: todo mundo está olhando para ele.

Sua voz estava impecável, com aquela precisão que a gente conhece dos discos, e foi muito legal perceber o quanto ele parecia confortável naquele repertório. As músicas fluíam, os músicos estavam muito bem entrosados e o público cantava praticamente tudo.

Em vários momentos, a plateia gritava o nome de Roy, e ele recebia esse carinho com um sorriso e muita gratidão. Teve também um comentário que achei especialmente simpático: ele disse que estar em São Paulo era como estar em casa.

E olha, considerando que essa foi a segunda vez que ele passou pela cidade neste ano, acho que os fãs têm motivos para acreditar! (risos)

O mais bonito era ver como as músicas estavam vivas na memória de todo mundo. Não importava se era um refrão mais conhecido ou uma passagem mais longa: a galera acompanhava, cantava e fazia aquele coral que só acontece quando existe uma conexão real entre o artista e o público.

E eu gosto muito de observar essas coisas durante um show. Às vezes, a gente fica tão concentrado em ouvir o cantor que esquece de olhar ao redor. Mas ver um monte de gente cantando a mesma música, cada um com sua história e suas lembranças, é uma das partes mais legais de ir a um show.

Naquela noite, ficou muito claro o quanto Roy Khan continua sendo querido por aqui.

Zoe Federoff e um dos momentos mais bonitos da noite

Além dos músicos da Maestrick, que acompanharam Roy com muita competência, tivemos a participação especial de Zoe Federoff, ex-vocalista do Cradle of Filth.

Fabio Caldeira também ficou responsável pelos backing vocals, enquanto Zoe participou das passagens vocais que ajudaram a dar ainda mais força a algumas músicas. E foi em “The Haunting” que ela brilhou especialmente.

Para quem não lembra, a versão original conta com Simone Simons, vocalista do Epica, dividindo os vocais com Roy. É uma música que pede bastante interpretação, porque não basta cantar bem: tem todo um clima dramático que faz parte da composição.

Zoe deu conta do recado muito bem! Sua voz combinou com a proposta da música, e a interpretação ficou intensa, criando um daqueles momentos em que você simplesmente para e pensa: caramba, que bonito!

O público gostou tanto que começou a gritar o nome dela, e foi muito legal ver a reação da cantora, visivelmente feliz com o carinho que estava recebendo.

E preciso dizer: Zoe estava lindíssima e afinadíssima! Mesmo participando como vocalista de apoio, ela não passou despercebida em nenhum momento.

Para quem acompanha sua trajetória, o reencontro com o público brasileiro também teve um significado especial, especialmente depois de sua saída conturbada do Cradle of Filth. Sua última passagem pelo Brasil havia sido marcada por esse contexto, inclusive após uma apresentação no Carioca Club.

Dessa vez, foi muito bom vê-la em outro momento, dividindo o palco com músicos talentosos e recebendo uma resposta tão calorosa da plateia.

No fim, o que ficou foi a música e uma participação que acrescentou muito ao show. Zoe mereceu cada grito e cada aplauso!

The Black Halo: um disco que continua sendo especial

Agora, se tem uma coisa que me deixou feliz nessa noite foi poder ouvir ao vivo tantas músicas de The Black Halo.

Eu já falei que esse é um dos meus discos favoritos do Kamelot, né? Então imaginem a minha alegria!

“When the Lights Are Down” foi daqueles momentos em que o público cantou junto sem economizar a voz. “Moonlight” trouxe mais uma vez aquela atmosfera envolvente, enquanto “Memento Mori” mostrou por que esse álbum é tão especial para quem gosta de músicas longas, dramáticas e cheias de nuances.

É um disco que tem personalidade. Cada faixa parece fazer parte de uma história maior, e Roy sabe muito bem como conduzir essas músicas, dando o peso certo a cada momento.

O interessante é que, mesmo depois de tantos anos, elas não soam como lembranças distantes. Pelo contrário: continuam despertando a mesma empolgação, e talvez até mais, porque agora a gente consegue olhar para trás e entender o tamanho da importância que tiveram na história do metal.

E então veio “March of Mephisto”, encerrando a apresentação em grande estilo.

Foi um final à altura de tudo o que aconteceu naquela noite. Uma música grandiosa, cheia de personalidade, que colocou o público para cantar mais uma vez e deixou aquela vontade de que o show pudesse continuar por mais algumas horas.

Se dependesse da galera, acho que ninguém reclamaria de um repertório ainda maior!

Um show que valeu a espera

Saí do Carioca Club muito feliz por finalmente ter conseguido ver Roy Khan ao vivo. Perder sua apresentação no Bangers Open Air tinha sido frustrante, mas essa segunda oportunidade acabou tornando a experiência ainda mais especial para mim.

Foi uma noite de grandes músicas, boas surpresas e, acima de tudo, muito carinho. Roy mostrou que continua com uma voz impressionante e que a conexão com seus fãs permanece firme. A Maestrick fez uma abertura excelente e provou que merece cada vez mais espaço, enquanto Zoe Federoff adicionou um brilho especial a um show que já tinha tudo para dar certo.

E acho que esse é um dos motivos pelos quais a gente continua indo a shows, mesmo depois de tantos anos. Não é só para ouvir ao vivo aquela música que já escutamos centenas de vezes. É pela experiência, pelo encontro com outras pessoas que gostam das mesmas coisas e pela sensação de que, durante algumas horas, o mundo lá fora pode esperar.

Naquela noite, eu estava ali, cantando músicas que continuam tendo um lugar especial na minha vida, cercada por gente que também sabia de cada palavra. E foi impossível não pensar em como algumas bandas e artistas acompanham a gente por tanto tempo que acabam fazendo parte da nossa própria história.

O show terminou, as luzes acenderam e chegou a hora de voltar para casa. Mas a cabeça continuou no Carioca Club, repassando os melhores momentos e cantarolando aqueles refrões que insistem em não sair da cabeça.

No fim das contas, acho que a música tem mesmo esse poder: ela guarda um pedacinho de quem fomos, acompanha quem somos e, de vez em quando, nos devolve tudo isso de uma vez só.

E, quando uma voz como a de Roy Khan volta a cantar aquelas músicas, a gente percebe que algumas coisas não precisam voltar a ser como eram para continuarem sendo especiais.

Basta a primeira nota, um refrão cantado por centenas de pessoas e aquela sensação boa de estar exatamente onde deveria estar.

E, dessa vez, eu estava lá. Ainda bem!

Texto: Michelle F. Santana

Fotos: Amanda Vasconcelos 

Realização: Agência Artística 

Press: TRM Press

Roy Khan – setlist:

When the Lights Are Down

Soul Society

Moonlight

Center of the Universe

Abandoned

The Haunting (Somewhere in Time)

Rule the World

Memento Mori

Nights of Arabia

Karma

Forever

Bis

Ghost Opera

Epilogue

March of Mephisto

Roy Khan transforma noite esvaziada pelas eleições em celebração histórica no Opinião

Por: Renato Sanson

Fotos: Gmaglia

Mesmo diante de um público menor do que o espetáculo merecia, Roy Khan mostrou em Porto Alegre por que permanece como uma das figuras mais magnéticas do metal melódico.

No domingo, 25 de outubro, o Bar Opinião recebeu a última apresentação brasileira da turnê The Black Halo and Beyond, de Roy Khan. A passagem por Porto Alegre aconteceu em uma data complicada: o segundo turno das eleições. Em meio ao clima político tenso do país, à possibilidade de tumultos e ao receio compreensível de circular pela cidade, parte do público preferiu permanecer em casa.

O impacto dessa conjuntura foi perceptível na lotação. Não porque faltasse interesse pelo retorno de uma das vozes mais importantes do metal melódico e sinfônico, mas porque o contexto externo interferiu diretamente na dinâmica do evento. Foi uma pena ver um espetáculo desse porte diante de uma plateia menor do que ele merecia. Por outro lado, quem enfrentou a tensão daquele domingo encontrou no Opinião um ambiente seguro e uma noite musical de altíssimo nível.

A programação ainda contou com a abertura da banda gaúcha Drahktar, antes da chegada do convidado especial Maestrick e da apresentação principal de Roy Khan. O cronograma oficial reuniu os três nomes, com Khan previsto para subir ao palco às 21h.

Maestrick: obscuro, dramático e absolutamente único

Dizer que o Maestrick dispensa apresentações pode soar como força de expressão, mas basta assistir à banda ao vivo para compreender. O grupo apresentou seu prog metal obscuro, teatral e dramático, construído com arranjos complexos, mudanças de atmosfera e uma execução técnica assustadoramente precisa.

Mais do que demonstrar virtuosismo, o Maestrick sabe transformar música em narrativa. Cada passagem parece ocupar um lugar específico dentro de uma obra maior, alternando peso, delicadeza, tensão e explosões emocionais sem perder a identidade. Não há exibicionismo vazio: a técnica está sempre a serviço da composição e do espetáculo.

A qualidade sonora foi surreal, assim como a segurança dos músicos no palco. Foi uma apresentação ímpar, daquelas que reforçam a sensação de estarmos diante de uma banda brasileira pronta para ocupar espaços muito maiores. O Maestrick merece o mundo.

A participação do grupo, porém, não terminou em seu próprio repertório. Além de convidado especial, o Maestrick assumiu a missão de acompanhar Roy Khan durante a turnê, ao lado do guitarrista Caio Kehyayan. A sintonia entre os músicos deixou claro que não se tratava apenas de uma banda de apoio, mas de uma formação totalmente envolvida com o repertório e com a identidade dramática das canções.

O homem que ainda domina qualquer palco

Quando Roy Khan apareceu, ficou evidente que o tempo pode alterar uma voz, mas não apaga o carisma de um verdadeiro frontman. Aos 56 anos, o cantor norueguês esbanjou boa forma, simpatia e uma presença de palco monstruosa. Bastaram poucos minutos para que tivesse a plateia completamente nas mãos.

Khan não precisa correr de um lado para o outro ou recorrer a excessos. Seu domínio está no olhar, nos gestos, na postura elegante e na maneira como interpreta cada verso. Há algo de teatral em sua presença, mas nunca artificial. Ele compreende o peso emocional das músicas e sabe exatamente quando conduzir o público, quando recuar e quando deixar a banda ampliar a atmosfera.

É preciso reconhecer que sua voz já não é exatamente a mesma dos anos de ouro do Kamelot. O desgaste natural do tempo aparece em algumas passagens mais exigentes, especialmente quando o repertório pede notas longas e regiões mais agudas. Entretanto, reduzir a apresentação a essa comparação seria ignorar tudo o que Roy Khan ainda entrega.

O cantor adaptou linhas, administrou os momentos mais difíceis e compensou qualquer limitação com interpretação, experiência e presença cênica. Mais importante: sua identidade vocal permanece intacta. O timbre grave, a elegância quase operística e a capacidade de transformar melodias em pequenas cenas dramáticas continuam imediatamente reconhecíveis.

Uma viagem pela era clássica do Kamelot

A turnê The Black Halo and Beyond foi concebida como uma celebração da passagem de Khan pelo Kamelot, especialmente da fase que consolidou a banda como referência mundial. O repertório da etapa brasileira abriu com "When the Lights Are Down" e "Soul Society", duas canções capazes de transportar imediatamente o público para o universo sombrio e grandioso de The Black Halo.

Na sequência, "Moonlight" ampliou a atmosfera melancólica antes de "Center of the Universe" provocar uma das reações mais intensas da noite. O clássico de Epica continua sendo uma síntese perfeita do que tornou aquela formação do Kamelot tão especial: peso, melodia, dramaticidade e um refrão feito para ser cantado coletivamente.

Um dos momentos mais emocionantes veio com "Abandoned", interpretada com a participação de Zoë Marie Federoff. A cantora acompanhou a etapa sul-americana da turnê e funcionou como contraponto perfeito para Khan, acrescentando beleza e intensidade às passagens vocais. O encontro dos dois transformou a canção em um dos pontos altos da apresentação em Porto Alegre.

"The Haunting (Somewhere in Time)" manteve Zoë em posição de destaque e reforçou o caráter teatral do espetáculo. Já "Rule the World" recuperou a força de uma fase posterior da discografia do Kamelot, mostrando que a proposta não estava limitada a um único álbum, mas contemplava diferentes capítulos da trajetória de Khan.

A sequência ainda passou pela densidade épica de "Memento Mori" e pela atmosfera oriental de "Nights of Arabia", outra composição recebida como um verdadeiro clássico. O repertório adotado na reta final brasileira também incluiu canções como "Forever", inevitável ponto de comunhão entre palco e plateia, em um encerramento marcado pela nostalgia e pela celebração.

Muito além da nostalgia

Seria fácil apresentar The Black Halo and Beyond apenas como um exercício nostálgico, especialmente porque boa parte do público mantém uma ligação afetiva profunda com a fase de Roy Khan no Kamelot. O que aconteceu no Opinião, porém, foi maior do que uma tentativa de reproduzir o passado.

Khan não procurou imitar o cantor que era duas décadas atrás. Em vez disso, apresentou as músicas a partir do artista que é hoje: mais maduro, consciente de seus recursos e ainda dono de uma capacidade rara de comunicação. Ao seu redor, músicos excepcionais deram novo fôlego às composições, preservando sua essência sem transformá-las em peças de museu.

O público reduzido acabou criando uma proximidade inesperada. Cada resposta da plateia parecia chegar diretamente ao palco, e cada gesto de Khan era recebido com atenção absoluta. O que poderia ter diminuído a força do show acabou tornando a experiência mais íntima, sem retirar sua grandiosidade.

A noite de 25 de outubro ficará marcada pela contradição. Do lado de fora, uma cidade atravessada por tensão política, receio e incerteza. Dentro do Bar Opinião, música de altíssimo nível, uma banda brasileira monumental e um vocalista que, mesmo sem possuir exatamente a mesma voz de outros tempos, continua sendo um showman gigantesco.

Roy Khan teve a plateia na mão porque carisma não se mede apenas por alcance vocal. Mede-se pela capacidade de fazer uma sala inteira acompanhar cada movimento, reconhecer cada melodia e esquecer, ainda que por algumas horas, tudo o que acontece do lado de fora. E nisso, poucas figuras do metal são tão eficientes quanto ele.

 

 Realização: Arena Produtora 

 

 

Temperance: Uma Jornada musical Pelas Cartas do Tarot (Also In English)

Napalm Records (Imp.)

Por Michelle F. Santana - @mii.santanna

Existem bandas que a gente conhece e escuta ocasionalmente, e existem aquelas que aparecem no momento certo e, de repente, não saem mais da nossa playlist. O Temperance foi uma dessas descobertas para mim. Desde que conheci a banda, não parei mais de ouvir, principalmente os últimos singles lançados, que definitivamente se tornaram alguns dos meus favoritos do ano. Confesso que isso raramente acontece, então, muito antes de receber este material, eu já estava ansiosa para ouvir o álbum completo e compartilhar minhas impressões com vocês. E finalmente esse dia chegou!

Mas, antes que pareça tietagem, vamos ao que interessa.

Uma jornada pelas cartas do Tarot

Para quem ainda não conhece, o Temperance é uma banda italiana de metal melódico sinfônico que combina peso, trás elementos do power metal e melodias marcantes e diferentes abordagens vocais. Uma das características mais interessantes de sua identidade musical é justamente a maneira como explora as possibilidades de seus vocalistas, alternando entre linhas melódicas, harmonias e momentos de maior intensidade.

Em Arcani, a banda mergulha no universo do Tarot e constrói sua temática a partir de suas cartas e seus significados, sendo cartas independentes com significados diferentes e trazendo os arcanos maiores, o disco não pode ser considerado conceitual, mas ao se aprofundar no tema, descobri que os arcanos maiores pode ser a jornada do "Louco", que em muitos decks é a primeira carta e uma das figuras mais simbólicas desse sistema. A banda explora um universo místico das cartas de Tarot, transformando cada etapa dessa trajetória em uma experiência musical própria. Mais do que utilizar o Tarot como elemento estético, a proposta abre espaço para explorar diferentes emoções, conflitos e transformações ao longo do disco.

Essa escolha também cria uma expectativa interessante: se cada carta representa um momento dessa jornada, como a banda traduz essas diferentes energias em música? É justamente nessa construção que Arcani começa a mostrar sua personalidade.

Entre o peso, a melodia e o espetáculo

A formação reúne a norte-americana Kristin Starkey nos vocais, Michele Guaitoli nos vocais e piano, Marco Pastorino fundador da banda na guitarra e nos vocais, Luca Negro no baixo e nos vocais e Marco Sacchetto na bateria. É uma combinação que favorece a riqueza vocal e as possibilidades de arranjo, dois elementos fundamentais para a sonoridade do Temperance.

Em um disco temático como este, a produção tem um papel especialmente importante: é preciso equilibrar o peso das guitarras, a presença da bateria, os elementos sinfônicos e as diferentes vozes sem comprometer a clareza das melodias. A proposta pede grandiosidade, mas também personalidade, e é nessa relação entre espetáculo e composição que vale observar o resultado.

Em comparação com o trabalho anterior, Hermitage – Daruma's Eyes Pt. 2, Arcani também merece ser analisado pela maneira como desenvolve sua identidade e organiza suas músicas dentro de uma narrativa maior. A questão não é apenas entregar boas faixas individualmente, mas fazer com que elas contribuam para uma experiência que faça sentido como álbum.

As cartas ganham vida

The Fool

A faixa de abertura começa tão grandiosa quanto se poderia esperar de um disco de power metal sinfônico. E, curiosamente, isso funciona a favor da proposta. Em vez de entregar toda a agressividade logo nos primeiros momentos, a música parece evoluir gradualmente, de forma triunfante como se estivesse acompanhando os primeiros passos do próprio Louco em sua jornada.

É conforme a faixa avança que essa construção ganha força, até desembocar em um refrão grandioso, daqueles que grudam na cabeça e fazem você querer cantar junto. E aqui temos uma das características mais marcantes do Temperance: a capacidade de criar melodias acessíveis sem abrir mão da energia e da dramaticidade que fazem parte do gênero.

The Magician: Into Fire

Se The Fool representa o início de uma jornada, The Magician: Into Fire chega com uma energia que combina perfeitamente com a figura do Mago e sua associação ao fogo, à ação e à transformação.

A música tem uma força que se manifesta tanto na interpretação quanto na própria condução instrumental. É uma faixa que transmite movimento e intensidade, reforçando a impressão de que o conceito do álbum não está ali apenas para dar nome às músicas, mas também para orientar sua identidade.

Essa combinação de energia, melodias marcantes e refrões envolventes é algo que o Temperance parece dominar muito bem. E, conforme a jornada avança, fica interessante perceber como a banda explora diferentes possibilidades sem abandonar os elementos que tornam sua sonoridade reconhecível.

Death: Right Before We Die

Essa é uma das minhas faixas favoritas do álbum. E, quando uma música se destaca dessa maneira em um disco conceitual, ela acaba despertando uma curiosidade ainda maior sobre a forma como se conecta à narrativa.

A própria carta da Morte carrega um simbolismo que vai além do encerramento: ela também está associada à transformação, às rupturas e à possibilidade de um novo começo. O título Right Before We Die acrescenta uma camada dramática a essa ideia.

O que eu acho interessante é como as três vozes se fundem muito bem nessa faixa, com certeza é o dá brilho a faixa.

Tower: Lean into Fear

Aqui a voz de Kristin é um espetáculo à parte, começa agressivo e poderoso, uma música que trás uma mensagem forte sobre enfrentar os medos, sobre renascimento, que é exatamente o significado da carta A Torre, onde o caos é necessário para renascer. 

Sobre a instrumentação o começo trás a sensação de estar em um festival, lembra um pouco a pegada hard rock no comecinho e dá todo um charme pra música o que torna "Tower: Lean into Fear"uma das faixas mais interessantes do disco. 

The Devil: Sin, Sin, Sin

Se tem algo que funciona muito bem no Temperance são os refrões feitos para serem cantados em voz alta. E The Devil: Sin, Sin, Sin é um ótimo exemplo disso. A faixa traz aquela estrutura melódica fácil de aprender e cantar junto, algo que tem tudo para funcionar especialmente bem ao vivo, com o público formando um grande coral.

Mas o destaque não fica apenas na capacidade de grudar na cabeça. Aqui também temos a oportunidade de vislumbrar linhas vocais mais operísticas de Kristin Starkey e apreciar sua versatilidade. 

E, considerando a temática da carta do Diabo, essa intensidade dramática encontra um terreno bastante apropriado para se desenvolver.

Temperance: Forgiveness

Eu quero destacar essa faixa, justamente por carregar o nome da banda em seu título e aproveitar pra trazer algo curioso sobre isso é que o nome da banda não vem pelo significado da carta de tarot e acredito que a banda tenha brincado com isso, pois o nome da banda vem do significado literal e filosófico da palavra, que remete equilíbrio e mistura de elementos. 

Além de ser a faixa que carrega o nome da banda, ela diz muito sobre a identidade da banda e aqui temos mais um refrão com frases que se repetem, fazendo com que o ouvinte se conecte rapidamente com a faixa. Essa tem faixas melódicas é cinematográfico e tem peso, resume bem a banda Temperance. 

The Chariot: Alla Ricerca dell'Americ

A faixa funciona com um tom de balada, uma faixa que explora muitas nuances musicais, deixando um ar de teatralidade por conta das passagens cantadas em italiano, deixando tudo mais emocional e dramático o que pra mim trouxe toda beleza pra faixa e claro, um belo jeito de homenagear as raízes da banda.

The Hanged Man: Petrichor

Uma das faixas mais bonitas do disco, começa dramático com linhas de violão, mas em seguida trás peso trás linhas melódicas é triunfante, cinematográfico, o refrão as vozes se fundem de forma harmônica e mais uma vez a apreciamos a versalidase de Kristin, as partes em que ela canta lírico deu muito brilho e drama para a faixa, tudo de forma muito equilibrada. A faixa tem quase 7 min e não é uma faixa cansativa. 

The World

O disco termina com uma faixa que diferente da faixa anterior tem menos de 3 min e funciona como calmaria depois de algo tão grandioso que foi toda a trajetória da energia dos arcanos maiores e acredito que funcionou super bem. Aqui temos apenas violão a voz da Kristen e back vocals no refrão. 

Aqui é o verdadeiro significado de menos é mais. Realmente é uma linda canção.

Uma jornada que vale a pena revisitar

Arcani parte de uma proposta temática que oferece ao Temperance a oportunidade de explorar diferentes atmosferas dentro de sua identidade melódica e sinfônica. Entre refrões marcantes, energia instrumental e interpretações vocais que merecem destaque, o álbum apresenta elementos que explicam por que a banda conquistou minha atenção tão rapidamente.

Ainda que minha expectativa para este lançamento já fosse alta, a experiência de ouvir o disco completo é uma oportunidade de olhar além dos singles e perceber como as músicas se relacionam dentro de uma proposta maior.

E, se tem algo que posso dizer até aqui, é que o Temperance conseguiu despertar em mim aquela vontade de voltar ao álbum, revisitar as faixas e descobrir novos detalhes a cada audição. Para uma banda que entrou recentemente na minha playlist e rapidamente conquistou seu espaço, isso já significa bastante.

***ENGLISH VERSION***

There are bands we discover and listen to every now and then, and then there are those that show up at just the right time and suddenly never leave our playlists. Temperance was one of those discoveries for me. Ever since I found the band, I haven't been able to stop listening, especially to their latest singles, which have definitely become some of my favorite releases of the year. Honestly, that doesn't happen very often, so long before I received this album, I was already looking forward to hearing the full record and sharing my thoughts with you. And finally, that day has arrived!

But before this starts sounding like fan-girling, let's get down to business.

A Journey Through the Tarot Cards

For those who aren't familiar with them yet, Temperance is an Italian melodic and symphonic metal band that combines heaviness, power metal elements, memorable melodies, and different vocal approaches. One of the most interesting aspects of their musical identity is the way they explore the possibilities of their vocalists, moving between melodic lines, harmonies, and moments of greater intensity.

On Arcani, the band dives into the world of Tarot, building its thematic foundation around the cards and their meanings. Since each card has its own symbolism and the cards don't necessarily tell a linear story, the album doesn't have to be understood as a traditional concept record. However, as I explored the subject, I came across an interesting interpretation: the Major Arcana can represent the Fool's Journey. The Fool is one of the most symbolic figures in Tarot and appears as the first card in many decks.

From this perspective, each card can represent a stage in a journey of discovery, conflict, and transformation. Temperance explores this mystical universe and turns its different atmospheres into distinct musical experiences. Rather than using Tarot merely as an aesthetic element, the concept creates room to explore different emotions and possibilities throughout the album.

This choice also raises an interesting question: if each card represents a moment in this journey, how does the band translate these different energies into music? This is where Arcani begins to reveal its personality.

Between Heaviness, Melody, and Spectacle

The lineup features American vocalist Kristin Starkey, Michele Guaitoli on vocals and piano, band founder Marco Pastorino on guitar and vocals, Luca Negro on bass and vocals, and Marco Sacchetto on drums. It's a combination that allows for rich vocal arrangements and plenty of creative possibilities, two essential elements of Temperance's sound.

On an album with such a strong thematic concept, production plays a particularly important role. The challenge is to balance the weight of the guitars, the power of the drums, the symphonic elements, and the different voices without compromising the clarity of the melodies. The music calls for grandeur, but it also needs personality, and the relationship between spectacle and composition is where the results become particularly interesting.

Compared to their previous release, Hermitage – Daruma's Eyes Pt. 2, Arcani is also worth examining for the way it develops its identity and brings its songs together under a shared thematic vision. It's not just about delivering good individual tracks, but about making them contribute to an album that works as a complete experience.

Bringing the Cards to Life

The Fool

The opening track is as grand as you might expect from a symphonic power metal album. Interestingly, that works in its favor. Rather than unleashing all its aggression from the very beginning, the song gradually builds, taking on a triumphant feel, almost as if it's following the Fool's first steps on his journey.

As the track progresses, this build-up gains momentum until it reaches a grand chorus, the kind that gets stuck in your head and makes you want to sing along. Here, we find one of Temperance's most distinctive strengths: the ability to create accessible melodies without sacrificing the energy and drama that are such an important part of the genre.

It's an opening track that does its job well and invites the listener to embark on the journey.

The Magician: Into Fire

If The Fool represents the beginning of a journey, The Magician: Into Fire arrives with an energy that perfectly matches the Magician and its associations with fire, action, and transformation.

The song's strength comes through both the vocal performances and the instrumental arrangement. It conveys movement and intensity, reinforcing the impression that the album's concept isn't simply there to provide titles for the songs, but also helps shape their musical identity.

This combination of energy, memorable melodies, and engaging choruses is something Temperance seems to handle particularly well. As the journey unfolds, it's interesting to see how the band explores different possibilities without abandoning the elements that make its sound so recognizable.

Death: Right Before We Die

This is one of my favorite tracks on the album. And when a song stands out like this on a record with a strong thematic concept, it naturally makes you even more curious about how it connects to the rest of the work.

The Death card carries symbolism that goes far beyond endings. It's also associated with transformation, upheaval, and the possibility of a new beginning. The title Right Before We Die adds another dramatic layer to that idea.

What really makes this track shine for me, though, is the way the three voices blend together. The interplay between the vocalists and the harmonies gives the song even more strength, bringing out each singer's individual qualities without losing the overall cohesion. It's one of those moments when the band's vocal richness becomes more than just a defining characteristic of its sound: it becomes one of the composition's greatest highlights.

Tower: Lean into Fear

Kristin Starkey's voice is an absolute highlight here. The song begins aggressively and powerfully, establishing an intense atmosphere that fits its theme of facing our fears and finding strength amid chaos.

The Tower card is associated with upheaval, collapsing structures, and changes that may be painful but are sometimes necessary to make room for something new. This idea of rebuilding connects beautifully with the track's energy.

The instrumentation deserves attention as well. Right from the beginning, there's a passage that reminded me of the atmosphere of a live festival, with a touch of hard rock that adds a special charm to the composition. It's a detail that sets the song apart and shows how Temperance can explore other influences without losing its identity.

For all these reasons, Tower: Lean into Fear has become one of the album's most interesting tracks for me.

The Devil: Sin, Sin, Sin

If there's one thing Temperance does particularly well, it's writing choruses made to be sung out loud. The Devil: Sin, Sin, Sin is a great example. The track has a melodic structure that's easy to pick up, inviting listeners to sing along. It's the kind of song that could work especially well live, with the crowd turning into one big choir.

But its appeal goes beyond having a catchy chorus. This track also gives us the chance to appreciate Kristin Starkey's more operatic vocal lines and her versatility, which adds even more drama to the composition.

Considering the Devil card's themes of temptation, desire, and inner conflict, this dramatic intensity feels perfectly at home here. The result is a track that combines melodic appeal and theatricality without losing its heaviness.

Temperance: Forgiveness

I want to highlight this track precisely because it shares its title with the band. And while we're at it, here's an interesting detail: the name Temperance doesn't come directly from the meaning of the Tarot card of the same name, but rather from the literal and philosophical meaning of the word, which is associated with moderation, balance, and the blending of different elements.

It's interesting to think that this idea of balance also connects with the band's musical identity, which combines heaviness, melody, symphonic elements, and different vocal approaches.

Musically, the track delivers another memorable chorus, with repeated phrases that make it easy for the listener to connect with the song right away. The combination of engaging melodies, a cinematic atmosphere, and heaviness sums up many of the elements that make Temperance's sound so distinctive.

More than simply being a song named after the band, Temperance: Forgiveness feels like a strong representation of its musical identity.

The Chariot: Alla Ricerca dell'America

Taking an approach closer to a ballad, The Chariot: Alla Ricerca dell'America explores different musical nuances and brings a theatrical quality to the composition. The passages sung in Italian add an extra layer of emotion and drama which, for me, are among the track's greatest charms.

The choice of language also gives the performance something special, connecting the song to the band's Italian roots and creating an atmosphere that feels different from other moments on the album.

Rather than relying on the grandeur typically associated with power metal, this track focuses more on building an emotional experience. And that change in approach works beautifully, revealing another side of Temperance.

The Hanged Man: Petrichor

This is one of the most beautiful tracks on the album. It begins dramatically, with acoustic guitar lines creating an intimate atmosphere, but soon gains weight and develops into something melodic, triumphant, and cinematic.

The chorus is one of the highlights, especially because of the way the voices blend harmoniously. Once again, Kristin Starkey demonstrates her versatility, and her operatic passages add brightness and drama to the track without compromising its balance.

At almost seven minutes long, Petrichor could easily become tiring if it didn't know how to balance its different sections. However, the song manages to hold the listener's attention throughout, shifting between delicacy, heaviness, and grandeur in an engaging way.

It's a track that shows how Temperance can explore different atmospheres within a single composition without losing its cohesion.

The World

The album closes with a track that contrasts directly with the grandeur of Petrichor. At less than three minutes long, The World works as a moment of calm after the entire journey through the Major Arcana.

Here, the arrangement is stripped down to acoustic guitar, Kristin's vocals, and backing vocals in the chorus. This choice creates a delicate, intimate atmosphere, offering the listener a moment to breathe after all the shifts in intensity throughout the album.

I think this decision works really well as a closing statement. Instead of ending with yet another grand, epic track, Temperance opts for simplicity and brings the journey to a more contemplative close, leaving the listener with a sense of resolution.

A Journey Worth Revisiting

Arcani starts with a thematic concept that gives Temperance the opportunity to explore different atmospheres within its melodic and symphonic identity. Between memorable choruses, instrumental energy, and vocal performances worth highlighting, the album offers plenty of reasons to understand why the band caught my attention so quickly.

Although my expectations for this release were already high, listening to the full album allowed me to look beyond the singles and discover other layers of the work. The tracks have their own characteristics, explore different levels of intensity, and find ways to stand out without abandoning the identity that ties the album together.

And if there's one thing I can say at this point, it's that Temperance has made me want to return to the album, revisit the tracks, and discover new details with every listen. For a band that only recently found its way onto my playlist and quickly earned its place there, that already means a lot.

Alex Verona

Entrevista – Chaos Synopsis celebra 20 anos de história, lança novo single e prepara próximos passos na estrada

Maycon Avelino

Em entrevista, Friggi e Jairo Vaz fazem um balanço de 2026, comentam a participação no Bangers Open Air, antecipam detalhes do próximo álbum e falam sobre a turnê brasileira ao lado do Six Feet Under.

Por Stephanie Ferreira – @instephanie

Vinte anos de história, uma agenda que voltou a ganhar fôlego e a vontade de seguir fazendo aquilo que sempre moveu a banda: tocar, compor e pegar a estrada. Para o Chaos Synopsis, 2026 tem sido um ano de retomada e novas conquistas, marcado pelo relançamento da primeira demo do grupo, por uma sequência de shows que incluiu uma passagem pelo Nordeste e pela participação no Bangers Open Air. Agora, a banda se prepara para apresentar Perfect Recipe, single inédito que chega às plataformas em 23 de outubro, enquanto avança na produção de seu próximo álbum.

Em meio à renovação da formação e ao trabalho de composição, o grupo também se prepara para dividir os palcos com o Six Feet Under em quatro apresentações no Brasil, a partir de 30 de outubro. O momento representa a oportunidade de ampliar o contato com o público e retomar o ritmo de atividades que marcou boa parte da trajetória da banda.

Em entrevista, Friggi (bateria) e Jairo Vaz (vocal e baixo) revisitam os acontecimentos do ano, contam como a relação construída com os fãs ao longo de duas décadas se manifesta nos shows, explicam como diferentes influências se encontram no processo de composição e antecipam o que vem pela frente. Entre reflexões sobre a trajetória e histórias de bastidores, a conversa também revela um aspecto que permanece central para o Chaos Synopsis: a amizade entre os integrantes e o prazer de viver o heavy metal para além do palco.

Olhando para tudo o que aconteceu até aqui, como vocês definiriam 2026 para o Chaos Synopsis?

Friggi e Jairo: Foi um ano muito bom, porque, desde a pandemia, a gente estava fazendo poucos shows, comparado com o que fez a vida inteira. Sempre fizemos muitos shows, mas, quando voltamos depois da pandemia, estávamos fazendo bem menos do que estávamos acostumados.

Este ano já começamos com tudo, relançando nossa primeira demo no aniversário de 20 anos, exatamente no mesmo dia em que ela saiu, em 2006. Depois, fomos para o Nordeste, fizemos oito shows, voltamos e já fomos tocar no Bangers. E continuamos fazendo outros shows.

É muito trabalho, e eu sentia falta de fazer tanta coisa. É o que a gente vive para fazer, nosso futebol de final de semana.

Com essa movimentação, acabamos nos animando e pensamos que precisávamos lançar uma música nova antes dos shows com o Six Feet Under. Também voltamos a compor o álbum novo. Estamos animados e agora é só não deixar esfriar de novo. A pandemia deu aquela esfriada, mas voltamos com tudo, como sempre trabalhamos.

Vocês começaram o ano com uma turnê pelo Nordeste. Como foi essa passagem por lá e o que mais marcou vocês nessa experiência?

Friggi e Jairo: Todos os shows foram massa! A gente sempre teve muito apoio no Nordeste desde o começo da banda. Nossa primeira demo foi lançada por um selo de Fortaleza, então sempre tivemos uma boa divulgação por lá. Mesmo assim, ficamos espantados com a quantidade de pessoas que realmente são fãs da banda.

Teve gente que foi a mais de um show porque queria ver de novo, além de pessoas que esperaram muito tempo para nos assistir. Acho que fomos à Bahia apenas muitos anos atrás e nunca tínhamos voltado. Então, havia muita gente com vontade de ver a banda que ainda não tinha tido essa oportunidade.

Também foi interessante ouvir as histórias do público. Como são 20 anos desde o lançamento da demo, vários contavam que, quando eram adolescentes, ouviam nossas músicas com os amigos, reunidos para tomar cachaça e escutar a banda.

A galera chamava as músicas pelos nomes e cantava junto. Eu sabia que esse material tinha chegado lá, mas a realidade superou a expectativa. Esperava muito essa viagem, mas não tinha noção de que as pessoas no Nordeste esperavam ainda mais pela nossa chegada.

Luca Apperti

Depois dessa passagem pelo Nordeste, vocês chegaram ao Bangers Open Air. Como foi subir ao palco do festival e o que isso representou para a banda?

Friggi e Jairo: O lance do Bangers começou bem antes do show. Quando o festival foi anunciado, no ano passado, já mudou muita coisa, inclusive na turnê do Nordeste. Todo mundo sabia que a gente ia tocar e veio falar com a gente, porque conhece nosso corre e sabe que, ao longo desses 20 anos, construímos uma relação muito boa com o pessoal.

Todo mundo ficou muito feliz com o anúncio. Para mim, isso foi mais legal até do que o show em si. A galera veio escrever para a gente e vibrou junto, então esse reconhecimento foi muito importante.

Também tem a realização de um sonho. A gente luta há muito tempo por isso e vive o heavy metal. Lembro de tocar baixo sozinho na casa dos amigos e pensar: “Cara, um dia eu vou estar num festival, vou tocar num lugar legal, vou tocar com uma galera”.

Se o meu eu adolescente olhasse para mim hoje, eu falaria: “Caralho, mano, vocês conseguiram fazer uns bagulhos foda, hein?”. Que massa!

O novo single, Perfect Recipe, chega às plataformas em 23 de outubro. Por que vocês escolheram este momento para lançar a música?

Friggi e Jairo: Liricamente falando, essa foi a primeira música em que escrevi a letra. A gente sempre segue um tema, e escolhi um para o álbum novo há algum tempo. Essa foi a história que mais me chamou a atenção dentro dessa temática. Como foi a primeira letra que escrevi, acabei encaixando na primeira música que compusemos para o álbum. As coisas se casaram.

Tem muitas outras coisas novas vindo, com bastante riff legal, mas acho que essa música é a cara do Chaos Synopsis. Ela tem nossos riffs, nossa identidade e meu tipo de cantar. Também traz algumas novidades que o Darc trouxe, mas continua representando o que é o Synopsis. É uma forma de mostrar a formação nova e coroar este ano com um som muito característico nosso.

Em todo álbum, a gente procura incluir coisas novas sem abrir mão do nosso estilo, da energia, do peso e dos riffs. Quando o Diego entrou, incorporamos mais as melodias dele. Agora, com o Darc, também buscamos incluir as características de cada um para somar coisas diferentes, mantendo a identidade da banda. Essa música tem tudo isso.

Com dois guitarristas de características distintas, Darc e Diego, como vocês integram as ideias de cada um para construir uma sonoridade que preserve a identidade do Chaos Synopsis?

Friggi e Jairo: Depois de todo esse tempo, a gente já tem uma maneira própria de compor. Sempre trabalhei com estúdio, então algumas coisas facilitam o processo, como trabalhar remotamente ou começar alguma coisa por aqui.

Essa música seguiu o padrão que usamos nos últimos anos. Gostamos de incorporar as influências e o estilo de cada integrante, mas geralmente começamos com alguma ideia minha e vamos incluindo as outras aos poucos.

A música começou comigo e com o Jairo. Estávamos aqui, eu na guitarra e ele no baixo, e fizemos o começo da composição. Depois, separamos as partes dos solos. Quando decidi a base do solo do Diego, por exemplo, já sabia que ele faria algo melódico, que é uma característica dele de que gostamos muito. Então, construí aquela parte pensando nisso.

A parte do Darc também foi pensada para ele, com um solo no começo e um arranjo no meio. O estilo dele é um pouco diferente do nosso, com influências de death e black metal e outras abordagens melódicas. Queríamos trazer essa identidade para a música.

Nesse caso específico, o Diego estava presente no dia da composição. O Friggi estava chato para caramba, tive que expulsá-lo do estúdio porque ele não aceitava nada. Depois, ele voltou, já tinha tomado uma cerveja, veio abraçando e falando: “Pô, ficou bom para caralho!”. Na hora de gravar, ele mudou várias coisas.

Mas é assim, sempre foi. Funciona, graças a Deus.

Luca Apperti

Em que etapa está a produção do próximo álbum? Já existe uma previsão de lançamento?

Friggi e Jairo: A previsão é entre março e abril. A gente já tem várias músicas, mas ainda precisa terminar de compor algumas. Todas as letras, a capa e as ideias do álbum já estão encaminhadas. Agora, precisamos sentar e finalizar tudo.

Também tem a questão da agenda e de reunir a banda para trabalhar nas músicas. Tenho várias composições que fiz meio que sozinho há bastante tempo, então precisamos chamar os caras para finalizar tudo juntos. O álbum tem que sair, porque já temos um monte de coisa programada dependendo dele.

E o que vocês podem adiantar sobre a temática do álbum?

Friggi e Jairo: Para quem gosta de churrasco, está bom! (risos)

Em Perfect Recipe, trouxe a história do Armin Meiwes, que é o canibal de Rotemburgo. Ele é bem conhecido. Várias bandas escrevem sobre ele. Acho que o Rammstein tem uma música sobre essa história, entre outras bandas. É um pouco dessa temática que a gente vai trazer, e ela já começa com essa história.

A partir de 30 de outubro, vocês participam da turnê brasileira do Six Feet Under, com apresentações em Belo Horizonte, Limeira, São Paulo e Curitiba. Como surgiu essa oportunidade e o que significa para vocês dividir essa sequência de shows com a banda?

Friggi e Jairo: Gosto bastante da ideia porque lembro que, quando entrei na banda, os meninos ouviam muito Cannibal Corpse, principalmente na época do Chris Barnes.

É a primeira vez do Six Feet Under aqui, então é mais uma daquelas coisas que são sonhos de adolescente. É pensar: “Pô, vou conhecer o cara, vou estar ali junto”.

Hoje, talvez eu já não sinta a mesma emoção de conhecer alguém que fez parte da minha adolescência, mas continua sendo algo muito legal. É algo que fica para a história: a primeira vez que os caras vieram para o Brasil, o Chaos Synopsis estava junto.

Também é uma oportunidade de tocar para um público maior, conhecer mais gente e encontrar pessoas que já conhecem a banda nessas cidades. A gente sempre curte estar na estrada, independentemente de qualquer coisa. Estar com uma banda grande, com uma banda underground ou sozinho é algo que vivemos para fazer.

Quando tem outra banda junto, dividindo essa experiência, sempre rolam coisas legais. Vai ser massa: curtição, novas amizades, falar besteira, dar risada e fazer os shows. Quando você passa mais tempo junto, vive experiências muito legais.

O que o público pode esperar do setlist desses quatro shows?

Friggi e Jairo: No Bangers, já atualizamos o setlist. Voltamos a tocar algumas músicas bem antigas, do primeiro álbum, que não tocávamos havia mais de 15 anos. Também começamos a tocar Coronavírus, que lançamos em 2020, mas nunca tínhamos apresentado ao vivo até este ano.

Agora tem essa música nova, mas ainda não sabemos exatamente o que vamos fazer. Vamos chegar e tocar.

Falamos bastante sobre o passado e o presente. E o futuro? Pensando nos próximos cinco anos, o que vocês ainda querem realizar com o Chaos Synopsis?

Friggi e Jairo: A gente quer continuar fazendo o que sempre fez. Esse álbum está vindo depois de um tempão sem lançar nada, então queremos retomar de vez o ritmo que tínhamos antes da pandemia, com força total. Continuar lançando álbuns, fazendo turnês e lançando clipes. Estar na estrada e se divertir.

O que a gente mais gosta de fazer é estar na estrada junto. Somos amigos, gostamos de estar juntos e dar risada. É como se fosse uma excursão de escola.

Você entra no carro, dirige 24 horas para chegar a outro lugar, toca, já vai direto para o próximo e continua dando risada e curtindo. Acho que a maioria das bandas vive isso, mas o Chaos Synopsis vive muito intensamente: dirigir, dar risada, tocar, fazer amizade e curtir. Acho que isso é o principal para viver o heavy metal.

Também temos algumas coisas que queremos fazer e ainda não fizemos. No ano que vem, vamos tocar em um lugar onde nunca tocamos. Existem tipos de lançamentos que temos vontade de fazer e nunca fizemos. Acho que no ano que vem, ou no próximo, dá para desenvolver essas ideias.

Para finalizar, que mensagem vocês deixam para os fãs que acompanham a trajetória do Chaos Synopsis?

Friggi e Jairo: Esse som vai vir com tudo. Está muito massa. A gente meio que fez a sinopse do caos mesmo nessa música, juntando tudo o que geralmente fazemos.

Ela já começa com os dois pés no peito, então tenho certeza de que vocês vão curtir. Espero ver vocês nos shows que vamos fazer este ano aqui no Brasil.

Toda vez que encontrarem a gente, é só colar. Quem conhece sabe que gostamos de trocar ideia e nos divertir. Quero ver todo mundo no mosh, até porque, nesse som novo em São Paulo, a gente vai fazer um negócio bem legal. Espero todo mundo curtindo, se matando lá no meio, sem machucar o amiguinho.

E vão ao show do Hangar, que vai ser foda. Tem uma novidade lá que vai acontecer.