Noveria: Técnica A Serviço da Emoção (Also In English)

Scarlet Records (Imp.)

Por Flavio Borges 

Poucas bandas da cena progressiva europeia conseguem preservar uma identidade tão bem definida quanto o Noveria. Desde sua formação, os italianos vêm refinando uma proposta que combina a exuberância técnica do metal progressivo, a energia do power metal moderno e uma forte vocação cinematográfica, construindo uma sonoridade própria sem recorrer à simples reprodução de fórmulas consagradas. Em Becoming After, quinto álbum de estúdio da carreira, essa identidade alcança um novo estágio de maturidade, apresentando uma obra mais sombria, emocional e ambiciosa, na qual peso, melodia e sofisticação convivem em equilíbrio quase permanente. 

Respaldado por uma produção de alto nível, uma formação renovada e participações especiais de músicos renomados, o disco demonstra uma banda segura de sua linguagem musical e disposta a expandir seus horizontes criativos. O resultado é uma coleção de composições que privilegia a dinâmica, alternando momentos de extrema agressividade com passagens atmosféricas, sem jamais perder o foco na construção narrativa das músicas. Embora a complexidade estrutural exija atenção do ouvinte, a recompensa é um álbum rico em detalhes e capaz de revelar novas nuances a cada audição.

A abertura, The Only Way, estabelece imediatamente essa proposta. Uma introdução de inspiração oriental cria um clima de expectativa antes de a banda mergulhar em uma avalanche de riffs pesados, mudanças rítmicas constantes e linhas melódicas sinuosas. O refrão, sustentado por discretas camadas de vozes, amplia a dimensão épica da composição sem comprometer sua agressividade. Logo nos primeiros minutos, o Noveria deixa claro que não pretende oferecer um power metal convencional. As frequentes mudanças de andamento e as estruturas pouco previsíveis podem desafiar ouvintes menos familiarizados com o metal progressivo, mas revelam uma composição cuidadosamente arquitetada, cuja complexidade jamais soa gratuita.

O primeiro single, Convicted To Rise, preserva essa identidade enquanto adiciona uma abordagem mais direta. A introdução veloz remete ao power metal europeu, mas rapidamente cede espaço a versos cadenciados, impulsionados pelo intenso trabalho de bumbo duplo e por riffs que sustentam toda a arquitetura da música. As melodias vocais evitam soluções óbvias, dialogando constantemente com o instrumental em vez de simplesmente acompanhá-lo. O refrão surge como um dos primeiros grandes momentos do álbum, reunindo peso, melodia e forte apelo emocional. Mesmo cercadas por inúmeras camadas de teclados, são as guitarras que continuam conduzindo a narrativa musical, preservando a contundência característica do grupo.

Com Echoes From The Abyss, o álbum assume contornos ainda mais obscuros. Os arranjos sinfônicos, cuidadosamente integrados aos teclados, ampliam a atmosfera cinematográfica enquanto o lado progressivo da banda ganha protagonismo. O power metal permanece presente, mas atua muito mais como elemento de apoio, ressurgindo apenas durante um refrão vigoroso que rompe a tensão construída ao longo dos versos. A interpretação vocal acompanha essa mudança de atmosfera com uma abordagem mais contida e incisiva, utilizando os backing vocals apenas quando realmente contribuem para a construção emocional da faixa. Em diversos momentos, a influência de James LaBrie torna-se perceptível, não como simples imitação, mas como referência assimilada dentro da personalidade do vocalista.

A quarta faixa, Cold Flames, recoloca a intensidade no centro da experiência sonora. A participação do tecladista Mistheria (Bruce Dickinson, Vivaldi Metal Project) adiciona ainda mais virtuosismo a uma composição marcada por velocidade, elementos orientais e grande riqueza instrumental. A execução dos músicos impressiona pela precisão técnica, enquanto os backing vocals reforçam o caráter grandioso do refrão. É justamente nessa exuberância que aparece um dos poucos pontos discutíveis do álbum: em alguns trechos, a produção concentra tantas camadas instrumentais simultaneamente que a definição individual dos instrumentos acaba comprometida, criando uma parede sonora excessivamente densa. Ainda assim, a inclusão de vocais guturais quebra a linearidade do disco de maneira eficiente, acrescentando novas texturas sem descaracterizar a proposta do grupo. O solo de teclado de Mistheria dialoga com naturalidade com a guitarra, formando um dos momentos instrumentais mais inspirados desta primeira metade do trabalho.

A segunda metade de Becoming After inicia-se com The Viper's Nest, uma composição que altera sensivelmente o ritmo do álbum sem comprometer sua coesão estética. Uma introdução carregada de efeitos eletrônicos e texturas de teclado antecede a entrada de guitarras densas e um andamento significativamente mais cadenciado. Logo nos primeiros compassos, a banda surpreende ao inserir um solo de guitarra antes mesmo do desenvolvimento completo da música, recurso pouco convencional que reforça a atmosfera teatral da composição. O resultado é uma faixa de construção gradual, marcada por tensão constante e por um equilíbrio convincente entre peso e sofisticação. Os versos exploram harmonias mais sombrias e uma dinâmica menos explosiva, permitindo que os arranjos respirem antes da chegada de um refrão poderoso, no qual melodia e agressividade convivem de forma natural. As mudanças de andamento, típicas da linguagem progressiva do grupo, surgem sempre a serviço da narrativa musical, jamais como demonstrações gratuitas de virtuosismo. É uma das composições mais ousadas do disco e evidencia a maturidade alcançada pelo Noveria como compositor, privilegiando atmosferas e construção dramática em vez da simples exibição técnica.

Infinite Horizons devolve parte da velocidade característica do álbum através de uma elegante introdução eletrônica revestida por arranjos sinfônicos. A partir daí, guitarras e teclados dividem protagonismo em uma faixa que se aproxima mais do power metal tradicional, embora jamais abandone os elementos progressivos que definem a personalidade da banda. A estrutura é relativamente mais acessível, conduzida por um refrão amplo e memorável, capaz de oferecer um dos momentos mais imediatos de todo o trabalho. Mesmo mantendo frequentes mudanças rítmicas e passagens instrumentais elaboradas, a composição flui com naturalidade, demonstrando que o Noveria também domina a arte de escrever músicas diretas sem abrir mão da sofisticação. Ainda assim, reaparece um aspecto recorrente ao longo do álbum: em determinados trechos, a quantidade de camadas instrumentais torna a mixagem excessivamente compacta, reduzindo a definição entre guitarras, teclados e orquestrações. Felizmente, trata-se de uma questão pontual que pouco compromete a qualidade da composição, sustentada por excelentes melodias e um trabalho instrumental consistente.

O clima muda novamente com The Hero, certamente uma das peças mais elegantes e emocionalmente envolventes do álbum. A participação do lendário pianista e compositor Mike Moran (Freddie Mercury, Ozzy Osbourne) acrescenta um refinamento especial à composição, cujo piano assume papel central durante boa parte da execução. Diferentemente das faixas anteriores, aqui a banda opta por privilegiar a construção emocional antes da intensidade sonora, permitindo que voz, piano e discretas camadas de teclados conduzam a narrativa até que o restante da instrumentação seja incorporado de forma gradual. Essa escolha confere à música um caráter quase cinematográfico. O vocal interpreta a melodia com grande sensibilidade, sustentado por harmonias cuidadosamente elaboradas, enquanto os backing vocals ampliam o impacto emocional do refrão sem jamais soar excessivos. Quando guitarras, baixo e bateria finalmente assumem protagonismo, fazem-no com notável elegância, preservando a atmosfera contemplativa construída desde os primeiros compassos. É uma composição que demonstra outra faceta do Noveria: menos preocupada em impressionar pela velocidade ou pela técnica e muito mais interessada em desenvolver emoção através da dinâmica e da textura sonora. O resultado é uma das canções mais maduras e bem construídas de Becoming After.

O retorno à identidade mais tradicional da banda acontece com Heavenfall, que recoloca peso, velocidade e complexidade rítmica em primeiro plano. Desde os primeiros riffs, percebe-se a retomada da combinação entre power metal e metal progressivo que norteia todo o disco. Entretanto, a faixa reserva algumas surpresas ao conceder maior protagonismo à cozinha rítmica, permitindo que baixo e bateria conduzam determinadas passagens com criatividade incomum dentro do álbum, normalmente dominado pelas guitarras. O refrão volta a explorar os característicos coros que permeiam praticamente todo o trabalho, reforçando sua grandiosidade sem cair na previsibilidade. Embora não represente uma ruptura dentro da sequência do álbum, Heavenfall desempenha um papel importante ao reafirmar a consistência da identidade sonora construída pelo Noveria. Em vez de buscar inovação a qualquer custo, a banda prefere consolidar os elementos que fazem de Becoming After uma obra coesa, demonstrando plena confiança na linguagem musical que desenvolveu ao longo de sua carreira.

A reta final de Becoming After começa com Radiance, uma das faixas mais explosivas do disco. A introdução é direta e contundente, impulsionada por riffs agressivos e uma bateria que imprime velocidade desde os primeiros segundos. A aparente simplicidade inicial, entretanto, dura pouco. Como já se tornou marca registrada do Noveria, a composição rapidamente rompe qualquer previsibilidade ao alternar passagens de enorme intensidade com momentos mais contidos, nos quais apenas voz e teclados conduzem a narrativa antes do retorno da instrumentação completa. Essa dinâmica entre tensão e alívio funciona de maneira particularmente eficiente, mantendo a música em constante movimento e impedindo que sua longa duração se torne excessiva. Os backing vocals voltam a desempenhar papel fundamental na construção do refrão, conferindo imponência sem obscurecer a melodia principal. Ainda que a faixa não apresente grandes novidades em relação ao restante do álbum, ela sintetiza com competência praticamente todos os elementos que definem a identidade do Noveria: riffs pesados, estruturas progressivas, melodias marcantes e uma produção de forte caráter cinematográfico. Ao mesmo tempo, reforça uma pequena limitação perceptível ao longo do trabalho: a busca constante por densidade sonora faz com que algumas composições compartilhem uma paleta tímbrica muito semelhante, reduzindo ligeiramente a sensação de contraste entre elas.

A faixa-título, Becoming After, encerra o álbum com a grandiosidade que uma obra dessa natureza exige. Um delicado tema de violino abre caminho para arranjos sinfônicos cada vez mais elaborados, preparando o terreno para uma interpretação vocal carregada de dramaticidade e enriquecida por elementos operísticos. É uma introdução que imediatamente diferencia a composição de tudo o que veio antes, estabelecendo uma atmosfera quase cinematográfica antes mesmo da entrada das guitarras. À medida que a música evolui, a banda conduz o ouvinte por diferentes climas sem perder a unidade narrativa. Os coros alcançam aqui sua utilização mais impactante de todo o disco, ampliando a sensação épica sem resvalar na pompa excessiva. A combinação entre orquestrações, riffs pesados e melodias cuidadosamente construídas transforma a faixa em um verdadeiro resumo da proposta artística apresentada ao longo de todo o álbum. Em vez de apostar em um encerramento explosivo, o Noveria prefere concluir sua jornada enfatizando emoção, dramaticidade e sofisticação, oferecendo um desfecho que recompensa a atenção dedicada ao disco desde seus primeiros minutos.

Becoming After representa um passo importante na evolução artística do Noveria. Sem abandonar as bases que definiram sua identidade ao longo dos trabalhos anteriores, a banda amplia significativamente seu vocabulário musical ao explorar atmosferas mais densas, estruturas mais elaboradas e uma abordagem emocional muito mais evidente. O equilíbrio entre metal progressivo, power metal, música sinfônica e elementos cinematográficos resulta em um álbum ambicioso, tecnicamente impressionante e, na maior parte do tempo, plenamente bem-sucedido.

Nem tudo, entretanto, funciona com a mesma eficiência. Em determinados momentos, a produção privilegia tanto o impacto das inúmeras camadas instrumentais que sacrifica parte da definição da mixagem, criando uma parede sonora que dificulta distinguir alguns detalhes das excelentes performances individuais. Da mesma forma, a forte coesão estética do álbum, embora seja uma de suas maiores virtudes, também reduz parcialmente a sensação de variedade entre determinadas faixas, exigindo maior dedicação do ouvinte para perceber as sutilezas presentes nos arranjos.

Ainda assim, esses aspectos jamais comprometem a qualidade do conjunto. O maior mérito de Becoming After reside justamente na consistência com que o Noveria executa sua proposta artística. Em vez de buscar protagonismo através de demonstrações gratuitas de virtuosismo, a banda coloca sua extraordinária capacidade técnica a serviço da composição, fazendo com que cada músico contribua para um resultado coletivo muito superior à soma de suas partes. Não há espaço para exibicionismos individuais: o verdadeiro destaque é o impressionante entrosamento entre os integrantes e a clareza com que todos trabalham em favor da narrativa musical.

Longe de agradar exclusivamente aos apreciadores do power metal tradicional, Becoming After é um álbum pensado para ouvintes que valorizam composições complexas, arranjos sofisticados e uma abordagem progressiva que privilegia atmosfera tanto quanto técnica. Exigente, denso e repleto de detalhes, o quinto trabalho do Noveria reafirma a banda entre os nomes mais interessantes da atual cena europeia do metal progressivo, consolidando uma identidade artística cada vez mais sólida e apontando para um futuro extremamente promissor.

***ENGLISH VERSION***

Few bands in today’s progressive metal landscape display such a clear sense of identity as Italy’s Noveria. Throughout their career, the band has steadily refined a sound that merges the technical sophistication of progressive metal with the melodic drive of power metal and the cinematic grandeur of modern symphonic arrangements. On Becoming After, their fifth studio album, that formula reaches its most mature and ambitious expression yet, resulting in a darker, emotionally richer record where crushing heaviness, intricate musicianship and memorable melodies coexist with remarkable confidence.

Backed by pristine production, a renewed line-up and an impressive list of guest musicians, Becoming After finds Noveria pushing beyond familiar territory without sacrificing the distinctive sound they have spent years cultivating. Rather than relying on technical fireworks for their own sake, the band channels its considerable instrumental ability into compositions that constantly evolve, balancing aggression, atmosphere and emotional depth. While the album's complexity demands the listener's full attention, its carefully layered arrangements reveal new details with every spin.

Opening track The Only Way immediately establishes the album's identity. An evocative Middle Eastern-inspired introduction gradually gives way to thunderous riffs, intricate rhythmic shifts and soaring melodic lines, effortlessly blending progressive complexity with power metal intensity. The chorus, reinforced by carefully layered vocal harmonies, delivers the first truly anthemic moment of the record without diluting its aggressive edge.

From the outset, Noveria make it clear that Becoming After is far removed from traditional European power metal. Frequent tempo changes, unconventional song structures and constantly evolving arrangements may challenge listeners expecting straightforward hooks, yet every twist feels purposeful. Rather than showcasing technical ability for its own sake, the band uses complexity as a compositional tool, allowing each section to flow naturally into the next while maintaining a strong emotional narrative.

First single Convicted To Rise continues along that path while offering one of the album's more immediate moments. A blistering opening recalls classic European power metal before settling into tightly controlled, groove-oriented verses driven by relentless double bass drumming and muscular guitar work. The vocal melodies refuse to follow predictable patterns, weaving through the instrumental landscape with confidence and sophistication. When the chorus finally arrives, it delivers exactly the kind of cinematic payoff the previous sections have been building towards. Massive vocal arrangements elevate the melody while the guitars remain firmly at the centre of the mix, preventing the keyboards from overwhelming the song despite their prominent presence. It's a perfect example of how Noveria manage to combine technical ambition with genuine songwriting instincts.

With Echoes From The Abyss, the album embraces an even darker atmosphere. Symphonic textures become increasingly prominent, expanding the cinematic scope while the progressive side of the band's identity takes centre stage. Here, power metal elements retreat into the background, resurfacing primarily during a powerful chorus that provides a satisfying release after the restrained tension of the verses. The vocal performance mirrors the composition's mood perfectly. Instead of relying on constant harmonies, the lead vocals adopt a more forceful, controlled delivery, with backing vocals used sparingly to maximise emotional impact. Throughout the song, echoes of James LaBrie's phrasing occasionally emerge, not as imitation but as a natural influence absorbed into the singer's own expressive style.

Cold Flames injects fresh momentum into the record while introducing one of its most exciting collaborations. Featuring acclaimed keyboard virtuoso Mistheria (Bruce Dickinson, Vivaldi Metal Project), the song revisits the Middle Eastern flavours heard earlier while pushing the band's technical prowess to its limits. Every musician performs at an exceptionally high level, yet the composition never loses sight of melody or structure. The chorus benefits from rich vocal harmonies that further reinforce the album's cinematic character, while Mistheria's dazzling keyboard solo intertwines seamlessly with the guitar lead, creating one of the record's finest instrumental exchanges. The addition of harsh vocals also provides a welcome change of texture, preventing the album from becoming too stylistically uniform. If there is one recurring criticism at this stage, it lies within the production itself. On occasion, the sheer number of simultaneous instrumental layers results in an exceptionally dense wall of sound, slightly reducing the separation between guitars, keyboards and orchestral arrangements. It is a minor issue rather than a major flaw, but one that occasionally prevents the outstanding musicianship from being appreciated in full detail.

The album's second half begins with The Viper's Nest, a track that deliberately shifts the record's momentum without disrupting its overall cohesion. Layers of atmospheric keyboards and electronic textures create an ominous introduction before dense guitar riffs emerge, leading the listener into one of the album's slowest and heaviest compositions. In a refreshing twist, Noveria introduces an expressive guitar solo almost immediately, subverting conventional song structures and reinforcing the track's theatrical character. Built around gradual development rather than instant impact, The Viper's Nest thrives on tension. The verses unfold with calculated restraint, allowing the arrangement to breathe before exploding into a chorus that perfectly balances melodic accessibility with crushing heaviness. Throughout the song, tempo changes and progressive twists never feel self-indulgent; instead, they serve the composition's dramatic arc, demonstrating a band more interested in storytelling than technical exhibitionism. It's also one of the clearest examples of Noveria's artistic maturity. Rather than overwhelming the listener with constant displays of virtuosity, the band carefully controls dynamics, creating an atmosphere where every instrumental flourish has genuine purpose. The result is one of the album's most sophisticated and rewarding compositions.

Infinite Horizons restores much of the album's forward momentum through an elegant combination of symphonic textures, electronic ambience and explosive guitar work. Its cinematic introduction quickly gives way to one of the record's most accessible songs, where power metal takes a more prominent role without ever abandoning the progressive framework that defines Noveria's identity. Although rhythm changes and intricate instrumental passages remain integral to the arrangement, the song is driven by an immediately memorable chorus that ranks among the strongest on the album. The balance between technical complexity and melodic clarity is particularly effective here, proving that the band can write direct, emotionally engaging material without compromising its musical ambitions. One familiar issue does resurface during some of the busier instrumental passages. The dense layering of guitars, keyboards and orchestral arrangements occasionally compresses the overall soundstage, making individual performances slightly less distinct than they deserve. Fortunately, these moments are relatively brief and do little to diminish the strength of an otherwise outstanding composition.

The atmosphere changes dramatically with The Hero, arguably the album's emotional centrepiece. Featuring legendary pianist and composer Mike Moran (Freddie Mercury, Ozzy Osbourne), the song reveals a more restrained and introspective side of Noveria's songwriting. Rather than relying on speed or technical fireworks, the band allows emotion to dictate the pace, building the arrangement gradually around Moran's elegant piano performance. The opening passages are remarkably understated, with voice, piano and subtle keyboard textures carrying much of the emotional weight before the remaining instruments slowly enter the mix. This careful sense of progression gives the song an almost cinematic quality, allowing each new instrumental layer to enhance rather than overwhelm the composition. The vocal performance is particularly impressive, delivering one of the album's most heartfelt interpretations. Rich backing harmonies elevate the chorus without sacrificing intimacy, while beautifully textured rhythm guitars add warmth and depth to the arrangement. When the full band finally joins in, the transition feels completely organic, transforming what begins as a reflective ballad into a powerful progressive metal anthem without losing its emotional core. Far from being a simple power ballad, The Hero showcases another dimension of Noveria's songwriting—one built upon atmosphere, patience and emotional resonance rather than sheer instrumental intensity. It stands comfortably among the album's finest moments.

Heavenfall marks a return to the band's signature blend of aggressive power metal and sophisticated progressive arrangements. From the opening riffs, the pace accelerates once again as intricate rhythmic shifts and razor-sharp guitar work restore the album's heavier edge. Yet despite its intensity, the song introduces subtle variations that prevent the formula from becoming repetitive. Most notably, the rhythm section enjoys greater prominence than on many of the previous tracks. Bass and drums are allowed to drive several passages with remarkable creativity, demonstrating that Noveria's considerable musicianship extends well beyond its impressive guitar and keyboard interplay. The chorus once again embraces the layered vocal harmonies that have become one of the album's defining characteristics, delivering another memorable melodic hook while preserving the band's trademark cinematic scale. Although Heavenfall doesn't radically expand the musical vocabulary established earlier in the record, it reinforces the remarkable consistency of Becoming After, proving that Noveria's greatest strength lies not in constant reinvention, but in the confidence with which they execute their own artistic vision.

The album's final stretch opens with Radiance, one of Becoming After's most immediate and hard-hitting compositions. Explosive guitar riffs and relentless drumming establish an aggressive tone from the very first seconds, but, true to Noveria compositional philosophy, the apparent straightforwardness quickly gives way to a far more dynamic musical journey. The band masterfully alternates between crushing, full-band assaults and sparse, atmospheric passages led only by vocals and keyboards, creating an engaging ebb and flow that keeps the listener invested throughout the song. This constant interplay between tension and release prevents the arrangement from becoming predictable while highlighting the group's impressive command of dynamics. The chorus once again delivers the cinematic grandeur that has become one of the album's defining characteristics. Rich vocal harmonies expand the emotional scope without overshadowing the lead melody, resulting in one of the record's strongest hooks. Although Radiance introduces few entirely new ideas, it effectively encapsulates everything that defines Becoming After—technical precision, progressive sophistication, memorable melodies and an unwavering commitment to atmosphere. At the same time, it also reinforces one of the album's few recurring weaknesses. Noveria's pursuit of a consistently massive sonic landscape occasionally works against the music itself, as the dense production leaves little room for contrast between some of the individual tracks. While each composition possesses its own identity, the overall tonal palette can feel somewhat uniform across the album's running time.

The title track, Becoming After, provides a fittingly majestic conclusion. A delicate violin melody introduces the composition before gradually unfolding into sweeping orchestral arrangements and an inspired vocal performance enriched by operatic textures. From its opening moments, the song immediately distinguishes itself from everything that has preceded it, establishing a sense of grandeur that perfectly suits the album's closing chapter. As the arrangement develops, Noveria effortlessly guides the listener through multiple emotional landscapes without sacrificing cohesion. The orchestration is particularly impressive, never functioning as mere decoration but instead becoming an integral part of the composition's dramatic architecture. Layered choirs reach their emotional peak here, enhancing the cinematic atmosphere while avoiding unnecessary excess or bombast.

Rather than ending the album with sheer speed or technical spectacle, the band chooses a far more rewarding approach. Becoming After closes on a note of emotional resonance, allowing melody, atmosphere and storytelling to take precedence over instrumental fireworks. It is a mature and remarkably satisfying finale that encapsulates the artistic vision behind the entire record. With Becoming After, Noveria deliver what is arguably the most complete statement of their career to date. Without abandoning the musical identity established across previous releases, the Italian quintet expands its creative vocabulary through darker atmospheres, richer orchestration and compositions that place emotional impact on equal footing with technical excellence. The fusion of progressive metal, modern power metal and cinematic symphonic elements feels entirely organic, resulting in an album that is both intellectually engaging and emotionally rewarding.

The record is not entirely without flaws. At times, the production favours sheer density over transparency, allowing its many instrumental layers to merge into an imposing but occasionally overcompressed wall of sound. Likewise, the album's remarkable stylistic consistency—one of its greatest strengths—can also become a double-edged sword, as the limited tonal variation between certain tracks slightly reduces their individual impact during a single uninterrupted listen. These minor reservations, however, do little to diminish the overall achievement. What truly elevates Becoming After is Noveria's unwavering commitment to serving the songs rather than showcasing individual virtuosity. Every musician performs at an exceptionally high level, yet technical brilliance is never presented as an end in itself. Instead, each performance contributes to a collective musical vision that consistently prioritises composition, atmosphere and emotional storytelling.

This is not an album designed for listeners seeking conventional European power metal or instantly digestible anthems. Becoming After demands patience, concentration and repeated listening, rewarding those willing to immerse themselves in its intricate arrangements and carefully crafted emotional landscapes. Challenging without becoming inaccessible, ambitious without descending into self-indulgence, it firmly establishes Noveria among the most compelling contemporary acts in progressive metal.

Michela Polito

Paul Laine: Talento Acima da Nostalgia (Also In English)

Frontiers Records (Imp.)

Por Flavio Borges 

Poucos vocalistas conseguiram atravessar as diferentes fases do hard rock melódico mantendo a credibilidade artística de Paul Laine. Conhecido tanto por sua passagem pelo Danger Danger quanto pelo trabalho desenvolvido nas últimas décadas como compositor, produtor e integrante do The Defiants, o canadense retorna à carreira solo com The Long Road Back, um álbum que reafirma sua identidade sem recorrer ao artifício mais comum entre artistas veteranos: viver exclusivamente da nostalgia.

O título do disco é apropriado. Trata-se de um retorno às origens, mas não de um retrocesso. Paul Laine revisita a linguagem que ajudou a definir sua carreira, incorporando a experiência acumulada ao longo dos anos para entregar um trabalho que soa familiar sem parecer ultrapassado. O resultado é um álbum que respeita as convenções do melodic rock, mas encontra espaço para dialogar com uma produção contemporânea, equilibrando guitarras encorpadas, teclados discretos e uma sonoridade limpa que privilegia as canções.

Desde a abertura com "Love Me Or Leave Me", fica evidente que a prioridade nunca é o virtuosismo gratuito. Os riffs são diretos, os refrãos surgem com naturalidade e cada arranjo existe para fortalecer a composição. Ao longo do repertório, músicas como "Come Back To Me", "Save Me Saturday Night" e "The Ones That Got Away" reafirmam a habilidade de Laine para construir melodias que permanecem na memória muito depois do término da audição, característica cada vez mais rara em um gênero que, muitas vezes, privilegia a técnica em detrimento da composição.

O álbum também demonstra inteligência ao variar sua dinâmica. As baladas "Someday", composta em parceria com Andrew Oye, "Heaven And Earth Collide" e a emocionante "Now That You Don't Love Me Anymore" evitam o sentimentalismo excessivo e funcionam como momentos de respiro dentro de um repertório predominantemente energético. São interpretações sustentadas menos pelo impacto instrumental e mais pela capacidade de Paul Laine de transmitir emoção com naturalidade, qualidade que continua sendo seu maior diferencial.

Entre os momentos mais interessantes está "Her Name Is Trouble", talvez a faixa que melhor sintetize a proposta do disco. A música introduz elementos modernos na produção, explora texturas diferentes nas guitarras e nos vocais e adiciona uma dose de groove pouco comum ao restante do repertório. Ainda assim, jamais rompe com a identidade do álbum, demonstrando que é possível atualizar a linguagem do hard rock sem descaracterizá-la.

Outro aspecto digno de destaque é a qualidade da banda de apoio. Andrew Oye mostra maturidade ao evitar protagonismo desnecessário, entregando solos elegantes e riffs sempre a serviço das músicas. Bruno Ravel e Scotty "Hooch" Taylor formam uma base sólida, precisa e discreta, sustentando as composições sem competir pelo centro das atenções. Essa abordagem coletiva faz com que o álbum soe coeso do início ao fim, característica que nem sempre está presente em lançamentos contemporâneos do gênero.

Se há um ponto passível de discussão, é justamente a ausência de maiores riscos criativos. The Long Road Back raramente se afasta da zona de conforto do melodic rock tradicional. Quem espera mudanças radicais ou experimentações provavelmente encontrará um álbum excessivamente seguro. Entretanto, essa aparente limitação transforma-se, em grande medida, em uma virtude. Em vez de tentar reinventar um estilo cuja essência reside justamente na força das melodias, Paul Laine aposta na excelência da composição, na elegância dos arranjos e na consistência da execução.

Mais do que buscar inovação a qualquer custo, The Long Road Back demonstra que o melodic rock continua relevante quando interpretado por artistas que compreendem profundamente sua linguagem. Paul Laine não tenta competir com tendências passageiras nem revisitar o passado de forma oportunista. Ele simplesmente entrega um conjunto de canções extremamente bem escritas, interpretadas com personalidade e produzidas com refinamento.

Em um mercado cada vez mais dominado por lançamentos descartáveis, The Long Road Back destaca-se justamente por sua capacidade de resistir ao tempo. É um disco que cresce a cada audição, revelando detalhes nos arranjos, nas harmonias vocais e na construção melódica. Sem alarde, Paul Laine reafirma por que continua sendo uma das vozes mais elegantes e confiáveis do hard rock melódico contemporâneo, entregando um dos trabalhos mais sólidos de sua carreira solo e um forte candidato a figurar entre os melhores lançamentos do gênero em 2026.

***ENLGISH VERSION***

Few vocalists have navigated the ever-changing landscape of melodic hard rock with the artistic credibility and consistency of Paul Laine. Best known for his tenure with Danger Danger, as well as his acclaimed work as a songwriter, producer, and frontman of The Defiants, the Canadian singer returns to his solo career with The Long Road Back—an album that reaffirms his musical identity without relying on the easy comfort of nostalgia.

The title couldn't be more fitting. Rather than looking backward, Laine revisits the foundations of his career through the lens of experience, delivering a record that feels unmistakably classic while remaining refreshingly relevant. Rooted in the golden era of melodic rock, The Long Road Back successfully blends timeless songwriting with modern production values, striking an elegant balance between soaring melodies, muscular guitar work, tasteful keyboards, and immaculate studio craftsmanship.

From the opening moments of "Love Me Or Leave Me", it becomes clear that this is an album driven by songs rather than technical exhibitionism. The riffs are immediate, the hooks arrive effortlessly, and every arrangement serves the composition rather than competing for attention. Tracks such as "Come Back To Me", "Save Me Saturday Night", and "The Ones That Got Away" showcase Laine's enduring gift for writing memorable choruses—an increasingly rare quality in a genre where technical proficiency too often overshadows genuine songwriting.

One of the album's greatest strengths lies in its pacing. Ballads such as "Someday", co-written with Andrew Oye, alongside "Heaven And Earth Collide" and the emotionally charged closing track "Now That You Don't Love Me Anymore", provide welcome breathing space without ever disrupting the record's momentum. Rather than descending into predictable power-ballad clichés, these songs succeed through restraint, allowing Laine's expressive vocal performance to take centre stage. Decades into his career, his voice retains not only remarkable power but also a warmth and emotional nuance that few of his contemporaries can still command.

Among the album's most compelling moments is "Her Name Is Trouble", arguably the record's boldest statement. Modern production textures, heavier guitar tones and subtle electronic flourishes inject fresh energy into the album while never compromising its melodic DNA. It stands as proof that contemporary influences can enhance classic hard rock rather than dilute it when handled with this level of confidence and taste.

The supporting musicians deserve equal recognition. Guitarist Andrew Oye delivers tasteful solos and muscular riffs without ever slipping into unnecessary excess, while bassist Bruno Ravel and drummer Scotty "Hooch" Taylor provide an exceptionally tight rhythmic foundation that anchors every song. Their collective approach reinforces one of the album's defining qualities: cohesion. Nothing feels forced, overproduced or self-indulgent; every musical decision serves the songs.

If The Long Road Back has one arguable weakness, it is its reluctance to push beyond the established boundaries of melodic rock. Listeners expecting radical experimentation or stylistic reinvention may find the album deliberately conservative. Yet that apparent limitation ultimately becomes one of its greatest virtues. Rather than chasing contemporary trends or attempting to reinvent a genre that has always thrived on exceptional songwriting, Paul Laine focuses on perfecting the elements that made melodic rock so enduring in the first place.

In an era increasingly dominated by disposable releases and short-lived musical trends, The Long Road Back distinguishes itself through craftsmanship, authenticity and remarkable consistency. It is an album that reveals new details with every listen, rewarding careful attention through layered vocal harmonies, refined arrangements and effortlessly memorable melodies.

More than simply marking a return to his solo career, The Long Road Back reaffirms Paul Laine's standing as one of melodic hard rock's most dependable and accomplished voices. Without chasing nostalgia or modern trends, he delivers a collection of songs that feels both timeless and vital—arguably one of the strongest melodic rock releases of 2026 and a compelling reminder that great songwriting will always outlast fashion.

Dee Oliver

Gary John Barden: Ainda Há Muito a Dizer (Also In English)

Frontiers Records (Imp.)

Por Flavio Borges

Poucos vocalistas conseguem atravessar mais de quatro décadas de carreira mantendo a identidade artística intacta. Gary John Barden é um deles. Eternizado como a voz dos álbuns clássicos do Michael Schenker Group, o cantor britânico construiu uma trajetória marcada pela elegância interpretativa e por um timbre que sempre privilegiou melodia e emoção em detrimento do exibicionismo. Em Empowered Emotions, Barden reafirma exatamente essas qualidades ao lado do produtor, compositor e multi-instrumentista Michael Voss, entregando um trabalho que celebra o hard rock melódico europeu sem soar preso ao passado.

O álbum reúne um verdadeiro elenco de luxo. Don Airey, Michael Schenker, Tommy Denander, Brian Tichy, Barry Sparks e Alen Brentini surgem como convidados especiais, mas sem jamais desviar o foco do protagonista. Cada participação serve à música, enriquecendo arranjos cuidadosamente construídos por Voss, cuja produção combina sonoridade moderna, timbres orgânicos e uma dinâmica que privilegia as canções acima do virtuosismo. O resultado é um disco elegante, coeso e repleto de personalidade, que encontra o equilíbrio entre tradição e contemporaneidade.

A breve Barden's Overture funciona como uma introdução cinematográfica, preparando o terreno para Maasai Enkai, primeira composição completa do álbum. A utilização de percussões de inspiração africana confere identidade imediata à faixa antes mesmo da entrada das guitarras, criando um contraste interessante entre elementos étnicos e o hard rock clássico que domina sua estrutura. Tommy Denander entrega um solo técnico sem cair na tentação do excesso, enquanto Barry Sparks imprime enorme peso ao baixo, sustentando uma base sólida e pulsante. À medida que a composição evolui, novos elementos são adicionados com naturalidade, aumentando gradualmente a tensão até alcançar um desfecho convincente. É uma abertura forte, sofisticada e capaz de prender a atenção desde os primeiros minutos.

Na sequência, Hit The Ground Running aposta em uma abordagem mais direta. O groove construído pelo baixo de Michael Voss e pela bateria precisa de Gereon Homann conduz a música com eficiência, enquanto Barden encontra espaço para explorar linhas vocais extremamente confortáveis ao seu registro. A produção evita exageros, permitindo que cada instrumento respire dentro da mixagem. A simplicidade estrutural acaba se tornando justamente uma de suas maiores virtudes: sem recorrer a grandes surpresas, a faixa conquista pela competência dos arranjos e pela naturalidade com que desenvolve seu refrão.

A faixa-título, Empowered Emotions, representa um dos pontos centrais do álbum. A participação de Don Airey acrescenta um brilho especial graças ao inconfundível Hammond que permeia toda a composição, estabelecendo um diálogo constante com as guitarras. A atmosfera remete ao hard rock melódico dos anos 1980, mas a produção contemporânea impede qualquer sensação de saudosismo excessivo. O refrão surge de maneira orgânica, sustentado por uma melodia elegante e extremamente acessível, enquanto o solo de teclado conduz com naturalidade a entrada da guitarra solo, criando uma transição exemplar. É uma composição que sintetiza perfeitamente a proposta do disco: tradição, bom gosto e execução impecável.

Burning Wind eleva novamente a intensidade. Mais veloz e agressiva, apresenta Michael Voss e Gereon Homann formando uma base rítmica extremamente consistente, permitindo que Gary John Barden conduza a música com absoluta segurança. As mudanças de dinâmica ao longo da composição evitam qualquer sensação de monotonia e tornam o refrão ainda mais impactante. O solo de guitarra surge exatamente quando a narrativa pede maior tensão, encaixando-se de forma orgânica na estrutura da música. A inclusão de discretas camadas de metais sintetizados amplia a densidade dos arranjos sem comprometer a sonoridade orgânica da produção, demonstrando o cuidado de Michael Voss em enriquecer cada detalhe da mixagem.

No conjunto, essas primeiras faixas deixam clara a principal característica de Empowered Emotions: trata-se de um álbum que não busca reinventar o hard rock melódico, mas sim aperfeiçoar sua fórmula por meio de composições sólidas, interpretações maduras e uma produção extremamente refinada. Em vez de apostar apenas na nostalgia, Gary John Barden demonstra que ainda possui repertório, voz e sensibilidade suficientes para produzir um trabalho relevante dentro do cenário atual do gênero.

Um dos momentos mais aguardados de Empowered Emotions é Dark Water, não apenas pela qualidade da composição, mas pela reunião entre Gary John Barden e Michael Schenker, uma parceria que ajudou a definir parte da história do hard rock europeu. Felizmente, a expectativa é plenamente correspondida. Schenker evita qualquer demonstração gratuita de virtuosismo e entrega exatamente aquilo que sempre o distinguiu: frases melódicas, timbres impecáveis e um senso de construção que transforma cada nota em extensão da própria canção. A música adota um andamento cadenciado que valoriza sua atmosfera introspectiva. O riff principal transmite peso sem abrir mão da elegância, enquanto os teclados acrescentam profundidade ao arranjo sem competir com as guitarras. Gary interpreta os versos com notável controle emocional, explorando nuances que evidenciam sua maturidade vocal. O refrão, embora simples em sua estrutura, revela-se extremamente eficiente justamente por privilegiar a força da interpretação em vez de buscar efeitos grandiosos. O solo de Schenker surge como o ápice natural da composição: melódico, expressivo e carregado de personalidade. É uma faixa que sintetiza perfeitamente a química entre dois músicos cuja história permanece indissociável do hard rock melódico.

Se Dark Water aposta na emoção contida, Ride Horsemen Ride amplia imediatamente a escala da narrativa. A abertura com coros de inspiração gregoriana seguida por uma explosão instrumental cria um clima cinematográfico que remete ao heavy rock clássico sem perder identidade própria. Logo depois, a música assume uma pulsação vigorosa conduzida por um excelente trabalho da cozinha rítmica, enquanto Alen Brentini entrega guitarras cheias de energia e precisão. O refrão possui forte apelo melódico, sustentado por backing vocals cuidadosamente distribuídos ao redor da voz principal, sem jamais ofuscar a interpretação de Barden. Outro ponto digno de destaque é o uso criterioso de efeitos vocais, empregados apenas para ampliar a atmosfera épica da composição. O encerramento com arranjos sinfônicos de teclado acrescenta imponência à faixa e demonstra novamente a preocupação de Michael Voss em construir músicas que evoluem continuamente, evitando estruturas previsíveis.

Em seguida surge This Phoenix's Gonna Burn Ya, talvez uma das composições mais acessíveis do disco. A influência de nomes como Bad Company aparece de maneira bastante evidente, principalmente na construção do groove e na abordagem mais bluesy das guitarras. Ainda assim, a música preserva a identidade melódica característica de Barden, transitando naturalmente entre o hard rock clássico e o AOR. A melodia vocal é extremamente cativante, conduzindo versos e refrão com espontaneidade. O trio formado por Gary John Barden, Michael Voss e Gereon Homann demonstra absoluta sintonia, oferecendo uma base sólida sobre a qual guitarras e teclados podem trabalhar sem excessos. O solo surge no momento exato, valorizado pelo excelente suporte da seção rítmica, enquanto a produção mantém todos os elementos perfeitamente equilibrados na mixagem. Não é uma faixa que busca surpreender, mas sim reafirmar a capacidade do álbum em construir canções consistentes e memoráveis.

Após essa sequência intensa, Let The Children Play funciona como um delicado momento de respiro. Muito mais do que um simples interlúdio, trata-se de uma composição elegante que demonstra sensibilidade na construção de atmosferas. Violão, baixo e teclados estabelecem uma ambientação quase acústica antes que um belo solo de guitarra conduza naturalmente a entrada de Gary John Barden, que praticamente resume toda a mensagem da música em uma única frase. É justamente essa economia de elementos que faz da faixa um dos momentos mais sofisticados do álbum. Em vez de recorrer à grandiosidade, aposta na delicadeza dos arranjos e na força da interpretação, funcionando como uma ponte emocional para a reta final do disco.

A mudança de clima acontece com The Ruling Class, que introduz uma atmosfera muito mais sombria. A construção inicial privilegia baixo e bateria, estabelecendo uma tensão crescente antes da entrada das guitarras. O andamento permanece contido durante boa parte da música, reforçando seu caráter quase teatral. Gary explora uma interpretação bastante diferente da apresentada nas faixas anteriores, alternando momentos praticamente declamados com passagens mais melódicas, recurso que amplia significativamente a carga dramática da composição. Os teclados trabalham de maneira discreta, mas decisiva, preenchendo os espaços sem comprometer o peso das guitarras. Até mesmo os efeitos de aplausos inseridos no refrão contribuem para aumentar a sensação de espetáculo, conferindo personalidade própria à música. O solo de guitarra, novamente muito bem posicionado dentro da estrutura, evita o protagonismo exagerado e atua como continuação natural da narrativa construída ao longo da faixa. É justamente essa disposição em experimentar pequenas variações dentro da fórmula tradicional do hard rock que impede Empowered Emotions de se tornar repetitivo, mostrando que, mesmo sem reinventar o gênero, Gary John Barden ainda consegue encontrar caminhos para manter o interesse do ouvinte ao longo de toda a audição.

A reta final do álbum reserva outro momento de destaque com Walk Away, faixa que apresenta a participação especial do baterista Brian Tichy. A introdução, construída apenas com violão, cria uma atmosfera intimista antes da entrada gradual dos demais instrumentos. A evolução dos arranjos é conduzida com extrema naturalidade, permitindo que a música cresça em intensidade sem recorrer a mudanças bruscas ou artificiais. Classificada como uma autêntica power ballad, Walk Away demonstra que Gary John Barden continua sendo um intérprete excepcional quando o foco está na emoção. Sua voz mantém o equilíbrio entre potência e sensibilidade, conduzindo um refrão amplo e memorável que representa um dos momentos mais inspirados do disco. Brian Tichy imprime firmeza à bateria sem exagerar na técnica, enquanto Michael Voss sustenta toda a estrutura com linhas de baixo sólidas e discretas, permitindo que guitarras e vocais ocupem o protagonismo. Os backing vocals, cuidadosamente distribuídos ao longo da música, ampliam a grandiosidade do refrão sem comprometer sua clareza. As dobras vocais enriquecem ainda mais a interpretação, evidenciando o cuidado da produção em cada detalhe. É uma composição que sintetiza com perfeição a proposta do álbum: melodias fortes, arranjos sofisticados e uma execução coletiva que privilegia a música acima do virtuosismo individual.

O encerramento fica por conta de We'll Meet Again, uma delicada despedida de pouco menos de dois minutos que funciona como um epílogo para toda a jornada proposta pelo álbum. A instrumentação minimalista, construída sobre ukulele, discretas camadas de teclados e harmonias vocais, cria um clima intimista e contemplativo que contrasta com a intensidade predominante do restante do repertório .Mais do que uma simples faixa de encerramento, a composição transmite uma sensação de despedida temporária, quase como uma promessa de reencontro entre artista e público. Gary John Barden conduz a interpretação com enorme naturalidade, demonstrando que, mesmo apoiado por uma instrumentação extremamente enxuta, continua capaz de transmitir emoção apenas através de sua voz. O delicado solo de violão acrescenta o toque final a uma conclusão elegante, encerrando o álbum com sensibilidade e bom gosto.

Ao longo de pouco mais de cinquenta minutos, Empowered Emotions confirma aquilo que muitos já esperavam, mas poucos discos conseguem efetivamente entregar: maturidade artística. Gary John Barden não tenta revisitar os anos dourados do Michael Schenker Group nem competir com as tendências atuais do hard rock. Em vez disso, aposta na experiência adquirida ao longo de décadas para construir um trabalho honesto, sofisticado e musicalmente consistente. Grande parte desse sucesso passa pelo trabalho de Michael Voss. Além de assumir baixo, guitarras, teclados e parte das composições, o produtor demonstra absoluto domínio sobre a dinâmica do álbum. A produção privilegia clareza, equilíbrio e riqueza de detalhes, permitindo que cada instrumento encontre seu espaço sem sacrificar o impacto coletivo. As participações especiais de Don Airey, Michael Schenker, Tommy Denander, Barry Sparks, Alen Brentini e Brian Tichy enriquecem ainda mais o repertório, mas nunca soam como meras estratégias promocionais. Cada convidado contribui de forma orgânica para a identidade das canções, reforçando a coesão do projeto.

Outro aspecto que merece destaque é a variedade de atmosferas exploradas ao longo do disco. Embora permaneça firmemente ancorado no hard rock melódico, Empowered Emotions transita com naturalidade por elementos de AOR, rock clássico, blues rock e passagens de caráter quase cinematográfico, oferecendo uma experiência dinâmica sem perder sua unidade estética. Essa diversidade impede que a audição se torne previsível e evidencia o cuidado empregado na construção do repertório. Se existe uma pequena ressalva, ela reside justamente na opção por permanecer dentro de uma zona de conforto estilística. Em alguns momentos, principalmente na segunda metade do álbum, determinadas estruturas e soluções melódicas remetem de forma bastante evidente aos grandes clássicos do gênero, reduzindo parcialmente o fator surpresa. Ainda assim, trata-se de uma escolha consciente. Barden não busca reinventar o hard rock; seu objetivo é entregar canções bem escritas, interpretações convincentes e um álbum que dialogue diretamente com o público que acompanha sua carreira há décadas. Sob essa perspectiva, o resultado é amplamente satisfatório.

Empowered Emotions demonstra que Gary John Barden permanece artisticamente relevante. Sua voz continua carregando personalidade, segurança e emoção, enquanto Michael Voss oferece uma produção moderna que respeita a essência do hard rock melódico sem soar datada. O álbum reúne excelentes composições, interpretações maduras e um nível técnico elevado, consolidando-se como um dos lançamentos mais sólidos do gênero em 2026. Sem a necessidade de reinventar fórmulas, Gary John Barden entrega um trabalho elegante, consistente e repleto de autenticidade — um álbum que reafirma seu legado e prova que experiência, quando acompanhada de inspiração e competência, continua sendo uma das maiores virtudes que um artista pode oferecer ao seu público.

***ENGLISH VERSION***

Few vocalists manage to navigate more than four decades in the music industry without losing the artistic identity that first defined them. Gary John Barden is one of those rare exceptions. Forever associated with the classic era of the Michael Schenker Group, the British singer has built a career founded on expressive performances, timeless melodies, and a vocal style that has always favoured emotion over flamboyance. With Empowered Emotions, Barden once again demonstrates exactly why his voice remains one of the most distinctive in melodic hard rock.

Produced alongside renowned songwriter, producer and multi-instrumentalist Michael Voss, the album embraces the traditions of European melodic hard rock while avoiding the trap of nostalgia. Instead of simply revisiting past glories, Empowered Emotions presents a mature, confident collection of songs that balances classic songwriting with a modern, polished production. An impressive cast of guest musicians further strengthens the record. Don Airey, Michael Schenker, Tommy Denander, Brian Tichy, Barry Sparks and Alen Brentini all make valuable contributions, yet none of them overshadow the album's central figure. Each appearance serves the songs rather than individual egos, while Voss' meticulous production blends organic instrumentation, rich dynamics and crystal-clear arrangements into a cohesive and sophisticated listening experience.

The brief "Barden's Overture" serves as a cinematic introduction before giving way to "Maasai Enkai", the album's first full-length composition. Opening with African-inspired percussion, the track immediately establishes its own identity before the guitars enter, creating an intriguing contrast between ethnic textures and classic hard rock. Tommy Denander delivers a tasteful solo that favours melody over technical excess, while Barry Sparks provides tremendous low-end authority, anchoring the arrangement with a powerful yet fluid bass performance. As the song unfolds, additional layers are introduced naturally, gradually increasing both tension and intensity before reaching a satisfying climax. It's an impressive opener—dynamic, elegant and instantly engaging—that sets a remarkably high standard for everything that follows.

"Hit The Ground Running" adopts a more straightforward approach without sacrificing musical sophistication. Michael Voss' grooving bass lines combine seamlessly with Gereon Homann's precise drumming, providing the perfect platform for Barden's effortless vocal performance. His delivery feels remarkably comfortable throughout, allowing the melodies to breathe naturally within the arrangement. The production wisely avoids unnecessary embellishments, giving every instrument enough room to occupy its own space in the mix. Structurally, the song is deceptively simple, yet that simplicity ultimately becomes one of its greatest strengths. Rather than relying on dramatic twists or flashy arrangements, it succeeds through solid songwriting, refined musicianship and a chorus that develops with genuine ease.

The title track, "Empowered Emotions" stands among the album's defining moments. Don Airey's unmistakable Hammond organ adds a layer of warmth and authenticity, engaging in a constant dialogue with the guitars while reinforcing the song's unmistakably classic character. Although the atmosphere evokes the melodic hard rock of the 1980s, the contemporary production ensures the music never feels dated or overly nostalgic. The chorus emerges naturally, driven by an elegant melody that is instantly memorable without becoming overly commercial. Airey's keyboard solo flows effortlessly into the guitar lead, creating one of the album's finest instrumental transitions. Every element feels perfectly balanced, resulting in a composition that captures the very essence of the record: timeless songwriting, tasteful arrangements and flawless execution.

"Burning Wind" raises the intensity once again. Faster and more aggressive than its predecessors, the track showcases the exceptional chemistry between Michael Voss and Gereon Homann, whose rhythm section provides an unwavering foundation for Barden's commanding vocal performance. Frequent shifts in dynamics prevent the arrangement from becoming predictable, allowing the chorus to deliver even greater impact. The guitar solo arrives precisely when the song demands additional momentum, integrating organically into the composition rather than interrupting its flow. Meanwhile, subtle layers of synthesised brass enrich the sonic landscape without compromising the album's predominantly organic sound, once again highlighting Michael Voss' remarkable attention to production detail.

Taken together, these opening songs establish the album's defining characteristic. Empowered Emotions does not attempt to reinvent melodic hard rock; instead, it refines its established formula through mature songwriting, accomplished performances and an exceptionally polished production. Rather than relying solely on nostalgia, Gary John Barden proves that he still possesses the creativity, vocal authority and artistic vision required to deliver a genuinely relevant album within today's melodic hard rock landscape.

One of the album's most eagerly anticipated moments is "Dark Water" not only because of the strength of the composition itself, but also because it reunites Gary John Barden with Michael Schenker, one of melodic hard rock's most iconic creative partnerships. Thankfully, the collaboration lives up to every expectation. Rather than indulging in technical showmanship, Schenker delivers precisely what has always made him one of rock's most distinctive guitarists: lyrical phrasing, immaculate tone and an instinctive understanding of melody. Every note serves the song, reinforcing its emotional weight instead of drawing unnecessary attention to itself. Built around a measured, mid-tempo groove, the track embraces an introspective atmosphere that allows every musical element to breathe. The central riff combines power with elegance, while the keyboards add depth and texture without ever competing with the guitars. Barden responds with one of his finest vocal performances on the album, displaying remarkable restraint and emotional control throughout the verses. Although the chorus is structurally straightforward, its effectiveness lies precisely in its simplicity. Rather than chasing grandeur, it relies on the sincerity of Barden's delivery, allowing the melody to resonate naturally. Schenker's solo arrives as the composition's emotional climax—melodic, expressive and unmistakably his own. It perfectly captures the enduring chemistry between two musicians whose names remain forever intertwined with the history of European hard rock.

If "Dark Water" explores emotional subtlety, "Ride Horsemen Ride" immediately shifts the album into more epic territory. Opening with Gregorian-inspired choirs before exploding into a wall of guitars, the song creates an almost cinematic atmosphere that evokes classic heavy rock without ever sounding derivative. From there, the rhythm section drives the track forward with impressive authority, while Alen Brentini delivers a powerful guitar performance full of energy, precision and tasteful aggression. The chorus possesses undeniable melodic appeal, supported by carefully layered backing vocals that enhance the arrangement without overshadowing Barden's commanding lead vocal. Another notable strength is the restrained use of vocal effects, which broaden the song's epic atmosphere without feeling artificial. The closing orchestral keyboard arrangement adds further grandeur, once again highlighting Michael Voss' skill as both producer and arranger. His ability to build songs that evolve organically rather than relying on repetitive structures is one of the album's defining qualities.

"This Phoenix's Gonna Burn Ya" follows with perhaps the album's most immediately accessible composition. The influence of bands such as Bad Company is unmistakable, particularly in its blues-infused guitar work and groove-oriented approach. Nevertheless, the song retains Barden's unmistakable melodic identity, comfortably occupying the space between classic hard rock and melodic AOR. The vocal melodies are instantly engaging, carrying both verses and chorus with effortless confidence. The core trio of Gary John Barden, Michael Voss and Gereon Homann once again demonstrate exceptional musical chemistry, providing a rock-solid foundation upon which the guitars and keyboards can flourish naturally. The guitar solo arrives at exactly the right moment, elevated by the rhythm section's impeccable support, while the production keeps every instrument perfectly balanced within the mix. It may not be the album's most adventurous composition, but it reinforces one of Empowered Emotions' greatest strengths: consistently delivering well-crafted songs that linger long after the music ends.

Following this energetic sequence, "Let The Children Play" provides a welcome moment of reflection. Far more than a simple interlude, it stands as one of the album's most elegant and emotionally resonant pieces. Acoustic guitar, bass and keyboards establish an intimate atmosphere before a beautifully phrased guitar solo gently introduces Barden's vocal entrance. Remarkably, he conveys the song's entire emotional message with only a handful of words, demonstrating once again that genuine expression often requires restraint rather than excess. That minimalist approach is precisely what makes the track so effective. Instead of relying on bombast, it embraces subtle arrangements and understated performances, serving as a poignant emotional bridge into the album's closing section.

The atmosphere shifts dramatically with "The Ruling Class" arguably the album's darkest composition. Bass and drums dominate the opening moments, gradually building tension before the guitars emerge to complete the arrangement. The measured pace remains consistent throughout, reinforcing the song's theatrical character. Barden explores a vocal style unlike anything heard elsewhere on the record, alternating between near-spoken passages and more melodic phrases. This approach adds considerable dramatic weight while perfectly complementing the composition's darker mood. The keyboards operate subtly in the background, filling the sonic landscape without diluting the impact of the guitars. Even the audience-applause effects incorporated into the chorus enhance the theatrical atmosphere rather than feeling gimmicky. Once again, the guitar solo arrives with impeccable timing, acting as a natural continuation of the song's narrative instead of functioning as a standalone showcase. It is precisely this willingness to introduce subtle variations within a familiar musical framework that prevents Empowered Emotions from becoming formulaic. Gary John Barden may not be reinventing melodic hard rock, but he consistently finds fresh ways to keep the listener engaged while remaining faithful to the genre's core identity.

The album's final stretch delivers yet another highlight with "Walk Away" featuring special guest drummer Brian Tichy. Opening with little more than an acoustic guitar, the song establishes an intimate atmosphere before gradually introducing the remaining instruments. The arrangement unfolds with remarkable patience, allowing the composition to build naturally without relying on forced crescendos or unnecessary embellishments. As a classic power ballad, "Walk Away" showcases one of Gary John Barden's greatest strengths as a vocalist: his ability to communicate genuine emotion without sacrificing power or control. His performance is heartfelt and commanding, leading a soaring chorus that ranks among the album's most memorable moments. Brian Tichy's contribution is equally impressive. Rather than dominating the arrangement with technical fireworks, his drumming provides a solid, tasteful backbone that perfectly complements Michael Voss' understated yet authoritative bass work. Together, they create a rhythmic foundation that allows the guitars and vocals to shine. The carefully layered backing vocals further enhance the chorus, adding depth and grandeur while preserving its clarity. Vocal harmonies are used with admirable restraint, demonstrating once again the meticulous attention Michael Voss has devoted to every aspect of the production. The result is a beautifully crafted composition that encapsulates the album's central philosophy: strong melodies, refined arrangements and musicianship that always serves the song above individual virtuosity.

The journey concludes with "We'll Meet Again" a delicate farewell lasting less than two minutes that functions as a fitting epilogue to the entire album. Built around ukulele, subtle keyboard textures and understated vocal harmonies, the song offers a striking contrast to the record's predominantly energetic character. More than a simple closing track, it feels like a heartfelt goodbye—one that carries the quiet promise of future reunions between artist and audience. Barden's vocal performance is wonderfully understated, proving that emotional impact often comes not from vocal acrobatics but from sincerity and experience. A beautifully executed acoustic guitar solo provides the final flourish, bringing the album to a graceful and emotionally satisfying conclusion.

Across just over fifty minutes, Empowered Emotions delivers exactly what many longtime fans had hoped for, yet what relatively few veteran artists still manage to achieve: genuine artistic maturity. Gary John Barden never attempts to recreate the glory days of the Michael Schenker Group, nor does he chase contemporary trends in an effort to remain relevant. Instead, he embraces the strengths that have defined his career, crafting an album that is honest, elegant and musically accomplished. Much of that success belongs to Michael Voss. Beyond contributing bass, guitars, keyboards and songwriting, he demonstrates exceptional command as a producer, creating a sonic landscape that balances clarity, warmth and impressive attention to detail. Every instrument occupies its own space within the mix, allowing the performances to breathe while preserving the album's overall impact. The guest appearances from Don Airey, Michael Schenker, Tommy Denander, Barry Sparks, Alen Brentini and Brian Tichy further elevate the record, yet they never feel like marketing gimmicks or opportunities for unnecessary spotlight-stealing. Each musician enhances the songs organically, reinforcing the album's cohesion rather than distracting from its central identity.

Another of the album's greatest strengths lies in the variety of moods explored throughout its running time. While firmly rooted in melodic hard rock, Empowered Emotions comfortably incorporates elements of AOR, classic rock, blues rock and even cinematic orchestration, creating a listening experience that remains engaging from beginning to end without sacrificing stylistic consistency. If there is one minor criticism to be made, it is that the album occasionally remains within its stylistic comfort zone. Particularly during the second half, certain melodic structures and compositional choices echo the genre's classic blueprint closely enough to reduce the element of surprise. However, this feels less like a creative limitation than a conscious artistic decision. Barden has no interest in reinventing melodic hard rock; his objective is to write compelling songs, deliver convincing performances and produce an album that speaks directly to the audience that has supported him for decades. Judged on those terms, Empowered Emotions succeeds with considerable confidence.

Ultimately, Empowered Emotions confirms that Gary John Barden remains an artist of genuine relevance. His voice continues to possess warmth, authority and unmistakable character, while Michael Voss provides a modern production that honours the traditions of melodic hard rock without ever sounding dated. The album combines memorable songwriting, mature performances and consistently high musicianship, securing its place among the genre's strongest releases of 2026. Without attempting to reinvent the wheel, Gary John Barden has delivered a work of elegance, authenticity and enduring musical quality. Empowered Emotions is more than another entry in the catalogue of a legendary vocalist—it is a compelling reminder that experience, inspiration and craftsmanship remain among the most valuable assets any musician can possess.

Eva Von Der Forst

Stryper: Mais Um Capítulo Consistente (Also In English)

Shinigami Records (Nac.) / Frontiers Records (Imp.)

Por Flavio Borges

Poucas bandas conseguem atravessar mais de quatro décadas preservando uma identidade tão reconhecível quanto o Stryper. Mais impressionante ainda é manter essa identidade artisticamente relevante em um cenário onde a nostalgia costuma falar mais alto que a criatividade. Longe de depender exclusivamente do legado construído nos anos 1980, o quarteto norte-americano chega ao seu 18º álbum de estúdio, Throne Of Thorns, reafirmando uma das características mais marcantes de sua fase recente: a capacidade de evoluir sem romper com as próprias raízes.

Ao longo dos últimos lançamentos, Michael Sweet, Oz Fox, Perry Richardson e Robert Sweet encontraram um equilíbrio invejável entre o heavy metal tradicional, o hard rock melódico e uma produção moderna, limpa e poderosa. Em Throne Of Thorns, esse equilíbrio atinge um de seus pontos mais consistentes. O álbum preserva os riffs cortantes, os refrães grandiosos, os característicos backing vocals e as mensagens de fé que sempre definiram a personalidade do grupo, mas tudo é apresentado com uma sonoridade atual, robusta e extremamente refinada.

A faixa-título, escolhida como primeiro single, abre o disco exatamente como se espera de um grande álbum do Stryper. Riffs pesados, groove preciso e um refrão monumental sustentado por harmonias vocais impecáveis estabelecem imediatamente o alto nível da obra. A guitarra de Oz Fox exibe o timbre clássico que acompanha a banda há décadas, enquanto Michael Sweet demonstra, mais uma vez, que sua voz continua impressionantemente preservada. O solo surge naturalmente dentro da composição, valorizando a música sem soar meramente técnico.

Na sequência, Here In Your Heart mantém o nível elevado ao apostar em um heavy metal tradicional de condução firme. As guitarras ganham protagonismo sobre uma base rítmica sólida, enquanto o baixo de Perry Richardson aparece com excelente definição na mixagem. Pequenos detalhes de teclado enriquecem o refrão sem descaracterizar o peso da composição, e os vocais de apoio ampliam ainda mais o impacto melódico da faixa.

Falling introduz nuances diferentes logo na abertura, com um interessante trabalho de percussão que antecede a entrada triunfal dos vocais. Embora permaneça fiel à proposta clássica do álbum, apresenta mudanças de andamento e arranjos vocais mais elaborados, oferecendo variedade sem comprometer a coesão. O solo, novamente, revela extremo bom gosto tanto na construção melódica quanto no timbre cuidadosamente lapidado.

A energia aumenta em I'm Alright (I'm Okay), provavelmente uma das faixas que melhor sintetizam a essência do Stryper contemporâneo. A influência do metal dos anos 1980 permanece evidente, mas a produção moderna impede qualquer sensação de saudosismo excessivo. Michael Sweet entrega uma interpretação segura e poderosa, enquanto os tradicionais coros reforçam um refrão que certamente encontrará espaço nas futuras apresentações ao vivo.

A primeira balada do álbum, Waiting For You, demonstra que peso e sensibilidade podem coexistir com absoluta naturalidade. Mesmo em andamento mais cadenciado, a música preserva densidade sonora graças ao excelente trabalho das guitarras e à cozinha formada por Perry Richardson e Robert Sweet. O refrão cresce organicamente até desembocar em um solo inspirado de Oz Fox, transformando a faixa em um dos momentos mais emocionantes do disco. A produção contemporânea confere ainda mais profundidade à composição sem comprometer sua atmosfera clássica.

O peso retorna com Carry The Flame, conduzida por vocais agressivos de Michael Sweet e uma base instrumental extremamente sólida. Os backing vocals, elemento praticamente onipresente no álbum, continuam sendo utilizados com inteligência, funcionando como complemento à voz principal em vez de competir com ela. O resultado é um equilíbrio vocal que amplia ainda mais a força do refrão.

Com discretas influências de Black Sabbath, Hollywood apresenta uma abordagem ligeiramente mais sombria, embora permaneça plenamente inserida na identidade do álbum. Robert Sweet merece destaque especial pela condução da bateria, alternando viradas criativas e mudanças de dinâmica que acrescentam personalidade à composição. É justamente essa combinação entre tradição e pequenos elementos contemporâneos que impede o disco de soar previsível.

Beautifully Broken talvez seja a música que melhor representa a assinatura sonora do Stryper. Bastam poucos acordes para reconhecer imediatamente a banda. Os arranjos vocais são sofisticados, o refrão possui enorme força melódica e Michael Sweet alcança notas impressionantes sem demonstrar qualquer desgaste. A construção do solo é elegante e reforça o excelente momento vivido pela dupla de guitarristas.

Já Ashes To Roses inicia de maneira intimista, sugerindo uma balada convencional, mas rapidamente evolui para uma típica power ballad construída sobre guitarras acústicas e elétricas perfeitamente integradas. A interpretação emocional de Michael Sweet, aliada às harmonias vocais com forte influência gospel, produz um dos momentos mais inspirados do álbum, equilibrando emoção e peso de maneira extremamente eficiente.

Entre as faixas mais modernas do disco, Alone Again merece destaque especial. O riff principal possui uma pegada mais contemporânea, enquanto bateria e baixo constroem uma base pulsante que contrasta de forma interessante com um refrão essencialmente clássico. Esse diálogo entre o antigo e o novo sintetiza perfeitamente a proposta artística de Throne Of Thorns. O solo mantém o elevado padrão técnico do álbum, mas é o refrão, provavelmente o mais forte de toda a obra, que permanece na memória após o término da audição.

Encerrando o álbum, Shadowbreaker chega acelerando o ritmo e entregando uma das performances mais intensas do disco. A composição remete imediatamente à energia dos primeiros trabalhos da banda, especialmente da fase de The Yellow and Black Attack, sem parecer uma simples releitura do passado. A velocidade, os riffs cortantes e a interpretação vibrante de Michael Sweet encerram o álbum em alta, oferecendo um desfecho digno da qualidade apresentada ao longo de toda a execução.

Embora dificilmente redefina os rumos da carreira do Stryper, Throne Of Thorns reafirma a impressionante consistência criativa da banda em sua fase mais madura. O grupo demonstra compreender perfeitamente sua identidade, evitando mudanças artificiais ao mesmo tempo em que incorpora elementos contemporâneos capazes de renovar sua sonoridade. A produção cristalina evidencia cada detalhe dos arranjos sem sacrificar o peso das guitarras, enquanto a performance de todos os músicos confirma que o quarteto continua atuando em altíssimo nível.

Mais do que um exercício de nostalgia, Throne Of Thorns comprova que o Stryper permanece artisticamente relevante. É um álbum que honra o legado construído ao longo de mais de quarenta anos, mas que também olha para frente com confiança, oferecendo canções fortes, performances inspiradas e uma produção impecável. Para os fãs da banda, trata-se de mais um lançamento indispensável. Para os apreciadores do heavy metal tradicional, é uma demonstração convincente de que experiência e criatividade ainda podem caminhar lado a lado.

***ENGLISH VERSION***

Few bands have managed to remain as instantly recognizable after more than four decades as Stryper. Even more remarkable is their ability to preserve that identity while continuing to evolve artistically in an era where nostalgia often outweighs creativity. Far from relying solely on the legacy they built during the 1980s, the American quartet returns with its eighteenth studio album, Throne Of Thorns, reaffirming one of the defining traits of its modern era: the ability to evolve without abandoning its roots.

Across their most recent releases, Michael Sweet, Oz Fox, Perry Richardson and Robert Sweet have found an enviable balance between traditional heavy metal, melodic hard rock and a modern, powerful production style. Throne Of Thorns represents one of the strongest examples of that formula to date. The album retains the crushing riffs, anthemic choruses, trademark vocal harmonies and faith-driven lyrical themes that have always defined the band's identity, while presenting them through a polished, contemporary sonic approach.

The title track, released as the album's lead single, opens the record exactly as longtime fans would hope. Crushing riffs, a tight groove and a massive chorus supported by impeccable vocal harmonies immediately establish the album's high standard. Oz Fox delivers the classic guitar tone that has become synonymous with Stryper sound, while Michael Sweet once again proves that his voice remains in extraordinary shape. The guitar solo flows naturally within the composition, enhancing the song instead of serving as a mere technical showcase.

Here In Your Heart keeps the momentum going with a straightforward traditional heavy metal approach. The guitars dominate over a rock-solid rhythm section, while Perry Richardson's bass enjoys exceptional clarity in the mix. Subtle keyboard textures enrich the chorus without diluting the song's heaviness, and the layered backing vocals further amplify its melodic impact.

Falling introduces a different atmosphere from the very beginning, opening with tasteful percussion before giving way to a triumphant vocal entrance. While remaining faithful to the album's classic metal foundation, the track incorporates dynamic tempo shifts and more elaborate vocal arrangements, adding variety without disrupting the record's cohesion. Once again, the guitar solo impresses through both its melodic construction and beautifully crafted tone.

The energy level rises with I'm Alright (I'm Okay), arguably one of the songs that best encapsulates modern-day Stryper. The unmistakable influence of 1980s heavy metal remains evident, yet the pristine production prevents the track from sounding nostalgic or dated. Michael Sweet delivers a commanding vocal performance, while the signature gang vocals reinforce a chorus destined to become a live favorite.

The album's first ballad, Waiting For You, proves that heaviness and emotion can coexist effortlessly. Despite its slower pace, the song maintains considerable weight thanks to Oz Fox's expressive guitar work and the solid foundation provided by Perry Richardson and Robert Sweet. The chorus develops naturally before leading into one of Fox's most inspired solos, making this one of the album's emotional highlights. The contemporary production adds depth and warmth without sacrificing the band's classic identity.

The heavier side of the record returns with Carry The Flame, driven by Michael Sweet more aggressive vocal delivery and a remarkably powerful instrumental foundation. As throughout the album, the backing vocals are used intelligently, complementing rather than overshadowing the lead performance. The result is a chorus that feels both massive and perfectly balanced.

Featuring subtle hints of Black Sabbath, Hollywood adopts a darker musical direction while remaining firmly rooted in the album's overall identity. Robert Sweet deserves particular recognition here, delivering inventive drum fills and dynamic rhythmic changes that add personality and movement to the composition. It is precisely this combination of classic songwriting and contemporary refinement that keeps the album from becoming predictable.

Beautifully Broken may well be the song that most perfectly captures Stryper's unmistakable musical signature. It takes only a few seconds to recognize the band. Sophisticated vocal arrangements, a soaring chorus and another remarkable vocal performance from Michael Sweet—who effortlessly reaches impressive high notes—make this one of the album's standout moments. The elegantly constructed guitar solo further highlights the outstanding chemistry between the band's guitarists.

Ashes To Roses initially suggests a traditional ballad before gradually evolving into a classic power ballad built around the seamless interplay between acoustic and electric guitars. Michael Sweet's heartfelt vocal performance, combined with gospel-influenced harmonies, creates one of the album's most emotionally engaging moments, balancing melody, atmosphere and power with remarkable effectiveness.

Among the album's more contemporary moments, Alone Again deserves special recognition. Its main riff carries a distinctly modern edge, while the rhythm section builds an energetic foundation that contrasts beautifully with an unmistakably classic chorus. This dialogue between old and new perfectly summarizes the artistic vision behind Throne Of Thorns. The guitar solo maintains the album's consistently high technical standard, but it is the chorus—arguably the strongest on the entire record—that lingers long after the song ends.

Closing the album, Shadowbreaker raises the intensity one final time. One of the fastest tracks on the record, it immediately recalls the energy of Stryper's early years, particularly the The Yellow and Black Attack era, without ever feeling like a nostalgic retread. The relentless pace, razor-sharp riffs and Michael Sweet's inspired performance provide a fitting conclusion to an album that rarely loses momentum.

While Throne Of Thorns may not redefine Stryper's career, it powerfully reinforces the remarkable consistency the band has demonstrated throughout its modern era. Rather than chasing trends or relying exclusively on nostalgia, the quartet continues to refine its signature sound while embracing contemporary production techniques that enhance—rather than replace—its musical identity. Every musician delivers at an exceptionally high level, and the crystal-clear production allows every arrangement to breathe without sacrificing the album's heaviness.

More than a celebration of past achievements, Throne Of Thorns confirms that Stryper remains a creatively relevant force in today's heavy metal landscape. It is an album that honors the band's legacy while confidently looking toward the future, offering memorable songwriting, inspired performances and first-class production. For longtime fans, it is another essential chapter in the band's enduring career. For anyone who appreciates traditional heavy metal performed with passion, precision and authenticity, Throne Of Thorns stands as one of Stryper's strongest modern releases.

Manuel Moggio

The Rolling Stones: Sem Nada Mais a Provar, Mas Ainda Muito a Oferecer

 

Novamente com produção de Andrew Watt, os Rolling Stones lançaram dia 10/07 seu novo álbum, o 25° da carreira, e reduzindo o tempo de lançamento de um álbum de inéditas para o outro. 

É sempre difícil resenhar um novo trabalho de uma lenda, então coloquei para ouvir e dar as minhas impressões como um bom ouvinte de Rock & Roll e Classic Rock. Parece mesmo que os Stones retomaram o gosto e o sentido em fazer novas canções, e encontramos bons momentos, onde eles desfilam por algumas de suas facetas.

“Foreign Tongues” também traz vários convidados ilustres, como Paul McCartney, Robert Smith, Bruno Mars e Chad Smith, dando essa cara de celebração, e de quem realmente está fazendo isso por prazer, entre amigos.

Temos vários Rocks enérgicos e com a assinatura Stones, priorizando as guitarras, algo notável neste álbum, e “Rough and Twisted” traz essa levada Rock & Roll e Blues, que eles dominam, carregada de riffs, slides, piano e harmônica; Nessa pegada, temos também “In the Stars”, Rock and Roll de andamento e backings agradáveis e “assoviáveis”; 

“Divine Intervention”, cativante e com as guitarras brilhando; e ainda  “Hit Me in the Head”, enérgica e direta, em uma gravação resgatada de 2021, trazendo ainda Charlie Watts na batera.

Nos momentos mais “baladeiros”, e que estão as minhas favoritas do álbum, temos “Ringing Hollow”, que tem nuances Country e Blues, guitarras cobertas de feeling, onde Richards e Wood “duelam” e desfilam sua classe e identidade; e “Some of Us”, com uma vibe bem emocional, tendo Keith Richards nos vocais principais. Parece uma música simples, mas só caras desse calibre para criarem algo tão bonito e fazer parecer fácil.

E “Foreign Tongues” se torna uma audição agradável, e embora valorize as guitarras e a essência Rock e Blues dos Stones, encontramos algumas outras facetas que eles já apresentaram em sua carreira, diversificando seus trabalhos, e temos aí o balanço da “funkeada” “Jealous Lover”, onde Mick usa vocais em falsete, e também “Never Wanna Lose You”, dançante e com influências de Black Music e Disco.

Outros momentos interessantes são a versão de “You Know I’m no Good”, de Amy Winehouse, em que Jagger coloca seu estilo vocal, usando tons altos e ar de “deboche”. E falando em deboche, há “Mr Charm”, com seu Groove e letra ácida. Aliás, eles alfinetam o atual American Way, autocratas e bilionários em vários momentos. É o espírito rocker, contestador, da contracultura e pronto a atacar as injustiças.

Ressalto ainda o fechamento com “Beautiful Delilah”, de Chuck Berry, uma de suas inspirações, lembrando que o primeiro single dos Rolling Stones foi um cover de Berry,  “Come On”.

Uma das últimas grandes bandas de Rock & Roll vem fazendo jus a sua história nesses últimos álbuns, e vejo uma vibe tipo: “não precisamos provar nada para ninguém, mas vamos fazer o nosso melhor e o que se espera de um álbum dos Stones!”. É o foco no que importa.

Tenho minhas restrições à alguns aspectos das produções de Andrew Watt, mas apesar de sentir um pouco de falta de “sujeira” no álbum, ele soa bem, e não há um excesso de “modernidade”, respeitando-se as características da banda, e creio que “Foreign Tongues” agradará os fãs e se apresenta um trabalho, se não apto a futuramente ser chamado de essencial, digno de sua discografia, soando verdadeiro em um tempo de muita música "plastificada", proporcionando bons momentos de Rock & Roll e críticas mordazes,  no estilo Stones e Jagger.

Texto: Caco Garcia
Fotos: Divulgação 
Lançamento: Universal Music

Tracklist:
1. Rough & Twisted
2. In The Stars
3. Jealous Lover
4. Mr. Charm
5. Divine Intervention
6. Ringing Hollow
7. Never Wanna Lose You
8. Hit Me In The Head
9. You Know I’m No Good
10. Some Of Us
11. Covered In You
12. Side Effects
13. Back In Your Life
14. Beautiful Delilah