Carniça: “A pior coisa é nutrir expectativas em relação a alguma situação ou a alguma pessoa”

Entrevista por: Renato Sanson

Músico entrevistado: Mauriano Lustosa (baixo/vocal)

Em 2026, a Carniça completa 35 anos de estrada. Olhando para trás, qual foi o momento mais difícil da trajetória da banda e qual foi aquele que fez vocês perceberem que todo o esforço havia valido a pena?

Momento difícil? Eu acho que a banda nunca teve, cara, um momento difícil. Esses 35 anos da banda são repletos de alegrias e pura satisfação. Pura satisfação mesmo, né? E, cara, tudo valeu a pena e uma grande satisfação foi o nosso show dos 35 anos! Um bar grande, lotado, galera de camiseta da Carniça, sabe?

Então, isso aí não tem preço. Muito, muito legal, muito, muito legal!

E, tipo assim, a galera não só aqui no bar, mas a galera geralmente fala: 'Oh, vocês construíram uma sonoridade única. Quando começa a tocar, eu sei que são vocês que estão tocando'.

Isso poucas bandas conquistam, né? Isso aí realmente muito poucas bandas que conquistam. Porque hoje em dia a gente tem um monte de banda soando tudo igual.

 

Poucas bandas brasileiras conseguem atravessar três décadas e meia mantendo a identidade. Na visão de vocês, o que fez a Carniça sobreviver enquanto tantas outras ficaram pelo caminho?

Cara, a Carniça sobreviveu e sobrevive, primeiro, porque a gente não coloca muita expectativa no cenário do Brasil, né? A gente não cria expectativas em relação ao cenário. Nossa expectativa está em sermos fiéis aos nossos princípios.

A banda nunca se vendeu. Já tivemos oportunidades de nos vender, de sermos comprados, de pagar para abrir shows, mas nunca fizemos isso.

E a união, né? A união porque somos uma família, somos sangue. É uma piazada que começou junta e continua até hoje, já quase idosos! No meu caso, faltam cinco anos para me tornar idoso! (risos)

Então é isso: determinação, força de vontade e seguir firmes nos princípios que traçamos.

 

Mauriano, você voltou a assumir o baixo, acumulando novamente a função de vocalista e baixista. Como aconteceu esse retorno e quais os impactos dessa decisão na sonoridade e na dinâmica da banda?

Em relação a voltar a assumir o baixo, cara, desde que eu saí do baixo, lá em 2013 ou 2014, já se vão dez, doze anos... Vamos colocar doze anos, doze ou treze anos, né?

A gente passou por um monte de baixistas, todos muito bacanas, muito legais, até porque a gente não se envolve com pessoas que não têm a ver com nós, né? Então, trabalhamos apenas com gente boa, baita músicos, baita músicos mesmo.

A banda já teve baixistas com uma técnica e um virtuosismo enormes, mas, cara, as decisões são deles, né? Surgem famílias, filhos, empregos, mudanças e inúmeros outros fatores.

E a melhor formação da Carniça Power Trio é a atual. É mais fácil de se locomover, mais fácil de conseguir shows e também de manter a dinâmica interna, né? Porque são dois irmãos e um primo, já discutindo entre aspas, podendo falar o que quiserem, sem melindrar ninguém. Então, essa é a melhor formação que a banda teve e tem nesses 35 anos.

Eu posso não ser um baixista virtuoso, mas faço um feijão com arroz bem gostoso. Então, está tudo certo!

E a reação do público também foi muito boa. O show dos 35 anos foi o meu segundo show de volta ao baixo. Recebi elogios de gente boa, gente sincera. Não foram falsos elogios.

Então, eu acho que está funcionando muito bem..

Em 2012, "Nations of Few" contou com a participação de Cláudio David, um dos fundadores da Overdose. Como surgiu essa parceria e qual a importância dela para aquele momento da Carninça? Muitos fãs enxergam aquele período como um dos fatores que ajudaram a reacender o interesse pela Overdose. Vocês também têm essa percepção? Em que medida acreditam que a Carniça contribuiu para esse retorno?

Cara, toda a produção e composição de 2012... Isso aí remonta um pouquinho mais atrás, né? Vamos voltar um pouquinho no tempo.

Foi muito bacana, cara, muito bacana! A gente estava assim: ‘E esse solo aqui, essa música... Isso aqui é da “Prayers Before the Death”, isso aqui é muito Cláudio Davi’

Aí o Marlo conseguiu contato pelo Facebook e, cara, a gente começou a ficar realmente muito amigo, muito amigo. E o Cláudio Davi é um monstro na guitarra, né? É um guitarrista virtuoso, muito virtuoso.

É uma pena que o Overdose não tenha chegado ao mesmo sucesso do Sepultura, porque eles tinham condições para isso. Mas aquele negócio de decisões, estratégias e business... Tudo isso é complicado.

Então surgiu essa ideia: a gente trouxe o Cláudio Davi, e o convidamos para o solo de “Lies” e para tocar duas músicas do Overdose com a gente no show de lançamento do álbum na época. E o cara topou! Ele é uma pessoa muito boa, muito fina, e aceitou.

Trouxemos ele para o Sul e ele não nos cobrou cachê. Outra coisa sensacional, de uma generosidade incrível. As demais despesas ficaram ao nosso encargo e ele simplesmente veio e debulhou no estúdio! Tocou demais!

A gente fez um churrascão aqui em casa. Foi muito legal, muito legal! E foi uma coisa muito bacana porque cumpriu com a expectativa que tínhamos. Cumpriu com o que esperávamos.

E penso que sim, contribuímos para o retorno do Overdose, porque ele veio de uma cirurgia, se eu não me engano. Ele estava aqui e comentou durante o churrasco, depois de uma cervejinha, que aquele convite nosso estava fazendo ele repensar as coisas e que havia despertado novamente sua vontade, que ele estava sem tesão para tocar. Foi isso que ele nos falou aqui.

Então, sim, eu acho que a gente teve uma parcela nisso, né? Não foi a Carniça que foi responsável pela volta do Overdose. Não, não foi a Carniça. Mas, daqui a pouco, a gente foi uma centelha, uma fagulha que ajudou a reacender o fogo, que fez voltar esse negócio todo. E, cara, depois disso, a gente continua amigo. A gente conversa e tudo mais.

Em algum momento vocês esperavam um convite para dividir palco, uma parceria ou até mesmo um simples reconhecimento público que nunca aconteceu? Isso ainda incomoda ou já ficou para trás? Pergunto, pois, como fã da Carniça e também por ter participado do "Nations Of Few", percebi como imprensa, que após o lançamento do álbum, os fãs voltaram a falar da Overdose novamente. Que estava bem esquecida.

Da parte dele, nunca rolou algo do tipo: ‘Vamos fazer um show? Daqui a pouco a Carniça vem aqui e abre o show para nós’. Não, não veio nada disso, sendo bem sincero.

Uma vez, ele me contatou para participar de uma música, de um lançamento. Eu fiz o back, gravei o backing vocal, mas ele não foi colocado na música.

Mas são escolhas, né? Cada um sabe de si e segue seus próprios caminhos. Eu não vou dizer que foi ingratidão, não vou dizer que seja isso. Até porque a gente não fez nada por ele, assim, né? Ele fez muito por nós.

E essa questão aí não depende só dele. Depende de uma série de fatores. Então, não há como afirmar que ele tenha a obrigação de nos convidar para ir a Belo Horizonte fazer um show ou alguma coisa assim.

Até porque a gente não faz as coisas pensando em retribuição. É aquele negócio que eu te falei lá na primeira pergunta: a gente não gera expectativas, né? A pior coisa é nutrir expectativas em relação a alguma situação ou a alguma pessoa. Então, essa expectativa acaba frustrando a gente na maioria das vezes.

Nunca pensamos nessa retribuição, em convidá-lo para nos abrir portas.

Foi bacana, foi muito bem comentado. A participação do Overdose no álbum da Carniça foi muito legal. A gente é muito grato por isso.

Mas nunca fizemos isso com a intenção de receber alguma coisa em troca. Então está tudo certo, tudo tranquilo. Continuamos fãs do Overdose e tudo certo.

 

O underground costuma falar muito sobre união entre bandas, mas nem sempre a prática acompanha o discurso. Na experiência de vocês, o cenário brasileiro realmente é unido ou existe muito oportunismo?

Cara, em relação à união do underground, ele é unido e não é unido ao mesmo tempo, sabe? Existe uma união muito grande entre as bandas quando elas estão ali, correndo juntas. Mas tem banda que acaba se destacando um pouquinho mais, e eu digo isso por meio de uma resenha, porque pagou um booking para a Europa, porque pagou para abrir para uma banda gringa...

Eu noto sempre que uma grande parte das bandas — não digo a maioria, nem todas — começa a desenvolver um certo estrelismo, né? E elas passam a agir de maneira diferente. Isso é muito doido, cara. É muito doido, porque está todo mundo na mesma vala, na mesma situação.

E não estou falando nem daquelas outras bandas que pagam para atingir determinado estrelato ou para fazer turnês e mega turnês. Às vezes, tu olha para uma banda e pensa: ‘Essa banda nem é tão boa assim’. Ou então uma banda que tem milhares de seguidores nas redes sociais e tu olha e pensa: ‘Que banda ruim, né, cara? Que banda ruim!’

E a qualidade é um critério muito pessoal, né? É muito pessoal, mas existe uma espécie de consenso entre a galera sobre o que é uma banda ruim. E aí tu te pergunta: como é que essa banda pode estar ali e já virar uma estrela?

Cara, se tu for olhar a contabilidade, a situação é ruim. Mal e mal paga as contas, sabe? Mal e mal consegue pagar as contas. Então, não teria motivo para todo esse estrelismo.

A cena é unida em determinados nichos, em determinados círculos sociais das bandas, mas, em outros, é muito desunida!

E aí não são só as bandas: são produtores, casas de shows, casas de shows que dão três águas e acham que estão fazendo uma grande coisa, né? Sabe? Então é complicado isso.

Aí tudo isso é uma roda-viva, né? Não valoriza o cenário, não faz novos fãs entrarem nesse circuito. E muitas bandas não são profissionais. Então, é tosqueira! E aí a tosqueira aceita tocar por uma garrafa de cerveja, e isso acaba se tornando um ciclo sem fim.

Depois de 35 anos, o que ainda motiva vocês a continuar fazendo thrash/death metal? O que mudou na forma de enxergar a música desde o início da banda?

Cara, depois de 35 anos, no começo a gente era inocente, né? A gente tocava em qualquer lugar, tocava por qualquer valor, tocava por uma cerveja. A gente não sabia se iria viver da música, mas acreditava que iria longe.

E, olhando para esses 35 anos que passaram, a gente foi muito longe! Muito longe, não em termos financeiros, mas em termos de trajetória.

Porque eu te garanto que, se a Carniça estivesse na Noruega, na Suécia, na Dinamarca ou em qualquer país com um nível cultural um pouquinho mais elevado, a gente teria feito sucesso comercial. Teria conseguido emplacar um sucesso, ter reconhecimento internacional.

O nosso reconhecimento hoje é bairrista. Somos muito conhecidos na região Sul do Brasil e na Argentina, onde somos idolatrados. Também temos reconhecimento no eixo Rio-São Paulo. São Paulo, né? O Rio não. A cena do Rio é fraquíssima, infelizmente. Teria tudo para ter uma baita cena forte, mas não é. Minas Gerais também, né?

Mas a Carniça não é uma banda reconhecida de ponta a ponta do Brasil. Ainda assim, somos uma banda reconhecida.

Então, isso aí eu acho que é a parte que deu certo. Deu muito certo, né? A gente tem consistência, tem união, tem perseverança e continua firme. Continua muito firme!

Então, voltando à primeira pergunta, agora chegando ao fim da entrevista: a banda nunca trabalhou com expectativas, mas sempre trabalhou da forma mais profissional possível, né? Fomos sempre profissionais, agimos de forma profissional e com caráter, tanto para com produtores quanto para com bandas parceiras de palco, público e todos os envolvidos.

Então, acho que a hombridade é o que define a nossa trajetória.

 

Para encerrar: o que os fãs podem esperar da Carniça daqui para frente? Há planos para músicas inéditas, shows comemorativos pelos 35 anos ou algum lançamento especial?

Cara, primeiro queremos agradecer a vocês, à galera da imprensa underground, aos nossos amigos e a todos que curtem o nosso trabalho. Nós não temos fãs, mas sim amigos. E só temos a agradecer.

E, cara, a gente vai continuar! Estamos com uma extensa agenda de shows para o underground, tá? Temos show em Rio Grande, em Caxias do Sul, em Estância Velha e em Porto Alegre. Temos muitos shows pela frente!

Durante este ano, em comemoração aos 35 anos, também teremos lançamentos de músicas. Daqui a pouco vai sair um single, porque lançar um álbum completo hoje é complicado. É um investimento muito grande: a banda gasta, gasta, gasta e, muitas vezes, não tem retorno nenhum.

Então, daqui a pouco teremos um single e, posteriormente, um EP. A gente promete que sai!

Então, queremos agradecer muito, muito mesmo a todos vocês. De coração!

 

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Sin Avenue: Forasteiros em sua própria terra, mas donos de um Hard/Heavy Empolgante

 

Texto: Caco Garcia 

Fotos: Divulgação 

"I'm a Stranger in My Homeland", título do full-length de estreia do Sin Avenue, reflete o sentimento de que não é uma missão fácil fazer Hard Rock no Brasil, ainda mais fora do eixo central. Se para as outras vertentes do som pesado a situação já é complicada, para o Hard o desafio é bem maior.

Creio que os fãs do gênero também se sintam "forasteiros" em sua terra natal, pois o estilo nunca teve amplo espaço no Brasil, embora o país sempre tenha revelado ótimas bandas, como Zenith, Dr. Sin, Cavalo Vapor, Silent, Rosa Tattooada, Taffo, Electric Mob, Marenna e o próprio Sin Avenue. Felizmente, alguns festivais e eventos, principalmente em São Paulo, têm apostado nesse nicho. 

Temos grupos ganhando espaço nacionalmente e lá fora, e a galera do Hard não desiste de fazer a música que ama, para a alegria de nós, fãs. 

Formado em Porto Alegre (RS) em 2016, e com vários singles bem interessantes, o Sin Avenue é uma dessas bandas, e chegou ao seu primeiro álbum completo, convicto e focado em entregar um Hard/Heavy de qualidade, mesmo sabendo que o caminho é árduo e, muitas vezes, injusto.

Formação que gravou o álbum: Markês, CJ e Júlio

A sonoridade do trio traz a melodia e a malícia imprescindíveis ao Hard, acompanhadas de refrãos marcantes e um punch que, em vários momentos, flerta com o Metal. Isso fica evidente principalmente no trabalho das guitarras e na cozinha, que dosa a pegada e o groove conforme cada música pede.

CJ tem um timbre vocal que segue a escola do Hard norte-americano, apostando em vocais rasgados na linha de Taime Downe (Faster Pussycat) e Tom Keifer (Cinderella). Além dessas referências, a sonoridade geral da banda remete a nomes como Tuff, Ratt, Dokken, Twisted Sister e Mötley Crüe, e especialmente aos primeiros trabalhos do TS e do Crüe, que traziam justamente essa aura Hard/Heavy.

A abertura com "Inner Voice" traz um início acústico com influências flamencas, que logo introduz uma faixa de bastante peso, alternando trechos mais "groovados" com investidas velozes. Dinâmica e vibrante, deixa uma ótima impressão logo de cara. 

Na sequência, "Living Without You" inicia com um coro vocal na introdução bem típico dos anos 80. É uma sonoridade que se sobressai, mas aquele pé no Heavy está sempre presente, um equilíbrio que a banda manteve muito bem durante todo o álbum. 

Isso também pode ser comprovado em faixas como "Freedom", que mescla groove, peso e melodia de forma contagiante.

Formação Atual: Edu, CJ e Markês 

A produção está em um bom nível, e aqui vale destacar o trabalho nas guitarras, que contaram com o toque de Renato Osório no reamp, garantindo mais brilho e peso.

O disco se mantém dinâmico do início ao fim, e assim como na abertura acústica, o Sin Avenue vai inserindo elementos que dão um colorido especial às composições. 

É o caso de "Acredite em Você", cantada em português: um Hard/Heavy onde as guitarras assumem a linha de frente, inclusive com ótimos trechos de dobras. No quesito melodias "assoviáveis", daquelas que dão vontade de cantarolar e bater o pé, a banda se mostra extremamente criativa.

“Love Wins All” tem uma dinâmica bem balanceada com o Hard setentista, principalmente no riff principal, e o Hard/Heavy 80’s, e as dobras de vozes deram um ênfase nas pontes e refrãos.

Em "Within", ouso dizer que eles beberam na fonte do Hard radiofônico de um Bon Jovi, por exemplo, mas injetando uma pegada muito mais pesada. E claro, é difícil um álbum do estilo estar completo sem uma grande balada. A banda entrega isso em "It Isn't Too Late", enriquecida por arranjos de teclado que culminam em um refrão marcante, onde CJ aposta em uma interpretação mais emocional. 

“The Magic of Love”, não só por causa do título, senti uma aura bem Whitesnake fase “87” nos riffs e arranjos, mas claro, com os vocais rasgados, naquele estilo Sleaze, os quais o ouvinte já notou, são a marca de CJ Rebel Son.

Para citar mais um destaque que comprova essa riqueza de texturas, "You're Not the Only One I've Ever Had" surpreende ao trazer uma pegada envolvente de Classic Rock setentista.

Concluindo, "I'm a Stranger in My Homeland" é um cartão de visitas de respeito. O Sin Avenue prova que, mesmo sendo “forasteiro”, tem potencial de sobra para conquistar territórios mais amplos. Recomendada a audição aos fãs do estilo! 

Vale lembrar que a banda está com um line-up diferente do que gravou o álbum (Júlio Sasquatt, era o batera), e já está trabalhando em material novo, inclusive um videoclipe, o qual será lançado no início de dezembro.

Sin Avenue é:
CJ Rebel Son: Guitarras e Vocais
Eduardo Mendes: Bateria
Markês Bianchi: Baixo

Instagram 

======== ENGLISH VERSION BELOW =======

Sin Avenue: Outsiders in their own land, but owners of an exciting Hard/Heavy sound.

Text: Caco Garcia

Photos: Press Release

"I'm a Stranger in My Homeland," the title of SIN AVENUE'S debut full-length album, reflects the feeling that making Hard Rock in Brazil is no easy task, especially outside the central hubs. If the situation is already complicated for other heavy music genres, the challenge is even greater for Hard Rock.

I believe that fans of the genre also feel like "outsiders" in their homeland, as the style has never had ample space in Brazil, although the country has always produced great bands, such as Zenith, Dr. Sin, Cavalo Vapor, Silent, Rosa Tattooada, Taffo, Electric Mob, Marenna, and Sin Avenue itself. Fortunately, some festivals and events, mainly in São Paulo, have been betting on this niche.

We have groups gaining space nationally and internationally, and the Hard Rock crowd doesn't give up on making the music they love, to the joy of us fans.

Formed in Porto Alegre - Brazil in 2016, and with several very interesting singles, Sin Avenue is one of those bands, and has arrived at its first full album, confident and focused on delivering quality Hard/Heavy music, even knowing that the path is arduous and often unfair.

The trio's sound brings the melody and malice essential to Hard Rock, accompanied by catchy choruses and a punch that, at various moments, flirts with Metal. This is evident mainly in the guitar work and the rhythm section, which balances the drive and groove as each song demands.

CJ has a vocal timbre that follows the North American Hard Rock school, opting for harsh vocals in the style of Taime Downe (Faster Pussycat) and Tom Keifer (Cinderella). Beyond these references, the band's overall sound is reminiscent of names like Tuff, Ratt, Dokken, Twisted Sister, and Mötley Crüe, and especially the early works of TS and Crüe, which had precisely that Hard/Heavy aura.

The opening track, "Inner Voice," features an acoustic beginning with flamenco influences, which quickly introduces a very heavy track, alternating between groovy sections and fast-paced bursts. Dynamic and vibrant, it makes a great first impression.

Following that, "Living Without You" begins with a vocal chorus in the introduction, very typical of the 80s. It's a sound that stands out, but that heavy metal element is always present, a balance that the band maintained very well throughout the album.

This can also be seen in tracks like "Freedom," which blends groove, heaviness, and melody in a contagious way.

The production is at a good level, and it's worth highlighting the guitar work, which benefited from Renato Osório's reamp, guaranteeing more brightness and weight.

The album remains dynamic from beginning to end, and just like in the acoustic opening, Sin Avenue incorporates elements that give a special color to the compositions.

This is the case with "Acredite em Você" (Believe in Yourself), sung in Portuguese: a Hard/Heavy track where the guitars take center stage, including excellent vocal harmonies. In terms of catchy melodies, the kind that make you want to hum along and tap your foot, the band proves to be extremely creative.

"Love Wins All" has a well-balanced dynamic with 70s Hard Rock, especially in the main riff, and 80s Hard/Heavy, and the vocal harmonies emphasize the bridges and choruses.

In "Within," I dare say they drew inspiration from the radio-friendly Hard Rock of a band like Bon Jovi, for example, but injected a much heavier edge. And of course, it's difficult for an album of this style to be complete without a great ballad. The band delivers this in "It Isn't Too Late," enriched by keyboard arrangements that culminate in a memorable chorus, where CJ opts for a more emotional interpretation.

"The Magic of Love," not only because of the title, felt a strong Whitesnake-era '87 aura in the riffs and arrangements, but of course, with the raw vocals, in that Sleaze style, which the listener has already noticed, are CJ Rebel Son's trademark.

To cite another highlight that proves this richness of textures, "You're Not the Only One I've Ever Had" surprises by bringing an engaging 70s Classic Rock feel.

In conclusion, "I'm a Stranger in My Homeland" is a respectable calling card. Sin Avenue proves that, even as an "outsider," they have more than enough potential to conquer wider territories. Highly recommended for fans of the genre!

It's worth noting that the band has a different lineup than the one that recorded the album (Julio Sasquatt was the drummer), and is already working on new material, including a music video, which will be released in early December.

Sin Avenue is:

CJ Rebel Son: Guitars and Vocals

Eduardo Mendes: Drums

Markês Bianchi: Bass

Cobertura de Show: Sepultura – 05/11/2026 – Cine Joia/SP

 SEPULTURA: o peso de uma despedida e a grandeza de uma história que também é nossa

Em penúltimo capítulo nos palcos, Sepultura transforma o Cine Joia em uma celebração de sua trajetória, revisita diferentes fases da carreira e mostra que seu legado ultrapassa qualquer despedida.

Existe uma diferença entre assistir a um show e compreender a dimensão do que está acontecendo diante dos seus olhos. Na noite de quinta-feira (5), no Cine Joia, em São Paulo, o Sepultura proporcionou um daqueles encontros em que a música parece carregar muito mais do que os próprios acordes. Batizada de The Last Ceremony, a apresentação foi o penúltimo capítulo de uma trajetória de 42 anos e uma oportunidade de testemunhar, em um formato intimista, parte da história de uma das bandas mais importantes que o metal já produziu.

Fazia muito tempo que eu não via o Sepultura ao vivo. E talvez essa distância tenha contribuído para tornar a experiência ainda mais intensa. Foi particularmente emocionante reencontrar uma banda que atravessou tantas fases da nossa vida, especialmente quando sabemos que estamos diante de uma das últimas oportunidades de fazer isso. Antes mesmo de a apresentação começar, já havia uma espécie de filme passando pela cabeça. Lembranças de discos, de músicas que acompanharam diferentes momentos, de descobertas musicais, de amizades e de períodos em que o Sepultura foi muito mais do que uma escolha na playlist.

Afinal, é praticamente impossível contar a história do metal brasileiro sem passar pelo Sepultura. E também é difícil contar a história de quem cresceu dentro desse universo sem reconhecer a influência que a banda exerceu sobre sua formação musical e cultural. Desde a maneira como ajudou a projetar o metal brasileiro internacionalmente até a liberdade de experimentar sonoridades, incorporar elementos da música brasileira e romper fronteiras estéticas, o grupo construiu uma identidade que ultrapassou os limites do gênero. Seus discos influenciaram músicos, movimentaram cenas, estabeleceram referências e ajudaram a moldar comportamentos e estilos de diferentes gerações.

É por isso que a despedida tem um peso que não se limita ao encerramento das atividades de uma banda. Quando o Sepultura anuncia o fim, também somos confrontados com o encerramento simbólico de muitas fases da nossa própria história. Algumas músicas nos devolvem a pessoas que já não estão por perto, outras nos transportam para versões de nós mesmos que ficaram no passado. E, de repente, percebemos que uma parte considerável da nossa relação com o metal foi construída tendo o Sepultura como referência.

Mas, antes de qualquer reflexão sobre despedidas, havia uma banda para tocar. E o quarteto formado por Andreas Kisser, Derrick Green, Paulo Jr. e Greyson Nekrutman não economizou na entrega.

O repertório foi um dos grandes acertos da noite. Com mais de 20 músicas e uma seleção que percorreu diferentes períodos da discografia, o Sepultura construiu uma apresentação que privilegiou a agressividade, a diversidade de sua trajetória e a conexão com os fãs. A sequência de “Arise”, “Dead Embryonic Cells” e “Desperate Cry”, seguida por “Beneath the Remains”, “Inner Self” e “Mass Hypnosis”, estabeleceu rapidamente o tom da apresentação. Era uma sucessão de clássicos de uma fase fundamental para a consolidação internacional da banda, executados com intensidade e sem perder a precisão que essas composições exigem.

O resgate de “Mass Hypnosis”, ausente dos palcos desde 2019, foi um dos momentos de destaque desse primeiro bloco. A composição de Beneath the Remains (1989) exige domínio de velocidade, articulação e mudanças rítmicas, características que ajudaram a definir a sonoridade do Sepultura em sua fase mais extrema. Sua execução reafirmou a capacidade da formação atual de revisitar um material tão exigente sem transformar o repertório clássico em uma simples reprodução nostálgica. A resposta da plateia veio na mesma intensidade, com rodas de pogo que já davam uma dimensão bastante clara da disposição do público para aproveitar cada minuto daquela noite.

Musicalmente, a formação atual demonstrou um entrosamento importante para sustentar um repertório tão diverso. A guitarra de Andreas Kisser apareceu encorpada e distorcida, conduzindo riffs que alternavam velocidade, peso e construções mais cadenciadas. O baixo de Paulo Jr. manteve a sustentação das bases, enquanto Greyson Nekrutman imprimiu precisão e intensidade à bateria, transitando entre passagens rápidas, viradas e variações de dinâmica. Em uma casa menor, sem a dimensão de uma grande produção de arena, os instrumentos ganharam uma presença física bastante particular. A sonoridade era crua, direta e contundente, mas sem comprometer a definição dos arranjos.

A contribuição de Derrick Green também merece atenção. Além de sua presença vocal, o músico assumiu a segunda guitarra em “Mindwar”, ampliando as possibilidades das bases e acrescentando outra camada à construção sonora. Andreas, que durante tantos anos sustentou praticamente sozinho a condução das guitarras no palco, ganhou um reforço que fez diferença na densidade do arranjo. Foi um detalhe musical importante, mas também simbólico, considerando a homenagem feita pelo guitarrista ao companheiro antes da execução da música.

A relação entre os dois músicos ajuda a compreender uma parte fundamental da história do Sepultura. A saída de Max Cavalera, em 1996, poderia ter representado o encerramento de um ciclo sem continuidade. No entanto, a chegada de Derrick abriu caminho para uma nova identidade, que precisou conquistar seu próprio espaço diante de uma base de fãs naturalmente dividida naquele momento. Ao agradecer ao vocalista pela parceria e relembrar sua importância para a continuidade da banda, Andreas trouxe para o palco uma dimensão que vai além da relação profissional entre músicos. A lembrança de Against (1998), primeiro álbum de estúdio com Derrick, reforçou o reconhecimento de uma fase que ajudou o grupo a seguir em frente quando o futuro parecia incerto.

E é importante reconhecer a dimensão dessa trajetória. Derrick não ocupou simplesmente o lugar deixado por outro vocalista. Ao longo de quase três décadas, ajudou a construir uma fase própria, com características musicais, performances e composições que também se tornaram parte indispensável da identidade do Sepultura. “Against”, “Mindwar” e “Kairos” evidenciaram essa contribuição, enquanto “The Place” e “Means to an End” ampliaram o recorte da fase mais recente. Nesta última, inclusive, a participação de uma garotinha no palco trouxe uma imagem bastante particular para uma noite tão carregada de significado.

Outro aspecto interessante foi a maneira como o repertório apresentou diferentes possibilidades da linguagem musical construída pelo Sepultura. A passagem por Roots (1996), com “Breed Apart”, “Attitude” e “Dusted”, evidenciou como a banda conseguiu expandir sua identidade sem abandonar a agressividade que a projetou internacionalmente. A experimentação rítmica, a aproximação com elementos da música brasileira e a incorporação de outras referências ajudaram a fazer daquele álbum um marco na discografia do grupo. No palco, essas características apareceram em composições com dinâmicas bastante distintas. “Attitude” trouxe uma resposta explosiva da plateia, enquanto “Dusted” explorou outra movimentação, mostrando como o público também se relaciona de maneiras diferentes com as diversas fases da banda.

A apresentação também reservou espaço para o material mais recente. “All Souls Rising” e “Beyond the Dream”, do EP The Cloud of Unknowing (2026), mostraram que a despedida não estava restrita à celebração do passado. Em “All Souls Rising”, o Sepultura apresentou uma de suas facetas mais elaboradas da produção recente. A combinação entre a base extrema, as mudanças de intensidade e os elementos orquestrais cria uma composição de diferentes camadas, que amplia o campo sonoro da banda sem diluir sua agressividade. Já “Beyond the Dream” ofereceu um contraste interessante ao repertório predominantemente pesado. Com uma atmosfera mais melódica e uma letra que dialoga com as conquistas da banda, a música funcionou como uma pausa para respirar, sem perder a conexão com o significado daquele encontro.

A reta final recuperou a força política e a contundência de Chaos A.D. (1993), com “Territory” e “Biotech Is Godzilla”. Mais do que músicas reconhecidas pelo peso de seus riffs, são composições que demonstram como o Sepultura sempre encontrou na realidade social e política matéria-prima para sua expressão artística. A capacidade de transformar inquietações em música, sem abrir mão da agressividade e da identidade sonora, continua sendo uma das características mais relevantes da banda. Décadas depois, essas letras permanecem atuais e encontram uma plateia que não apenas reconhece os refrões, mas também responde à força de suas mensagens.

Outra escolha que chamou a atenção foi “Orgasmatron”, clássico do Motörhead, que entrou no lugar de “Slave New World”. A presença da composição no repertório acrescentou uma homenagem a uma das grandes referências do metal e foi recebida com entusiasmo pelo público. Já “Refuse/Resist” conduziu a apresentação para sua reta final com a energia que uma música dessa dimensão exige. Depois, o solo de bateria abriu caminho para um trecho de “Ratamahatta” e a inevitável “Roots Bloody Roots”, que encerrou a noite com um dos maiores hinos da história da banda.

Mas talvez a característica mais marcante daquela apresentação não estivesse somente no que acontecia no palco. O Cine Joia estava tomado por uma plateia que parecia compreender perfeitamente a importância daquele encontro. As rodas de pogo não deram trégua, o público cantava em volume impressionante e fãs subiam ao palco para se jogar nos braços de quem estava na pista. Havia uma energia espontânea, intensa e genuína, daquelas que não precisam de grandes efeitos para acontecer. A proximidade entre músicos e espectadores transformou a apresentação em uma experiência quase coletiva, como se todos estivessem participando de uma celebração particular.

E esse é um dos grandes méritos do formato escolhido para o The Last Ceremony. Em vez de apostar exclusivamente na grandiosidade de uma despedida, o Sepultura se apresentou em uma casa que permitiu uma relação mais próxima com seus fãs. O resultado foi uma experiência crua, sem a distância que muitas vezes existe entre um palco de grandes dimensões e a plateia. Era possível sentir o peso dos instrumentos, observar a interação entre os músicos e perceber o quanto aquelas músicas ainda movimentam as pessoas.

O formato intimista também tornou mais evidente uma sensação difícil de ignorar: a ausência que o Sepultura deixará quando essa história chegar ao fim. Quanto mais próxima a banda parecia estar do público, mais concreta se tornava a percepção de que não teremos muitos outros encontros como aquele. Foi bonito ver tanta gente celebrando, mas também havia uma tristeza inevitável em saber que estávamos nos aproximando do encerramento de uma trajetória tão importante.

Talvez seja esse o paradoxo de uma despedida como essa. Ao mesmo tempo em que celebramos tudo o que foi construído, começamos a compreender a dimensão daquilo que deixará de existir. E não estou falando apenas de uma banda que deixará de fazer shows. Estou falando de uma referência que ajudou a construir a própria história do metal, que influenciou gerações e que também esteve presente em momentos importantes da vida de tantas pessoas.

Saí do Cine Joia com o coração apertado, mas com a felicidade de ter presenciado uma noite tão especial. Foi uma apresentação musicalmente consistente, diversa e conduzida por uma plateia que não economizou na entrega. Mais do que uma prévia da despedida, foi um reconhecimento coletivo de tudo o que o Sepultura representa.

E, se antes já existia uma expectativa enorme para o último show, agora ela vem acompanhada de uma ansiedade ainda maior. Porque depois de uma noite como essa, fica difícil imaginar que o próximo encontro será o último. Que venha sábado. Que a história seja celebrada como merece. E que a gente consiga aproveitar cada segundo. O último deles.

Texto: Stephanie Ferreira

Fotos: Lucas Garcia

Sepultura – setlist:

Arise

Dead Embryonic Cells

Desperate Cry

Beneath the Remains

Inner Self

Mass Hypnosis

All Souls Rising

Kairos

Mind War

Against

The Place

Means to an End

Breed Apart

Attitude

Dusted

Beyond the Dream

Territory

Biotech Is Godzilla

Orgasmatron (Motörhead cover) 

Refuse/Resist

Bis 

Ratamahatta

Roots Bloody Roots

Cobertura de Show: Iron Maiden – 28/10/2026 – Arena da Baixada/CWB

“Foi o melhor show da minha vida”: Iron Maiden emociona gerações em Curitiba

A banda Iron Maiden visitou Curitiba neste dia 28 de outubro de 2026, uma quarta-feira sem chuvas, diga-se de passagem, para sua turnê “Run For Your Lives”, em comemoração aos seus 50 anos de estrada. O grupo inglês pisou pela primeira vez na Arena da Baixada, estádio moderno que abrigou o maior público registrado até hoje na capital, que, segundo a produtora, chegou a 40 mil pessoas. Esta foi a sétima vez em que a “donzela de ferro” pisou por estes lados. A primeira foi no Estádio Couto Pereira, em 1996, ainda com o vocalista Blaze Bayley, que substituiu Bruce Dickinson após sua saída da banda.

O Iron Maiden ainda retornou em 1998, na Pedreira Paulo Leminski; em 2008, já com Bruce nos vocais, também na Pedreira; e tivemos ainda 2011, no Expotrade, em Pinhais (região metropolitana de Curitiba), 2013, no Bioparque, com Ghost e Slayer (sim, é verdade este bilhete!), e 2022, novamente na Pedreira Paulo Leminski. Portanto, passados 30 anos, a maioria dos fãs daquela época estava presente e, claro, com a família. Foi encantador ver tantas crianças neste evento: gerações de pais, avós, netos, casais apaixonados e reuniões de amigos, todos juntos em mais um show sempre inesquecível do sexteto inglês.

Alter Bridge

Mas chega de delongas. O dia também prometia muito, afinal, os californianos do Alter Bridge, que ficaram encarregados de abrir a noite, fizeram um espetáculo um pouco mais intimista, mas com maestria. O grupo conta com uma base sólida de fãs e músicas realmente envolventes, sem falar que lançou um ótimo álbum no começo do ano e, inclusive, abriu o show com a nova “Silent Divine”. Entretanto, nada conseguiu concorrer com a emoção da plateia durante a execução de “Blackbird”, sempre perfeita. 

O Alter Bridge conta com Mark Tremonti e seus riffs afiadíssimos, Scott Phillips na bateria dando sua contribuição, seguido do baixo de Brian Marshall e, na sequência, a voz inconfundível de Myles Kennedy. Receita correta, pena que breve. E, apesar de o show ter merecido mais uns 30 minutos pelo calibre de seus músicos, o setlist foi bem escolhido e conseguiu deixar um “convite” certeiro para aqueles que não os conheciam. Curitiba com certeza os aguarda novamente para um show solo.

Iron Maiden

Bom, mas vamos falar de Maiden. Com pontualidade inglesa, o sexteto iniciou a noite com a clássica canção de abertura, “Doctor Doctor”, e, na sequência, os telões do palco e adjacentes mostraram uma viagem a ruas e becos obscuros de outrora, para os primeiros acordes de “Murders in the Rue Morgue”. A esta altura, o estádio já estava praticamente com sua lotação máxima, o que tornava difícil circular entre os setores, que, diga-se de passagem, estavam muito bem organizados, com muitos funcionários para informações e direcionamento. 

A sequência de músicas foi inesquecível e bem pensada para não deixar o público desanimado (não que isso seja possível em um show do Iron Maiden). Mas foi em “The Number of the Beast” que os saudosos realmente acordaram para o que estava diante de seus olhos. Deixada de fora da última turnê, de 2024, a canção deixou saudades, e sua volta foi marcada com comemoração, cortesia da pirotecnia de palco que só o Maiden sabe fazer, mas desta vez um pouco mais contida. Cabe uma explicação neste momento: o estádio possui cobertura retrátil, e ela estava fechada; sendo assim, o ambiente fechado limita um pouco o uso de materiais possivelmente inflamáveis. Inclusive, prestando atenção, não vislumbrei nenhum sinalizador, o que deixou Bruce claramente muito feliz.

Momento aguardado por muitos, devido aos “spoilers” do setlist, a execução de “Infinite Dreams” dividiu o público, afinal, muitos desconhecem todo o repertório da banda (perfeitamente compreensível, já que são 50 anos na ativa). O cansaço e o estilo mais lento do clássico fizeram muitos darem uma pausa na euforia e, por que não, sentarem-se nas cadeiras dos setores de arquibancada e no chão da pista. Apesar de a música ser lindíssima e da sequência com a poderosa “Powerslave”, o público só teve a “barra de energia” restaurada com “2 Minutes to Midnight”, que arrasou, com todos cantando com o vocalista e colocando as mãos para cima, fazendo o símbolo em referência ao refrão do petardo.

Todavia, como nada é perfeito, em alguns momentos a percepção foi de que o estádio fechado prejudicou um pouco a acústica para o estilo musical do Iron Maiden. Como já presenciei outros músicos e bandas no local, a sensação foi clara. E, como já escrevi em outras resenhas referentes à Arena da Baixada, prefiro o local com a iluminação da lua e das estrelas, mas, convenhamos, sem hipocrisia, a chuva às vezes dá as caras. Por outro lado, o local fechado previne eventuais percalços da equipe técnica em caso de chuva forte, e, em tempos de super El Niño, ninguém quer pagar para ver. Portanto, foi o melhor para todos: segurança em primeiro lugar.

Na sequência, somente as melhores “porradas”, com o perdão da palavra. Portanto, momento para ficar em seus lugares e curtir o espetáculo, que teve direito a efeitos especiais de cenografia, telões com sensação 3D e, claro, fogos pirotécnicos. Inclusive, em alguns momentos, parecia que o mascote Eddie era projetado para realmente sair da tela e observar os músicos de perto. Destaque para o efeito durante a execução da clássica “Hallowed Be Thy Name”, em que Bruce Dickinson saía de cena para interagir com uma animação fantasmagórica e voltava ao palco em sincronia para a finalização da música, acompanhado do público em uníssono. Realmente foi um espetáculo unindo arte e tecnologia, vindo de uma banda que comemora seus cinquenta anos, mas ainda ensina como se faz um espetáculo de grande porte: uma experiência verdadeiramente inesquecível.

Mas é claro que também sabemos que tantos efeitos ajudam os músicos a dosar a energia para não perder a presença de palco. Levando em consideração a idade dos músicos, eles parecem crianças pulando em cena; por vezes me perguntei: “Como manter joelhos tão fortes aos sessenta e poucos anos?”. Janick Gers sempre dança com sua guitarra, sem nunca perder o ritmo; o baixista Steve Harris, então, dispensa palavras; Bruce Dickinson está cada vez mais concentrado, teatral e técnico; e há ainda o carismático Dave Murray e o “nosso guitarrista” Adrian Smith, cuja maestria conferimos também este ano, em show com a banda Smith/Kotzen. Um parêntese para o novo baterista, Simon Dawson, que veio da parceria com Steve Harris na banda British Lion: a princípio, conseguiu segurar muito bem as baquetas da “donzela”, mas sempre há os saudosos que lembram a magia de Nicko McBrain. Mas cada um tem uma jornada nesta vida, e agora é a vez de Dawson brilhar. Se havia alguém cansado na plateia, com certeza a energia do Iron Maiden o fez mudar o semblante.

E foi com a incomparável “Iron Maiden”, eterna e atual, ou seja, atemporal, que a banda encerrou a primeira parte do show. Após a execução, a banda conversou com o público, apresentou seus integrantes e fez uma “primeira despedida” antes do bis, com direito a um pequeno discurso satisfeito de Bruce sobre os sinalizadores.

A pausa durou pouco, mas serviu para alguns respirarem, até que, subitamente, sons de aviões invadiram o estádio, cada vez mais fortes, e… pronto! Todos começaram a comemorar a chegada de “Aces High”, que desta vez não contou com o avião cenográfico da turnê de 2022, na Pedreira Paulo Leminski, aqui em Curitiba. Agora, a tecnologia fez as vezes do avião, e o impacto foi bem grande: a sinergia entre o digital e o físico, como já falado anteriormente, foi realizada de maneira impecável pelo Iron Maiden. Um avanço bem rápido no estilo de shows da banda, que sempre contou com uma teatralidade acima da média, mas agora conseguiu diminuir a “carga” do cenário nos deslocamentos entre países, e com excelência.

Finalmente, o estádio escureceu, dando espaço para uma atmosfera etérea, com os primeiros acordes de “Fear of the Dark”, todos com as luzes dos celulares prontas para dar início à maravilhosa performance dos músicos, com os solos mais amados de todo fã de heavy metal. As histórias dos fãs eram várias; a mais citada era “Nossa, eu tocava esta quando era adolescente!”, seguida de “Que saudades de tocar as músicas do Maiden!”. A sensação de andar pelo estádio e prestar atenção nos semblantes das pessoas foi divina; esse exercício de “prestar atenção ao redor” nos proporciona repertório para sentir melhor o momento. E esta canção foi única em sua majestade. A finalização veio com a sempre clássica “Wasted Years”, também com efeitos de palco surpreendentes, e famílias cantando em uníssono com a banda.

Um adendo aqui para falar da simpatia do Iron Maiden: por mais que às vezes Bruce fique irritado em alguns países afora, e na maioria das vezes com razão, em todos os shows que tive o privilégio de assistir ele sempre conversou muito com o público e demonstrou respeito a todos que ali estavam. Atitude esta que muitas grandes bandas de rock não têm, e aí o público fica com aquele sentimento de que “faltou algo”. E não: faltou somente empatia por parte de algumas bandas. Com o Iron Maiden, as pessoas fazem sacrifícios para estar no show, pois sabem que vão ser “vistas” e ganhar a experiência completa, e isso explica muito destes 50 anos de estrada e de um público que agrega ao coro a própria família: leva mãe, filho, sobrinho, pois tem a certeza de que vai olhar nos olhos desses entes queridos e escutar “Obrigada por me trazer, foi o melhor show da minha vida!”. E, no dia 28 de outubro de 2026, escutei do meu filho: “Mãe!!! Foi o melhor show da minha vida! Obrigado!”, seguido de um abraço em mim e em meu marido, que o acompanhava na ocasião.

Por fim, só restam palavras para agradecer esta oportunidade de fazer a cobertura do Iron Maiden em Curitiba, minha cidade. Obrigada a toda a equipe da Road To Metal, a equipe da Move Concerts Brasil, a RW7 e aos amigos que lá estavam! 

Finalizo com uma apropriação da frase “We always have Paris” para “Nós sempre teremos o Iron Maiden” e claro “Up The Irons”.

Texto: Paula Butter

Fotos: Thiago C. Bahia

Realização: Move Concerts / RW7 Concerts

Press: Midiorama

Alter Bridge – setlist:

Silent Divide

Addicted to Pain

Cry of Achilles

Fortress

Blackbird

Metalingus

Isolation

Iron Maiden – setlist

Murders in the Rue Morgue

Wrathchild

Killers

Phantom of the Opera

The Number of the Beast

Infinite Dreams

Powerslave

2 Minutes to Midnight

Rime of the Ancient Mariner

Run to the Hills

Seventh Son of a Seventh Son

The Trooper

Hallowed Be Thy Name

Iron Maiden

Bis 

Aces High

Fear of the Dark

Wasted Years

Molly Hatchet: Espalhando Os Ventos do Sul (Also In English)

Steamhammer (Imp.)

Por Flavio Borges 

Dezesseis anos depois de Justice (2010), o Molly Hatchet retorna com um álbum que reafirma sua identidade e demonstra que o Southern Rock continua pulsando com força em suas veias. Liderado pelo guitarrista Bobby Ingram, Lost Horizon reúne doze faixas que preservam os elementos fundamentais da sonoridade da banda, mas encontram espaço para explorar novas texturas, ampliar os arranjos e revelar nuances que vão além da fórmula tradicional do gênero.

Gravado no lendário Studio 2 do Abbey Road Studios, em Londres, o álbum também apresenta a nova formação em estúdio, com Garrett Ramsden na bateria e Parker Lee nos vocais, ao lado de Ingram, John Galvin (teclados) e Tim Lindsey (baixo). A renovação não implica uma ruptura com o passado, mas coloca em evidência o desafio de manter vivo um legado que tem em Danny Joe Brown uma de suas referências mais emblemáticas.

Os singles “Dixie Highway” e “Once A Gambler” anteciparam um trabalho fiel às raízes do grupo, enquanto “Jacksonvillain” resgata, com irreverência, as aventuras dos primeiros anos em Jacksonville, na Flórida. Há, porém, mais do que nostalgia em Lost Horizon: a faixa-título e “Coming Home”, duas composições extensas, revelam uma banda disposta a expandir seus horizontes sem abandonar a própria personalidade.

O resultado é um álbum que aposta na força das composições, no entrosamento instrumental e na capacidade de transformar uma tradição consolidada em música ainda relevante.

O disco abre com “Firing Line (Enhanced Version)”, originalmente lançada em 2023. A gravadora não esclarece quais alterações foram realizadas nesta edição, mas a faixa se sustenta por sua força musical. Trata-se de Southern Rock em sua essência, com guitarras afiadas e belas intervenções de piano que enriquecem o arranjo sem disputar espaço com o restante da instrumentação. O refrão é daqueles que se fixam rapidamente, enquanto o trabalho de guitarra acrescenta texturas e dimensões que tornam a composição ainda mais envolvente.

“Whiskey Desperado” dá continuidade ao álbum com uma abordagem mais suja, especialmente nas guitarras, que surgem pesadas e distorcidas. O contraste com a bateria, limpa e bem definida, confere clareza à base rítmica, enquanto o baixo, discreto, mas eficiente, e os teclados bem posicionados completam a massa sonora. A faixa incorpora uma abordagem mais contemporânea ao Southern Rock, sem perder de vista a identidade que caracteriza o Molly Hatchet.

Em seguida, “Jacksonvillain” recupera o espírito descontraído dos primeiros anos da banda. A combinação entre a guitarra distorcida de Bobby Ingram e o piano e os teclados de John Galvin entrega exatamente aquilo que se espera do grupo: uma sonoridade reconhecível, sem concessões desnecessárias. Divertida e acessível, a faixa acrescenta leveza ao repertório e demonstra que a fidelidade às próprias raízes não precisa significar falta de dinamismo.

Primeiro single do álbum, “Dixie Highway” funciona como uma síntese eficiente da proposta de Lost Horizon. Mesmo sem grandes mudanças estilísticas, a composição evidencia que a renovação da formação não comprometeu a identidade musical da banda. O piano característico do gênero, a slide guitar e os tradicionais diálogos entre os instrumentos estão presentes, sustentados por um refrão cativante e backing vocals utilizados com precisão. É um cartão de visita certeiro, com todos os ingredientes necessários para agradar aos admiradores do Southern Rock clássico.

A faixa-título, por sua vez, surpreende logo nos primeiros momentos. Sintetizadores, efeitos de teclado e elementos que remetem a timbres de sopro criam uma atmosfera incomum antes da entrada contundente das guitarras e dos demais instrumentos. As mudanças de dinâmica e os momentos em que as vozes assumem o protagonismo ampliam a complexidade da composição. A guitarra acústica também merece destaque, assim como a interpretação de Parker Lee, que demonstra personalidade e segurança.

Com cerca de nove minutos, “Lost Horizon” apresenta uma sucessão de texturas, mudanças de andamento e passagens instrumentais que impedem a composição de se tornar previsível.

Há ecos de nomes fundamentais dos anos 1970, como Uriah Heep, Black Sabbath e, naturalmente, Lynyrd Skynyrd, mas a faixa não se limita a reproduzir referências. O instrumental é coeso, tecnicamente impecável e repleto de momentos que permitem a cada músico demonstrar sua competência sem comprometer a unidade do conjunto. É um dos pontos altos do álbum e uma evidência de que o Molly Hatchet ainda tem espaço para explorar estruturas mais ambiciosas.

Depois dessa jornada, “The Answer” surge como uma pausa necessária. A composição segue a tradição das baladas de Southern Rock, apoiada em uma guitarra pesada e melódica e em backing vocals que ganham força especialmente no refrão. A interpretação preserva a carga emocional sem recorrer a excessos, enquanto o arranjo oferece um contraponto mais sereno à complexidade da faixa anterior. Uma transição bem-vinda, que permite ao ouvinte respirar antes da retomada da energia.

“Moonshine All Mine” traz de volta o clima festivo e descompromissado. A temática alcoólica, a slide guitar em evidência, o piano e uma cozinha instrumental sólida compõem uma combinação familiar aos fãs da banda. Não há grandes surpresas, mas tampouco há necessidade de reinventar uma fórmula que continua funcionando. A faixa cumpre seu papel com naturalidade e reforça o caráter tradicional do álbum.

Gravar no Abbey Road Studios parece ter inspirado uma homenagem inevitável aos Beatles. A escolhida foi “Helter Skelter”, que recebe uma interpretação inteiramente moldada pela personalidade do Molly Hatchet. O peso e a abordagem sulista transformam a composição sem apagar suas características originais: a referência à versão dos Beatles permanece reconhecível durante toda a execução. O resultado é uma releitura convincente, que respeita a fonte e, ao mesmo tempo, encontra espaço para a identidade dos norte-americanos.

“Stand Up For Freedom” começa envolta em mistério, recuperando os sintetizadores e efeitos que já haviam aparecido na faixa-título. A introdução dá lugar a uma composição de andamento tradicional, marcada pelos vocais roucos, pelas guitarras distorcidas e pela presença do Hammond, que reforça a sustentação harmônica. O refrão é direto, melódico e desprovido de excessos, com backing vocals bem encaixados. Sem reinventar o gênero, a faixa reafirma a competência da banda em trabalhar com os elementos que fizeram do Southern Rock uma linguagem tão característica.

A reta final começa com “Stronger”, que acelera o andamento e aproxima o repertório do Hard Rock tradicional. As melodias ganham protagonismo, os teclados criam uma atmosfera distinta e os vocais mais limpos de Parker Lee revelam outra faceta de sua interpretação. O refrão, apoiado por uma bela base de teclados, apresenta linhas melódicas que flertam com o AOR. Essa combinação amplia a paleta sonora do álbum e representa uma das surpresas mais agradáveis do repertório.

“Once A Gambler”, o segundo single, mantém a energia e a orientação mais acelerada estabelecidas pela faixa anterior. A composição não acrescenta grandes novidades à fórmula apresentada até aqui, mas se encaixa com naturalidade na sequência. Guitarras, melodias e a habitual identidade sulista garantem uma faixa eficiente, que prepara o terreno para o encerramento.

A responsabilidade de concluir o álbum fica com “Coming Home”, outra composição extensa, com quase oito minutos. A introdução cadenciada e limpa estabelece o clima antes de explorar a combinação entre guitarras acústicas e distorcidas, sustentadas por uma base sólida. Os backing vocals conferem dimensão épica ao refrão, enquanto os vocais de Parker Lee e as intervenções de piano contribuem para a construção gradual do arranjo.

Ao longo da faixa, o grupo alterna passagens próximas da balada com momentos mais pesados, solos expressivos e mudanças de intensidade que mantêm o interesse até o final. A composição reúne diferentes facetas do Molly Hatchet e funciona como um encerramento abrangente, valorizando tanto a interpretação vocal quanto o entrosamento instrumental. É uma conclusão à altura de um álbum que, em seus melhores momentos, consegue equilibrar tradição, melodia e ambição composicional.

O Molly Hatchet está de volta — e em grande estilo. A espera de quase dezesseis anos valeu a pena? Para quem procura a sonoridade que consagrou a banda, a resposta é sim. Lost Horizon entrega guitarras marcantes, pianos característicos, refrões envolventes e a mistura de peso e melodia que define o Southern Rock do grupo. Mais importante, as composições extensas demonstram que ainda existe disposição para ir além do repertório mais previsível.

A nova formação também se mostra convincente em estúdio. Parker Lee assume a responsabilidade vocal com personalidade, enquanto Garrett Ramsden contribui para uma base instrumental coesa. Resta descobrir como essa dinâmica se traduzirá nos palcos, mas o álbum oferece motivos suficientes para otimismo. Sem tentar negar o passado ou competir com ele, o Molly Hatchet reafirma sua identidade e entrega um trabalho sólido, envolvente e digno de sua trajetória.

Segue a versão em inglês, adaptada para soar como um texto originalmente escrito para uma publicação especializada, com a abordagem editorial de revistas como Classic Rock e Metal Hammer.

***ENGLISH VERSION***

Sixteen years after Justice (2010), Molly Hatchet return with an album that reaffirms their identity and proves that Southern Rock still runs deep in their veins. Led by guitarist Bobby Ingram, Lost Horizon delivers twelve tracks that preserve the essential ingredients of the band’s sound while finding room to explore new textures, expand their arrangements and reveal nuances that reach beyond the genre’s traditional formula.

Recorded at the legendary Studio 2 at Abbey Road Studios in London, the album also marks the studio debut of the band’s new line-up, featuring Garrett Ramsden on drums and Parker Lee on vocals, alongside Ingram, John Galvin (keyboards) and Tim Lindsey (bass). The changes do not signal a break with the past, but they do underline the challenge of preserving a legacy inextricably linked to Danny Joe Brown, one of the most iconic voices in Molly Hatchet’s history.

Singles “Dixie Highway” and “Once A Gambler” offered an early indication of the album’s commitment to the band’s roots, while “Jacksonvillain” revisits the adventures of their early days in Jacksonville, Florida, with a healthy dose of irreverence. Yet there is more to Lost Horizon than nostalgia. The title track and “Coming Home”, two extended compositions, reveal a band willing to broaden its horizons without abandoning its musical identity.

The result is an album built on strong songwriting, instrumental chemistry and the ability to keep a well-established tradition sounding relevant.

The album opens with “Firing Line (Enhanced Version)”, originally released in 2023. The record label has yet to clarify what changes were made to this edition, but the track stands firmly on its musical merits. This is Southern Rock in its purest form, driven by razor-sharp guitars and beautiful piano passages that enrich the arrangement without competing with the rest of the instrumentation. The chorus is an instant earworm, while the guitar work adds texture and depth, making the song all the more engaging.

“Whiskey Desperado” keeps things moving with a grittier approach, particularly in its heavy, distorted guitars. The contrast with the clean, sharply defined drumming brings clarity to the rhythmic foundation, while the understated yet effective bass and well-placed keyboards complete the sonic picture. The track introduces a more contemporary edge to the band’s Southern Rock without losing sight of the sound that has always defined Molly Hatchet.

“Jacksonvillain” brings the spirit of the band’s early years back into focus. The combination of Bobby Ingram’s distorted guitar and John Galvin’s piano and keyboards delivers precisely what fans expect from Molly Hatchet: a familiar sound with no unnecessary concessions. Fun and immediately accessible, the track adds a welcome touch of lightness to the album and proves that staying true to your roots need not mean sacrificing momentum.

The first single, “Dixie Highway”, serves as an effective distillation of Lost Horizon’s overall approach. Despite making no major stylistic departures, the song demonstrates that the line-up changes have done nothing to compromise the band’s identity. The genre’s trademark piano, slide guitar and classic instrumental interplay are all present, supported by a catchy chorus and backing vocals deployed to perfection. It is a confident calling card, containing all the ingredients required to satisfy devotees of classic Southern Rock.

The title track, meanwhile, delivers an early surprise. Synthesizers, keyboard effects and timbres reminiscent of brass instruments establish an unusual atmosphere before the guitars and the rest of the band crash in. Dynamic shifts and passages in which the vocals take centre stage add further layers of complexity. Acoustic guitar also plays a significant role, while Parker Lee’s performance demonstrates both character and confidence.

At around nine minutes, “Lost Horizon” unfolds through a succession of textures, tempo changes and instrumental passages that keep the composition from becoming predictable. Echoes of key names from the 1970s — Uriah Heep, Black Sabbath and, naturally, Lynyrd Skynyrd — are unmistakable, but the track does not merely recycle familiar influences. The musicianship is cohesive and technically impressive, with each player given room to shine without compromising the collective performance. It is one of the album’s highlights and proof that Molly Hatchet still have an appetite for more ambitious songwriting.

After that journey, “The Answer” arrives as a welcome breather. The song follows the tradition of the Southern Rock ballad, built around a heavy yet melodic guitar line and backing vocals that come into their own, particularly in the chorus. The performance retains its emotional weight without resorting to excess, while the arrangement provides a more restrained counterpoint to the preceding track’s complexity. It is a well-judged change of pace before the album’s energy picks up again.

“Moonshine All Mine” brings back the celebratory, carefree spirit. Its drinking-themed lyrics, prominent slide guitar, piano and rock-solid rhythm section combine familiar ingredients for the band. There are no major surprises, but there is little need to reinvent a formula that continues to work. The track fulfils its purpose naturally and reinforces the album’s commitment to traditional Southern Rock.

Recording at Abbey Road seems to have made a Beatles tribute almost inevitable. The band’s choice is “Helter Skelter”, given an interpretation shaped entirely by Molly Hatchet’s own personality. Their heavier, Southern-inflected approach transforms the song without obscuring its original character: the Beatles’ version remains recognisable throughout. The result is a convincing rendition that respects its source material while leaving plenty of room for the American band’s distinctive sound.

“Stand Up For Freedom” begins on a mysterious note, bringing back the synthesizers and effects heard on the title track. The introduction gives way to a composition built around a traditional groove, gritty vocals and distorted guitars. The Hammond organ reinforces the harmonic foundation, leading into a direct, melodic chorus free of unnecessary embellishments. The backing vocals are simple but effective. Without attempting to reinvent the genre, the track reaffirms the band’s command of the elements that have made Southern Rock such a distinctive musical language.

The final stretch begins with “Stronger”, which picks up the pace and edges closer to traditional Hard Rock. Melody takes centre stage, the keyboards establish a different atmosphere, and Parker Lee’s cleaner vocal delivery reveals another side of his performance. The chorus, supported by a beautifully arranged keyboard foundation, features melodic lines that flirt with AOR. This combination broadens the album’s sonic palette and makes the song one of its most pleasant surprises.

“Once A Gambler”, the second single, maintains the energy and faster pace established by its predecessor. The composition does not introduce many new ideas, but it fits naturally into the sequence. Guitars, melody and the band’s unmistakable Southern identity make for an effective track that sets the stage for the album’s closing statement.

That responsibility falls to “Coming Home”, another extended composition, clocking in at almost eight minutes. Its measured, clean introduction establishes the mood before the arrangement develops around a combination of acoustic and distorted guitars, supported by a solid rhythm section. The backing vocals lend an epic dimension to the chorus, while Parker Lee’s delivery and the carefully placed piano passages help shape the song’s gradual progression.

As the track unfolds, the band moves between ballad-like passages and heavier sections, with expressive solos and shifts in intensity maintaining interest to the very end. The composition brings together different facets of 

Molly Hatchet’s sound and serves as a comprehensive finale, showcasing both the vocal performances and the band’s instrumental chemistry. It is a fitting conclusion to an album that, at its best, balances tradition, melody and compositional ambition.

Molly Hatchet are back — and in fine form. Was the nearly sixteen-year wait worth it? For anyone looking for the sound that made the band a Southern Rock institution, the answer is yes. Lost Horizon delivers muscular guitars, signature piano lines, infectious choruses and the blend of weight and melody that defines the group. More importantly, its longer compositions demonstrate a willingness to venture beyond the more predictable side of the band’s established formula.

The new line-up also proves convincing in the studio. Parker Lee approaches the vocal duties with personality, while Garrett Ramsden helps anchor a cohesive instrumental performance. How this dynamic translates to the live stage remains to be seen, but the album provides plenty of reasons for optimism. Rather than denying the past or attempting to compete with it, Molly Hatchet reaffirm their identity and deliver a solid, engaging record worthy of their legacy.

Benjamin Gabbert