Jaded Heart: Mantendo a Força (Also In English)

Frontiers Records (Imp.)

Por Flavio Borges 

Após mais de quatro anos, o Jaded Heart retorna com Toxic, um álbum que reafirma a força da banda no cenário europeu do hard rock melódico. Com riffs pesados, vocais poderosos e refrões feitos para grudar na memória, o grupo aposta em uma fórmula que equilibra o apelo melódico do hard rock com a energia do metal clássico. Entre os destaques está uma nova versão acústica de “Remembering”, originalmente lançada em Guilty By Design (2016), que acrescenta uma dimensão mais intimista ao repertório.

A formação atual reflete diferentes momentos da trajetória do Jaded Heart. O baixista Michael Müller é o único integrante remanescente da formação original, ao lado do vocalista Johan Fahlberg, do guitarrista Peter Östros e do baterista Bodo Stricker. Embora a configuração tenha mudado ao longo dos anos, a banda preserva os elementos que consolidaram sua identidade: melodias fortes, guitarras encorpadas e uma abordagem que transita com naturalidade entre o hard rock e o heavy metal.

A abertura com “We Come Alive” traduz bem a proposta do álbum. Vibrante e direta, a faixa combina guitarras gêmeas que remetem à tradição do Judas Priest com um refrão imediatamente cativante. É uma introdução que demonstra a disposição da banda em apostar na força das composições, sem recorrer a excessos ou virtuosismos desnecessários. O mérito está na execução coletiva, com cada instrumento ocupando seu devido espaço e contribuindo para um resultado coeso.

“One By One”, primeiro single do disco, mantém essa linha, mas acrescenta um pouco mais de cadência. O baixo ganha presença nos momentos que antecedem o crescimento dramático da música, preparando o terreno para mais um refrão construído para permanecer na cabeça do ouvinte. Na sequência, “Hell Driver” completa uma trinca inicial bastante eficiente. Com uma estrutura que dialoga com a faixa anterior e uma pegada hard ’n’ heavy, a música reforça o equilíbrio entre o hard rock melódico e as influências do metal tradicional. São três faixas que estabelecem rapidamente a identidade de Toxic e convidam o ouvinte a seguir adiante.

A faixa-título inaugura um momento mais cadenciado e pesado, sustentado por riffs de guitarra expressivos. Os vocais de apoio, mais próximos da tradição do hard rock, ampliam o impacto melódico e conduzem a música a outro refrão marcante. As mudanças de andamento ajudam a construir a dinâmica da composição, mas o grande destaque está na passagem que antecede o solo: uma seção trabalhada com cuidado, que eleva a dramaticidade e confere à faixa um caráter quase épico.

“Black Angel” mantém essa atmosfera grandiosa, mas sem simplesmente repetir a fórmula. A energia aparece desde os primeiros instantes, enquanto a interpretação de Johan Fahlberg assume papel central na construção da música. Seu desempenho vocal acrescenta personalidade e intensidade à composição, evidenciando uma das principais qualidades do álbum. Ao final dessa primeira sequência, fica clara a capacidade do Jaded Heart de reunir canções distintas em torno de uma identidade sonora consistente, sem comprometer a fluidez do conjunto.

Na segunda metade, “Dogs of War” desloca o foco para o heavy metal tradicional. Mais rápida e pesada, a faixa apresenta um solo de abertura que antecipa sua orientação musical, enquanto a bateria de Bodo Stricker imprime força e precisão à execução. O refrão segue uma abordagem mais direta, sem grandes ornamentações, mas perfeitamente adequada à proposta. Aqui, a banda demonstra que sabe privilegiar o impacto e a objetividade quando a composição exige.

“Shadows Awaken” recupera o clima hard ’n’ heavy, desta vez com uma condução mais cadenciada e um refrão particularmente elaborado. Os vocais de apoio desempenham papel fundamental na construção melódica, ampliando a voz principal e criando momentos que se aproximam de um coro. Os teclados, presentes também em outras passagens do disco, acrescentam camadas e aumentam a dramaticidade do arranjo. O resultado é uma das composições que melhor sintetizam a capacidade do Jaded Heart de combinar peso, melodia e grandiosidade.

A nova versão acústica de “Remembering” oferece uma pausa bem-vinda depois de uma sequência marcada por guitarras pesadas e refrões grandiosos. Originalmente lançada em Guilty By Design, a música ganha outra atmosfera, permitindo que os detalhes do arranjo ocupem o primeiro plano. Os timbres acústicos de guitarra e baixo, a percussão orgânica e o trabalho cuidadoso dos vocais principais e de apoio revelam nuances que contrastam com a intensidade predominante no restante do álbum. Mais do que um simples interlúdio, a releitura funciona como uma demonstração da versatilidade dos músicos.

“Face the Day” retoma o hard rock em uma abordagem mais cadenciada, com o baixo assumindo papel importante na sustentação da base e a guitarra acrescentando contornos melódicos ao redor dos vocais. Os backing vocals voltam a ser um dos trunfos da composição, reforçando a melodia principal e conferindo ao refrão uma dimensão quase coral. É mais um exemplo da habilidade da banda para construir canções acessíveis sem abrir mão de uma instrumentação robusta.

De acordo com a tracklist oficial da Frontiers Records, “Broken Glass Sunrise” encerra o álbum. Curta e instrumental, a faixa recupera a tradição dos instrumentais de guitarra do hard rock e do metal clássico, colocando a execução dos músicos em evidência. Em vez de concluir o disco com outro refrão grandioso, o Jaded Heart opta por um desfecho que privilegia a abordagem instrumental e deixa uma última impressão da competência técnica do quarteto.

Há ainda uma observação sobre “Born in Fire”. A faixa aparece no material de repertório enviado pela própria gravadora, embora não conste na tracklist oficial consultada. Musicalmente, segue uma direção mais cadenciada, com a base pesada do metal contrastando com um refrão de orientação claramente hard rock. É uma composição que deve agradar aos admiradores da banda, mas sua condição de faixa bônus e seu eventual lançamento oficial permanecem sem confirmação.

Com Toxic, o Jaded Heart entrega um trabalho consistente, que valoriza os pontos fortes de sua identidade sem depender de grandes reinvenções. A alternância entre passagens mais próximas do hard rock melódico e momentos de maior peso, somada à eficiência dos refrões e à coesão instrumental, mantém o álbum interessante ao longo de sua execução. A banda sabe quando apostar na contundência e quando abrir espaço para a melodia, enquanto a interpretação de Johan Fahlberg e os arranjos vocais reforçam a personalidade das composições.

O resultado é um disco que reafirma o Jaded Heart como um nome relevante do hard ’n’ heavy europeu. Sem complicar aquilo que faz bem, o grupo reúne experiência, energia e boas canções em um álbum que tem potencial para figurar entre os destaques do gênero em 2027. Para quem acompanha a trajetória da banda ou simplesmente aprecia hard rock melódico com guitarras pesadas e refrões marcantes, Toxic é um retorno que merece atenção.

***ENGLISH VERSION***

After more than four years, Jaded Heart return with Toxic, an album that reaffirms the band’s standing in the European melodic hard rock scene. Packed with muscular riffs, powerful vocals and choruses designed to stick, the record strikes a balance between hard rock’s melodic appeal and the punch of classic heavy metal. Among its highlights is a new acoustic version of Remembering, originally featured on 2016’s Guilty By Design, which brings a more intimate dimension to the album.

The current lineup reflects different chapters in Jaded Heart’s history. Bassist Michael Müller is the sole remaining member of the original lineup, joined by vocalist Johan Fahlberg, guitarist Peter Östros and drummer Bodo Stricker. Although the band’s personnel has evolved over the years, its defining ingredients remain intact: strong melodies, muscular guitars and a sound that moves naturally between hard rock and heavy metal.

The album gets off to a flying start with We Come Alive, a vibrant, no-nonsense opener that sets the tone for what follows. Its twin-guitar attack recalls the tradition of Judas Priest, while an immediately engaging chorus gives the song plenty of melodic appeal. It is an effective introduction that demonstrates the band’s commitment to strong songwriting without unnecessary flourishes or displays of virtuosity. The real strength lies in the collective performance, with each instrument finding its place and contributing to a cohesive whole.

One By One, the album’s lead single, follows a similar path but introduces a slightly more measured pace. The bass comes further to the fore in the passages leading into the song’s dramatic build-up, setting the stage for another chorus built to linger long after the music stops. Hell Driver completes a highly effective opening trio. Driven by a hard ’n’ heavy approach and a structure that echoes its predecessor, the track reinforces the album’s balance between melodic hard rock and traditional metal. These first three songs establish Toxic’s identity with little fuss and make a compelling case for hearing what comes next.

The title track opens with a heavier, more deliberate groove, built around some fine guitar riffs. The backing vocals lean towards classic hard rock, adding melodic depth and paving the way for another memorable chorus. Changes in pace give the song a welcome sense of movement, but the real highlight is the extended passage leading into the solo. Carefully constructed and rich in drama, it elevates the track and lends it an almost epic quality.

Black Angel sustains that grand atmosphere without simply repeating the same formula. The energy is evident from the opening moments, while Johan Fahlberg’s vocal performance becomes a focal point. His delivery brings character and intensity to the song, underlining one of the album’s greatest strengths. By the end of this first run of tracks, Jaded Heart have demonstrated their ability to bring distinct compositions together under a consistent musical identity without sacrificing the album’s momentum.

The second half opens with Dogs of War, which shifts the emphasis towards traditional heavy metal. Faster and heavier, the track announces its intentions with an opening guitar solo, while Bodo Stricker’s drumming adds power and precision. The chorus takes a more direct approach, avoiding unnecessary embellishments while delivering exactly what the song demands. Here, the band shows that it knows when to prioritize sheer impact and keep things straightforward.

Shadows Awaken returns to a hard ’n’ heavy setting, this time with a more measured groove and a particularly elaborate chorus. The backing vocals play a crucial role, reinforcing the lead melody and creating moments that verge on a full-blown vocal ensemble. Keyboards, which also feature elsewhere on the record, add extra layers and heighten the drama of the arrangement. The result is one of the tracks that best captures Jaded Heart’s ability to combine heaviness, melody and grandeur.

The acoustic reworking of Remembering provides a welcome breather after a succession of tracks driven by heavy guitars and big choruses. Originally released on Guilty By Design, the song takes on a different atmosphere, allowing the finer details of the arrangement to come to the fore. The acoustic guitar and bass tones, organic percussion and carefully arranged lead and backing vocals reveal nuances that contrast with the intensity dominating the rest of the album. More than a simple interlude, the reworking showcases the musicians’ versatility.

Face the Day brings the focus back to hard rock, adopting a more measured approach in which the bass plays a prominent role in anchoring the groove, while the guitar adds melodic flourishes around the vocal lines. The backing vocals are once again a major asset, reinforcing the central melody and giving the chorus an almost anthemic, choir-like quality. It is another example of the band’s knack for writing accessible songs without compromising on muscular instrumentation.

According to Frontiers Records’ official track listing, Broken Glass Sunrise closes the album. Short and instrumental, the track draws on the tradition of guitar-led hard rock and classic metal instrumentals, putting the musicians’ playing firmly in the spotlight. Rather than ending with another grand chorus, Jaded Heart opt for an instrumental finale that highlights the quartet’s technical ability and leaves the listener with one last reminder of its musical credentials.

One further point concerns Born in Fire. The track appears on the track list supplied by the record label, although it is absent from the official album listing consulted. Musically, it follows a more measured path, contrasting a heavy metal foundation with a distinctly hard rock chorus. It should appeal to the band’s fans, but its status as a bonus track and the possibility of an official release remain unconfirmed.

With Toxic, Jaded Heart deliver a consistent record that plays to the band’s strengths without relying on a radical reinvention. The shifts between melodic hard rock and heavier passages, coupled with efficient choruses and tight ensemble playing, keep the album engaging throughout. The band knows when to turn up the aggression and when to give the melodies room to breathe, while Johan Fahlberg’s vocals and the carefully crafted vocal arrangements reinforce the songs’ character.

The result is an album that reaffirms Jaded Heart’s position as a notable force in European hard ’n’ heavy. By keeping things straightforward and focusing on what it does best, the band brings experience, energy and strong songwriting together in a record that could well rank among the genre’s highlights of 2027. For longtime followers and anyone with a taste for melodic hard rock, heavy guitars and memorable choruses, Toxic is a return worth hearing.

Tobias Steining

Graveyard: Peso e Atitude à Moda Antiga

Shinigami Records (Nac.) / Nuclear Blast (Imp.)

Graveyard gira a chave e entrega seu melhor álbum em “Fever”

Por Paula Butter - @paulabutter.rocks

A banda sueca Graveyard presenteou nossos ouvidos com seu novo álbum Fever nesta sexta-feira, dia 9 de outubro de 2026, pela Nuclear Blast. Após três anos desde o lançamento de Six, os músicos de Gotemburgo finalmente vieram com uma obra audaciosa, forte e que chega para impor seu lugar no rock pesado com muito blues, emoção e técnica. Afinal, nada é por acaso.

A banda declarou que este sétimo álbum era possivelmente seu melhor até agora e, após ouvir as nove faixas de Fever, é preciso concordar sem ressalvas. Nos dois primeiros singles lançados antecipadamente, já se podia sentir uma mudança sutil no som da banda, que antes estava um pouco tímida, introspectiva. E não era para menos: o álbum Six trouxe muita qualidade musical, mas foi uma composição pós-pandemia, portanto mais melancólica.

Agora, parece que o Graveyard girou a chave e trouxe mais peso, mais blues, mais sons crus, orgânicos; inclusive, o processo de gravação foi bem intimista. O resultado disso é uma obra que vale a pena colocar na íntegra em sua playlist, principalmente se você é fã daquele rock pesado, ainda com as raízes do blues que pairavam nos anos 70.

A primeira faixa, “Back From The Grave”, já diz tudo: com um blues pesado bem setentista, cheio de “mojo”, dá o recado para o que vem a seguir: “Tongue Tied”, um rock n’ roll de primeira qualidade, com aquele “som de vinil”, solo ritmado, bateria em forma e os vocais rasgados de Joakim Nilsson nos momentos certos e, literalmente, “Blow away”!

Na sequência, a ácida e adorável “A Better Cut (Note To Self)”, que nos brinda com um refrão digno de cantarolar o dia todo. Inclusive, deixo-a como destaque, juntamente com a surpresa “A Means To An End”: que perfeição, digna do videoclipe que foi lançado há algumas semanas.

Contamos também com a mais tímida “Time To Tell” e com o peso e a agressividade de “Year Of The Horse”. O recado está escancarado nas letras e refrões: música feita com vontade e garra, para não sobrarem dúvidas de que o Graveyard veio para ficar. Neste ponto da audição, você já se encontra bem mais motivado para encarar o dia e até arrisca cantar junto, sensações espontâneas que nem todos os álbuns proporcionam. Apesar de o álbum contar com muitas passagens instrumentais (e é sabido que muita gente torce o nariz para isso), elas passam com um ritmo que te prende.

A banda fecha com maestria, com “Room Tempered” e a inusitada balada bluseira “Dead Note”. Por fim, todas as músicas são dignas de uma trilha sonora atemporal, sempre com um passo no presente e na evolução do som, mas soando como se estivéssemos em tempos passados. Destaque para a arte da capa de Fever, que conta com muita psicodelia e criatividade. É interessante também assistir ao “GRAVEYARD - Making of Fever”, disponível no YouTube oficial da banda, em que eles mostram em detalhes a produção do álbum e todos os equipamentos utilizados, alguns bem “old school”, sempre deixando o talento humano em primeiro lugar. 

Um recado final para aqueles que não tiveram a oportunidade de ver estes músicos ao vivo: curtam as músicas e, na primeira oportunidade, agarrem seus ingressos!

Divulgação 

Graveyard - Fever - Tracklist:

01 Back From The Grave

02 Tongue Tied

03 A Better Cut (Note To Self)

04 Year Of The Horse

05 A Means To An End

06 Time To Tell

07 Don’t Shoot!

08 Room Tempered

09 Dead Note

Cobertura de Show: Dregen – 11/10/2026 – Manifesto Bar/SP

A noite de 11 de outubro o Manifesto foi palco do movimento que nasceu da rebeldia misturada com a luxuria,o Sleazy. Esse movimento nasceu quando o hard rock resolveu ser mais underground! Na Los Angeles dos anos 80, bandas como Mötley Crüe, Faster Pussycat e L.A. Guns transformaram clubes imundos, guitarras debochadas e excessos em religião profana. Era o rock de quem parecia ter saído de uma briga de bar direto para a capa de uma revista. Calças apertadas, maquiagem borrada, cabelos capazes de desafiar a gravidade e refrões feitos para serem berrados por gente que já tinha perdido a voz. O sleazy carregava o DNA do glam metal, mas com uma sujeira que dispensava qualquer explicação.

Foi nesse clima que o Manifesto Bar recebeu três nome de peso pro movimento Sleazy - Os Brasileiros do Bastardz, os argentinos do Corazones Muertos e um dos fundadores do Sleazy - Dregen, co-fundador do Hellacopters e do Backyard Babyes.

BASTARDZ

A noite começou por volta das 21h40, quase 22h - bem longe do descrito no anuncio dos horários. A primeira banda a se apresentar foi o Bastardz. A banda está promovendo a sua Bastardz 25th Anniversary Tour, celebrando sua trajetória com shows pelo Brasil acompanhados pelo vocalista Guzz Collins. O bastardz é velho conhecido da cena brasileira e com certeza uma das mais relevantes.

O grupo começou o show com pirotecnia e trouxe faixas também conhecidas como "Let It Fuckin' Roll" (com participação de Lizzy DeVine, ex-vocalista do Vains of Jenna), o single de maior repercussão e o clipe mais assistido do grupo, "A Little Dose", que é um dos singles mais recentes da banda lançados no formato digital, "Gasoline", faixa de abertura e destaque do álbum principal da banda, o Jungle Outlawz (2008), "Dressed 2 Kill", outro grande destaque do mesmo disco, bastante executado nos shows da cena underground paulista e "9mm".

CORAZONES MUERTOS

Pouco depois do Bastardz esquentar a noite, veio a vez do Corazones Muertos. A banda entrou em cena com “Don't Kill Rock & Roll”, deixando claro que a noite ainda tinha muita gasolina para queimar. “Fly Away” manteve a energia em alta, seguida por “Subway Boys” e “No Mercy”, numa sequência que despejou punk sleazy, sujeira e atitude sem pedir licença.

Para fechar esse recorte da apresentação, “I Don't Care” foi outro destaque da apresentação e deixou claro que era falha qualquer tentativa de domesticar o rock’n’roll aquela noite.

DREGEN

Dregen é o nome artístico de Andreas Tyrone Svensson, guitarrista sueco cofundador do Backyard Babies, em 1987, e The Hellacopters nos anos 1990, ele misturou punk rock, hard rock, glam e sleaze numa sonoridade que misturava New York Dolls, e Ramones de forma única.

Após quase três anos afastado dos palcos por causa de uma grave lesão na mão, que exigiu três cirurgias e meses de reabilitação. O músico voltou ao Brasil com a oportunidade de mostrar que ele ainda tem muita coisa pra mostrar.

Com um setlist que trouxe sons do Hellacopters e Backyard Babyes, Dregen conseguiu tirar fãs de casa em um domingo a noite chuvoso e cheio de atrasos. O repertório que passeou por diferentes fases de sua trajetória. “Look at You” trouxe um dos momentos mais reconhecíveis do Backyard Babies, enquanto “Bad Situation” e “Star War” mantiveram a noite mergulhada na vibe Sleazy classic.

Na sequência foi a vez de “Flat Tyre on a Muddy Road”, talvez faixa mais reconhecível da carreira solo do artista,  e “Th1rte3n or Nothing”.“SoulSeller”, clássico associado ao The Hellacopters, foi a primeira evocação ao Hellacopters na noite.

Um dos momentos mais legais foi em “Mojo’s Gone”, quando a apresentação ganhou contornos blueseiros e abriu espaço para os músicos brincarem com a dinâmica da faixa, revelando uma faceta menos acelerada e igualmente interessante de Dregen. A sequência avançou com “Babylon” e “Gotta Get Some Action”, preparando o terreno para uma reta final que no mínimo pode se dizer - foda!.

“Pretty Vacant”, dos Sex Pistols, trouxe ar ainda mais rebelde pra apresentação! Até aqui o público (que ocupara Ângela parte do espaço) cantava uma a uma as músicas da carreira do artista e suas canções de trabalho solo - algo que com certeza tocou o coração desse velho representante da rebeldia glamurosa - Dregen chegou até a usar uma camisa do Brasil quando retornara ao Bis.

“Minus Celsius” hino do Backyard Babies, encerrou a noite com chave de ouro.

Dregen voltou a São Paulo para provar que o sueco ainda tem gasolina no tanque e riffs suficientes para alimentar mais algumas décadas de decadência sonora. E você, esteve no Manifesto ou ficou de fora dessa noite? Qual faixa do Backyard Babies ou do The Hellacopters não poderia faltar no próximo encontro com o guitarrista? Conta pra gente nos comentários!

Texto: Filipe Moriarty

Fotos: Edu Lawless

Realização: Manifesto Bar

Press: LP Metal World

Bastardz – setlist:

Dressed 2 Kill

Alleycat

Enemy In Me

Pills

Wasted Generation

A Little Dose

Let It Fuckin Roll

Gasoline

We Don't Celebrate Sunday (Hardcore Superstar cover)

Dregen – setlist:

Divisions of Me

Just Like That

One Man Army

Look at You

Bad Situation

Star War

Flat Tyre on a Muddy Road

Th1rte3n or Nothing

Soulseller

One Sound 

Mojo's Gone

Babylon

Gotta Get Some Action

Pretty Vacant

Minus Celsius

Iommi: Fiel às Sombras, Aberto às Novas Possibilidades (Also In English)

BMG (Nac./Imp.)

O mestre dos riffs sombrios reafirma sua identidade, mas encontra novas possibilidades na combinação entre peso, melodia e a personalidade vocal de Jørn Lande.

Por Flavio Borges 

Poucos músicos ajudaram a definir a linguagem do heavy metal com tanta propriedade quanto Tony Iommi. Ao longo de mais de cinco décadas, o guitarrista britânico transformou riffs sombrios, afinações graves e melodias carregadas de tensão em uma assinatura imediatamente reconhecível, primeiro com o Black Sabbath e, posteriormente, em seus trabalhos solo. Com From The Dark, seu primeiro álbum solo de inéditas desde Fused (2005), Iommi retorna a esse universo sem a necessidade de reinventá-lo. A surpresa está em como consegue revitalizar seus elementos mais característicos, encontrando espaço para novas nuances dentro de uma identidade musical consolidada.

A presença de Jørn Lande nos vocais é fundamental para o resultado. Dono de uma voz poderosa, com alcance, dramaticidade e uma interpretação que transita naturalmente entre o hard rock e o heavy metal tradicional, o norueguês parece ter encontrado um repertório sob medida para suas características. As inevitáveis referências à fase de Ronnie James Dio no Black Sabbath estão presentes, mas Lande não se limita a reproduzir fórmulas do passado.

Sua personalidade aparece em cada interpretação, sempre a serviço das composições e sem disputar protagonismo com o guitarrista. É uma combinação que funciona justamente porque ambos parecem compreender o propósito do álbum.

Musicalmente, From The Dark preserva os elementos essenciais da obra de Iommi: riffs pesados, atmosferas sombrias, andamentos cadenciados e uma tensão que atravessa as composições. A diferença está no tratamento das guitarras, cujas linhas surgem mais melódicas sem perder a densidade característica. 

Mesmo recorrendo a afinações e estruturas composicionais familiares, Iommi encontra novas ideias dentro de sua própria linguagem. O resultado soa contemporâneo sem depender de tendências de produção ou de concessões estilísticas. É heavy metal clássico em sua essência, mas executado com uma vitalidade que impede o material de parecer apenas uma retrospectiva de sua carreira.

A abertura com Over The Violent Sun estabelece imediatamente esse território, com riffs graves e uma interpretação vocal dramática, enquanto Black Times mantém a intensidade e aprofunda a atmosfera do disco. 

Já World Alone, escolhida como primeiro single, injeta energia ao repertório, combinando guitarras monumentais com linhas vocais marcantes. A faixa evidencia uma das virtudes do álbum: a capacidade de conciliar o peso característico de Iommi com melodias que ampliam o alcance das composições, sem diluir sua contundência.

É, contudo, nos momentos em que as músicas exploram contrastes e mudanças de dinâmica que o trabalho revela algumas de suas passagens mais interessantes. Beyond The Dead parte de um riff sombrio e distorcido, reduz a intensidade para acomodar uma interpretação quase sussurrada de Lande e cresce até desembocar em um refrão grandioso, de forte apelo épico. A construção dá à faixa uma dimensão dramática que vai além do peso instrumental. 

Stormwatcher, por sua vez, recupera aquela atmosfera densa e ameaçadora associada aos melhores momentos do Black Sabbath e do Heaven & Hell, apoiada em uma seção rítmica robusta e em texturas de guitarra que reforçam o caráter sombrio da composição.

Death Wake talvez seja a síntese mais evidente do encontro entre os dois músicos. Pesada, cadenciada e teatral, a faixa evoca a tradição do Sabbath em sua fase com Dio, mas ganha vida própria pela força da interpretação de Lande. O refrão está entre os mais cativantes do álbum, enquanto o solo de Iommi surge como uma extensão natural da composição, privilegiando a expressividade e a construção melódica em vez de exibições técnicas gratuitas. 

Em contraste, Return Of The Arbalist rompe a cadência mais arrastada de outras passagens para entregar um momento direto, enérgico e entusiasmado de heavy metal clássico. No encerramento, Legacy retoma a dimensão atmosférica do repertório e aposta em uma conclusão épica, coerente com a personalidade do disco.

Outro mérito está na produção. Limpa, definida e encorpada, ela valoriza o peso das guitarras sem transformar a mixagem em um exercício de superpolimento. O instrumento de Iommi permanece no centro da experiência, como seria de esperar, mas não sufoca os demais músicos. A seção rítmica formada por Becky Baldwin e Karl Brazil contribui para a consistência dos arranjos, sustentando as mudanças de dinâmica e dando às composições uma base sólida. Há clareza na apresentação de cada elemento, mas a contundência permanece intacta — um equilíbrio que favorece tanto os riffs quanto as linhas vocais e os detalhes instrumentais.

Essa coesão também diferencia From The Dark de Fused. Naquele álbum, o encontro entre Iommi e Glenn Hughes produziu uma colaboração explosiva, sustentada por uma sonoridade polida. 

Aqui, a impressão é a de uma banda funcionando como unidade, com Lande integrado não apenas às interpretações, mas à própria concepção musical do trabalho. A interação entre guitarra e voz não se limita à alternância entre riffs e refrões: as melodias instrumentais oferecem espaço para o cantor, enquanto sua interpretação amplia o alcance dramático das composições. Essa relação dá ao álbum uma identidade coletiva que vai além da soma de seus participantes.

Naturalmente, ouvir um novo trabalho de Tony Iommi significa confrontá-lo com um legado monumental. A comparação com o Black Sabbath é inevitável, mas From The Dark não precisa escapar dessa herança para justificar sua existência. Seus riffs carregam a memória de tudo o que o guitarrista construiu ao longo de sua trajetória, mas não soam como simples reproduções de ideias antigas. O peso e a melancolia continuam presentes; o que muda é a maneira como a melodia ganha espaço e como as composições se beneficiam de uma voz capaz de transitar entre agressividade e grandiosidade.

From The Dark demonstra que a linguagem de Tony Iommi ainda oferece possibilidades expressivas. A combinação com Jørn Lande, a produção equilibrada e a coesão instrumental resultam em um álbum que respeita o passado sem ficar aprisionado a ele. 

As sombras continuam sendo parte essencial dessa música, mas aqui também servem de cenário para melodias fortes e composições que encontram sua própria identidade. Para um guitarrista cuja obra ajudou a estabelecer os fundamentos do heavy metal, essa capacidade de permanecer fiel a si mesmo sem simplesmente repetir o que já fez é, por si só, um mérito considerável.

Divulgação 

***ENGLISH VERSION***

The master of dark riffs reaffirms his identity while exploring new possibilities through the combination of sheer heaviness, melody and Jørn Lande’s distinctive vocal presence.

Few musicians have shaped the language of heavy metal as profoundly as Tony Iommi. Over more than five decades, the British guitarist has turned dark riffs, down-tuned guitars and tension-laden melodies into an instantly recognisable signature, first with Black Sabbath and later through his solo work. With From The Dark, his first solo album of original material since Fused (2005), Iommi returns to familiar territory without feeling the need to reinvent it. The surprise lies in his ability to breathe new life into his most characteristic elements, finding fresh nuances within an already established musical identity.

Jørn Lande’s presence on vocals is crucial to the album’s success. Possessing a powerful voice, impressive range and a dramatic delivery that moves naturally between hard rock and traditional heavy metal, the Norwegian singer seems to have found material tailor-made for his strengths. Inevitably, there are echoes of Ronnie James Dio’s tenure with Black Sabbath, but Lande does not simply recycle the past. His personality shines through every performance, always serving the songs rather than competing with the guitarist for the spotlight. The partnership works precisely because both musicians seem to understand what the album is trying to achieve.

Musically, From The Dark retains the essential elements of Iommi’s trademark sound: crushing riffs, shadowy atmospheres, deliberate tempos and an underlying tension that runs throughout the compositions. The difference lies in the guitar work, with more melodic lines emerging without sacrificing their characteristic weight.

Even when drawing on familiar tunings and compositional structures, Iommi finds fresh ideas within his own musical vocabulary. The result sounds contemporary without relying on production trends or stylistic concessions. This is classic heavy metal at its core, delivered with enough vitality to prevent the material from feeling like a mere retrospective of his career.

The opening track, Over The Violent Sun, immediately establishes the album’s territory, with low-slung riffs and Lande’s dramatic vocal delivery, while “Black Times” maintains the momentum and deepens the record’s atmosphere.

World Alone, selected as the lead single, injects further energy into the proceedings, pairing monumental guitar riffs with memorable vocal melodies. The track highlights one of the album’s greatest strengths: its ability to combine Iommi’s trademark heaviness with melodies that broaden the songs’ appeal without diminishing their impact.

It is, however, when the compositions explore contrasts and dynamic shifts that the album reveals some of its most compelling moments. Beyond The Dead begins with a dark, distorted riff before pulling back to accommodate Lande’s almost whispered delivery, gradually building towards a towering chorus with a distinctly epic quality. These shifts give the track a dramatic dimension that extends well beyond its instrumental heaviness.

Stormwatcher, meanwhile, recaptures the dense, menacing atmosphere associated with the finest moments of Black Sabbath and Heaven & Hell, driven by a muscular rhythm section and layered guitar textures that reinforce the song’s ominous character.

Death Wake may be the clearest expression of the chemistry between the two musicians. Heavy, measured and theatrical, the track evokes the Sabbath tradition of the Dio era while developing an identity of its own through the sheer force of Lande’s performance. The chorus ranks among the album’s most infectious, while Iommi’s solo feels like a natural extension of the composition, prioritizing expression and melodic construction over unnecessary displays of technical virtuosity.

By contrast, Return Of The Arbalist breaks away from the slower, more deliberate passages to deliver a direct, energetic burst of classic heavy metal. Closing track “Legacy” returns to the album’s atmospheric side, building towards an epic finale that feels entirely consistent with the record’s overall character.

The production is another of the album’s strengths. Clean, well-defined and full-bodied, it brings out the weight of the guitars without turning the mix into an exercise in excessive polish. Iommi’s instrument remains at the center of the experience, as one would expect, but never overwhelms the other musicians. The rhythm section, featuring Becky Baldwin and Karl Brazil, lends the arrangements consistency, underpinning the dynamic shifts and providing a solid foundation for the songs. Every element is clearly articulated, yet the music retains its full impact — a balance that serves the riffs, vocal lines and instrumental details equally well.

This sense of cohesion also sets From The Dark apart from Fused. That album captured an explosive meeting of minds between Iommi and Glenn Hughes, framed by a polished production. Here, the impression is of a band operating as a unified whole, with Lande integrated not only into the performances but also into the album’s broader musical vision. The interplay between guitar and voice goes beyond the familiar exchange of riffs and choruses: the instrumental melodies leave room for the singer, while his delivery adds further dramatic depth to the compositions. This relationship gives the record a collective identity that extends beyond the sum of its individual contributors.

Naturally, any new release from Tony Iommi invites comparisons with his monumental legacy. The connection with Black Sabbath is unavoidable, but From The Dark does not need to escape that heritage to justify its existence. Its riffs carry the imprint of everything the guitarist has built throughout his career, yet they never feel like straightforward reproductions of old ideas. The weight and melancholy remain; what changes is the space given to melody and the way the compositions benefit from a voice capable of moving between aggression and grandeur.

From The Dark demonstrates that Tony Iommi’s musical language still has plenty of expressive possibilities to offer. His partnership with Jørn Lande, the balanced production and the cohesion of the musicians involved result in an album that honors the past without becoming trapped by it.

Shadows remain an essential part of this music, but here they also provide the backdrop for strong melodies and compositions that establish an identity of their own. For a guitarist whose work helped lay the foundations of heavy metal, the ability to remain true to himself without simply repeating what he has done before is an achievement in its own right.

Divulgação 

Interview – Cassidy Paris: The Commitment to Keep Hard Rock Alive

Disclosure

By Gabriel Arruda – @gabrielarruda07

It’s exciting to see the younger generation being influenced by ’80s hard rock and aspiring to follow in the footsteps of the bands and artists who helped popularize the genre around the world. Cassidy Paris, an Australian in her early twenties, is one of those people who have embraced rock as a way of life. And that’s no exaggeration, as it’s rare to see such a strong rock ’n’ roll spirit shining through both the songwriting and the stage performance, where she truly stands out, feels at home, and showcases what she does best: singing and bringing all her energy to the songs featured on New Sensation (2023) and Bittersweet (2025), her two albums to date. With charisma, style, attitude, and, above all, talent, Cassidy is one of those artists destined to conquer major stages around the world. While touring Brazil, she sat down for an interview with Road To Metal to talk about this exciting chapter in her life and other aspects of her successful career.

Cassidy, you started out at a very young age. When did you realize that music would become more than just a passion and turn into a career?

CP: I think the major turning point for me probably came during high school. Before that, there was another important moment when our great friend Paul Laine came to Australia. I worked with him on songwriting for the first time, and that was around the time I realized this was really what I wanted to pursue. But high school was the real turning point for me. I realized that so many kids wanted to become scientists, doctors, or teachers, whereas music was really where I wanted to be, especially in that environment.

You were exposed to experienced musicians from a very early age. How did those experiences help shape the artist you are today?

CP: In many ways, actually, in every way. I mean, I grew up with my dad, who has been my mentor and role model ever since I came out of my mother’s womb (laughs). Then, as I mentioned, I was introduced to Paul Laine, and from there I got to know a whole range of different musicians. More recently, I met Fred and Pete, who have a great deal of experience in the music industry. I really value all of that and try to absorb as much knowledge as I can from these musicians because they have so much to teach me. I feel very privileged that they’ve also been able to pass on all that experience to me.

Edu Lawless – @edulawless

Do you think your musical identity was clear from the beginning, or was it something you discovered over the years?

CP: I think it definitely developed over time. For me, those early years were all about discovering myself and figuring out who I would become as an artist because I started so young and, as you said, I was exposed to so many different artists and bands. But finding your own path in the music industry is something many musicians talk about, especially those who get into this business at such a young age. I think that recently, with my second album, *Bittersweet*, I finally felt like I’d found my identity as an artist and as a performer. I hope people can see that in the live shows, and that those who have followed me from the beginning can also notice the difference, from the release of my first single, “Talk About It,” to my most recent one, “Stronger.”

You met Paul Laine when you were very young, and he became an important figure in your artistic development. What did you learn from him that is still part of who Cassidy Paris is today?

CP: I call Paul my “fun uncle” because I once called him my dad, and he wasn’t too happy with that title because he didn’t think it sounded fun enough (laughs). He’s been one of the main foundations of the whole Cassidy Paris project from the very beginning. He taught me a lot about songwriting and even about the attitude we should have as artists, as well as how to make fans feel that they have a connection with us. He really taught me how important that is from a very early age. It’s something I still carry with me, and I try to put it into practice by making sure fans feel seen and appreciated at every show they attend. Regardless of everything else, it always comes down to the fans and trying to give them the best show possible. But going back to Paul, he’s been a huge supporter of me and my career since I was around 12 or 13 years old. So I owe a great deal of my journey to him as well.

He released a new album recently. It’s amazing!

CP: Yes, he’s amazing! I’m a huge Paul fan, just like my dad, Fred, and Pete. Everyone is a fan of his! I was talking to him about the new album recently, and songs like “Her Name Is Trouble” instantly became some of my favorites. So I feel very lucky to have had the opportunity to build that mentor relationship with him while growing up.

If I’m not mistaken, that new solo album was originally supposed to be the fourth The Defiants record.

CP: Yes, that’s right! The Defiants are great!

Their latest album, Driver, is really good!

CP: Amazing! It’s an amazing show, with a fantastic crew as well. I love all of them.

Bittersweet (2025) presents a more mature artist compared to New Sensation (2023). What changed in Cassidy Paris during that period?

CP: Quite a lot, I think. Emotionally, I went through a lot of things that ended up shaping the album. Many artists say that when you go through something that fundamentally changes who you are, you end up making your most honest and genuine music. I think that worked really well on tracks like “Stronger” and “Nothing Left to Lose,” because you can hear how I channeled all those experiences into my music. And honestly, I don’t know if I would have been able to get through everything I went through without music. It has always been a very important outlet for me, a place where I can put all my energy and soul.

Does the title Bittersweet simply represent the album’s concept, or does it also reflect a specific period in your life?

CP: Yes, I think Bittersweet was a title I had chosen for the album some time ago, and when so many things happened in my life, it ended up making a lot of sense. I feel like the whole album is almost like a prophecy, and I don’t think there could have been a more perfect title for it. I’m also looking forward to releasing the new songs soon because I hope people will realize that they represent an evolution, a step forward, and that they reflect more accurately where I am in my life right now.

The album features some very different musical moments. How do you decide how far to experiment without losing your identity?

CP: That’s a great question! I think that, for me, listening to a Cassidy Paris album is a bit like listening to a band such as Extreme: you’re going to find things that are very different from what you might expect to hear on one of my records. I’m really happy that we made that clear to fans with *New Sensation* (2023), because they could see that you might find songs like “Addicted” alongside “Midnight Desire,” which are genuinely very different from each other. I think that’s the main thing for me: it’s never been about putting myself in a narrow lane and limiting the musical direction I want to take. It’s much more about seeing how things develop and considering where the fans want me to go. Another thing I learned from the latest album, especially with “Nothing Left to Lose,” is that this heavier sound has grown with me as I’ve matured and delved deeper into the Cassidy Paris universe. I think that will probably be the direction we take from now on because that’s what the fans want to see.

Frontiers Records (Imp.)

Is there a song on the album that holds a particularly special meaning for you?

CP: Stronger is a very important song. It was the second single we released from Bittersweet (2025), and it’s simply the most special song to me because I can see in it not only a version of myself that I feel no longer exists, but also a new, stronger version—sorry for the pun! I can also see that transformation in the fans. Every night, when we play this song, they connect with it in a different way, on a very special level.

Stronger really carries that feeling. What else does the song represent to you?

CP: Well, it was originally a song by Wicked Smile, my dad’s band. I used to sing it with them, so there’s actually a Wicked Smile version of “Stronger” out there, as well as a Cassidy Paris version. My version was adapted to suit me, not only in terms of what I was going through at the time, but also musically. That’s why the song has always held a special meaning for me, from childhood through my growing up and transition into adulthood. My dad originally wrote it with me in mind, thinking about the difficulties I was facing in high school, the bullying I experienced, and the importance of overcoming it all. In the end, I think it fit perfectly as a piece of the Bittersweet puzzle.

The whole album is really good, but “Finish What We Started” is a song I’m particularly fond of.

CP: Oh, thank you! I love that song!

And I also love Can’t Let Go, which is a wonderful ballad!

CP: Thank you!

Your sound is strongly connected to ’80s hard rock and melodic rock. What still fascinates you about that era?

CP: All of it, I think. To me, the rock scene is constantly changing and adapting to modern times every single day. We have so many new people emerging on the scene, and young people coming to our shows and discovering rock, whether through our music or because they discovered me through rock. That’s really cool to see. I think that with so many artists emerging now and embracing this musical style, we’re going to start seeing this kind of music gain momentum again and return to the mainstream on a much larger scale.

Edu Lawless – @edulawless

Artists such as Pat Benatar, Joan Jett, and Lita Ford paved the way for women in rock. How much do these artists influence the way you perform?

CP: In many ways, I think Pat Benatar is one of my biggest influences. I watched her a lot throughout my childhood and teenage years, and I still watch her today. She has an incredible ability to command the stage and win over an audience. The same goes for Joan Jett and her charisma, as well as Lita Ford. Another major influence while I was growing up was Lzzy Hale. I grew up listening to Halestorm and watching the way she moved around the stage and sang. I learned so much from that band. I grew up with posters of all these people on my bedroom walls. So saying they influenced me would be an understatement. They really helped shape me and allowed me to build my identity as an artist and as a person in the music industry.

Do you feel there’s a difference between reviving a sound from the past and keeping it alive through a new generation?

CP: Absolutely! I don’t think anything is ever going to sound exactly the same, and I hope people remember that because we’re living in a different era. For this musical style to continue to exist and for new and more experienced artists to coexist, we need to support one another and find a middle ground. What I’ve seen recently, working with so many people in this industry and attending events such as the Monsters of Rock Cruise, is that many artists who may have reached their peak in the ’80s or ’90s are very supportive of me and other younger artists. It’s great to see because I believe that if we work together, we’ll achieve the result we all want: seeing rock return to a prominent place in the mainstream.

Edu Lawless – @edulawless

And do you believe your generation can contribute even more to hard rock today?

CP: Absolutely! I think bringing rock back into the mainstream is something everyone would love to see because we’re so passionate about this musical style. It would be great to hear these songs playing on mainstream radio and see this kind of sound gaining ground again. Even on platforms like TikTok and Instagram, we see all kinds of different songs gaining visibility thanks to these tools. As I said, it all comes down to working together, and I really hope we can make that happen as an industry.

As I mentioned at the beginning, you started your career very young and entered a scene that is still predominantly male. Have you ever felt that you had to prove more than other artists?

CP: I like to think that, at least among the people I spend time with and work alongside, gender has never been an issue. I’ve never heard comments like “she’s good for a woman” from the men I work with today. I really respect that because I don’t think this kind of thing should even be questioned. Obviously, it’s great to see women in the music industry, especially from a representation standpoint. But I would never go to a show to see an artist because they’re a woman, a man, or belong to any particular gender, let alone because of stereotypes. I think it all comes down to the music and the art of making music. And I believe that’s a very important message to share.

Would you like your career to help other girls see rock as a place where they belong?

CP: Absolutely. I think that’s been a very important part of the whole Cassidy Paris project, and I see it happening every day. We just played a festival called Made of Stone, and one of my favorite memories was meeting a little girl named River. She told me she had started playing drums and was really excited to see a woman onstage. That’s exactly what I mean when I talk about representation. It’s never been about a woman being better or worse than a man, but it’s wonderful that younger girls, or women of any age, can see that. Perhaps women had less representation in the ’80s and ’90s, when there were very few of them. So one of the things I love most is seeing the impact we can have on so many people’s lives.

Edu Lawless – @edulawless

You’re in Brazil right now. What has stood out to you most about Brazilian audiences?

CP: Well, from my perspective, I haven’t had much exposure to that yet, obviously, because I haven’t played any shows or met many fans in person. But even online, it’s been really cool interacting with Brazilian fans. I was telling my dad earlier that it seems like all these people have a very special light and energy about them. I’m really excited to perform here for the first time, and I feel privileged to have this opportunity because Brazilians seem to want to experience everything so intensely, perhaps even more than anywhere else I’ve played before. That’s really exciting for us!

Have you noticed any differences between Brazilian audiences and fans in Europe, the United States, or Australia?

CP: I’ve already met some Brazilian fans at events like the Monsters of Rock Cruise, and I promise I’ll give you an update after we’ve completed the tour. But I’ve been told that Brazilians are very vibrant, full of energy, affectionate, and show a great deal of appreciation for artists. I could see that even today when we went out. Everyone was very helpful, smiling, and friendly. It’s such a great energy to be around, so I feel very privileged to be here right now.

Were you familiar with Brazilian rock before coming here? Do you know any Brazilian bands or artists?

CP: Well, there’s probably a lot I still don’t know, and I’m looking forward to exploring that side of the rock scene a little more. We’ve had a Brazilian bass player perform with us before, Vinnie Tex, and he was great. I also know that Doro has a Brazilian musician in her band. These days, there are so many different cultures represented in bands, and it’s really cool to play festivals because you get the chance to talk to people from so many different backgrounds. Even Crashdïet has a Brazilian musician in the lineup. So there are many different ways for Brazilian musicians to be represented in music. I’m excited to visit Galeria do Rock, I think that’s what it’s called, and spend some time looking for vinyl records and CDs. It’s going to be a lot of fun for us!

Edu Lawless – @edulawless

That’s great! Since you mentioned Crashdïet, it’s amazing to see a Brazilian musician like Chris in such an important band.

CP: Yes, yes! I was talking to Chris earlier today, and he was telling me that I needed to try this and try that. He’s a really cool guy. Actually, he reached out to me a while ago to invite me to appear in a Crashdïet music video. In the meantime, we were on tour, and we finally met in person at Monsters of Rock earlier this year. That was really cool!

You really don’t know any Brazilian bands?

CP: Guys (turning to her bandmates), do you want to give me a hand with this? Can you think of anything?

Stevie Janevski: Sepultura!

There’s also Nervosa. I don’t know if you’re familiar with them...

CP: Yes. Oh, there’s Malvada. And you know what’s funny? The girls from Malvada are friends of mine, too! I chat with them a little online, and they’re absolutely killing it! They recently played Rock in Rio. So, actually, I do know Brazilian bands; I just end up forgetting them when I’m put on the spot.

There’s a singer here in Brazil who’s been attracting a lot of attention, named Aléxia. I think you’ll like her, so give her a listen sometime. Her songs are all in Portuguese, though.

CP: I’ll listen to her. Hopefully, that will help me learn the language, because I’m realizing that not many people speak English here, so communicating is going to be difficult for me. If I listen to her music, maybe I’ll be able to learn.

Is there an artist you still dream of working with?

CP: There are so many artists I dream of working with. And I believe collaborations are something that will happen naturally over time. The guys and I have a very clear vision of where we want to take Cassidy Paris over the next few years, and I can’t wait to share that with everyone. But I also want to thank you for taking the time to interview me.

If you could go back and talk to 11-year-old Cassidy Paris, what would you tell her?

CP: Keep going, because, in the end, you end up coming to Brazil (laughs).

And looking ahead to the next five years, where would you like to be?

CP: I’m really happy with Cassidy Paris’s progress and with what we’ve built so far. One thing that’s very important to me and always at the forefront of my mind is building a solid foundation and a fan community that feels more like a family. I hope we can continue strengthening that relationship with our fans, making it feel more like a family than simply a fan base. I think that’s something I’ve really noticed over the past year in terms of connection, and I’m very excited to keep developing it. I hope that, in the future, this relationship will grow into something even bigger, into a real love story that’s even more intense than it already is.

Entrevista – Cassidy Paris: O Compromisso de Manter o Hard Rock Vivo

Divulgação

Por Gabriel Arruda – @gabrielarruda07

É animador ver que a geração mais jovem vem sendo influenciada pelo hard rock dos anos 80 e interessada em seguir a mesma carreira de bandas e artistas que contribuíram para popularizar o gênero no mundo. Cassidy Paris, uma jovem australiana de vinte e poucos anos, é uma dessas pessoas que abraçaram o rock como estilo de vida. Não é exagero dizer isso, pois raramente se percebe tamanha energia do rock tanto nas composições quanto no palco, ambiente onde ela mais se destaca, se sente à vontade e encanta com o que sabe fazer de melhor: cantar e mostrar toda a sua força nas músicas do New Sensation (2023) e Bittersweet (2025), seus dois álbuns até o momento. Dotada de carisma, estilo, atitude e, sobretudo, talento, Cassidy é uma daquelas figuras predestinadas que vai conquistar palcos importantes ao redor do mundo. Em turnê pelo Brasil, ela concedeu uma entrevista à Road To Metal, na qual falou sobre o momento que vem vivendo e mais alguns assuntos envolvendo a sua vitoriosa carreira.

Confira a entrevista em inglês clicando aqui!

Cassidy, você começou muito jovem. Quando percebeu que a música deixaria de ser apenas uma paixão e se tornaria uma carreira? 

CP: Acho que o grande ponto de virada para mim aconteceu provavelmente no ensino médio. Antes disso, houve outro momento importante, que foi quando nosso grande amigo Paul Laine veio à Austrália. Trabalhei com ele na composição de algumas músicas pela primeira vez, e foi mais ou menos ali que percebi que realmente queria seguir esse caminho. Mas o ensino médio foi o verdadeiro ponto de virada para mim. Percebi que muitas crianças queriam se tornar cientistas, médicos, professores, enquanto a música era realmente onde eu queria estar, especialmente naquele ambiente.

Você teve contato com músicos experientes desde muito cedo. Como essas experiências ajudaram a formar a artista que você é hoje?

CP: De muitas maneiras, na verdade, em todos os sentidos. Quero dizer, cresci com meu pai, que tem sido meu mentor e exemplo desde que eu saí do ventre da minha mãe (risos). Depois, como mencionei, fui apresentada ao Paul Laine e, a partir daí, conheci diversos músicos diferentes. Mais recentemente, conheci Fred e Pete, que têm muita experiência na indústria musical. Valorizo muito tudo isso e tento absorver o máximo possível do conhecimento desses músicos, porque eles têm muito a ensinar. Sinto-me muito privilegiada por eles também terem podido transmitir toda essa experiência para mim.

Edu Lawless – @edulawless

Você acha que sua identidade musical já estava clara desde o começo ou foi algo que foi sendo descoberto ao longo dos anos?

CP: Acho que isso definitivamente foi se desenvolvendo com o tempo. Para mim, os primeiros anos foram uma questão de me descobrir e entender quem eu me tornaria como artista, porque comecei muito jovem e, como você disse, tive contato com muitos artistas e bandas diferentes. Mas encontrar seu próprio caminho na indústria musical é algo sobre o qual muitos músicos certamente falam, especialmente aqueles que começam tão jovens nesse meio. Acho que, recentemente, com meu segundo álbum, Bittersweet, finalmente senti que encontrei minha identidade como artista e também como performer. Espero que as pessoas consigam perceber isso nos shows ao vivo e que aqueles que me acompanham desde o início também notem a diferença, desde o lançamento do meu primeiro single, Talk About It, até o mais recente, Stronger.

Você conheceu Paul Laine ainda muito jovem, e ele acabou se tornando uma figura importante no seu desenvolvimento artístico. O que você aprendeu com ele que continua presente na Cassidy Paris de hoje?

CP: Eu chamo o Paul de “tio divertido”, porque uma vez o chamei de pai e ele não gostou muito desse título, pois não era divertido o suficiente para ele (risos). Ele tem sido uma das grandes bases de todo o projeto Cassidy Paris desde o início. Ele me ensinou muito sobre composição musical e até mesmo sobre a postura que devemos ter como artistas, além de como fazer os fãs sentirem que existe uma conexão com eles. Ele realmente me ensinou, desde muito cedo, o quanto isso é importante. É algo que continuo levando comigo e procuro colocar em prática, garantindo que os fãs se sintam notados e valorizados em cada show a que vão. Independentemente de todos os outros fatores, tudo sempre gira em torno dos fãs e de tentar oferecer a eles o melhor show possível. Mas, voltando ao Paul, ele tem sido um grande incentivador meu e da minha carreira desde que eu tinha uns 12 ou 13 anos. Portanto, devo muito da minha trajetória a ele também.

Ele lançou um novo álbum há pouco tempo. Está incrível!

CP: Sim, ele é incrível! Eu também sou uma grande fã do Paul, assim como meu pai, Fred e Pete. Todo mundo é fã dele! Recentemente, estive conversando com ele sobre o novo álbum, e músicas como Her Name Is Trouble se tornaram instantaneamente algumas das minhas favoritas. Então, sinto-me muito sortuda por ter tido a oportunidade de construir essa relação de mentoria com ele enquanto crescia.

Esse novo álbum solo era pra ser o quarto disco do The Defiants, se eu não me engano.

CP: Sim, é verdade! O The Defiants é muito bom!

Driver, último álbum, é muito bom!

CP: Incrível! É um show incrível, com uma equipe fantástica também. Eu adoro todos eles.

Bittersweet (2025) mostra uma artista mais madura em relação a New Sensation (2023). O que mudou em Cassidy Paris durante esse período?

CP: Várias mudanças, eu acho. Emocionalmente, passei por muita coisa que acabou moldando o álbum. Muitos artistas dizem que, quando você passa por algo que muda fundamentalmente quem você é, acaba produzindo sua música mais honesta e verdadeira. E acho que isso funcionou muito bem em faixas como Stronger e Nothing Left to Lose, porque conseguimos ver como canalizei tudo isso para a minha música. E, para ser sincera, não sei se teria conseguido superar tudo o que passei sem a música. Ela sempre foi um espaço muito importante para mim, onde posso colocar toda a minha energia e a minha alma.

O título Bittersweet representa apenas o conceito do álbum ou também reflete alguma fase específica da sua vida?

CP: Sim, acho que Bittersweet era um título que eu havia escolhido para o álbum algum tempo atrás e, quando muitas coisas aconteceram na minha vida, ele acabou fazendo muito sentido. Sinto que todo o álbum é como uma espécie de profecia, e acho que não poderia haver um título mais perfeito para esse trabalho. Também estou ansiosa para lançar as novas músicas em breve, porque espero que as pessoas percebam que elas representam uma evolução, um passo adiante, além de refletirem melhor o momento em que estou na minha vida agora.

O disco tem momentos bastante diferentes entre si. Como você decide até onde experimentar sem perder sua identidade?

CP:  Essa é uma ótima pergunta! Acho que, para mim, quando você ouve um álbum da Cassidy Paris, é como quando escuta uma banda como o Extreme: você vai encontrar coisas muito diferentes em relação ao que ouviria em um disco meu. Fico muito feliz que, com New Sensation (2023), tenhamos deixado isso claro para os fãs, porque eles puderam perceber que você vai encontrar músicas como Addicted e, ao mesmo tempo, Midnight Desire, que são realmente muito contrastantes entre si. Acho que esse é o principal para mim: nunca se tratou de me colocar em um caminho estreito, limitando a direção que quero seguir musicalmente. Trata-se muito mais de perceber como as coisas se desenvolvem e de considerar para onde os fãs querem que eu vá. Outra coisa que aprendi com o último álbum, especialmente com Nothing Left to Lose, é que esse som mais pesado é algo que foi crescendo comigo à medida que amadureci e fui me aprofundando no universo da Cassidy Paris. Acho que provavelmente será essa a direção que seguiremos daqui para frente, porque é isso que os fãs querem ver.

Frontiers Records (Imp.)

Existe alguma música do álbum que tenha um significado particularmente especial para você?

CP: Stronger é uma música muito importante. Foi o segundo single que lançamos de Bittersweet (2025) e é simplesmente a canção mais especial para mim, porque vejo nela não apenas uma versão de mim mesma que acho que nem existe mais, mas também uma nova versão, mais forte — desculpem o trocadilho! E também consigo enxergar isso nos fãs. Todas as noites, quando tocamos essa música, eles se conectam com ela de uma maneira diferente, em um nível muito especial.

Stronger carrega isso mesmo. O que mais ela representa para você?

CP: Bem, inicialmente, era uma música da Wicked Smile, a banda do meu pai. Eu costumava cantá-la com eles, então existe, de fato, uma versão de Stronger da Wicked Smile circulando por aí e também uma versão da Cassidy Paris. A minha versão foi adaptada para combinar comigo, não apenas em relação ao momento que eu estava vivendo, mas também musicalmente. Por isso, essa música sempre teve um significado especial para mim, desde a infância até o meu amadurecimento e a transição para a vida adulta. Meu pai escreveu a canção originalmente pensando em mim, nas dificuldades que eu enfrentava no ensino médio e no bullying, e na importância de superar tudo isso. No fim das contas, acho que ela se encaixou perfeitamente como uma peça do quebra-cabeça de Bittersweet.

O álbum todo é muito bom, mas a música que tenho um carinho especial é Finish What We Started.

CP: Ah, obrigada! Eu adoro essa música!

E eu adoro também Can Let Go, que é uma balada maravilhosa!

CP: Obrigada!

Você trabalha com uma sonoridade fortemente ligada ao hard rock e ao rock melódico dos anos 80. O que ainda fascina você nessa época?

CP: Tudo isso, eu acho. Para mim, a cena do rock está sempre mudando e se adaptando aos tempos modernos, todos os dias. Temos muitas pessoas surgindo na cena e jovens que estão vindo aos nossos shows e descobrindo o rock, seja por meio da nossa música ou porque me conheceram através do rock, o que é muito legal de ver. Acho que, com tantos artistas surgindo agora e abraçando esse estilo musical, vamos começar a ver esse tipo de música ganhar força novamente e voltar a ocupar um espaço de destaque no mainstream em grande escala.

Edu Lawless – @edulawless

Artistas como Pat Benatar, Joan Jett e Lita Ford abriram caminhos importantes para mulheres no rock. O quanto essas artistas influenciam sua maneira de se apresentar?

CP: De muitas maneiras, acho que Pat Benatar é uma das minhas maiores referências. Eu a assisti muito durante a infância e a adolescência e continuo assistindo até hoje. Ela tem uma capacidade incrível de dominar o palco e conquistar o público. O mesmo vale para Joan Jett e seu carisma, assim como Lita Ford. Outra grande influência para mim enquanto crescia foi Lzzy Hale. Eu cresci ouvindo Halestorm e observando a maneira como ela se movimentava no palco e cantava. Aprendi muito com aquela banda. Cresci com pôsteres de todas essas pessoas nas paredes do meu quarto. Então, dizer que elas foram influências para mim é pouco. Elas realmente ajudaram a me moldar e me permitiram construir minha identidade como artista e como pessoa dentro da indústria musical.

Você sente que existe uma diferença entre reviver uma sonoridade do passado e mantê-la viva através de uma nova geração?

CP: Com certeza! Acho que nada vai soar exatamente igual, e espero que muitas pessoas se lembrem disso, porque estamos vivendo em uma época diferente. Para que esse estilo musical continue existindo e para que artistas novos e outros mais experientes possam coexistir, precisamos nos ajudar e encontrar um meio-termo. O que tenho visto recentemente, trabalhando com tantas pessoas dessa indústria e participando de eventos como o Monsters of Rock Cruise, é que muitos artistas que talvez tenham vivido seu auge nos anos 1980 ou 1990 estão apoiando bastante a mim e a outros artistas mais jovens. É muito bom ver isso, porque acredito que, se trabalharmos juntos, chegaremos a um resultado que todos queremos: ver o rock voltar a ocupar um lugar de destaque no mainstream.

Edu Lawless – @edulawless

E você acredita que sua geração pode acrescentar ainda mais ao hard rock nos dias de hoje?

CP:  Com certeza! Acho que trazer o rock de volta ao mainstream é algo que todos gostariam de ver, porque somos muito apaixonados por esse estilo musical. Seria ótimo ver essas músicas tocando nas rádios convencionais e perceber esse tipo de som ganhando espaço novamente. Até mesmo em plataformas como TikTok e Instagram, vemos muitas músicas diferentes ganhando visibilidade graças a essas ferramentas. Como eu disse, tudo se resume a trabalharmos juntos, e espero muito que consigamos fazer isso como indústria.

Como eu dize no começo, você começou sua carreira muito jovem e entrou em um cenário que ainda é predominantemente masculino. Já sentiu que precisava provar mais do que outros artistas?

CP: Gosto de pensar que, pelo menos entre as pessoas com quem convivo e trabalho, o gênero nunca foi uma questão. Nunca ouvi comentários como ‘ela é boa para uma mulher’ vindos dos homens com quem trabalho atualmente. Respeito muito isso, porque não acho que esse tipo de coisa sequer devesse ser questionado. Obviamente, é muito bom ver mulheres na indústria musical, especialmente do ponto de vista da representatividade. Mas eu nunca iria a um show para ver um artista por ser mulher, homem ou pertencer a qualquer gênero, muito menos por causa de estereótipos. Acho que tudo se resume à música e à arte de fazer música. E acredito que essa seja uma mensagem muito importante a transmitir.

E você gostaria que sua carreira ajudasse outras garotas a verem o rock como um espaço para elas?

CP:  Com certeza. Acho que, com todo o projeto Cassidy Paris, isso tem sido algo muito importante, e percebo isso todos os dias. Acabamos de tocar em um festival chamado Made of Stone, e uma das minhas lembranças favoritas foi conhecer uma garotinha chamada River. Ela me contou que tinha começado a tocar bateria e estava muito empolgada por ver uma mulher no palco. É disso que estou falando quando menciono representatividade. Nunca se tratou de uma mulher ser melhor ou pior do que um homem, mas é muito bom que meninas mais jovens, ou mulheres de qualquer idade, possam ver isso. Talvez as mulheres tenham tido menos representatividade nos anos 1980 e 1990, quando havia muito poucas. Então, uma das coisas de que mais gosto é ver o impacto que conseguimos causar na vida de tantas pessoas.

Edu Lawless – @edulawless

Nesse momento você está no Brasil. O que mais chamou sua atenção no público brasileiro?

CP:  Bem, da minha perspectiva, ainda não tive muito contato com isso, obviamente, porque ainda não fiz shows e nem conheci muitos fãs pessoalmente. Mas, mesmo no universo on-line, tem sido muito legal interagir com o público brasileiro. Eu estava comentando com meu pai mais cedo que parece que todas essas pessoas têm uma luz e uma energia muito especiais. Estou muito empolgada para tocar aqui pela primeira vez e me sinto privilegiada por ter essa oportunidade, porque os brasileiros parecem querer aproveitar tudo intensamente, talvez até mais do que em qualquer outro lugar onde já toquei. Isso é realmente muito empolgante para nós!

E você notou alguma diferença do público brasileiro para os fãs da Europa, Estados Unidos ou Austrália?

CP: Já vi alguns fãs brasileiros em eventos como o Monsters of Rock Cruise e prometo dar uma atualização depois que fizermos a turnê, mas me disseram que os brasileiros são muito vibrantes, cheios de energia, carinhosos e demonstram muito apreço pelos artistas. Pude perceber isso até mesmo hoje, quando saímos. Todo mundo foi muito prestativo, sorridente e simpático. É uma energia muito boa de se ter por perto, então me sinto muito privilegiada por estar aqui neste momento.

Você teve contato com o rock brasileiro antes de vir para cá? Conhece alguma banda ou artista brasileiro?

CP: Olha, para mim, provavelmente há muita coisa que ainda não conheço, e estou ansiosa para mergulhar um pouco mais nesse lado da cena do rock. Já tivemos um baixista brasileiro tocando conosco, o Vinnie Tex, e ele foi ótimo. Também sei que a Doro tem um músico brasileiro na banda. Hoje em dia, há tantas culturas diferentes representadas nas bandas, e é muito legal participar de festivais porque temos a oportunidade de conversar com pessoas tão diversas. Até mesmo o Crashdïet tem um músico brasileiro na formação. Então, existem muitas maneiras diferentes de o público brasileiro estar representado na música. Estou animada para conhecer a Galeria do Rock, acho que é esse o nome, e passar um tempo procurando vinis e CDs. Vai ser muito divertido para nós!

Edu Lawless – @edulawless

Muito bom! Já que você falou do Crashdïet, é incrível ver um brasileiro, como o Chris, numa banda tão significativa.

CP: Sim, sim! Eu estava conversando com o Chris mais cedo hoje, e ele disse que eu precisava experimentar isso, que precisava experimentar aquilo. Ele é um cara muito legal. Na verdade, ele entrou em contato comigo há algum tempo para me convidar a participar do clipe do Crashdïet. Enquanto isso, estávamos em turnê e nos encontramos pessoalmente pela primeira vez no Monsters of Rock, no início deste ano. Foi muito legal!

Não conhece, mesmo, nenhuma banda daqui?

CP: Pessoal (N.T.: chamando seus companheiros de banda), vocês querem me dar uma mão com isso? Conseguem pensar em alguma coisa?

Stevie Janevski: Sepultura!

Também tem a Nervosa, não sei se você conhece...

CP: Sim. Ah, tem a Malvada. E sabe o que é engraçado? As meninas da Malvada também são minhas amigas! Converso um pouco com elas pela internet, e elas estão arrebentando! Elas tocaram recentemente no Rock in Rio. Então, na verdade, eu conheço bandas brasileiras, só acabo não me lembrando delas na hora.

Tem uma cantora aqui no Brasil, que tem chamado atenção, chamada Aléxia. Acho que você vai gostar, depois ouça. Só que as músicas são todas em português.

CP: Vou ouvir, espero que isso me ajude a aprender, porque estou percebendo que poucas pessoas falam inglês e vai ser difícil para mim me comunicar. Então, se eu ouvir, eu consiga aprender.

Existe algum artista com quem você ainda sonha trabalhar?

CP: Há muitos, muitos artistas com quem sonho em trabalhar. E acredito que as colaborações são algo que vai acontecer naturalmente com o tempo. Eu e os meninos temos uma visão muito clara de onde queremos levar a Cassidy Paris nos próximos anos, e mal posso esperar para compartilhar isso com todo mundo. Mas também agradeço por você ter dedicado seu tempo para me entrevistar.

Se pudesse voltar para a Cassidy Paris de 11 anos, o que diria para ela?

CP: Continuar seguindo em frente, porque, no fim das contas, você acaba vindo para o Brasil (risos).

E olhando para os próximos cinco anos, onde você gostaria de estar?

CP:  Acredito que estou feliz com o progresso da Cassidy Paris e com o que construímos até aqui. Uma coisa que é muito importante para mim e que está sempre em primeiro plano na minha mente é construir uma base sólida e uma comunidade de fãs que se sinta mais como uma família. Espero que possamos continuar fortalecendo essa relação com os fãs, fazendo com que ela se pareça mais com uma família do que simplesmente com uma base de fãs. Acho que isso é algo que realmente tenho percebido ao longo do último ano, em termos de conexão, e estou muito animada para continuar desenvolvendo isso. Espero que, no futuro, essa relação se transforme em algo ainda maior, em uma verdadeira história de amor, mais intensa do que já é.