Entrevista - Fernando Iser: "Tudo se move, Nada está parado"

Por: Renato Sanson

 

Fernando, obrigado mais uma vez pela disponibilidade! Sempre bom poder conversar com alguém tão lendário do nosso cenário extremo mundial. Não poderia começar diferente, recentemente foi lançado o Debut da Mávra, o sabático “Dark Incantations”. Conte-nos como surgiu esse novo projeto.

Iser - Salve Renato! Sou eu quem agradeço pela oportunidade de escrever mais umas páginas da minha trajetória na Road To Metal, meu amigo! Sempre um prazer imenso ter contato com os amigos gaúchos e de todo o país!

Cara, o Mávra nasceu como um projeto onde a intenção principal era trazer à tona as primeiras influências da adolescência. Black Sabbath, Coven, Iron Maiden, Mercyful Fate, etc.

Fazer um som diferente do que eu sempre fiz, cantando de forma "limpa" e mais puxada pro Heavy e Doom. E acabou ficando mais legal do que esperamos! Então resolvemos continuar com a banda e chegamos ao primeiro álbum, com o apoio de selos daqui de SP e de SC. Realizamos shows em várias cidades de SP e espero no futuro levar nosso som profano a outros estados do nosso Brasil.

As composições lembram o tempo áureo do Heavy Metal oitentista, mas também aquele clima maléfico de nomes como Mercyful Fate. Como se deu o processo criativo do mesmo?

Bom, a intenção desde o início foi soar como som antigo. Inclusive as letras, totalmente influenciadas por contos de bruxaria tradicional e satanismo clássico. Sou de 1978. Tenho flashes de memórias dos anos 80 e quis trazer esse feeling para as músicas, todo aquele sentimento de descoberta de novas bandas e temas inspirados por escritores até então esquecidos ou marginalizados pela elite literária. Então, após tanta experiência (praticamente 30 anos de Underground), fica fácil compor temas diferentes, num estilo que nunca tinha prestado tanta atenção antes!

A arte também que embala o Debut da Mávra é de encher os olhos e se estivesse em algum vinil oitentista seria cultuado até hoje. Quem teve a ideia? Pois ela casa perfeitamente com a proposta sonora.

Ficou lindona né! Procuramos o artista (tatuador e músico) Wagner Matos da banda Labar Oculto de Piraju/SP. Eu sempre pirei nas artes de capa e encarte que ele fez nos trabalhos da banda dele. O cara detona. Além de ser um grande desenhista, tatuador, músico e Headbanger, conseguiu compreender meu pedido. Eu pedi a ele que desenhasse algo que lembrasse as músicas, e mandei os sons. Então saiu essa obra magnífica, pintada a mão e de forma natural sem IA.

 

São muitos anos dedicados ao underground extremo e muitas bandas em qual você faz parte. Como está sua agenda hoje em dia e em quais projetos segue ativo?

Bom, eu sempre tento manter cinco bandas na ativa. Uma questão pessoal, um equilíbrio pentagramático. Então, as cinco bandas na ativa são o Mávra (Heavy/Doom/Occult Metal), que está fazendo shows de divulgação do álbum.

Herege, que está prestes a lançar o primeiro álbum após um pouco mais de uma década;

Torqverem, retornando aos ensaios e gravações após um período no Limbo;

Exterminatorium, banda que acabou de lançar o Single da música "Nuklear Khaos Kommando" que está disponível no YouTube;

Morte Negra, que está finalizando o segundo álbum oficial que será lançado até o fim deste 2026.

Em relação aos lançamentos, tivemos em 2025 exatos cinco lançamentos:

Um CD live do evento "Immortal Spirit of the Ancient Times" realizado Em Campinas/SP no último ano onde participei com o Necrosound e Fenrir. O último lançamento do LALSSU intitulado "To Telos" - que significa "O Fim" em grego. Split com as hordas Poeticus Severus (RJ) e Shadow Moon (ES). O primeiro álbum do HEREGE, intitulado "Blood War Extermination". O já citado primeiro álbum do Mávra "Dark Incantations". E o também já citado EP do EXTERMINATORIUM, "Nuklear Khaos Kommando".

Com exceção deste último citado que está disponível apenas nas plataformas digitais, todos os demais materiais encontram-se disponíveis em CD.

Neste 2026, além do já citado segundo álbum do Morte Negra que está em processo de finalização, teremos dois lançamentos especiais:

O primeiro álbum do AETERNUM MAUSOLEUM, banda que foi criada com os amigos da extinta banda MAUSOLEUM, que sairá em LP e CD. O título do álbum, "Ecos do Panteão", faz referência aos temas sobre mitologia grega que abordamos nesse trabalho. E o som é totalmente voltado às bandas gregas antigas que nos influenciaram.

E o segundo é a trajetória do KAZIKLU BEY. Banda lendária do Subterrâneo Paulista que teve o fim das atividades decretada em 2013 após a trágica morte do nosso vocalista.

Neste CD estarão todas as demos lançadas pela banda no período de 1998/2012.

 

Temos uma paixão em comum que é pelo Rotting Christ. Sendo em minha opinião a melhor banda de Black Metal da história. Em 2024 você participou do show dos mestres em SP cantando o hino “The Sign of Evil Existence”. Conte-nos essa experiência ao estar no palco com uma banda tão lendária. E se possível, como surgiu esse convite?

Cara, uma pequena correção. O que sinto pelo RC não é paixão, é amor em seu estado mais bruto (risos). Tenho contato com o Sakis Tolis há um bom tempo, desde a fundação do Malediction 666 em 98, quando trocávamos cartas e e-mails.

Sakis participou do álbum "We, Demons" do Malediction 666 em 2019, convidou a banda para abrir o show em SP mas devido à organização nos barrar por motivos que ainda desconheço (desconfio que seja porque somos uma banda underground, independente e sem agenciamento), acabou não rolando.

O plano era ele cantar um som nosso e eu um deles. No fim acabei cantando o deles, e o que posso dizer é que foi uma experiência única estar ao lado de um cara que me influenciou desde jovem na cena do Metal, ainda mais cantando esse que é um dos sons mais fodas da história. Essa praga está disponível no YouTube, e lá o leitor poderá notar que cantei com toda a potência e reverência possível que eu poderia expressar.

 

Agora fugindo um pouco da música, você é jogador de botão profissional! O famoso futebol de mesa para os mais novos (risos). Isso é algo que fez parte da minha infância e na adolescência cheguei a jogar alguns torneios e acaba se tornando um vício gostoso. Comente conosco essa paixão pelo futebol de mesa.

Olha meu amigo, profissional de Futmesa não sou, pois, trabalho em indústria metalúrgica (no ramo de manutenção em Robótica e Eletrônica), mas dou umas boas dores de cabeça pra esse povo viciado hahaha. Me considero um entusiasta desse "esporte", e sempre que possível disputo campeonatos os quais sou convidado.

O Futmesa me ajudou como atividade terapêutica na época da Pandemia por indicação da minha psicóloga. Passei por momentos muito difíceis numa ruptura de relacionamento e não sentia prazer em mais nada na vida.

Então a orientação foi que eu resgatasse algo que eu gostava do passado, além da música, claro. Por coincidência alguns amigos do Butantan me indicaram um clube que estava na ativa, e voltei a jogar após mais de trinta anos. Foi incrível redescobrir essa atividade e conhecer tantos amigos que hoje em dia tenho contato constante graças aos torneios e encontros.

Existem várias ligas amadoras no Brasil, e ao menos uma vez por ano nas minhas férias viajo alguns dias para estados diferentes a fim de encontrar amigos botonistas e desafiá-los a jogar algumas partidas.

Foi assim em cidades do interior de SP, Belo Horizonte em MG, Curitiba no PR, Rio de Janeiro no RJ, e principalmente RS onde fui muito bem recebido aí para jogar no GNU (Grêmio Náutico União) de Porto Alegre pelo meu amigo Cláudio Mastrangelo, um ilustre Colorado.

Tivemos ano passado o Campeonato Brasileiro em Porto Alegre no Clube Sogipa, mas não pude participar devido à agenda do meu trabalho. Mas espero conseguir estar em Curitiba em maio deste ano para disputar  o brasileiro lá. Enfim... Quando passar novamente por POA te desafio a dar umas boas palhetadas ao som de muito Metal e bebendo todas! Hahaha!

 

Seguindo a linha futebolística, o teu São Paulo vai ter um bom ano em 2026 ou vai seguir no marasmo (risos)? Porque o meu Grêmio... Olha... Sem comentários.

Pois é, nossos Tricolores tem passado por anos difíceis!

Nosso título da Copa do Brasil anos atrás fechou um ciclo de conquistas onde podemos afirmar que somos "Campeões de Tudo". Eu vi meu time ganhar todo tipo de campeonato, mas sinceramente não acredito que isso se repita no futuro. O futebol é outro, a grana fala mais alto.

O São Paulo FC foi tão roubado pelos últimos dirigentes, que aparece mais em programas policiais do que nos esportivos.

Mas é o esporte que acompanhamos desde sempre, e a paixão nunca acaba. Continuo indo ao Morumbi sempre que o São Paulo joga, (inclusive estou respondendo essa questão num SP X Grêmio, te mandei foto hahaha) isso é algo que não me vejo sem.

E nesse 2026 só espero que não sejamos rebaixados, porque o time é ruim pra kct!

Para finalizar, gostaria que você nos dissesse uma frase que representa a sua carreira. Muito obrigado mais uma vez!

Vou citar um dos Sete Princípios Herméticos, que é o Princípio da Vibração:

"Nada está parado.

Tudo se move.

Tudo vibra".

Acredito que este princípio resuma minha trajetória de vida: a movimentação e a atividade constante, a paixão pela Construção não apenas de músicas e álbuns, mas de lembranças que fazem a vida valer pena.

Todos nós vamos morrer um dia, e antes disso acontecer o mais sensato a se fazer é aproveitar o tempo que temos! Saciando nossas Vontades e botando a roda da vida pra girar!

Renato, sou muito grato pela oportunidade de falar contigo novamente sobre o Mávra e outros assuntos sobre minha pessoa. Uma honra estar presente no Road To Metal e espero voltar em breve para falar mais sobre minha arte sonora!

Um grande abraço a ti e aos leitores que dedicaram um tempo a esta entrevista!

 

 

Alien: Reafirmando Legado e Conexão Com o Público (Also In English)

Pride & Joy Music (Imp.)

Por Flavio Borges

Celebrando décadas de trajetória no hard rock melódico, a veterana banda sueca Alien retorna aos holofotes com Live at Sweden Rock, um registro ao vivo que sintetiza com precisão a força e a relevância de sua carreira. Formado em 1986 e liderado pela voz inconfundível de Jim Jidhed, o grupo consolidou seu nome na cena europeia com clássicos como “Only One Woman” e uma discografia sólida que atravessa gerações.

Gravado durante a aclamada apresentação no Sweden Rock Festival 2025, o álbum captura não apenas a performance da banda, mas também a forte conexão estabelecida com o público. O repertório equilibra com competência grandes sucessos e faixas mais recentes, oferecendo um panorama fiel da evolução musical do Alien.

Para esta apresentação, além do núcleo formado por Jim Jidhed (vocais), Tony Borg (guitarras) e Toby Tarrach (bateria), a banda contou com reforços que ampliaram a densidade sonora: Fredrik Karnell no baixo, Mikael Bäck nos teclados e os backing vocals Jonathan Jaarnek Norén e Kajsa Borg. O resultado é uma sonoridade mais encorpada, com arranjos que se aproximam das versões originais de estúdio.

O setlist transita com naturalidade entre diferentes fases da carreira do grupo. Clássicos como “Tears Don’t Put Out The Fire”, “Go Easy” e “Only One Woman” dividem espaço com composições mais recentes, como “In The End We Fall” e “If Love Is War”, já assimiladas pelo público.

A abertura com “In The End We Fall” estabelece imediatamente o tom energético da apresentação, seguido por “If Love Is War”, que evidencia o papel fundamental dos backing vocals na construção de refrões mais ricos e harmonizados. Na sequência, “Go Easy” surge como o primeiro grande momento nostálgico da noite, executado com precisão e destacando a consistência vocal de Jidhed.

Sem perder o ritmo, “Brave New Love” mantém o nível de intensidade elevado, reforçando a coesão do repertório e a identidade melódica da banda, marcada por refrões fortes e bem trabalhados. Esse padrão se confirma em “Only One Woman”, um dos pontos centrais do show, onde a performance vocal e a resposta do público elevam ainda mais o impacto da faixa.

O tradicional momento instrumental surge em forma de um solo de guitarra enxuto, porém eficaz, no qual Tony Borg demonstra sua técnica sem comprometer o fluxo da apresentação. Em seguida, “Night of Fire” introduz variações rítmicas interessantes, enquanto “I Belong to the Rain” reforça a dinâmica do grupo com guitarras mais incisivas e uma base sólida.

Um dos ápices do show ocorre com “Tears Don’t Put Out the Fire”, recebida com entusiasmo evidente pela audiência e executada de forma impecável. A faixa consolida a sequência de clássicos indispensáveis, reafirmando o peso histórico da banda dentro do gênero.

Na reta final, “Dying by the Golden Rules” mantém o nível de energia elevado, preparando o terreno para o encerramento com “Touch My Fire”. A faixa final, acompanhada pela apresentação dos músicos, funciona como uma síntese da proposta do espetáculo, combinando performance, interação e apelo emocional.

A apresentação no Sweden Rock Festival 2025 marcou o retorno do Alien ao evento após 15 anos, em um momento que reafirma sua relevância no cenário do hard rock melódico. Mesmo em um palco de menor porte, a banda demonstrou sua capacidade de mobilizar o público, atraindo uma audiência crescente e reforçando a longevidade de seu legado.

***ENGLISH VERSION***

Celebrating decades of dedication to melodic hard rock, Swedish veterans Alien return to the spotlight with Live at Sweden Rock, a live release that effectively captures both the strength of their legacy and their enduring relevance. Formed in 1986 and led by the unmistakable voice of Jim Jidhed, the band has built a solid reputation within the European scene, highlighted by classics such as “Only One Woman” and a consistently strong discography.

Recorded during their acclaimed performance at the Sweden Rock Festival 2025, the album documents not only the band’s onstage prowess but also their strong connection with the audience. The setlist is carefully balanced, blending essential hits with more recent material, offering a comprehensive overview of Alien’s musical evolution.

For this performance, the core lineup of Jim Jidhed (vocals), Tony Borg (guitars), and Toby Tarrach (drums) was expanded with Fredrik Karnell on bass, Mikael Bäck on keyboards, and backing vocalists Jonathan Jaarnek Norén and Kajsa Borg. This enhanced lineup adds depth and texture to the sound, resulting in arrangements that closely mirror the richness of the original studio recordings.

The setlist flows naturally across different phases of the band’s career. Signature tracks such as “Tears Don’t Put Out The Fire”, “Go Easy”, and “Only One Woman” are seamlessly interwoven with newer songs like “In The End We Fall” and “If Love Is War”, both of which have already been embraced by fans.

Opening with “In The End We Fall”, the band immediately establishes a high-energy atmosphere, followed by “If Love Is War”, where the importance of layered backing vocals becomes evident, enriching the choruses with strong harmonic support. “Go Easy” marks the first major nostalgic highlight of the show, delivered with precision and showcasing Jidhed’s enduring vocal strength.

Without losing momentum, “Brave New Love” sustains the intensity, reinforcing the cohesion of the set and the band’s melodic identity, built around memorable and well-crafted choruses. This approach reaches one of its peaks with “Only One Woman”, a central moment in the performance, elevated by both the vocal delivery and the audience’s enthusiastic response.

A concise yet effective guitar solo provides a classic live show element, allowing Tony Borg to demonstrate his technical ability without disrupting the flow of the set. “Night of Fire” introduces subtle rhythmic variations, while “I Belong to the Rain” brings a more driving guitar approach supported by a tight and cohesive rhythm section.

One of the standout moments of the performance comes with “Tears Don’t Put Out the Fire”, met with a visibly enthusiastic crowd reaction and executed flawlessly. The track solidifies the sequence of essential classics, reaffirming the band’s historical significance within the genre.

In the final stretch, “Dying by the Golden Rules” keeps the energy levels high, leading into the closing number, “Touch My Fire”. Accompanied by the introduction of the band members, the final track serves as a fitting conclusion, combining performance, audience interaction, and emotional impact.

Alien’s appearance at the Sweden Rock Festival 2025 marked their return to the event after 15 years, reaffirming their standing within the melodic hard rock scene. Even on a smaller stage, the band proved its ability to draw and engage a growing audience, further cementing the longevity and strength of its legacy.

Entrevista – Roy Khan: "Estar no palco é a primeira coisa que me vem à mente quando penso em felicidade"

"O Brasil é meu principal destino quando o assunto é tocar ao vivo" (Roy Khan)

Por Paula Butter

Roy Khan está de volta, e o Brasil é, de novo, o palco escolhido. O vocalista norueguês que marcou gerações à frente do Kamelot, gravando discos que viraram referência do Power Metal como Karma, Epica e The Black Halo, vive hoje um momento de pura efervescência criativa. Depois de deixar o grupo em 2011 por esgotamento e passar anos longe dos holofotes, ele foi encontrando o caminho de volta à música pelo Conception, banda que integrava antes do Kamelot. 

A partir daí, o músico acabou reencontrando no Brasil um público que nunca esqueceu sua voz. Em 2024, subiu ao palco como convidado de Edu Falaschi; em 2025, lotou o Tokio Marine Hall com uma performance épica celebrando os 20 anos de The Black Halo, com orquestra sinfônica no palco e convidados para lá de especiais.

E para a alegria da nação headbanger, em abril de 2026, Roy Khan volta ao Brasil pela terceira vez em pouco mais de um ano para o Bangers Open Air, o maior festival de Heavy Metal do país, no Memorial da América Latina, em São Paulo. Roy toca no Sunday Stage no dia 26 e ainda aparece como convidado especial do Seven Spires na Pré-Party do festival, no dia 24. 

Nessa entrevista exclusiva, concedida para a Road To Metal, o vocalista conta o que os fãs podem esperar do show de abril, fala sobre o primeiro álbum solo da carreira, que está sendo produzido por Sascha Paeth (Sim, o mesmo cara dos discos do Kamelot) e reflete sobre a vida, a felicidade e por que o Brasil virou, nas palavras dele, o seu "principal destino" quando o assunto é tocar ao vivo.

Agradecimentos à agência Taga e à produção do Bangers Open Air no Brasil.

Você está vivendo um dos períodos mais ativos da sua carreira, foram muitos shows em 2025, muita coisa acontecendo. O que mudou em você, artística e pessoalmente, desde que voltou aos palcos?

RK: Bem, voltei com o Conception já em 2018, e foi um momento muito estranho. Quando subi ao palco pela primeira vez, foi esquisito, eu conseguia sentir claramente os anos que tinham passado. Em termos de personalidade, acho que continuo sendo o mesmo. Certas partes da sua personalidade simplesmente fazem parte de quem você é. Como artista, houve experiências na minha vida que mudaram um pouco os conceitos das minhas letras, embora eu ainda esteja lidando com grandes questões e grandes perguntas. Talvez de forma um pouco mais ligada à experiência real da vida do que antes. Mas quando estou no palco, parece qualquer outro show dos velhos tempos. Eu comentei isso com um jornalista antes de você, que quando você está no palco, aquele momento é tudo. Eu simplesmente desapareço. Estávamos discutindo o conceito de felicidade, e ele me perguntou o que felicidade significa para mim. Estar no palco é provavelmente a primeira coisa que me vem à mente quando penso em descrever felicidade como um estado de espírito.

Amanda Vasconcelos - @mandahvf

Brasil e o show de Aniversário do álbum The Black Halo

Falando sobre o show do ano passado, você esteve em São Paulo para um grande concerto solo, mas já havia estado no palco com Edu Falaschi e Kai Hansen antes. Como foi a experiência de dividir o palco com tantas pessoas que têm significado para você ao longo dos anos?

RK: Sim, foi incrível. Eu estava no show do Edu em 2024, mas tocamos apenas uma música do Kamelot, uma do Conception, e depois cantamos Heroes of Sand juntos. Então conversamos sobre eu voltar no ano seguinte com um set um pouco maior, um set completo meu antes do Edu. E foi aí que surgiu a ideia da orquestra sinfônica. Essa foi, na verdade, ideia do Edu. Do jeito que fizemos, com aquele palco enorme e 60 pessoas nele, foi simplesmente incrível. Tokio Marine Hall completamente lotado. Não tem como dar errado. Foi fantástico.

O Brasil continua aparecendo como palco central no seu renascimento artístico. O que explica essa conexão tão profunda com o público brasileiro?

RK: Bom, tenho que agradecer ao Edu por me trazer para aquele primeiro show. O Brasil sempre foi um mercado muito importante, tanto para o Conception quanto para o Kamelot. Fizemos shows enormes em São Paulo, acho que tocamos num lugar chamado Via Funchal, embora o nome possa ter mudado. Mas sim, o Brasil sempre foi importante. E agora, o Bangers em abril será a terceira vez que vou ao Brasil como artista solo. Acho que isso faz do Brasil o principal destino para mim quando se trata de shows ao vivo.

Amanda Vasconcelos - @mandahvf

Bangers Open Air 2026

Você está confirmado no Bangers Open Air. Quais são as suas expectativas para o show?

RK: Já estive no Brasil duas vezes nos últimos dois anos, e estou ansiosíssimo para voltar em abril, dia 26 de abril, acho que é um domingo. O público brasileiro é realmente algo especial. Poder ir lá e tocar num show ao ar livre como o Bangers vai ser um momento super divertido, acho eu, para todo mundo, (Muito animado) inclusive para mim.

O que você pode contar para os fãs que vão ao Bangers Open Air? O que eles podem esperar do seu setlist?

RK: Vão ter algumas músicas que não foram tocadas no show de julho (2025). E talvez haja alguns convidados, mas ainda não decidi completamente isso. Pode até ter uma música nova, mas não acho que vai rolar, porque ainda não chegamos longe o suficiente no processo e os ensaios só começam no início de abril. Mas também vou voltar ao Brasil mais tarde, provavelmente antes do disco sair. Então, a gente vai ver.

Amanda Vasconcelos - @mandahvf

Álbum Solo e  Sascha Paeth

Este álbum está sendo produzido por Sascha Paeth. Como é reconectar-se com ele num momento tão diferente da sua vida?

RK: Bem, não houve bem um processo. Não estávamos em contato esses anos todos. Mas a Adrienne Cowan (Seven Spires) trabalha com o Sascha, e também canta na banda dele, a Masters of Ceremony, e claro no Avantasia também. Então começamos a conversar sobre fazer algo com o Sascha novamente. Ligamos para ele e ele topou, e cá estamos.

Amanda Vasconcelos - @mandahvf

Equilibrando o Conception e o Projeto Solo

Como você equilibra o Conception com o seu novo projeto solo e todas essas performances especiais acontecendo ao mesmo tempo?

RK: Bem, este é meu trabalho em tempo integral, ser músico e compositor. É desafiador, porque agora estamos trabalhando em paralelo no meu álbum solo e no próximo álbum do Conception. Mas você precisa separar tempo, certos períodos em que você foca em uma coisa, definir pequenas metas ao longo do caminho e dar um passo de cada vez. É desafiador, mas também é muito bom estar realmente ocupado com algo pelo qual você é genuinamente apaixonado.

Está no Instagram que você já tem algumas ideias para um novo álbum do Conception. É verdade?

RK: Sim, sim. Como eu disse, estamos trabalhando em paralelo, mas os álbuns vão ser lançados em momentos diferentes porque não queremos um conflito de divulgação com dois discos ao mesmo tempo. Provavelmente vai ser o meu álbum solo primeiro, e depois o álbum do Conception.

Amanda Vasconcelos - @mandahvf

Reunião com o Kamelot

Alguma novidade sobre uma possível reunião com o Kamelot?

RK: Nenhuma novidade sobre isso. Não.

Amanda Vasconcelos - @mandahvf

The Black Halo ao Vivo: Emoções e Legado

The Black Halo é um álbum tão importante. Como foi tocá-lo ao vivo no ano passado (2026) em São Paulo e no Japão? Assisti alguns vídeos e percebi que havia muita emoção naqueles shows.

RK: É incrível. Realmente acredito que nasci para estar no palco e fazer música, voltando ao conceito de felicidade que mencionamos antes. Inclusive, cantar e compor é algo para o qual fui feito. E tocar aquelas músicas, que talvez representem o auge da minha carreira de alguma forma... Sim, ainda tenho muito orgulho daquele álbum e daquelas músicas. É muito bom sair de novo e tocá-las para fãs antigos e novos. É ótimo.

Amanda Vasconcelos - @mandahvf

Cuidados com a Voz e Técnica Vocal

Sua voz está em uma forma incrível. O que você faz para cuidar dela e mantê-la num nível tão alto? Quais são os seus segredos?

RK: Não tenho certeza se faço algo muito especial ou fora do comum. Mas na minha idade, é realmente importante estar em boa forma física. Me exercito bastante, tanto para a capacidade pulmonar quanto para conseguir fazer os movimentos que quero quando estou cantando. E aí claro tem o canto em si, suas cordas vocais também são um músculo. Você precisa ter cuidado com o aquecimento. Sempre bebo muita água antes de entrar numa sessão de canto mais longa, seja no estúdio, ao vivo ou em ensaios. Tenho meus exercícios de aquecimento normais e um pequeno aparelho no qual sopro. Na verdade, adoro tocar clarinete, ou essa corneta, que é  uma espécie de sereia que tenho no meu estúdio. Mas sim: mantenha-se aquecido, beba muita água e certifique-se de estar em boa forma.

Amanda Vasconcelos - @mandahvf

Mensagem Final

Você pode deixar uma mensagem final para os fãs?

RK: Como havíamos conversado, o Brasil tem um lugar muito especial no meu coração. Já estive lá duas vezes em pouco mais de um ano. Estou ansiosíssimo para voltar ao Bangers no dia 26 de abril. Vamos nos divertir muito. Até lá.

Serviço:

Bangers Open Air 2026

Local: Memorial da América Latina - São Paulo

Datas: 24 (Pré-Party), 25 e 26 de Abril de 2026

Ingressos: https://www.clubedoingresso.com/evento/bangersopenairbrasil2026-pass

Nervosa: Imprevisivel e poderoso

 Por: Renato Sanson

Tivemos acesso antecipado a “Slave Machine” (lançamento marcado para o dia 03/04), o novo trabalho da Nervosa, e o que se ouve aqui é mais do que um simples passo à frente, mas sim uma redefinição consciente de identidade.

Conhecidas por sua agressividade direta e raízes fincadas no Thrash Metal, a Nervosa mantêm essa espinha dorsal intacta, mas expandem consideravelmente seu alcance sonoro. O novo álbum apresenta uma banda mais madura, que entende o peso da própria trajetória e não hesita em explorar novos caminhos sem perder sua essência. A própria banda já descreve o disco como seu trabalho mais “brutal e melódico” até aqui e isso se confirma ao longo das faixas.

Se em registros anteriores havia flertes evidentes com o Death Metal old school e o Heavy tradicional, aqui esses elementos dão lugar a uma abordagem mais refinada e atmosférica. As guitarras continuam afiadas e agressivas, mas agora carregam linhas melódicas mais evidentes, criando uma ambiência que em diversos momentos remete aos tempos áureos do Arch Enemy, especialmente no equilíbrio entre peso e melodia. Mas isso não quer dizer cópia, não interpretem errado, apenas um direcionamento para entenderem o quanto as águas de “Slave Machine” se aprofundam.

Outro destaque absoluto é a performance de Prika Amaral. Consolidada como frontwoman, ela entrega aqui um trabalho vocal mais versátil. Além dos já esperados vocais rasgados e agressivos, surgem passagens mais limpas e até melodiosas, ampliando o espectro emocional ao decorrer do play. Essa escolha não suaviza o impacto, pelo contrário, adiciona camadas e torna a experiência ainda mais dinâmica e imprevisível.

A cozinha da banda também merece menção especial, principalmente com a chegada da baterista Michaela Naydenova. Sua execução é precisa, técnica e agressiva na medida certa, contribuindo diretamente para a solidez do trabalho. A bateria não apenas acompanha, mas impulsiona, criando variações rítmicas que enriquecem a construção das músicas.

Com 12 faixas, o disco mostra uma banda que domina sua própria linguagem. Alternando entre velocidade extrema, grooves mais cadenciados e momentos de respiro melódico. “Slave Machine” soa coeso e bem estruturado, sem excessos ou dispersões. Há uma sensação clara de direção e algo que só bandas em estágio avançado de maturidade conseguem atingir.

Mais do que um novo lançamento, representa uma evolução estratégica. A Nervosa amplia seus horizontes sem abrir mão da agressividade que a consolidou no cenário mundial. É um disco que dialoga tanto com fãs antigos quanto com uma nova audiência, especialmente aqueles que apreciam a fusão entre peso extremo e melodia.

Se havia qualquer dúvida sobre o próximo passo da banda após “Jailbreak”, ela é completamente dissipada aqui. “Slave Machine” não apenas eleva o nível, ele redefine o rumo.

Cobertura de Show: Symphony X – 20/03/2026 – Tokio Marine Hall/SP

Symphony X celebra 30 anos com repertório abrangente e casa cheia em São Paulo

O Symphony X voltou a São Paulo na noite de 20 de março para um Tokio Marine Hall lotado, em uma apresentação que funcionou como um panorama consistente dos 30 anos de carreira da banda. A passagem faz parte da turnê latino-americana organizada pela Top Link Music, com datas também no México, Chile, Argentina, Curitiba e Rio de Janeiro.

Com mais de três décadas de atividade, o grupo norte-americano ocupa um lugar específico no metal progressivo, especialmente pela forma como ajudou a consolidar uma vertente que aproxima o virtuosismo técnico do peso do power metal e de estruturas sinfônicas. Discos como The Divine Wings of Tragedy e V: The New Mythology Suite continuam sendo referências quando se fala na expansão do progressivo para além das estruturas mais tradicionais do gênero.

Em São Paulo, a resposta do público deixou claro como essa trajetória construiu uma base fiel no Brasil. A casa cheia e a recepção intensa desde os primeiros minutos indicavam um público que não estava apenas pela nostalgia, mas pela relevância contínua do Symphony X no metal técnico.

A abertura com Of Sins and Shadows já estabeleceu o tom da noite, com a banda soando coesa e precisa. Na sequência, Sea of Lies manteve a energia alta, enquanto Out of the Ashes trouxe o equilíbrio entre melodia e peso que marca a fase mais recente do grupo.

Um dos primeiros grandes momentos veio com The Accolade, recebida com entusiasmo e reforçando o quanto o material clássico ainda ocupa um lugar central na relação da banda com o público. Na parte intermediária do show, Smoke and Mirrors e Evolution (The Grand Design) reforçaram a dimensão mais técnica do repertório, com destaque para a execução segura e a dinâmica entre os músicos.

Communion and the Oracle e Inferno (Unleash the Fire) mantiveram a intensidade da apresentação, mostrando como a banda transita bem entre fases diferentes da carreira sem que o repertório pareça fragmentado. Já Nevermore funcionou como um dos pontos de maior resposta coletiva do público antes do encore.

No retorno ao palco, a banda apresentou Without You, em um momento mais direto e emocional, também utilizado para as apresentações individuais dos integrantes. O encerramento com Dehumanized e Set the World on Fire (The Lie of Lies) consolidou a proposta da turnê: revisitar diferentes momentos da discografia sem transformar o show apenas em um exercício de nostalgia.

Liderado por Michael Romeo e Russell Allen, o Symphony X demonstrou porque permanece como um dos nomes mais respeitados do metal progressivo: consistência técnica, repertório sólido e uma identidade musical que continua reconhecível mesmo após décadas de atividade.

O show em São Paulo mostrou uma banda ainda funcional na cena, com um público que acompanha essa trajetória não apenas pela memória, mas pela permanência de sua relevância no progressivo contemporâneo.

Texto: Patrícia Araújo

Fotos: Roberto Sant'Anna

Edição/Revisão: Gabriel Arruda 

Realização: Top Link Music 

Symphony X – setlist:

Intro/Of Sins and Shadows

Sea of Lies

Out of the Ashes

The Accolade (with “The Divine Wings of Tragedy Part VII: Paradise Regained” snippet)

Smoke and Mirrors

Evolution (The Grand Design)

Communion and the Oracle

Inferno (Unleash the Fire)

Nevermore

Bis

Without You (preceded by band introductions)

Dehumanized

Set the World on Fire (The Lie of Lies)

Generation Rádio: Quando o AOR Encontra o Refinamento Moderno (Also In English)

Frontiers Records (Imp.)

Por Flavio Borges 

O Generation Radio retorna ao cenário com Take Two, aguardada sequência de seu álbum de estreia, reafirmando sua proposta sonora baseada no AOR e no West Coast rock, agora enriquecida por nuances do chamado “som de Nashville”. O resultado é um trabalho que equilibra sofisticação melódica, apelo radiofônico e alto nível de execução.

Sob a produção dos membros fundadores Jay DeMarcus (Rascal Flatts) e Jason Scheff (ex-Chicago), o grupo mantém sua identidade ao mesmo tempo em que reforça seu peso instrumental. A entrada do experiente baterista Steve Ferrone (Tom Petty & the Heartbreakers, Average White Band), substituindo Deen Castronovo, agrega ainda mais consistência ao conjunto, que se completa com as guitarras e vocais de Tom Yankton e Chris Rodriguez.

Além do repertório autoral, o álbum incorpora releituras de clássicos consagrados, já testados ao vivo pela banda, como “Here I Go Again”, “You’re The Inspiration”, “I’m Alright” e “These Days”, reafirmando a conexão do grupo com diferentes vertentes do rock e do pop norte-americano.

A abertura com “Montana Skies” estabelece imediatamente o padrão do disco, com produção refinada, harmonias bem construídas e atenção meticulosa aos timbres, características fundamentais do AOR contemporâneo. Na sequência, “The Melody” transita entre o pop oitentista e o rock melódico, destacando-se pelo refrão forte e pelos arranjos vocais bem trabalhados.

O primeiro cover, “These Days”, surge com nova abordagem, mais alinhada ao AOR clássico, valorizando guitarras, teclados e uma condução cadenciada que evidencia a maturidade interpretativa da banda. Já “Maybe Monday” retoma o material autoral com uma construção dinâmica, partindo de bases acústicas até alcançar um refrão mais encorpado, mantendo o foco na clareza melódica.

“Grass Is Greener” amplia o espectro sonoro do álbum ao incorporar influências da música pop dos anos 70, com elementos de soul e referências à estética Motown, resultando em uma das faixas mais distintas do trabalho. Em contrapartida, “Love History” resgata o AOR em sua forma mais tradicional, com estrutura acessível, teclados em destaque e refrão de forte apelo.

Na segunda metade do disco, “Last Night’s Whiskey” explora uma sonoridade mais voltada ao West Coast Rock, com grooves mais evidentes e influências de jazz e R&B, especialmente na condução vocal e na base rítmica. Entre os covers, “Here I Go Again” (Whitesnake) ganha uma releitura que se aproxima da versão de 1987, com produção mais polida e abordagem mais próxima do hard rock melódico. 

“You’re The Inspiration” mantém fidelidade ao original, reforçando a ligação direta do grupo com a escola do Chicago, enquanto “I’m Alright” (Kenny Loggins) evidencia a versatilidade do repertório ao incorporar elementos mais próximos do pop rock clássico, com destaque para os arranjos e a leveza interpretativa.

Na reta final, “For A Soldier” apresenta uma abordagem mais intimista, predominantemente acústica, crescendo de forma gradual até incorporar elementos elétricos, criando uma atmosfera de balada sofisticada. Encerrando o álbum, “Hate This Heart” aposta em uma estética mais contemporânea, com elementos eletrônicos sutis e um refrão marcante, deixando uma impressão duradoura.

Com Take Two, o Generation Radio consolida sua proposta artística ao unir técnica, sensibilidade melódica e repertório consistente. O álbum não apenas reverencia as tradições do AOR e do West Coast rock, mas também demonstra a capacidade do grupo de reinterpretar essas influências sob uma perspectiva atual, resultando em um trabalho coeso, elegante e altamente acessível.

***ENGLISH VERSION***

Generation Radio return with Take Two, the highly anticipated follow-up to their debut album, reaffirming their commitment to AOR and West Coast rock while incorporating subtle touches of the Nashville sound. The result is a polished and accessible record that balances melodic sophistication with strong commercial appeal and top-tier musicianship.

Produced by founding members Jay DeMarcus (Rascal Flatts) and Jason Scheff (ex-Chicago), the band continues to build on its core identity while strengthening its instrumental depth. The addition of veteran drummer Steve Ferrone (Tom Petty & the Heartbreakers, Average White Band), replacing Deen Castronovo, brings added groove and precision to a lineup completed by guitarists and vocalists Tom Yankton and Chris Rodriguez.

Alongside its original material, Take Two features a selection of well-chosen covers that have already proven effective in the band’s live performances, including “Here I Go Again,” “You’re The Inspiration,” “I’m Alright,” and “These Days,” highlighting the group’s connection to various strands of American rock and pop.

Opening track “Montana Skies” immediately sets the tone, showcasing refined production, carefully crafted harmonies, and a strong attention to sonic detail—key elements of contemporary AOR. “The Melody” follows with a blend of ‘80s-inspired pop sensibilities and melodic rock, driven by a memorable chorus and well-executed vocal arrangements.

The first cover, “These Days,” is reimagined with a more classic AOR approach, emphasizing guitars, keyboards, and a measured groove that underscores the band’s interpretative maturity. “Maybe Monday” returns to original material, evolving from an acoustic-based arrangement into a fuller, more dynamic chorus while maintaining melodic clarity.

“Grass Is Greener” broadens the album’s sonic palette with clear influences from 1970s pop, incorporating elements of soul and a distinct Motown feel, making it one of the record’s most stylistically diverse moments. In contrast, “Love History” embraces a more traditional AOR structure, featuring layered keyboards, clean guitar work, and an instantly accessible chorus.

In the album’s second half, “Last Night’s Whiskey” leans further into the West Coast rock aesthetic, with a groove-driven approach and noticeable influences from jazz and R&B, particularly in its vocal delivery and rhythm section. Among the covers, “Here I Go Again” (Whitesnake)is closer in spirit to the 1987 version, with a more polished production and a melodic hard rock edge.

“You’re The Inspiration” remains faithful to the original, reinforcing the band’s ties to the Chicago sound, while “I’m Alright” (Kenny Loggins) showcases the group’s versatility by embracing a lighter, classic pop-rock feel, highlighted by its arrangement and performance style.

Towards the end, “For A Soldier” offers a more intimate and largely acoustic moment, gradually building into a fuller arrangement, creating a refined ballad atmosphere. Closing track “Hate This Heart” introduces subtle contemporary elements, including light electronic textures, and delivers a strong, memorable chorus that leaves a lasting impression.

With Take Two, Generation Radio solidify their artistic vision by combining technical proficiency, melodic sensibility, and a cohesive repertoire. The album not only pays tribute to the traditions of AOR and West Coast rock but also demonstrates the band’s ability to reinterpret these influences through a modern lens, resulting in a refined, cohesive, and highly engaging release.

Matthew Simmons