Ride the Rainbow - The Ultimate Tribute To Ritchie Blackmore's Rainbow: Respeito ao Legado (Also In English)

Cleopatra Records (Imp.)

Por Flavio Borges

Tributos costumam caminhar sobre uma linha tênue. De um lado, a celebração legítima de um legado; do outro, o risco de se tornarem apenas exercícios de nostalgia destinados a um público já convertido. Felizmente, Ride The Rainbow – The Ultimate Tribute to Ritchie Blackmore's Rainbow, lançado pela Cleopatra Records, pertence à primeira categoria.

O grande trunfo do álbum reside no resgate de sua própria árvore genealógica. O projeto reúne nada menos que seis músicos que respiraram o oxigênio da banda original em diferentes eras : o pulsar clássico do baixo de Bob Daisley (Long Live Rock 'n' Roll) ; a potência vocal e o carisma de Graham Bonnet (Down to Earth) ; a sofisticação erudita das teclas de Don Airey ; o refino melódico de Joe Lynn Turner, arquiteto da fase AOR dos anos 1980 ; a crueza Hard de Doogie White (Stranger in Us All) ; e a urgência contemporânea de Ronnie Romero, o homem que deu voz ao retorno recente do grupo aos palcos. Como toque de classe e legitimidade, a presença de Candice Night — que além de esposa do mestre, foi peça fundamental nos backing vocals históricos da banda — eleva o status do registro. 

Mas é quando observamos o restante do cast que a dimensão do projeto se torna evidente. O álbum reúne músicos associados a algumas das bandas mais influentes da história do rock e do metal, incluindo Rainbow, Deep Purple, Black Sabbath, Dio, Whitesnake, Journey, Megadeth, Judas Priest, Def Leppard, AC/DC, Dream Theater, Blue Öyster Cult e Uriah Heep. Em qualquer outro contexto, uma reunião dessa magnitude poderia facilmente resultar em um exercício de vaidade coletiva. Aqui, porém, os convidados parecem compreender que as músicas devem permanecer no centro das atenções.

Uma das maiores virtudes de Ride The Rainbow é justamente sua abrangência. Em vez de se concentrar apenas na celebrada fase comandada por Ronnie James Dio, o álbum percorre praticamente todas as encarnações clássicas do Rainbow, contemplando desde os primeiros anos épicos e neoclássicos até o período mais acessível e orientado ao AOR da era Joe Lynn Turner. Essa abordagem oferece um retrato bastante fiel da evolução musical da banda, frequentemente reduzida injustamente apenas aos seus anos mais pesados.

A sequência inicial já estabelece o nível da homenagem. "Long Live Rock 'n' Roll", interpretada por Bob Daisley, Graham Bonnet, Ron "Bumblefoot" Thal, Carmine Appice e Don Airey, abre os trabalhos com energia e reverência. Em seguida, "Man on the Silver Mountain" e "Stargazer" formam uma verdadeira tríade de clássicos absolutos, reafirmando por que o repertório do Rainbow continua sendo referência obrigatória para gerações de músicos e fãs.

O mérito do álbum, entretanto, não está apenas na escolha das canções. A produção encontra um equilíbrio difícil entre modernizar o material e preservar sua identidade original. As interpretações evitam a armadilha de reproduzir nota por nota os arranjos consagrados, mas também não caem na tentação de reinventar músicas que já nasceram praticamente definitivas. O resultado é uma coleção de versões que respeitam o espírito das composições sem abrir mão da personalidade dos intérpretes.

Entre os destaques da parte central do álbum estão a elegante releitura de "Rainbow Eyes", conduzida por Mike Tramp; a poderosa "Since You Been Gone", liderada por Graham Bonnet; a sempre explosiva "Kill the King"; e uma inspirada versão de "The Temple of the King", que preserva toda a atmosfera mística da composição original.

A reta final desloca o foco para a fase mais melódica e radiofônica do Rainbow. Faixas como "Jealous Lover", "I Surrender", "Street of Dreams" e "Stone Cold" servem como lembrete de que Blackmore também foi responsável por algumas das melhores canções de hard rock melódico produzidas nos anos 1980. O encerramento com uma delicada versão acústica de "I Surrender", interpretada por Marcus Nand e Candice Night, funciona como uma despedida elegante e surpreendentemente emotiva.

Diante de um elenco tão vasto, destacar performances individuais torna-se uma tarefa quase injusta. O verdadeiro protagonista aqui é o próprio catálogo do Rainbow. Cada participante contribui para reforçar a força atemporal dessas composições e a influência duradoura exercida por Ritchie Blackmore sobre diferentes gerações de músicos.

Mais do que um simples álbum-tributo, Ride The Rainbow funciona como uma celebração da relevância histórica de uma banda cuja importância muitas vezes é subestimada quando comparada aos gigantes que surgiram à sua volta. Para fãs de longa data, trata-se de uma oportunidade de revisitar clássicos sob novas perspectivas. Para os mais jovens, é uma excelente porta de entrada para um dos catálogos mais influentes da história do hard rock e do heavy metal.

Ride The Rainbow acerta justamente onde muitos tributos fracassam: coloca as músicas acima dos egos, respeita o legado sem se tornar refém dele e oferece interpretações suficientemente inspiradas para justificar sua existência. Uma homenagem digna de uma das bandas mais importantes que já carregaram o nome de Ritchie Blackmore.

Este tributo é obrigatório para qualquer fã do Rainbow ou dos músicos aqui presentes e também para quem tem interesse em conhecer a banda, o legado de Ritchie Blackmore e também a importância dos músicos que fazem parte deste projeto. Para facilitar as coisas segue abaixo um pequeno guia dos participantes deste álbum: 

Músico                                       Banda

Andrew Freeman                       Last in Line

Angel                                       Banda de hard rock dos anos 70                                                                    produzida por Gene Simmons

Bob Daisley                               Rainbow, Ozzy Osbourne Band,                                                                      Gary Moore Band, Uriah Heep

Candice Night                               Blackmore's Night

Carmine Appice                       Vanilla Fudge, Cactus, Blue Murder, Rod Stewart

Chris Adler                               Lamb of God, Megadeth

Chris Poland                               Megadeth, OHM

David Ellefson                               Megadeth

Derek Sherinian                       Dream Theater, Sons of Apollo,                                                                      Black Country Communion

Don Airey                               Deep Purple, Rainbow, Ozzy Osbourne,                                                        Whitesnake

Doogie White                               Rainbow, Michael Schenker Fest,                                                                    Alcatrazz

Doug Aldrich                               Whitesnake, Dio, The Dead Daisies,                                                              Burning Rain

Eric Gales                               Um dos guitarristas de blues-rock mais                                                          respeitados da atualidade

Fred Aching                               Electric Revolution

George Lynch                               Dokken, Lynch Mob

Graham Bonnet                       Rainbow, Alcatrazz,                                                                                          Michael Schenker Group

Joe Bouchard                               Blue Öyster Cult

Joe Lynn Turner                       Rainbow, Deep Purple,                                                                                    Yngwie Malmsteen

Joel Hoekstra                               Whitesnake, Night Ranger,                                                                              Trans-Siberian Orchestra

Jonathan Cain                               Journey, The Babys

Jürgen Engler                               Die Krupps

Kevin James Morse               Projeto Morse Code e trabalhos com                                                              Steve Morse

Marc Lopes                               Metal Church, Ross The Boss

Marcus Nand                               Zodiac Mindwarp

Marty Friedman                       Megadeth, Cacophony, carreira solo

Mick Box                                       Uriah Heep

Mike Tramp                               White Lion, Freak of Nature

Paul Shortino                               Quiet Riot, Rough Cutt

Phil Soussan                               Ozzy Osbourne, Billy Idol

Rick Wakeman                       Yes

Ron 'Bumblefoot' Thal               Guns N' Roses, Sons of Apollo

Ronnie Romero                       Rainbow, Lords of Black, Sunstorm,                                                                Michael Schenker Group

Sebastian Bach                       Skid Row

Simon Wright                               AC/DC, Dio

Steve Morse                               Deep Purple, Dixie Dregs, Kansas

Tim 'Ripper' Owens                       Judas Priest, Iced Earth, KK's Priest

Vinnie Moore                               UFO, carreira solo

Vinny Appice                               Black Sabbath, Dio, Heaven & Hell

Vivian Campbell                       Def Leppard, Dio, Whitesnake

***ENGLISH VERSION***

Tribute albums often walk a fine line. On one side lies the genuine celebration of a legacy; on the other, the risk of becoming little more than nostalgia exercises aimed at an already converted audience. Fortunately, Ride The Rainbow – The Ultimate Tribute to Ritchie Blackmore's Rainbow, released by Cleopatra Records, firmly belongs to the former category.

The album’s greatest strength lies in its own family tree. The project brings together no fewer than six musicians who breathed the air of Rainbow across different eras: the classic bass pulse of Bob Daisley (Long Live Rock 'n' Roll); the powerhouse vocals and charisma of Graham Bonnet (Down to Earth); the sophisticated musicianship of keyboard virtuoso Don Airey; the melodic refinement of Joe Lynn Turner, the architect of Rainbow’s AOR-driven 1980s period; the hard-hitting grit of Doogie White (Stranger in Us All); and the contemporary urgency of Ronnie Romero, the singer who fronted the band's recent reunion performances. As a touch of class and authenticity, the presence of Candice Night—who, beyond being Blackmore’s wife, contributed backing vocals to several key moments in Rainbow’s history—adds further legitimacy to the project.

However, it is when examining the supporting cast that the true scale of the undertaking becomes apparent. The album features musicians associated with some of the most influential bands in rock and metal history, including Rainbow, Deep Purple, Black Sabbath, Dio, Whitesnake, Journey, Megadeth, Judas Priest, Def Leppard, AC/DC, Dream Theater, Blue Öyster Cult, and Uriah Heep. In lesser hands, a gathering of this magnitude could easily descend into an exercise in collective self-indulgence. Here, however, the guests seem to understand that the songs themselves must remain the focal point.

One of Ride The Rainbow’s greatest virtues is its scope. Rather than focusing exclusively on the celebrated Ronnie James Dio era, the album explores virtually every classic incarnation of Rainbow, covering everything from the band's early epic and neo-classical years to the more melodic and AOR-oriented Joe Lynn Turner period. The result is a remarkably faithful portrait of a band whose musical evolution is often unfairly reduced to its heavier years alone.

The opening sequence immediately establishes the quality of the tribute. "Long Live Rock 'n' Roll," featuring Bob Daisley, Graham Bonnet, Ron "Bumblefoot" Thal, Carmine Appice, and Don Airey, launches the album with both energy and reverence. It is followed by "Man on the Silver Mountain" and "Stargazer," forming a triumphant trilogy of absolute classics that reaffirms why Rainbow’s catalogue remains essential listening for generations of musicians and fans alike.

The album’s success, however, is not solely rooted in its song selection. The production achieves the difficult balance of modernizing the material while preserving its original identity. These performances avoid the trap of reproducing every note of the classic arrangements, yet they also resist the temptation to radically reinvent songs that were already close to definitive. The result is a collection of interpretations that honor the spirit of the originals while allowing the individual personalities of the performers to shine through.

Among the highlights of the album’s central section are Mike Tramp’s elegant take on "Rainbow Eyes," Graham Bonnet’s powerful rendition of "Since You Been Gone," the ever-explosive "Kill the King," and an inspired version of "The Temple of the King" that successfully retains all the mystical atmosphere of the original recording.

The final stretch shifts the spotlight toward Rainbow’s more melodic and radio-friendly years. Tracks such as "Jealous Lover," "I Surrender," "Street of Dreams," and "Stone Cold" serve as reminders that Blackmore was also responsible for some of the finest melodic hard rock songs of the 1980s. The album closes with a delicate acoustic version of "I Surrender" performed by Marcus Nand and Candice Night, providing an elegant and surprisingly emotional farewell.

With such an extensive roster of talent, singling out individual performances almost feels unfair. The true star of the album is Rainbow’s catalogue itself. Every participant contributes to reinforcing the timeless power of these compositions and the enduring influence Ritchie Blackmore continues to exert over multiple generations of musicians.

More than a simple tribute album, Ride The Rainbow serves as a celebration of the historical importance of a band whose significance is often underestimated when compared to the giants that surrounded it. For longtime fans, it offers an opportunity to revisit beloved classics through fresh perspectives. For younger listeners, it provides an ideal gateway into one of the most influential catalogues in the history of hard rock and heavy metal.

Ride The Rainbow succeeds precisely where many tribute albums fail: it places the songs above the egos, respects the legacy without becoming enslaved by it, and delivers performances inspired enough to justify its existence. A fitting tribute to one of the most important bands ever to bear the name of Ritchie Blackmore.

This tribute is essential listening not only for Rainbow fans and admirers of the musicians involved, but also for anyone interested in discovering the band, exploring Ritchie Blackmore’s legacy, and understanding the significance of the artists who contribute to this remarkable project. To make things easier, below is a brief guide to the participants featured on the album:

Musician                                      Band

Andrew Freeman                       Last in Line

Angel                                       1970s hard rock band produced by                                                                  Gene Simmons

Bob Daisley                               Rainbow, Ozzy Osbourne Band,                                                                      Gary Moore Band, Uriah Heep

Candice Night                               Blackmore's Night

Carmine Appice                       Vanilla Fudge, Cactus, Blue Murder, Rod Stewart

Chris Adler                               Lamb of God, Megadeth

Chris Poland                               Megadeth, OHM

David Ellefson                               Megadeth

Derek Sherinian                       Dream Theater, Sons of Apollo,                                                                      Black Country Communion

Don Airey                               Deep Purple, Rainbow, Ozzy Osbourne,                                                        Whitesnake

Doogie White                               Rainbow, Michael Schenker Fest,                                                                    Alcatrazz

Doug Aldrich                               Whitesnake, Dio, The Dead Daisies,                                                              Burning Rain

Eric Gales                               One of the most respected blues-rock                                                            guitarists of today

Fred Aching                               Electric Revolution

George Lynch                               Dokken, Lynch Mob

Graham Bonnet                       Rainbow, Alcatrazz,                                                                                          Michael Schenker Group

Joe Bouchard                               Blue Öyster Cult

Joe Lynn Turner                       Rainbow, Deep Purple,                                                                                    Yngwie Malmsteen

Joel Hoekstra                               Whitesnake, Night Ranger,                                                                              Trans-Siberian Orchestra

Jonathan Cain                               Journey, The Babys

Jürgen Engler                               Die Krupps

Kevin James Morse               The Morse Code project and work with                                                            Steve Morse

Marc Lopes                               Metal Church, Ross The Boss

Marcus Nand                               Zodiac Mindwarp

Marty Friedman                       Megadeth, Cacophony, solo career

Mick Box                                       Uriah Heep

Mike Tramp                               White Lion, Freak of Nature

Paul Shortino                               Quiet Riot, Rough Cutt

Phil Soussan                               Ozzy Osbourne, Billy Idol

Rick Wakeman                       Yes

Ron 'Bumblefoot' Thal               Guns N' Roses, Sons of Apollo

Ronnie Romero                       Rainbow, Lords of Black, Sunstorm,                                                                Michael Schenker Group

Sebastian Bach                       Skid Row

Simon Wright                               AC/DC, Dio

Steve Morse                               Deep Purple, Dixie Dregs, Kansas

Tim 'Ripper' Owens                       Judas Priest, Iced Earth, KK's Priest

Vinnie Moore                               UFO, carreira solo

Vinny Appice                               Black Sabbath, Dio, Heaven & Hell

Vivian Campbell                       Def Leppard, Dio, Whitesnake

Phantom Star: Heavy Metal Clássico, Cósmico e Cinematográfico

 

Por: Caco Garcia 

Quando ouvimos um álbum de um artista, há muito mais envolvido além das emoções que a música nos causa, pois ali está o resultado de muita dedicação, inspiração, horas compondo, se aperfeiçoando, lapidando cada música, e não há como sabermos 100% tudo o que esse resultado final representa para o artista, só ele realmente sabe.

Mas uma coisa eu tenho certeza, todos os corações e mentes envolvidos no Phantom Star estão orgulhosos deste debut. 

Desde a parte visual, tanto no palco como no material promocional, nas artes de singles e do álbum, com vapa pintada a mão pelo artista Giovanne Bernardino, nota-se todo o cuidado e profissionalismo da banda, que somados ao talento, feeling e coração, não tem erro.

O Phantom Star buscou inspiração em nomes que transportam o ouvinte para atmosferas épicas e teatrais, e podemos citar Virgin Steele, King Diamond/Mercyful Fate, Crimson Glory, Savatage, Queensryche e Grave Digger, e forjou uma sonoridade com personalidade, nos conduzindo por narrativas inspiradas em histórias de ficção e temas épicos e fantásticos, envoltas em peso, melodia e climas atmosféricos e cinematográficos.

Após três singles que foram apresentando um pouco da identidade desta banda curitibana, formada em 2024 por músicos experientes da cena Metal, dia 20 de julho o full-lenght de estreia finalmente estará disponível nas plataformas e em versão física pela Classic Metal Records.

O debut auto intitulado abre com "Witch Hunt", o single mais recente, e já apresenta as características do Phantom Star, com uma narrativa épica que trata sobre a inquisição, iniciando com um teclado que já anuncia esse clima épico e sombrio. 

É Heavy Metal vigoroso, de cozinha pulsante, melodias e riffs marcantes da dupla de guitarras, sempre amparadas pelas linhas dramáticas do teclado.

Os vocais são carregados de teatralidade, e explodem em um refrão com coros retumbantes (naquele estilo que o Accept consolidou), e os solos encaixam perfeitos, com melodia e toques dramáticos.

"Edge of the Knife" inicia com riffs marcantes, com seu andamento mais frenético, traz um clima intenso, de instrumental intrincado e melodioso, imprimindo aquele clima de filme de terror e suspense. Os vocais trazem dramaticidade no estilo do mestre King. A sequência, com "I Am the Storm", traz um clima épico, com peso e melodia, linhas de teclado que trazem profundidade. 

E a esta altura já estamos envoltos no Heavy Metal "cósmico", épico r cinematográfico do Phantom Star, e percebemos a valorização do trabalho instrumental, com guitarras, que novamente trazem um trabalho magistral, com riffs marcantes, solos que valorizam a melodia e a atmosfera da música. 

Os vocais, sempre buscando interpretar cada história. Os refrãos são fortes e memoráveis, e a cozinha imprime peso e técnica em doses precisas.

O breve interlúdio instrumental "Time" dá a introdução para a balada épica e de nuances progressivas "Chalice of Lies", naquele estilo que vai crescendo no refrão, destacando novamente o trabalho das guitarras, que é um elemento importantíssimo no Heavy Metal, e nota-se o cuidado e criatividade que a banda teve em melodias, riffs e solos da dupla de guitarras, mas claro, o instrumental como um todo está muito bem trabalhado.

Logo em seguida temos "Orpheus Quest", que inicia com um solo melodioso e tradicionais riff galopantes, tendo várias mudanças de tempo e atmosferas.  Matheus aqui se utiliza de vocais mais agressivos e graves, assim como em "Witch Hunt", que por vezes me lembram Chris Botehdal, O instrumental é intrincado, onde os teclados se destacam e reforçam a textura épica e progressiva da canção.

O álbum parece que só cresce a cada faixa, e "Touch of Course" surge como uma tempestade de riffs e melodias, trazendo peso e apuro técnico no instrumental, com várias mudanças de andamento. Matheus novamente mostrando várias nuances vocais, com suas interpretações que dão aquele ar teatral.

Incrível como se pode notar as inspirações que a banda cita, mas eles conseguiram juntar tudo isso e imprimir a sua personalidade, e na faixa "Phantom Star", que fecha o álbum, é provavelmente a tradução perfeita da sonoridade da banda, com seu Metal Cósmico, cinematográfico e Progressivo.

Carregada de peso, melodias marcantes e atmosferas densas, ela tem diversas mudanças de climas, partindo de trechos velozes e mais pesados a nuances mais "viajantes" e progressivas. Matheus mescla novamente linhas agressivas, limpas e melódicas. O refrão é épico e marcante.  Música para colocar no repeat!

Satisfatório ouvir  trabalhos excelentes como este, vários lançamentos muito bons este ano no Metal Nacional, e o Phantom Star certamente agradará os fãs de Heavy Metal feito com classe, músicas marcantes, atmosferas cativantes e cinematográficas. 

E se você se identificou com as inspirações do sexteto citadas no início desta matéria, assim como eu você vai amar este álbum.

******* ENGLISH VERSION BELOW****

Phantom Star: Classic, Cosmic, and Cinematic Heavy Metal

When we listen to an artist's album, there's much more to it than just the emotions the music evokes. It's the result of immense dedication, inspiration, hours spent composing, perfecting, and polishing each song. We can't know 100% what that final result represents to the artist; only they truly know.

But one thing I'm sure of is that all the hearts and minds involved in Phantom Star are proud of this debut. From the visual aspect, both on stage and in the promotional material, in the artwork for the singles and the album, with hand-painted vases by the artist Giovanne Bernardino, you can see all the care and professionalism of the band, which, combined with talent, feeling, and heart, is a sure thing.

Phantom Star found inspiration from names that transported the listener to epic and theatrical atmospheres, such as Virgin Steele, King Diamond/Mercyful Fate, Savatage, Queensryche, and Grave Digger, forging a sound with personality, leading us through narratives inspired by fictional stories and epic and fantastical themes, enveloped in heaviness, melody, and atmospheric and cinematic moods.

After three singles that showcased a bit of the identity of this Curitiba-based band, formed in 2024 by experienced musicians from the Metal scene, their debut full-length album will finally be available on streaming platforms and in physical format via Classic Metal Records on July 20th.

The self-titled debut opens with "Witch Hunt," the most recent single, and already presents Phantom Star's characteristics, with an epic narrative about the Inquisition, beginning with a keyboard that immediately announces this epic and dark atmosphere.

It's vigorous Heavy Metal, with a pulsating rhythm section, memorable melodies and riffs from the guitar duo, always supported by dramatic keyboard lines.

The vocals are full of theatricality, exploding into a chorus with resounding choruses (in the style that Accept consolidated), and the solos fit perfectly, with melody and dramatic touches.

"Edge of the Knife" begins with striking riffs, its more frenetic tempo creates an intense atmosphere, with intricate and melodic instrumentation, imprinting that horror and suspense film feel. The vocals bring drama in the style of the master King. The sequence, with "I Am the Storm", brings an epic atmosphere, with weight and melody, keyboard lines that bring depth.

And by this point we're already immersed in the "cosmic," epic, and cinematic Heavy Metal of Phantom Star, and we perceive the emphasis on instrumental work, with guitars that once again deliver masterful performances, featuring memorable riffs and solos that enhance the melody and atmosphere of the music. The vocals always strive to interpret each story. The choruses are strong and memorable, and the rhythm section delivers weight and technique in precise doses.

The brief instrumental interlude "Time" introduces the epic and progressive ballad "Chalice of Lies," a style that builds in the chorus, again highlighting the guitar work, a crucial element in Heavy Metal. The care and creativity the band put into the melodies, riffs, and solos of the guitar duo is noticeable, but of course, the instrumental work as a whole is very well crafted.

Immediately following is "Orpheus Quest," which begins with a melodious solo and traditional galloping riffs, featuring several tempo changes and atmospheres. Matheus uses more aggressive and deep vocals here, as in "Witch Hunt," which sometimes reminds me of Chris Botehdal. The instrumental is intricate, where the keyboards stand out and reinforce the epic and progressive texture of the song.

The album seems to grow with each track, and "Touch of Course" emerges as a storm of riffs and melodies, bringing weight and technical refinement to the instrumental, with several tempo changes. Matheus again shows various vocal nuances, with his interpretations that give it that theatrical air.

It's incredible how you can notice the inspirations the band cites, but they manage to bring it all together and imprint their personality, and the track "Phantom Star," which closes the album, is probably the perfect translation of the band's sound, with their Cosmic, cinematic and Progressive Metal.

Loaded with weight, striking melodies, and dense atmospheres, it has several mood changes, ranging from fast and heavier sections to more "trippy" and progressive nuances. Matheus once again blends aggressive, clean, and melodic lines. The chorus is epic and memorable. A song to put on repeat!

It's satisfying to hear excellent work like this, with many great releases this year in Brazilian Metal, and Phantom Star will certainly please fans of classy Heavy Metal, memorable songs, captivating and cinematic atmospheres.

And if you're committed to the inspirations mentioned at the beginning of this article, just like me, you'll love this album.

Tracklist:
Witch Hunt
Edge of the Knife
I Am the Storm
Time
Chalice of Lies
Orpheus Quest
Touch of a Curse
Phantom Star

Phantom Star Instagram 

Spotify 

Poeticus Severus, Shadow Moon e Lalssu unem forças em um dos lançamentos mais singulares do underground nacional

Por: Renato Sanson

O underground brasileiro segue provando sua vitalidade e criatividade através de lançamentos que fogem do convencional. É exatamente esse o caso deste split que reúne três nomes distintos da cena extrema nacional: Poeticus Severus, Shadow Moon e Lalssu. Mais do que uma simples compilação, o trabalho apresenta uma proposta diferenciada, onde cada banda contribui com um EP para este lançamento, transformando-o em uma verdadeira celebração da diversidade do Black Metal.

Abrindo a jornada, a Poeticus Severus apresenta "Severos Sigilos da Guerra" (25), um trabalho que evidencia sua característica mais marcante: a grandiosidade épica. As composições carregam uma atmosfera solene e imersiva, transportando o ouvinte para cenários de batalhas ancestrais e narrativas repletas de simbolismo. O projeto demonstra maturidade na construção de ambientes e reforça a identidade única de César Severus dentro do cenário nacional.

Na sequência, a Shadow Moon conduz o ouvinte por "Journey Through the Valley of Shadows" (25), mergulhando profundamente nas influências da segunda onda do Black Metal. A sonoridade fria, melancólica e cortante remete diretamente às paisagens geladas da Noruega, entregando passagens sombrias e uma atmosfera obscura que certamente agradará aos apreciadores da escola mais tradicional do gênero.

Encerrando o lançamento, Lalssu apresenta "To Telos" (25), trazendo uma abordagem inspirada na lendária cena grega de metal extremo. As composições equilibram agressividade e musicalidade, explorando melodias marcantes e uma identidade própria que dialoga com nomes clássicos do Black Metal helênico, sem perder sua personalidade.

Outro aspecto que torna este lançamento ainda mais especial é sua apresentação visual. Todo o trabalho artístico foi concebido manualmente pelo multi-instrumentista César Severus que cuidou dos manuscritos e por Cecília Katrini que realizou todas as ilustrações do lançamento. Cada detalhe recebeu atenção artesanal, conferindo ao split um caráter verdadeiramente único em tempos de produções cada vez mais digitais. O resultado é uma obra que transcende o aspecto musical e se transforma em uma experiência artística completa.

Mais do que reunir três bandas, este lançamento evidencia a força, a criatividade e a capacidade de inovação do Black Metal brasileiro. Poeticus Severus, Shadow Moon e Lalssu entregam uma obra diferenciada, rica em identidade e paixão pelo metal extremo.

Um lançamento obrigatório para colecionadores, apreciadores do underground e todos aqueles que buscam descobrir o que há de mais autêntico e inspirado no Black Metal nacional contemporâneo.

Cobertura de Show: Angra – 29/04/2026 – Espaço Unimed/SP

No dia 29 de abril aconteceu o segundo show da turnê Angra Réunion, uma data que ficará marcada na memória dos fãs. Depois de uma bela apresentação no Bangers Open Air, que ainda contou com a participação do vocalista Fabio Lione, desta vez a banda se apresentou na icônica casa Espaço Unimed, já sem Lione e agora comandada nos vocais por Alirio Netto.

O show começou exatamente no horário programado, às 21h, e os telões exibiram fotos e momentos de todas as fases do Angra. Foi um belo começo para o espetáculo que estava por vir. Rafael Bittencourt subiu ao palco levando o público à euforia e iniciando a apresentação com "Nothing to Say". Logo atrás dele, o restante da banda – que além do Rafael e do Alirio, conta com Felipe Andreoli (baixo), Marcelo Barbosa (guitarra) e Bruno Valverde (bateria) – tomou seus lugares, e então o novo vocalista assumiu seu posto.

Apesar de um pequeno problema com o microfone de Alirio nos primeiros segundos do show, ele, com toda sua experiência, não se abalou e seguiu firme em sua ótima apresentação. Com muita energia, puxando a galera para cima e mostrando o porquê de ser o novo frontman do Angra.

O show seguiu com "Angels Cry", sem deixar a empolgação do público cair por um minuto sequer. A banda, como sempre, mostrou todo seu talento e a postura de uma das mais importantes do metal nacional e mundial. Em "Tides of Change", Felipe Andreoli mostrou seu talento executando o solo de baixo no final da passarela, bem próximo dos fãs. Logo depois vieram a belíssima "Lisbon" e a mais recente "Vida Seca", única música cantada em português, mesmo que em poucos minutos, no repertório da banda.

Na sequência, uma das músicas mais esperadas da noite: "Wuthering Heights". Aqui, Alirio mostrou toda sua potência vocal e provou que também consegue alcançar notas tão altas quanto ao do saudoso maestro Andre Matos. Com certeza, o público ficou muito satisfeito e feliz com sua performance.

Logo depois, tivemos Bruno Valverde demonstrando todo seu talento em um grande solo de bateria, já deixando um gostinho de quero mais, pois mais tarde teríamos Aquiles "Polvo" Priester se juntando a ele no palco. E foi exatamente o que aconteceu em seguida: a tão querida formação com Rafael Bittencourt, Felippe Andreoli, Aquiles Priester, Edu Falaschi e Kiko Loureiro finalmente subiu ao palco. O público foi à loucura de vez. O que parecia que nunca mais aconteceria estava ali, bem à frente de todos.

Talvez esta tenha sido uma das últimas oportunidades de ouvir o álbum "Rebirth" executado na íntegra ao vivo. E logo de cara veio "Nova Era", com Aquiles simplesmente destruindo tudo atrás dos tambores. Toda aquela magia e carisma de 20 anos atrás estavam de volta ao palco e pareciam ainda melhores. Kiko Loureiro entregou uma de suas maiores performances junto ao Angra. Não parou um minuto sequer, demonstrando energia e enorme vontade durante toda a apresentação.

Pouco tempo depois, Edu Falaschi dirigiu algumas palavras ao público sobre estar ali novamente, sobre o quanto aquele momento era emocionante para eles e sobre a importância de os fãs poderem presenciar aquela formação reunida. Ele perguntou quantos ali já haviam visto aquela formação ao vivo, e a resposta da maioria foi negativa, o que tornou a noite ainda mais especial.

Após "Heroes of Sand", Rafael falou sobre o renascimento do Angra e sobre o sonho que era conseguir reunir todos eles no palco. E não poderia haver música mais apropriada para aquele momento do que "Rebirth", levando todos os presentes à emoção.

Em seguida, tivemos um solo de bateria do monstro Aquiles Priester em sua bateria gigantesca de três bumbos. Então foi a vez de Edu Falaschi comentar como acha incrível que uma música do Angra tenha ultrapassado as barreiras do metal e se espalhado pelo Brasil em outros ritmos. Na mesma hora, a galera entendeu a referência e começou a gritar "Calcinha Preta", grupo de forró que fez uma versão de "Bleeding Heart" e que inclusive contou com a participação do próprio Edu em algumas apresentações. É claro que ele não deixou faltar um trechinho da música em português.

Depois de "Spread Your Fire", a banda agradeceu ao público e somente Rafael permaneceu no palco. Ele tocou "Reaching Horizons" no violão, que apresentou alguns problemas técnicos. Primeiro parecia desafinado, depois surgiram chiados e, por fim, o som chegou a parar. Mas Rafael, com toda sua experiência e elegância, conduziu o momento com tranquilidade e conseguiu executar sua bela música.

Na sequência vieram "Silence and Distance", com uma linda homenagem a Andre Matos. A introdução contou com um vídeo do saudoso músico tocando teclado e cantando. Logo depois, a banda assumiu a música ao vivo, desta vez com Edu e Alirio dividindo os vocais. Foi realmente emocionante para todos que estavam presentes.

Em seguida, rolou "Late Redemption" e, para encerrar, nada melhor do que "Carry On", com a presença de todos os músicos no palco. Um fechamento digno para a noite histórica que presenciamos. Após o encerramento, os músicos permaneceram no palco para agradecer aos fãs. E assim se encerrou essa noite mágica para os fãs do Angra e do metal nacional.

Texto: Wagner Guiladucci

Fotos: Amanda Vasconcelos

Edição/Revisão: Gabriel Arruda 

Realização: Bangers Open Air / Honorsounds 

Press: Agência Taga 

Angra – setlist:

Nothing to Say

Angels Cry

Tide of Changes - Part I e II

Lisbon

Vida seca

Wuthering Heights

Carolina IV

Make Believe

Waiting Silenc

In Excelsis/Nova Era

Millennium Sun

Acid Rain

Heroes of Sand

Unholy Wars

Rebirth

Judgement Day

Running Alone

Bleeding Heart

Ego Painted Grey

Spread Your Fire

Reaching Horizons

Silence and Distance

Late Redemption

Carry On

Bolan: Rebeldia e Raízes (Also In English)

earMusic (Imp.)

Rachel Bolan retorna às raízes em Gargoyle of the Garden State

Por Michelle F. Santana 

Após quatro décadas dedicadas ao rock, Rachel Bolan dispensa apresentações. Como baixista e fundador do Skid Row, ajudou a escrever capítulos importantes do hard rock norte-americano, mas nem todas as suas ideias encontraram espaço dentro da sonoridade da banda. Ao longo dos anos, riffs, melodias e composições foram ficando pelo caminho até encontrarem o momento certo para ganhar vida. Esse momento chega agora com Gargoyle of the Garden State, sua estreia solo.

Livre das amarras naturais de uma banda consolidada, Bolan aproveita o projeto para explorar caminhos próprios e dar vazão a influências que sempre fizeram parte de sua formação musical. Existe algo muito punk nessa proposta: fazer música sem a preocupação de seguir fórmulas, tendências ou expectativas externas. O resultado é um disco que soa espontâneo, autêntico e, acima de tudo, divertido.

O título também revela muito sobre o caráter pessoal do álbum. "Garden State" é o apelido oficial de Nova Jersey, estado onde Bolan nasceu e para o qual decidiu retornar ao lado da esposa após cerca de 25 anos vivendo longe. O disco carrega esse sentimento de reencontro com o lugar de onde veio. Já as gárgulas presentes no título fazem referência a uma antiga fascinação do músico por essas figuras, frequentemente associadas à proteção e ao misticismo. Juntos, esses elementos ajudam a construir um álbum profundamente conectado às origens de Bolan.

Produzido por Nick Raskulinecz em parceria com o próprio Bolan, o trabalho encontra equilíbrio entre o hard rock que marcou sua carreira e uma forte inclinação para o punk rock. Essa combinação aparece durante todo o álbum, adicionando velocidade, atitude e uma energia quase juvenil às canções. É o tipo de disco que não perde tempo com excessos: vai direto ao ponto e mantém o pé no acelerador do início ao fim.

A presença de músicos ligados à trajetória de Bolan reforça ainda mais esse clima de reunião entre amigos. Os companheiros de Skid Row, Dave "Snake" Sabo, Scotti Hill e Rob Hammersmith, aparecem ao longo do álbum, enquanto convidados como Danko Jones, Steve Conte (New York Dolls) e Damon Johnson (Lynyrd Skynyrd) ajudam a ampliar ainda mais a paleta sonora do projeto.

Entre os momentos mais marcantes está "Anything but You", que mostra como Bolan continua sabendo construir refrões memoráveis sem abrir mão do peso. Já "Jet Black Universe" ganha força extra com a participação de Nuno Bettencourt (Extreme), cuja guitarra acrescenta técnica, personalidade e um brilho especial à faixa.

Por outro lado, "Big Stick" representa o lado mais irreverente e agressivo do álbum. Com a participação de Corey Taylor (Slipknot), a música mergulha de cabeça na estética punk, carregada de atitude, sujeira e energia. É uma das faixas que melhor traduzem o espírito livre que move todo o projeto.

A escolha de regravar "Rock and Roll Star", do Oasis, também faz sentido dentro dessa proposta. Em vez de reproduzir fielmente o clássico britânico, Bolan o conduz para seu próprio território, fazendo com que a canção se encaixe naturalmente no contexto do álbum.

Quando "Walk Away" encerra a experiência, fica a sensação de que Gargoyle of the Garden State cumpriu exatamente aquilo que se propôs a fazer. Não há pretensão de reinventar o rock nem de apresentar algo revolucionário. O objetivo aqui é outro: celebrar a liberdade criativa, as amizades construídas ao longo da estrada e a paixão pela música.

Misturando hard rock, punk rock e uma saudável dose de rebeldia, Rachel Bolan entrega um trabalho carregado de personalidade. É um disco feito por alguém que conhece profundamente suas raízes e que, mesmo depois de tantos anos de carreira, ainda demonstra o mesmo entusiasmo de quem começou ontem, bastando ligar os amplificadores e deixar o rock and roll falar por si.

***ENGLISH VERSION***

Rachel Bolan Returns to His Roots on Gargoyle of the Garden State

After four decades devoted to rock music, Rachel Bolan hardly needs an introduction. As the bassist and founding member of Skid Row, he helped write some of the most memorable chapters in American hard rock. Yet not every idea he developed over the years fit within the band's musical identity. Riffs, melodies, and songs were often left waiting for the right moment to come to life. That moment has finally arrived with Gargoyle of the Garden State, his solo debut.

Free from the natural constraints of an established band, Bolan uses this project to explore his own creative path and embrace influences that have always been part of his musical DNA. There's something inherently punk about the entire concept: making music without worrying about formulas, trends, or outside expectations. The result is an album that feels spontaneous, authentic, and, above all, fun.

The album's title also reveals much about its personal nature. "Garden State" is the official nickname of New Jersey, where Bolan was born and where he recently returned with his wife after spending roughly 25 years away. The record carries that sense of reconnecting with the place he calls home. The gargoyles referenced in the title stem from Bolan's longtime fascination with these figures, often associated with protection and mysticism. Together, these elements help shape an album that is deeply connected to his roots.

Produced by Nick Raskulinecz alongside Bolan himself, the album strikes a balance between the hard rock that defined much of his career and a strong punk rock influence. That blend runs throughout the record, injecting the songs with speed, attitude, and a youthful energy. It's the kind of album that wastes no time on unnecessary excess—it gets straight to the point and keeps its foot firmly on the gas from beginning to end.

The presence of musicians closely tied to Bolan's career further reinforces the feeling of a gathering among old friends. Fellow Skid Row members Dave "Snake" Sabo, Scotti Hill, and Rob Hammersmith all make appearances, while guests such as Danko Jones, Steve Conte (New York Dolls), and Damon Johnson (Lynyrd Skynyrd) help broaden the album's sonic palette.

Among the standout moments is "Anything but You," which demonstrates Bolan's continued ability to craft memorable hooks without sacrificing heaviness. "Jet Black Universe" receives an additional boost from the appearance of Nuno Bettencourt (Extreme), whose guitar work adds both technical flair and personality to one of the album's most compelling tracks.

Meanwhile, "Big Stick" showcases the record's most aggressive and irreverent side. Featuring Corey Taylor (Slipknot), the song dives headfirst into punk territory, fueled by attitude, grit, and raw energy. It stands as one of the tracks that best captures the free-spirited nature driving the entire project.

The decision to cover Oasis' "Rock and Roll Star" also fits naturally within the album's overall vision. Rather than simply recreating the British classic, Bolan makes it his own, seamlessly integrating it into the record's musical landscape.

By the time "Walk Away" brings the album to a close, there's a strong sense that Gargoyle of the Garden State accomplishes exactly what it set out to do. It doesn't aim to reinvent rock music or break new ground. Instead, it celebrates creative freedom, friendships forged over decades on the road, and a genuine love for making music.

Blending hard rock, punk rock, and a healthy dose of rebellion, Rachel Bolan delivers an album full of personality. It's the work of an artist who remains deeply connected to his roots and who, after all these years, still approaches music with the enthusiasm of someone just getting started—simply plugging in, turning up the volume, and letting rock and roll speak for itself.

Divulgação 

Bloodhunter: Melodeath em Estado Máximo (Also In English)

ROAR (Imp.)

Bloodhunter une peso e maturidade em Sons of the Abandoned

Por Michelle F. Santana 

O Bloodhunter, banda espanhola de death metal melódico formada em 2008, chega ao seu quarto álbum de estúdio, Sons of the Abandoned, sucessor de Knowledge Was the Price (2022). Embora mantenha a identidade sonora consolidada no trabalho anterior, o novo disco surge mais agressivo, energético e dinâmico, evidenciando um amadurecimento notável na composição e na execução da banda. 

As temáticas também evoluem, afastando-se parcialmente dos elementos mitológicos que marcaram trabalhos anteriores para explorar questões mais psicológicas, abordando vulnerabilidades humanas, conflitos internos e dilemas existenciais de maneira mais profunda e introspectiva.

Musicalmente, o álbum apresenta menos espaço para solos extensos quando comparado aos dois primeiros trabalhos do grupo, priorizando a construção de atmosferas, riffs marcantes e uma dinâmica mais fluida entre agressividade e melodia.

A abertura com "The Devil's Own" deixa claro, desde os primeiros segundos, qual é a proposta do álbum. A faixa é explosiva, intensa e demonstra imediatamente a maturidade alcançada pela banda. Os riffs de Dani Arcos são agressivos, trabalhados e memoráveis, enquanto Diva Satánica entrega uma das performances vocais mais técnicas e brutais de sua carreira. 

A bateria de Adrián Perales é rápida e pesada, impulsionando a música com precisão e reforçando a agressividade das guitarras, evidenciando a forte influência do death metal melódico sueco presente em toda a composição.

Em "Threshold of Hell", o Bloodhunter conta com a participação especial de Fernando Ribeiro, vocalista do Moonspell. A música aborda temas como depressão e luta interna — conflitos inerentes à condição humana —, trazendo riffs mais cadenciados e melódicos. A voz grave, sombria e soturna de Fernando cria um contraste fascinante com os guturais rasgados de Diva Satánica. 

A faixa finaliza com uma sirene como recurso sonoro, ampliando a sensação de angústia e desespero transmitida pela composição, resultando em uma das músicas mais interessantes e atmosféricas do álbum.

A faixa-título, "Sons of the Abandoned", sintetiza grande parte da proposta do disco. Mantendo a forte influência da escola sueca de death metal melódico, a música acrescenta uma energia contagiante e um senso de grandiosidade. 

O refrão é explosivo e triunfante, sustentado por linhas melódicas marcantes que fazem da faixa uma forte candidata a se tornar um dos pontos altos das apresentações ao vivo da banda. O solo é envolvente e reforça o caráter épico da composição, remetendo aos grandes encerramentos de show.

Já "The Path That Never Ends" conta com a participação de Laura Guldemond e se destaca como uma das composições mais dinâmicas do disco. Embora comece de forma agressiva, a música transita com naturalidade entre o death metal melódico e elementos progressivos. 

A interpretação de Diva Satánica é impecável, mas é a combinação entre seus vocais extremos e a voz limpa, poderosa e melódica de Laura que eleva a faixa a outro nível, criando momentos verdadeiramente hipnóticos.

O encerramento fica por conta de "Human Insecticide", cover da clássica música do Annihilator. Aqui, a influência do thrash metal é evidente, mas o Bloodhunter consegue incorporar sua identidade melodeath sem descaracterizar a essência da composição original. 

O resultado é uma releitura pesada, intensa e extremamente eficiente, impulsionada por vocais mais agressivos e carregados de revolta, exatamente como a música exige.

Ao revisitar a trajetória da banda, torna-se evidente o crescimento gradual do Bloodhunter em todos os aspectos musicais. Sons of the Abandoned marca um novo patamar nessa evolução, reunindo peso, técnica, precisão e composições cada vez mais maduras. É um álbum envolvente do início ao fim, que revela novas nuances a cada audição e confirma o Bloodhunter como uma banda cada vez mais segura de sua identidade artística e de seu potencial criativo.

***ENGLISH VERSION***

Bloodhunter Reaches a New Level of Maturity with Sons of the Abandoned

Bloodhunter, the Spanish melodic death metal band formed in 2008, returns with its fourth studio album, Sons of the Abandoned, the successor to Knowledge Was the Price (2022). While retaining the sonic identity established on its predecessor, the new record emerges as a more aggressive, energetic, and dynamic effort, showcasing a remarkable evolution in both songwriting and performance. 

The lyrical themes have also matured, moving partially away from the mythological elements that characterized previous releases to explore more psychological territory, addressing human vulnerabilities, inner conflicts, and existential dilemmas in a deeper and more introspective manner.

Musically, the album places less emphasis on extended guitar solos compared to the band's first two records, favoring atmosphere-building, memorable riffs, and a more fluid balance between aggression and melody.

Opening track "The Devil's Own" makes the album's intentions clear from the very first seconds. Explosive and intense, the song immediately demonstrates the band's growth and maturity. Dani Arcos delivers aggressive, carefully crafted, and memorable riffs, while Diva Satánica turns in one of the most technical and brutal vocal performances of her career. Adrián Perales' drumming is fast and powerful, driving the song forward with precision and reinforcing the aggression of the guitars, while highlighting the strong influence of Swedish melodic death metal throughout the composition.

On "Threshold of Hell", Bloodhunter is joined by special guest Fernando Ribeiro, vocalist of Moonspell. The song tackles themes such as depression and internal struggle—conflicts inherent to the human condition—through more restrained and melodic riffing. Fernando's deep, dark, and somber voice creates a fascinating contrast with Diva Satánica's harsh growls. The track concludes with a siren effect that amplifies the sense of anguish and despair conveyed by the composition, resulting in one of the album's most compelling and atmospheric moments.

The title track, "Sons of the Abandoned", encapsulates much of the album's overall vision. Maintaining a strong influence from the Swedish melodic death metal school, the song adds an infectious energy and a sense of grandeur. Its explosive and triumphant chorus is supported by memorable melodic lines that make it a strong contender to become a live favorite. The guitar solo is captivating and reinforces the song's epic character, evoking the feeling of a grand concert finale.

Meanwhile, "The Path That Never Ends" features guest vocals from Laura Guldemond and stands out as one of the album's most dynamic compositions. Although it begins with pure aggression, the track naturally shifts between melodic death metal and progressive elements. Diva Satánica's performance is flawless, but it is the combination of her extreme vocals with Laura's powerful and melodic clean singing that elevates the song to another level, creating truly hypnotic moments.

The album closes with "Human Insecticide", a cover of the classic Annihilator track. Thrash metal influences are unmistakable here, yet Bloodhunter successfully injects its melodic death metal identity without compromising the essence of the original composition. The result is a heavy, intense, and highly effective reinterpretation, driven by more aggressive vocals that perfectly capture the anger and rebellion the song demands.

Looking back at the band's trajectory, Bloodhunter's gradual growth becomes evident in every aspect of its musicianship. Sons of the Abandoned marks a new milestone in that evolution, bringing together heaviness, technique, precision, and increasingly mature songwriting. It is an engaging album from beginning to end, one that reveals new layers with each listen and confirms Bloodhunter as a band growing ever more confident in its artistic identity and creative potential.

Beatriz Mariano