Kindred North: Hard Rock Melódico em Alta (Also In English)

Pride And Joy Music (Imp.)

Por Flavio Borges 

Formado pelo vocalista e guitarrista sueco Andi Kravljaca (Seventh Wonder, Hydra, Find Me) e pelo multi-instrumentista norueguês Andreas Nergård (Nergard), o Kindred North nasce da união de dois músicos experientes que compartilham uma paixão declarada pelo hard rock melódico. Inspirado pelo refinamento sonoro do final dos anos 1980, o duo evita a simples nostalgia e opta por reinterpretar aquela estética com produção contemporânea, excelente acabamento técnico e composições que equilibram tradição e modernidade. O resultado é um álbum de estreia que demonstra personalidade suficiente para dialogar com os clássicos do gênero sem soar preso ao passado.

A abertura, "A Guiding Heart", sintetiza perfeitamente essa proposta. Entre o AOR e o hard rock melódico, a faixa combina refrão memorável, arranjos refinados e uma produção cristalina. A interpretação segura de Andi Kravljaca conduz a música com naturalidade, enquanto guitarras, teclados e baixo trabalham de forma equilibrada, estabelecendo um padrão de qualidade que o restante do disco faz questão de manter.

Primeiro single, "Natural High" mergulha de cabeça no AOR clássico. Sintetizadores elegantes, guitarras limpas e uma seção rítmica precisa sustentam uma construção que cresce gradativamente até explodir em um refrão contagiante. O solo merece destaque especial pela musicalidade e pelo bom gosto, reforçando o alto nível técnico da dupla.

Apesar do título sugerir uma balada, "If This Is Love" segue direção oposta. Guitarras pesadas e um andamento mais vigoroso aproximam a faixa do hard rock tradicional, enquanto os vocais exploram diferentes nuances de Kravljaca, incluindo registros mais agressivos e harmonizações muito bem trabalhadas. É um dos momentos mais intensos do álbum.

A primeira pausa emocional chega com "Learn To Love Again", uma power ballad construída de forma gradual. Piano, sintetizadores e guitarras limpas criam uma atmosfera intimista antes da entrada da banda completa transformar a música em um refrão grandioso, daqueles que remetem diretamente à fase áurea do gênero sem perder o acabamento moderno.

O clima mais energético retorna em "A Billion Miles Away", que aposta na clássica combinação entre guitarras e teclados, reforçada por linhas vocais que exploram registros mais altos. O refrão mantém o elevado padrão melódico do disco, enquanto a base pesada aproxima a composição do hard rock mais tradicional.

"Walk Through The Fire" figura entre os grandes destaques do trabalho. Os teclados aparecem sempre na medida certa, mas são as harmonias vocais e o excelente trabalho de guitarras que conduzem a faixa. Tudo parece cuidadosamente calculado para servir à música, sem excessos ou demonstrações gratuitas de virtuosismo.

Introduzida por piano e vozes em camadas, "Dance The Night Away" surpreende ao incorporar elementos eletrônicos e novas texturas sem abandonar sua essência. A fusão entre sintetizadores oitentistas, guitarras marcantes e harmonizações vocais cria uma das composições mais sofisticadas do álbum.

Outra balada, "Runaway", começa de maneira contida, sustentada por programação eletrônica, guitarras limpas e belos arranjos de teclado. Aos poucos, cresce até transformar-se em uma faixa épica, impulsionada por um refrão extremamente acessível e uma interessante combinação entre elementos pop dos anos 1980 e o hard rock melódico contemporâneo.

Em "Divine", piano e voz conduzem uma introdução elegante antes que a música ganhe força com guitarras encorpadas e um refrão de forte apelo melódico. As harmonizações vocais e o diálogo constante entre guitarras e teclados remetem a nomes como Europe, Winger e Dokken sem cair na simples imitação.

"Lose Control" adiciona mais peso e groove ao repertório. Kravljaca entrega uma interpretação mais agressiva, enquanto as guitarras assumem protagonismo absoluto. Ainda assim, a identidade melódica permanece intacta, demonstrando a capacidade da dupla em variar a dinâmica do álbum sem comprometer sua coesão.

O encerramento fica por conta de "It's Hard To Say Goodbye", que reúne praticamente todas as virtudes apresentadas ao longo do disco. A base sólida de hard rock, os teclados discretos, as harmonizações vocais e um refrão imediatamente memorável oferecem um desfecho à altura da qualidade apresentada desde a primeira faixa.

Mais do que uma homenagem ao hard rock melódico dos anos 1980, Kindred North mostra como esse estilo ainda pode soar atual quando colocado nas mãos de músicos talentosos e compositores inspirados. Andi Kravljaca e Andreas Nergård evitam a armadilha do saudosismo fácil e entregam um álbum consistente, tecnicamente impecável e repleto de grandes melodias. Talvez falte um momento verdadeiramente surpreendente que o eleve ao patamar dos clássicos absolutos do gênero, mas isso não impede que este seja um dos lançamentos mais sólidos do hard rock melódico em 2026 e um forte candidato a figurar entre os melhores discos do ano.

***ENGLISH VERSION***

Formed by Swedish vocalist and guitarist Andi Kravljaca (Seventh Wonder, Hydra, Find Me) and Norwegian multi-instrumentalist Andreas Nergård (Nergard), Kindred North brings together two seasoned musicians united by a shared passion for melodic hard rock. Rather than simply paying tribute to the golden era of the late '80s, the duo revitalizes its timeless sound with modern production, refined musicianship, and memorable songwriting. The result is a debut album that honors its influences while confidently establishing its own identity.

Opening track "A Guiding Heart" immediately defines the album's direction. Blending AOR with melodic hard rock, it delivers soaring hooks, polished arrangements, and crystal-clear production. Kravljaca's expressive vocal performance leads the way, while guitars, keyboards, and rhythm section interact seamlessly to create an energetic and highly melodic introduction.

The album's first single, "Natural High" embraces classic AOR from the very first notes. Warm synthesizers, clean guitars, and a tight rhythm section gradually build toward an irresistibly catchy chorus. The guitar solo deserves special mention, combining technical precision with genuine melodic flair, further highlighting the duo's exceptional musicianship.

Despite its title, "If This Is Love" is anything but a ballad. Driven by muscular guitar riffs and an energetic pace, the song leans further into hard rock territory while allowing Kravljaca to explore a more aggressive vocal approach. Rich harmonies and layered backing vocals add depth, making it one of the album's most powerful moments.

The emotional pace slows with "Learn To Love Again" a beautifully crafted power ballad that unfolds with patience. Piano, keyboards, and clean guitars establish an intimate atmosphere before the full band gradually transforms the song into a soaring, arena-ready anthem. It captures everything fans expect from a classic melodic rock ballad without sounding dated.

Energy quickly returns with "A Billion Miles Away" built around the timeless partnership of guitars and keyboards. Higher vocal melodies inject additional intensity, while the heavier guitar work reinforces the album's hard rock credentials. Once again, Kindred North demonstrates an impressive ability to balance melody and power.

One of the record's undeniable highlights, "Walk Through The Fire" showcases the band's songwriting at its strongest. Tastefully layered keyboards support beautifully arranged vocal harmonies, while the guitar work remains consistently inspired throughout. Every musical element feels purposeful, creating one of the album's most complete and satisfying compositions.

Introduced by piano and layered vocals, "Dance The Night Away" takes an unexpected turn by incorporating electronic textures and contemporary production elements. Rather than feeling out of place, these additions enrich the arrangement, resulting in one of the album's most sophisticated and dynamic tracks while maintaining its unmistakable melodic rock identity.

Another ballad, "Runaway" begins with electronic percussion, shimmering keyboards, and delicate clean guitars before steadily evolving into an epic melodic anthem. The combination of '80s-inspired pop sensibilities and modern hard rock production creates one of the album's most immediately memorable choruses.

Opening with elegant piano and vocals, "Divine" gradually develops into a rich melodic hard rock number built around an anthemic chorus and beautifully layered harmonies. The interplay between guitars and keyboards recalls classic acts such as Europe, Winger, and Dokken, although Kindred North never feels like a mere imitation of its influences.

"Lose Control" injects additional groove and intensity into the album without sacrificing its melodic foundation. Kravljaca delivers one of his most forceful vocal performances, while the guitars take center stage with muscular riffs and another well-crafted solo. Even at its heaviest, the band's commitment to strong melodies remains intact.

Closing track "It's Hard To Say Goodbye" serves as the perfect finale, bringing together everything that makes this debut so enjoyable. Strong hard rock foundations, tasteful keyboard arrangements, layered vocals, and a chorus that demands repeat listens provide a thoroughly satisfying conclusion to the record.

More than a nostalgic celebration of melodic hard rock, Kindred North proves that the genre can still sound vibrant and relevant when handled by musicians of this caliber. Andi Kravljaca and Andreas Nergård avoid the common trap of simply recreating the past, instead delivering an album that combines outstanding musicianship, polished production, and consistently strong songwriting. While it may lack that one truly groundbreaking moment capable of elevating it into the ranks of the genre's all-time classics, it stands comfortably among the strongest melodic hard rock releases of 2026 and deserves serious consideration for many year-end best-of lists.

Entrevista - Apokalyptic Raids : Resistência e Foco no que Importa

 

Por: Fernanda Luísa e Renato Sanson

Fotos: Divulgação 

Edição/revisão: Caco Garcia 

Poucas bandas do underground brasileiro construíram uma trajetória tão consistente e fiel às próprias convicções quanto o Apokalyptic Raids. Formado em 1998 por Leon Manssur "Necromaniac", o trio transformou décadas de dedicação ao metal extremo em uma discografia cultuada mundialmente, inúmeras turnês pelo Brasil, América do Sul e Europa, além de uma sólida parceria com o selo Hell Music. 

Mantendo-se sempre distante de modismos e guiado por uma visão artística própria, o Apokalyptic Raids consolidou seu nome como uma das principais referências do metal underground nacional. 

Nesta entrevista, conversamos com Leon Manssur sobre a história da banda, sua filosofia, os desafios de permanecer independente, os rumos do metal extremo e muito mais. Confira.




RtM: O Apokalyptic Raids se tornou uma referência cult dentro do underground extremo brasileiro. Na sua visão, o que manteve a banda viva e relevante ao longo dos anos, mesmo distante dos grandes circuitos comerciais?
Leon Manssur: Já houve tempo em que eu achava importante ocupar mais esses espaços no “meio Metal”. Eu era mais inocente e achava que teríamos igualdade de condições com as “bandas-empresa”, com vantagem em autenticidade. 

Mostrar como se faz, sem ceder ao comercialismo, hoje representado pelas bandas cheias de mídia training e instagrams profissionais. 

Mas isso foi uma ilusão. Hoje em dia eu me importo cada vez menos com a opinião dos outros, seja do pseudo mainstream metálico, seja dos caciques dos pequenos poderes do underground. Quem gostar, gostou. Faço o que faço há bastante tempo pra já ter afastado os interesseiros, os deslumbrados, os falsos em geral.

RtM: Muito da identidade sonora do Apokalyptic Raids carrega a essência obscura e primitiva do Hellhammer. Como nasceu essa conexão com a banda e de que forma ela moldou tua visão artística e pessoal dentro do metal extremo?
LM: Há mais de 40 anos é minha banda favorita. O mix perfeito de peso, sujeira, pouca técnica, gravação suja mas cuidadosa, composições perturbadoras e perfeitas... Como se fosse o Black Sabbath de 1972 tocando o repertório do Mötorhead... É só isso e tudo isso. Portanto eu apenas tinha e tenho a intenção de recriar esse estilo. Nem mais, nem menos.

RtM: O underground brasileiro sempre sobreviveu mais pela paixão do que pela estrutura. Como você enxerga a cena atualmente em comparação aos anos 80 e 90, principalmente em relação à autenticidade e ao comprometimento das bandas?
LM:As qualidades e defeitos do ser humano são bem previsíveis. Da até sono. Se tirar a tecnologia, esta sim, que mudou muito, são os mesmos garotos iludidos, os mesmos pseudo-produtores malandros frustrados querendo faturar em cima, o mesmo amadorismo, e no meio disso um ou outro que se salvam. Todos os anos muitos entram no nosso meio, mas poucos irão aguentar permanecer com consistência após 10, 20 anos. Nem sempre é claro quem é quem.

RtM: Vivemos uma era dominada por streaming, redes sociais e consumo rápido de música. Em sua opinião, essas tendências digitais fortaleceram o underground ou acabaram tirando parte da essência e do culto que existia antigamente?
LM: Ganha-se algumas coisas, perde-se outras. Por um lado, qualquer desqualificado tem acesso material que não deveria, podendo usar algumas das melhores bandas do passado pra piadocas, memes, falas equivocadas. Por outro lado, tem material antigo bom online pra quem sabe o que procurar. 

O que faz a diferença é o conhecimento de cada um. Nem tudo é "internetável". Facilmente encontro nos meus arquivos material que não existe online. E aos poucos vai sendo disponibilizado em espaços virtuais marginais, fora do circuito das redes sociais da moda. 

Quem não viveu, quem não conhece, não saberá encontrar, nem saberá que precisa, até um dia aparecer em um selo de raridades. Há muito movimento no subterrâneo do subterrâneo. A maioria da geração atual viu tudo, tem toda a informação disponível, mas não sabe o que fazer com isso, não tem vivência.

RtM: O Apokalyptic Raids possui uma identidade muito fiel às raízes do metal extremo. Existe espaço para evolução sonora sem perder a essência, ou certas características devem permanecer intocáveis?
LM: Evolução pra trás! (Risos) A modernidade chegou ao Metal nos anos 90, já ficou velha e não importou em nada na minha opinião. Nos nossos álbuns mais recentes existem sim algumas composições “arriscadas”, apontando pros anos 70, outras pro Heavy tradicional... Que acaba estando no contexto do Black Death Speed Metal do Hellhammer. 

É bom não ter um estilo definido pelos padrões atuais. Por um lado, você é um “animal estranho”, que as gerações modernas não conseguem decodificar, e por outro lado você acaba ficando independente disso. Veja, Heavy tradicional e 70s está no contexto. Então tem espaço pra isso. Tudo depende de conseguirmos atingir esse tipo de som com classe e dentro do contexto. Ouçam e me digam se deu certo.

RtM: Olhando para tua trajetória dentro do metal underground nacional, qual legado o Apokalyptic Raids deixa para as novas gerações de músicos e fãs da música extrema?
LM: Não sei, é difícil julgar. Talvez eu seja só desimportante. Talvez alguém encontre algo relevante. Eu sou só um cara aí que curte uns sons aí. Igual à minha trajetória tem vários. A História que se encarregue dos julgamentos, eu estou ocupado tentando fazer algo que me satisfaça (risos)

RtM: Falando em turnês e lançamentos, o AR sempre se mantém ativo e representando o Brasil fora do país. Como é ser mais reconhecido mais lá fora do que no próprio país? Pergunto isso, pois é notável a devoção dos fãs gringos e que em minha opinião era para ser aqui também. Além, de a maioria dos lançamentos da banda saírem por gravadoras internacionais. Mostrando realmente que nossa cena é falha com quem trabalha de verdade. 
LM: Não sei se somos mais reconhecidos lá que aqui. Talvez sim. O Metal tem ciclos de público, idade, estilos. Uma década de vacas gordas, outra de vacas magras. Como já vi vários desses ciclos, me impressiono menos hoje. Mas sim, sou agradecido por algumas demonstrações de algumas pessoas que importam daqui e de fora. 

A distribuição no exterior é uma necessidade. Somos um país quebrado, um salário mínimo compra uns 7 LPs. Então é impossível contar apenas com público local pra esgotar um título. Mas foi pra conhecer o mundo que o Ozzy entrou no Sabbath, não é mesmo?

Não posso reclamar, não. Fizemos 20 shows na Europa em novembro de 2025 e deu mais gente que das vezes anteriores, show lotado em segunda feira, merchandise esgotado faltando 3 shows pro fim da tour. Então, apesar de tudo, me considero privilegiado por ainda ter um bando de doidos (no bom sentido) que comparece aos nossos shows. Talvez não sejamos animais tão estranhos assim.

RtM: Quais são suas as impressões sobre a questão da IA  na música?
LM: Acredita que eu mal uso AI pra p*** nenhuma? Tem gente que está viciado nisso, não pensam mais, nem nas coisas que precisam ser pensadas. Pra minha atividade, particularmente, não tem muita utilidade. Pra fazer um resumo ou elaborar algumas buscas, talvez. Mas a AI precisa ser alimentada, treinada. E eu gosto de trabalhar nas coisas que costumam alimentar e treinar a AI. 

Então pra mim é só mais uma ferramenta, para quem e quando for a ocasião de usar. Não é uma panaceia universal. Na música em particular, é claro que mal conseguimos distinguir algo criado por humanos de algo feito por máquinas. Exceto por aqueles fatores que eu citei que são não-internetáveis. Não dá pra enlatar um show ao vivo, por mais que se transmita um festival pro mundo todo hoje. Estar lá sempre será diferente. 

RtM: Leon, você foi de certa forma o incentivador e influência de muitas bandas e músicos não só do Rio de Janeiro assim como de todo o mundo. Isso te faz ter que ter um cuidado maior ao se expressar publicamente ou você se mantém liberto ao seu modo de pensar perante ao mundo em geral, e não somente ao nosso meio metal?
LM: Sobre ser influenciador, ocorre com o tempo. Você vai colando com quem tem idéias parecidas. O estilo é muito esparso, é um daqui, outro da Alemanha, outro do Japão... E esparso no tempo também. Então quem vem depois acaba se espelhando em quem veio antes, como eu mesmo já fiz. Com maior ou menor grau de atraso e ruído.

É claro que tenho senso de responsabilidade ao me expressar publicamente. Palavras tem consequências, e quando se é uma pessoa pública, essas consequências são amplificadas para o bem ou para o mal, sem que se planeje exatamente. Então já houve e há ocasiões em que precisamos modular o discurso, mesmo correndo riscos, pra não produzir efeitos contrários e indesejáveis.

A palavra “liberto” é um grande problema hoje. Eu sou um libertário, sempre fui desde que me entendo por gente. Mas aqui preciso parar e notar que não, eu não posso dizer tudo que eu penso hoje em dia, incluindo coisas que eu sempre disse antes. E isso é um enorme problema. Estamos na era do cancelamento, né. 

É muito autoritarismo, muitas vezes de quem menos se espera. A pergunta na minha cabeça nesses últimos 5 ou 6 anos é: “tocar com quem, tocar pra quem?” Uma pergunta para a qual eu ainda não tenho uma resposta não-trivial.

Então, sinto muito, mas minha melhor resposta à sua indagação sobre modo de pensar neste momento é a pior possível: um silêncio ensurdecedor.

RtM: Você tem como formação acadêmica em física e é Doutor nessa área porém hoje não está atuando no meio acadêmico. Qual foi o motivo pelo qual você decidiu que deveria seguir outro caminho? 
LM: Eu fui fazer física porque achava bonito, e ainda acho, e por ter gosto pela abstração. Isso no Brasil é um tipo de suicídio a prestação. No início dos anos 2000, nada de concurso, pagamento pingado, perspectiva de carreira nômade, então por motivos pessoais resolvi engavetar o diploma e cuidar mais da família. 

Me reorganizei, até vivi da música por alguns anos, o que coincidentemente estava pegando tração entre 2003 e 2008, com muitos lançamentos em LP. 

Eu fazia produções e masterizações para alguns selos. Depois a vida foi complicando mais, mas comecei com a Hell Music informalmente por volta de 2009 e acelerei lançamentos do selo a partir de 2015.

RtM: A educação no Brasil ainda tem uma saída ao seu ver? Se sim qual ou quais seriam?
Basicamente não (risos) Somos uma sociedade da desconfiança. Veja os países europeus ou os USA por exemplo. Eles foram fundados por uma determinada sociedade com determinados valores. Bem longe de serem perfeitos, mas tem uma estrutura que se formou e se depurou ao longo de centenas e centenas de anos. Visão de mundo, filosofia, instituições, formando pessoas que formam mais pessoas. Você pode criticar, querer reformar, mas você não pode ignorar. Outras culturas copiam. 

Compare com casos de sucesso na Ásia por exemplo, com bases em outros sistemas de valores. Você copia o que funciona, descarta o que não funciona. 

No Brasil, você desconfia do próximo, porque é provável que ele te ferre, e é assim aqui. E o próximo pode ser bem próximo, pode ser da família. Ou seja, é cada um por si. Em que século dessa evolução as pessoas irão parar de querer passar a perna umas nas outras e resolver cooperar, isso eu não sei. Mas eu sei que é só depois desse ponto que a educação tem qualquer chance. Mesmo não tendo p**** nenhuma, tem que querer primeiro. 

No momento, somos pouco mais que um bando de primatas se matando uns aos outros a socos. Como fazer pra se comunicar nesse cenário? Não tenho uma resposta. É nesse estágio que estamos. O mal e a ignorância são indistinguíveis, e tomaram proporções muito grandes, continentais.

RtM: Muitas bandas com o mesmo tempo de estrada que hoje vocês tem, ficaram pelo caminho. Que fatores você acredita que tenha tido para conseguir manter o Apokalyptic Raids vivo?
LM: Autismo, TOC, hiper foco em Hellhammer... (Risos) Sabe a parte da resistência à mudanças? É isso aí. Alguns amigos ao longo do caminho, e a ideia fixa. E um pouco de sorte.

RtM: Se tudo hoje continuar da mesma forma como se encontra no meio underground você acredita que a evolução em termos de estrutura e qualidade das casas de eventos e equipamentos melhorou ou melhorará?
LM: Sinceramente, depois de 3 turnês na Europa, 2 no Brasil, 2 América do Sul? Não.
Porque eu conto nos dedos os eventos que eu fiz aqui que foram no horário. E eu conto nos dedos os eventos que eu fiz na Europa que atrasaram. Só por aí você já vê. O cara lá não tem como se atrasar. Tudo funciona. Tem um letreiro no ponto do ônibus dizendo que o próximo chega em 4 minutos. Passa 4 minutos, o ônibus chega. Então você consegue fazer tudo que planeja, consegue planejar. 

Aqui não tem transporte, e a rua tem buraco, e o cara do som atrasou porque ontem teve evento, ele tem que dobrar pra poder sobreviver, o ampli tá ferrado e não tem outro, tudo custa mais caro, a remuneração é 10 vezes menor, empreender custa muito caro, contratar é impossível, produtividade estagnada há 50 anos por cultura arcaica, os estímulos tem o efeito contrário ao objetivo alegado... Passa por aquele assunto da educação. Pra acontecer minimamente, você teria que reformar o ser humano, e isso não está acontecendo. Espero não estar sendo excessivamente pessimista! 

RtM: Leon, obrigado por dedicar um tempo para nos responder e expor suas opiniões, fica o espaço para sua mensagem final.
LM: Obrigado pela entrevista! Estamos trabalhando em um álbum novo, fiquem ligados!

contact@apokalypticraids.com
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www.apokalypticraids.bandcamp.com
www.hellmusicrecords.bandcamp.com

Burning Sun: Herdeiros da Escola Alemã (Also In English)

Pride And Joy Music (Imp.)

Por Flavio Borges

Formada em 2022 na Hungria pelo baixista Zoltán Papi, a Burning Sun rapidamente conquistou espaço na cena underground do Power Metal ao abraçar, sem qualquer constrangimento, a tradição da escola europeia dos anos 1990. Influenciada por gigantes como Helloween, Gamma Ray, Edguy e HammerFall, a banda construiu sua identidade sobre melodias marcantes, refrões grandiosos e uma execução técnica que privilegia a essência do gênero. Após os lançamentos de Wake of Ashes (2023) e do conceitual Retribution (2025), o grupo estreia uma nova formação com a chegada do vocalista Nicolas Peter e do baterista Edmond Kulcsár, apresentando em Power to Survive seu trabalho mais consistente até aqui.

A abertura com "Quest Divine" estabelece imediatamente a proposta do álbum. As guitarras velozes, a cozinha sólida e um refrão de forte apelo melódico remetem diretamente ao auge do Power Metal alemão dos anos 90. As mudanças de andamento evitam a previsibilidade, enquanto o baixo ganha espaço em passagens estratégicas, acrescentando personalidade a uma composição que funciona como um verdadeiro cartão de visitas.

Na sequência, "Emaly's Hymn", com a participação de Herbie Langhans (Firewind), reforça essa identidade. A influência de Helloween e Gamma Ray aparece de forma evidente nas harmonizações de guitarra e na construção do refrão, enriquecido por teclados discretos e coros bem encaixados. A participação de Langhans acrescenta peso sem ofuscar o protagonismo de Nicolas Peter, consolidando a força da nova formação.

"Tale of Brothers" mantém o alto nível ao apostar em uma abordagem tradicional, conduzida por riffs rápidos e linhas de baixo bastante presentes. Nicolas Peter demonstra bom senso ao privilegiar interpretação e melodia em vez de exagerar nos agudos, enquanto os solos de guitarra dialogam com naturalidade com a proposta clássica da banda. O resultado é uma das faixas mais equilibradas do disco.

Com "Light of the World", o Burning Sun amplia ligeiramente seu espectro sonoro. A faixa flerta com o Heavy Metal tradicional do final dos anos 80 antes de acelerar novamente em direção ao Power Metal. Essa mudança de dinâmica evita que o álbum caia na repetição e acrescenta novas cores à audição, culminando em um excelente solo de guitarra de inspiração quase sinfônica.

A participação de Alexandra Lioness (Frozen Crown) em "Over and Beyond" introduz outra influência importante: a escola finlandesa do gênero. A velocidade inicial lembra Stratovarius, enquanto a combinação das vozes cria uma atmosfera diferenciada. Mesmo que o refrão seja menos grandioso do que em outras músicas, a composição funciona justamente por equilibrar referências distintas do Power Metal europeu.

Se existe uma faixa capaz de sintetizar a herança de Gamma Ray, essa é "Come Home". A construção melódica, os coros grandiosos e os vocais em registros elevados remetem diretamente ao estilo consagrado por Kai Hansen. Ainda assim, a banda evita soar como mera cópia graças à competência dos arranjos e à energia contagiante da execução.

Depois da intensidade inicial, "Spirit Alive" desacelera o ritmo e apresenta uma das atmosferas mais interessantes do álbum. O baixo assume papel de destaque, os teclados ganham maior protagonismo e Nicolas Peter explora uma interpretação mais contida, revelando versatilidade vocal. É uma pausa bem-vinda que acrescenta profundidade ao repertório.

A curtíssima "Prayer", com pouco mais de quarenta segundos, funciona como uma introdução para "Holy Light", faixa que surpreende pela delicadeza da abertura acústica e pela construção melódica mais emocional. O contraste em relação ao restante do disco é evidente e demonstra que a banda sabe variar sua abordagem sem comprometer a identidade sonora.

O encerramento com "We Rise Again" devolve toda a velocidade característica do álbum. Guitarras afiadas, base rítmica precisa, refrão monumental e solos claramente inspirados na fase clássica do Helloween fecham o disco em alta, reafirmando o compromisso da banda com o Power Metal mais tradicional.

O Burning Sun aposta na tradição e executa essa proposta com competência, entusiasmo e convicção. Em um momento em que muitas bandas buscam modernizar excessivamente o Power Metal, os húngaros seguem o caminho oposto, entregando um álbum que celebra as raízes do estilo sem soar datado. Para os admiradores da escola europeia clássica, trata-se de um lançamento sólido, consistente e extremamente satisfatório.

***ENGLISH VERSION***

Formed in Hungary in 2022 by bassist Zoltán Papi, Burning Sun has quickly established itself as one of the most promising names in the underground Power Metal scene. Proudly embracing the golden era of European Power Metal, the band draws clear inspiration from genre heavyweights such as Helloween, Gamma Ray, Edguy and HammerFall, crafting a sound built on soaring melodies, anthemic choruses and razor-sharp musicianship. Following the releases of Wake of Ashes (2023) and the conceptual Retribution (2025), the arrival of vocalist Nicolas Peter and drummer Edmond Kulcsár marks the beginning of a new chapter, with Power to Survive emerging as the band's strongest and most accomplished effort to date.

Opening track "Quest Divine" immediately sets the tone. Galloping guitars, a rock-solid rhythm section and an instantly memorable chorus transport listeners straight back to the heyday of '90s German Power Metal. Well-timed tempo shifts prevent the song from becoming formulaic, while the bass enjoys several standout moments, giving the arrangement an extra layer of personality.

Next comes "Emaly's Hymn", featuring guest vocals from Herbie Langhans (Firewind). Closely following the path laid out by the opener, the track reinforces the band's musical identity with soaring melodies, layered keyboards and powerful gang vocals. The unmistakable influence of Helloween and Gamma Ray shines through the guitar work, while Langhans' appearance adds further depth without overshadowing Nicolas Peter's confident performance.

"Tale of Brothers" continues the momentum with classic Power Metal songwriting driven by energetic riffs and an impressive bass performance. Nicolas Peter wisely favors melody and control over excessive high-pitched acrobatics, allowing the song to breathe naturally. Combined with tasteful twin-guitar solos, it stands out as one of the album's most balanced and rewarding compositions.

With "Light of the World", Burning Sun briefly broadens its musical palette. Leaning more toward traditional Heavy Metal before accelerating into full-speed Power Metal, the song introduces welcome variation to the album. The dynamic shifts keep the record engaging while an almost symphonic guitar solo provides one of its musical highlights.

Guest vocalist Alexandra Lioness (Frozen Crown) joins the band on "Over and Beyond", a track that initially leans toward the Finnish school of Power Metal, recalling bands such as Stratovarius through its speed and vocal melodies. While its chorus may be less extravagant than others on the album, the vocal interplay and the seamless blend of Finnish and German influences make it one of the record's more distinctive moments.

If one song perfectly captures the spirit of Gamma Ray, it is undoubtedly "Come Home" From its explosive opening and soaring vocal lines to its massive gang-chorus hooks, everything here feels like a heartfelt tribute to the classic German sound. Yet Burning Sun avoids slipping into mere imitation thanks to strong songwriting and an energetic, convincing performance.

After several high-speed anthems, "Spirit Alive" offers a refreshing change of pace. The bass takes center stage during the opening passages while keyboards create a richer atmosphere, allowing Nicolas Peter to showcase a more restrained and expressive vocal performance. The result is one of the album's most atmospheric and emotionally engaging tracks.

The brief "Prayer", clocking in at little more than forty seconds, serves as a natural introduction to "Holy Light" Opening with delicate acoustic guitars before gradually unfolding into an emotional ballad, the track provides a welcome contrast to the relentless pace of the album and demonstrates the band's ability to explore softer textures without compromising its identity.

Closing track "We Rise Again" returns to full-speed Power Metal with all the hallmarks fans could hope for: driving guitars, thunderous rhythms, towering vocal melodies and another triumphant chorus. The guitar solos, heavily inspired by Helloween's classic era, provide the perfect finale to an album that never loses sight of its mission.

Burning Sun fully embraces the genre's classic foundations, delivering an album packed with memorable melodies, impressive musicianship and genuine enthusiasm. At a time when many bands are eager to modernize the style, these Hungarian musicians confidently look back to its roots, producing a record that feels both authentic and refreshingly sincere. For fans of traditional European Power Metal, Power to Survive is an easy recommendation and one of the genre's most enjoyable releases of the year.

Divulgação 

Xandria: Um Reencontro Com a Essência do Metal Sinfônico (Also In English)

Napalm Records (Imp.)

Por Michelle F. Santana - @mii.santanna

Quem acompanha o metal sinfônico há algum tempo certamente conhece o Xandria. Formada na Alemanha em 1994, a banda construiu uma carreira marcada por grandes mudanças de formação, mas sempre manteve como marca registrada a união entre peso, orquestrações grandiosas e melodias marcantes. Depois de apresentar sua nova fase em The Wonders Still Awaiting (2023), o grupo volta com Eclipse, um álbum que já dava sinais do que viria pelos singles lançados nos últimos meses. E a boa notícia é que a expectativa se confirma: o Xandria entrega um trabalho seguro, inspirado e que lembra por que se tornou um dos nomes mais importantes do metal sinfônico.

Se o álbum anterior tinha um clima de recomeço e servia para apresentar a nova formação, Eclipse mostra uma banda muito mais confiante. Aqui tudo parece mais natural. As ideias fluem melhor, as composições são mais coesas e a identidade do grupo aparece com muito mais força do início ao fim.

O conceito do álbum gira em torno dos ciclos da vida, da transformação e do contraste entre luz e escuridão — exatamente como sugere o próprio título. Essa ideia aparece tanto nas letras quanto na identidade visual, que combina perfeitamente com o clima épico e cinematográfico do disco.

Musicalmente, Eclipse é um prato cheio para quem sente falta daquele metal sinfônico que marcou os anos 90 e 2000. Ao mesmo tempo em que mantém uma sonoridade moderna, o álbum traz uma atmosfera nostálgica, reforçada pelos elementos folk, celta espalhados ao longo das faixas. É pesado quando precisa ser, delicado nos momentos certos e sempre muito bem orquestrado.

A produção também merece destaque. Tudo soa muito equilibrado: as orquestrações têm espaço para brilhar sem esconder as guitarras, enquanto baixo e bateria sustentam a intensidade do álbum do começo ao fim. Marco Heubaum continua sendo o cérebro criativo da banda, conduzindo teclados e arranjos sinfônicos com muito bom gosto. Rob Klawonn entrega riffs pesados e melodias envolventes, Tim Schwarz mantém uma base firme no baixo e Dimitrios Gatsios mostra segurança e precisão na bateria, contribuindo para que cada música tenha sua própria personalidade.

E claro, não dá para falar de Eclipse sem destacar Ambre Vourvahis. A vocalista está simplesmente impecável. Sua interpretação vai muito além da técnica: ela passeia com naturalidade entre vocais limpos, passagens operísticas e guturais, sempre colocando emoção acima da exibição. É uma performance que reforça ainda mais a identidade desta nova fase do Xandria.

Se tem uma coisa que Eclipse faz muito bem, é transformar cada faixa em uma experiência diferente.

A faixa-título, "Eclipse", resume perfeitamente a proposta do disco. Corais grandiosos, guitarras pesadas e uma atmosfera quase apocalíptica fazem dela o coração do álbum e mostram toda a força dessa nova fase da banda.

"Colours" é uma daquelas músicas que conquistam logo na primeira audição. Além de um refrão forte, ela evidencia toda a versatilidade de Ambre, que alterna entre vocais operísticos, limpos e guturais com uma facilidade impressionante, sem perder a emoção em nenhum momento.

Já "The Shannon's Home" leva o ouvinte para um cenário completamente diferente. A faixa funciona como um conto de fadas sombrio, usando o rio Shannon como metáfora para as diferentes fases da vida. Os arranjos folk celtas se misturam ao peso das guitarras de forma muito natural, criando uma das músicas mais bonitas e envolventes do álbum.

Essa influência folk continua em "Masquerade", enriquecida pelas flautas irlandesas (tin e low whistles) de McAlbi. São detalhes como esse que deixam o disco ainda mais rico e ajudam a construir uma identidade muito própria.

Em "Northstar", o Xandria aposta em uma composição longa, cheia de mudanças e com orquestrações densas. É uma faixa que cresce a cada minuto e entrega exatamente aquela sensação épica que os fãs do gênero esperam.

Outro momento que merece atenção é "The Last Generation". Além de um instrumental poderoso, a música traz uma das letras mais diretas do álbum, abordando críticas à sociedade contemporânea sem abrir mão da grandiosidade característica da banda.

Para fechar, "Lore" entrega um dos finais mais bonitos do disco. A participação da violinista Ally Storch (Subway to Sally), junto aos instrumentos de sopro celtas de McAlbi, transforma a música em um encerramento emocionante e cinematográfico, daqueles que deixam vontade de ouvir tudo de novo.

No fim das contas, Eclipse mostra um Xandria mais maduro, mais seguro e totalmente confortável com a própria identidade. É um álbum que resgata a essência do metal sinfônico clássico sem parecer preso ao passado, mistura elementos folk com muito bom gosto e entrega uma coleção de músicas fortes do começo ao fim. Para quem gosta de metal sinfônico, é um daqueles discos que valem cada minuto da audição.

***ENGLISH VERSION***

Anyone who has been following the symphonic metal scene for a while is certainly familiar with Xandria. Formed in Germany in 1994, the band has built a career marked by several lineup changes while always staying true to its signature blend of heavy riffs, grand orchestral arrangements, and memorable melodies. After introducing its new era with The Wonders Still Awaiting (2023), the band returns with Eclipse, an album that had already hinted at its direction through the singles released over the past few months. The good news is that it more than lives up to the expectations. Xandria delivers a confident, inspired record that reminds listeners why the band remains one of the leading names in symphonic metal.

While the previous album felt like a fresh start and served as an introduction to the band's new lineup, Eclipse presents a much more confident Xandria. Everything feels more natural here. The songwriting flows effortlessly, the compositions are more cohesive, and the band's identity shines through from beginning to end.

The album revolves around themes of life's cycles, transformation, and the contrast between light and darkness—exactly what its title suggests. These ideas are reflected not only in the lyrics but also in the album's stunning visual identity, perfectly matching its epic and cinematic atmosphere.

Musically, Eclipse is a treat for anyone who misses the golden era of symphonic metal from the late '90s and 2000s. While maintaining a modern production, the album embraces a nostalgic atmosphere, enhanced by Celtic and folk influences woven naturally throughout the songs. It's heavy when it needs to be, delicate at the right moments, and consistently supported by rich, beautifully crafted orchestral arrangements.

The production also deserves special praise. Everything feels perfectly balanced: the orchestral layers have plenty of room to shine without overshadowing the guitars, while the bass and drums provide a powerful backbone from start to finish. Marco Heubaum remains the band's creative mastermind, crafting keyboards and symphonic arrangements with remarkable taste. Rob Klawonn delivers crushing riffs alongside memorable melodies, Tim Schwarz provides a solid foundation on bass, and Dimitrios Gatsios drives each song forward with precision and energy, giving every track its own personality.

And of course, it's impossible to talk about Eclipse without highlighting Ambre Vourvahis. Her performance is simply outstanding. More than showcasing technical ability, she moves effortlessly between clean vocals, operatic passages, and harsh growls, always putting emotion before showmanship. It's a performance that further cements the identity of this new era of Xandria.

If there's one thing Eclipse does exceptionally well, it's making every song feel like its own unique journey.

The title track, "Eclipse" perfectly captures the spirit of the album. Monumental choirs, crushing guitars, and an almost apocalyptic atmosphere make it the emotional centerpiece of the record, showcasing the full strength of this new chapter for the band.

"Colours" is one of those songs that grabs your attention from the very first listen. Beyond its memorable chorus, it highlights Ambre's incredible versatility as she effortlessly shifts between operatic vocals, clean singing, and aggressive growls without ever sacrificing emotion. 

"The Shannon's Home" takes the listener somewhere completely different. The song unfolds like a dark fairy tale, using Ireland's River Shannon as a metaphor for the different stages of life. Celtic folk arrangements blend naturally with heavy guitars, creating one of the album's most beautiful and immersive moments.

That folk influence continues in "Masquerade" enriched by McAlbi's Irish tin and low whistles. Small details like these make the album even richer and help establish its own unique identity.

With "Northstar" Xandria embraces a longer, more expansive composition filled with dynamic shifts and dense orchestral layers. It's a song that builds steadily, delivering exactly the kind of epic journey symphonic metal fans love.

Another standout is "The Last Generation". Alongside its powerful instrumentation, the track features one of the album's most direct lyrical statements, offering sharp criticism of contemporary society without losing the band's trademark grandeur.

Closing the album, "Lore" provides one of its most breathtaking moments. The guest appearance by violinist Ally Storch (Subway to Sally), combined with McAlbi's Celtic wind instruments, turns the song into a deeply emotional and cinematic finale that leaves you wanting to press play all over again.

In the end, Eclipse showcases a more mature, more confident Xandria that feels completely comfortable with its identity. It's an album that recaptures the spirit of classic symphonic metal without sounding trapped in the past, blending folk influences with remarkable elegance while delivering a collection of memorable songs from beginning to end. For anyone who loves symphonic metal, this is one of those albums that's worth experiencing from start to finish.

Stefan Heilemann/Mirko Witzki

Cobertura de Show: Graham Bonnet Band – 26/07/2026 – Burning House/SP

O penúltimo domingo do mês de julho ficou marcado por um dos melhores shows do ano, mesmo sabendo que teremos muita coisa para o restante de 2026. Sim, o show a que eu me refiro é o de Graham Bonnet, que, depois de meia década, retornou ao Brasil para desfilar os seus melhores momentos da carreira para o público fiel e encerrar a sua turnê pela América Latina em grande estilo. Quem esteve na Burning House, local do show, não só viu alguns dos seus clássicos do Rainbow, Michael Schenker Group, Alcatrazz e Impellitteri, como também viu um homem que resistiu ao tempo.

Ao adentrar na casa, localizada no bairro da Água Branca, avistamos um número significativo de pessoas. Não chegou a atingir a sua capacidade, mas foi quase, o que é de se surpreender em se tratando de um artista subestimado. Sim, foi isso mesmo que eu disse, pois, mesmo tendo integrado e gravado trabalhos ao lado de guitarristas como Ritchie Blackmore, Michael Schenker, Yngwie Malmsteen e Steve Vai, Graham não teve o merecido reconhecimento que os outros vocalistas de sua época tiveram, o que é uma pena, pois é um cantor talentosíssimo e influente para muitos do ramo – vide Dave DeFeis, que, em conversa com este repórter, falou que é uma de suas principais influências.

Não demorou muito para que o inglês e sua banda tomassem conta do palco, pois é raro, em pleno domingo, shows começarem antes das 20/21hrs. Por volta das 19h30, uma introdução interestelar saía dos sons da casa, indicando que o início seria com Eyes of the World, do Down to Earth (1979), que logo animou os presentes nos seus primeiros minutos, assim como a emblemática All Night Long, que pôs a maioria para cantar com força. Esse começo teve ainda mais energia com S.O.S. Intensa e dona de um refrão cômico, a música trouxe um breve peso antes de partir para uma rápida calmaria, que foi instaurada na melódica Love’s No Friend e que resultou no primeiro momento de interação, no qual Graham brincou que a gravou nos idos de 1800, quando ainda os dinossauros andava pela terra. Nesse embalo, ele aproveitou para agradecer ao saudoso Ronnie James Dio – por ter saído da banda – e ao Ritchie Blackmore por ter lhe dado um bom trabalho, que mudou a sua vida.

Por esse início, já dava pra sacar que o setlist ia trazer muitos clássicos, mas, em meio às pérolas, também teve coisas de sua carreira solo. Night Games, que, assim como S.O.S., também do Line-Up (1981), é um dos principais singles do álbum, trouxe a aura oitentista com uma mistura de hard rock e AOR carregada de energia. Antes de anunciá-la, Graham relembrou que a música foi gravada ao lado dos saudosos Cozy Powell (Rainbow, Whitesnake, Black Sabbath, Michael Schenker Group e etc.), Jon Lord (Deep Purple, Whitesnake), Rick Parfitt (Status Quo) e Micky Moody (Whitesnake). Imposter e Into the Night – durante esta última, Graham quase caiu enquanto retornava ao seu banquinho – mostraram um pouco do que o vocalista e sua banda fizeram nos últimos anos. Ambas detêm riffs pesados e melodias marcantes, sem deixar aquela característica clássica de lado.

Essa parte, em específico, mostrou o poderio dos músicos que o acompanham, e vale um destaque especial para cada um, a começar pelo brasileiro Conrado Pesinato, que surpreendeu todo mundo com seu timbre poderoso de guitarra. Do começo ao fim, ele mostrou ter personalidade própria, pois em nenhum momento quis soar parecido com os guitarristas que tocaram com o Graham no passado, como bem definiu a baixista Beth-Ami Heavenstone em um momento do show. Uma pena não ter o devido reconhecimento, pois é impressionante o talento desse sujeito.

O tecladista Alessandro Bertoni e o baterista Francis Cassol, trajado com a camiseta das Spice Girls, tiveram os seus momentos de protagonismo, com solos vibrantes, enquanto o dono da noite repousava. Beth-Ami Heavenstone, que, além de baixista, é a esposa do Graham e tour manager da banda, fez de tudo para que a turnê acontecesse da melhor forma, como ela mesma bem disse. No palco, ela mostrou ter uma performance consistente, esbanjando empatia e distribuindo sorrisos.

Sobre Graham, faltam palavras para descrevê-lo, pois, mesmo com suas limitações físicas, que o obrigam a fazer o show sentado, e no auge dos seus 78 anos, ele consegue mostrar que sua voz resistiu ao tempo. Sua potência vocal e seu alcance continuam intactos, deixando muita gente de queixo caído com o que viu.

Fora o eixo Rainbow e carreira solo, também teve espaço para os seus tempos de Alcatrazz, que só poderiam ser dos álbuns No Parole from Rock 'n' Roll (1983), o único com Yngwie Malmsteen nas guitarras, e Disturbing the Peace (1985), com Steve Vai. A primeira foi justamente desse álbum, com God Blessed Video, dona de um refrão memorável, e Jet to Jet, uma das melhores da banda, por ter um andamento intenso. As escolhas foram mais do que óbvias, mas suficientes para mostrar que o Alcatrazz tem sua importância na história do hard rock, deixando os fãs ali presentes felizes com o que viram.

E, por falar em felicidade, ela se elevou na hora de Desert Song, a primeira do Michael Schenker Group, tirada de Assault Attack (1982), que provocou interação de Graham com o público, que aplaudiu sua performance com fervor. 

O final da primeira parte reservou mais momentos especiais. Since You Been Gone, originalmente composta por Russ Ballard, mas famosa pela versão do Rainbow, veio de forma bem descontraída, pois, antes de executá-la, Conrado reforçou que tocariam uma música inédita, soltando trechos de Smoke on the Water para a inconformidade de Graham, mas tudo na base da brincadeira. Assault Attack, faixa-título do único álbum que gravou com Michael Schenker, preparou o bis com um verdadeiro petardo.

O bis, por assim dizer, não teve, pois ninguém precisou sair do palco. Mas, obedecendo ao protocolo, o início da segunda parte veio de forma bem carregada com Too Young to Die, Too Drunk to Live, talvez o maior clássico do Alcatrazz e que trouxe uma performance vocal agressiva de Graham, antes de encerrar, de forma sofisticada, com Lost in Hollywood, já deixando um sabor de saudade e o desejo de quero mais.

Não foi apenas um show, foi uma verdadeira aula. Todos, incluindo Tim “Ripper” Owens (ex-Judas Priest), que esteve presente no show, saíram felizes e contentes com o que viram. Nada deu errado: Graham em plena forma vocal, banda com sangue nos olhos, som impecável, pontualidade e organização de aplaudir e tirar o chapéu. Espero que não demore muito para vir novamente, pois é um show que compensa ver diversas e diversas vezes.

Texto: Gabriel Arruda 

Fotos: André Tavares

Edição/Revisão: Gabriel Arruda

Realização: DNA Rock Events

Press: LP Metal World

Graham Bonnet Band – setlist:

Eyes of the World

All Night Long

S.O.S.

Love's No Friend

Night Games

God Blessed Video

Imposter

Desert Song

Jet to Jet 

Since You Been Gone

Into the Night

Assault Attack

Too Young to Die, Too Drunk to Live

Lost in Hollywood

Hydra: AOR Moderno em Alto Nível (Also In English)

Pride And Joy Music (Imp.)

Por Flavio Borges 

Depois de apresentar um excelente cartão de visitas com ReHydration (2024), o HYDRA retorna com DeHydration, terceiro trabalho de estúdio e mais uma prova da sólida parceria entre o compositor Henrik Hedström e o produtor/baterista Daniel Flores. Com Andi Kravljaca assumindo vocais e guitarras e Jonny Trobro no baixo, o grupo mantém sua proposta de unir o AOR clássico à produção contemporânea, resultando em um álbum sofisticado, tecnicamente impecável e extremamente acessível.

Desde os primeiros acordes de "This Time", fica evidente que a banda encontrou sua identidade. A produção cristalina permite que cada instrumento tenha espaço próprio, enquanto teclados elegantes, guitarras modernas e harmonias vocais cuidadosamente construídas estabelecem o alto padrão que será mantido ao longo de todo o disco. Na sequência, "Fooled By Love Again" reforça esse direcionamento com uma abordagem um pouco mais pesada, impulsionada pelo uso dos bumbos duplos e por um refrão direto, sem abrir mão da forte identidade melódica.

As baladas continuam sendo um dos grandes trunfos do HYDRA. "Labyrinth Of Love" destaca a interpretação segura de Andi Kravljaca, apoiada por um belo trabalho de piano, arranjos vocais refinados e um solo de guitarra carregado de emoção. Já "Halfway To Nowhere" e "Don't Tell Me It's Too Late" exploram a faceta mais sentimental da banda sem cair na previsibilidade, equilibrando delicadeza e peso com naturalidade.

Entre os momentos mais inspirados do álbum está "Hiding In Plain Sight", talvez a composição mais criativa do trabalho. A alternância entre guitarras limpas e distorcidas, as discretas influências progressivas — perceptíveis principalmente nas harmonias vocais — e a construção dinâmica da música demonstram que o HYDRA procura expandir sua linguagem além das convenções do AOR tradicional.

Outro ponto alto é "A Million Miles", composição que os fãs provavelmente reconhecerão por sua gravação anterior pelo First Signal no álbum Line Of Fire. Aqui, entretanto, a música ganha personalidade própria graças ao equilíbrio entre piano, baixo, bateria e guitarras, além da interpretação mais emotiva de Kravljaca, tornando esta uma das versões mais consistentes da composição.

Na reta final, "Bringing On The Thunder", "Somebody To Love", "Depending On A Miracle" e "The Winner" mantêm o nível elevado sem grandes oscilações. Mesmo quando a banda opta por estruturas mais tradicionais, a qualidade dos arranjos, o cuidado na distribuição dos teclados, os solos sempre melódicos e a excelência da produção impedem qualquer sensação de repetição excessiva.

Se existe uma crítica ao álbum, ela está justamente na segurança de sua fórmula. Em alguns momentos, as composições seguem padrões bastante familiares aos fãs do gênero e evitam assumir riscos maiores. Ainda assim, essa escolha dificilmente compromete o resultado, já que a execução é praticamente irretocável e a consistência do repertório compensa a ausência de momentos realmente surpreendentes.

DeHydration confirma que o HYDRA já ultrapassou a condição de projeto paralelo para se consolidar como um dos nomes mais confiáveis do melodic rock europeu atual. Com produção impecável, interpretações inspiradas e um repertório homogêneo, o álbum entrega exatamente aquilo que promete: AOR moderno, elegante e extremamente bem executado, capaz de agradar tanto aos admiradores da escola clássica quanto aos ouvintes que buscam uma abordagem mais contemporânea do gênero.

***ENGLISH VERSION***

Following the impressive ReHydration (2024), Swedish melodic rock outfit HYDRA returns with DeHydration, a confident third studio effort that further cements the creative partnership between songwriter Henrik Hedström and producer/drummer Daniel Flores. Joined once again by the exceptional Andi Kravljaca on vocals and guitars and Jonny Trobro on bass, the band delivers an album that successfully bridges classic AOR traditions with contemporary production values, resulting in a polished, melodic and remarkably cohesive listening experience.

From the opening notes of "This Time", HYDRA establishes the album's identity with soaring vocal melodies, tasteful keyboard arrangements and impeccably balanced guitar work. The pristine production immediately stands out, allowing every instrument to breathe while reinforcing the band's trademark blend of elegance and power. "Fooled By Love Again" follows with a slightly heavier approach, driven by double-kick drums and a more direct chorus without sacrificing the melodic sensibility that defines the band's sound.

Ballads remain one of HYDRA greatest strengths. "Labyrinth Of Love" showcases Andi Kravljaca's expressive vocal performance, enriched by delicate piano passages, lush vocal harmonies and an emotionally charged guitar solo. Meanwhile, "Halfway To Nowhere" and "Don't Tell Me It's Too Late" embrace the genre's classic power ballad formula while avoiding excessive sentimentality, striking an effective balance between intimacy and arena-sized grandeur.

Among the album's standout moments, "Hiding In Plain Sight" arguably offers the most adventurous songwriting. The interplay between clean and distorted guitars, subtle progressive overtones—particularly within the layered vocal arrangements—and its dynamic structure demonstrate that HYDRA is willing to stretch beyond the traditional boundaries of melodic rock without losing its accessibility.

Another highlight is "A Million Miles", a song previously recorded by First Signal on Line Of Fire. Rather than simply revisiting familiar material, HYDRA gives the composition new life through a more organic performance and a richer instrumental interplay. Kravljaca's heartfelt delivery adds emotional depth, making this interpretation feel entirely its own.

The album's closing stretch— "Bringing On The Thunder", "Somebody To Love", "Depending On A Miracle", and "The Winner"—maintains the remarkably high standard established from the outset. Even when the songwriting follows familiar AOR conventions, the refined arrangements, memorable choruses, tasteful keyboard textures and consistently melodic guitar solos prevent the material from becoming formulaic.

If there's one minor criticism to be made, it's that DeHydration rarely ventures outside its comfort zone. The band clearly prioritises consistency over experimentation, and while a few unexpected twists might have elevated the record even further, the quality of the songwriting and musicianship more than compensates for its conservative approach.

Ultimately, DeHydration confirms that HYDRA has evolved far beyond being a studio project. The band has established itself as one of the most reliable names in today's European melodic rock scene, delivering an album that is expertly produced, consistently engaging and filled with memorable performances. Fans of classic AOR, melodic hard rock and polished Scandinavian songwriting will find plenty to admire here.

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