Diretamente de Pelotas/RS, a Foice chega com seu EP de estreia, "Chapter 1" (2025), apresentando um Death Metal que bebe na fonte da velha escola. O trabalho deixa claras as influências de gigantes como Death, Obituary, Entombed e Cannibal Corpse, mas consegue imprimir personalidade própria através de composições agressivas e bem estruturadas.
Musicalmente, o EP transita entre o peso bruto característico do Death Metal old school e passagens mais técnicas, demonstrando que os músicos possuem capacidade além do simples ataque sonoro. Os riffs são bem construídos, a bateria sustenta a violência necessária e os vocais cumprem com eficiência a proposta extrema da banda. A combinação entre brutalidade e técnica funciona de maneira natural, sem parecer forçada ou excessivamente exibicionista.
É verdade que a produção não alcança o nível de grandes lançamentos do gênero. Em alguns momentos, a gravação soa crua e limitada, especialmente quando comparada aos padrões atuais. Entretanto, essa característica acaba funcionando mais como um reflexo da realidade do underground do que como um defeito propriamente dito. A essência da Foice está na composição e na entrega, e isso permanece intacto durante toda a audição.
O maior mérito de "Chapter 1" talvez seja justamente transmitir autenticidade. A banda demonstra entender perfeitamente a linguagem do Death Metal tradicional, mas também deixa sinais claros de evolução e potencial para voos maiores.
Para um trabalho de estreia, o saldo é extremamente positivo e coloca a Foice como um nome promissor dentro da cena extrema gaúcha.
Após revisitar suas raízes no heavy metal melódico com Vera Cruz (2021) e expandir sua proposta conceitual em Eldorado (2023), Edu Falaschi encerra sua ambiciosa trilogia narrativa com "MI'RAJ", um trabalho que consolida não apenas uma saga iniciada há cinco anos, mas também uma das fases mais criativas de sua carreira solo.
Ambientado no Oriente Médio do século XVI, o álbum acompanha o capítulo final da jornada de Jorge, protagonista que atravessa continentes em busca de Janaína, sequestrada pela misteriosa Ordem da Cruz de Nero. Ao longo da narrativa, temas como fé, identidade, sacrifício, amor e transcendência são explorados através de uma mitologia própria que combina elementos históricos, espirituais e fantásticos. Mais do que uma simples conclusão de enredo, "MI'RAJ" funciona como uma reflexão sobre destino, autoconhecimento e redenção.
Musicalmente, Falaschi amplia ainda mais o escopo apresentado nos dois discos anteriores. O power metal segue sendo a espinha dorsal da obra, mas é constantemente enriquecido por elementos de rock progressivo, música sinfônica, heavy metal tradicional e influências orientais que ajudam a reforçar a identidade do álbum. A produção aposta em uma abordagem cinematográfica, repleta de camadas orquestrais e arranjos minuciosamente construídos, sem sacrificar o peso e a energia característicos do gênero.
A presença de convidados como Roy Khan, Veronica Bordacchini e Rafael Bittencourt acrescenta novas cores à experiência, enquanto a estreia do baterista Jean Gardinalli e a crescente importância criativa do guitarrista Victor Franco ajudam a renovar a dinâmica da banda de apoio.
A abertura de "MI'RAJ", "Watchers of the Light", cumpre perfeitamente sua função de transportar o ouvinte para o universo da obra. Introduzida por elementos musicais inspirados no Oriente Médio, a faixa rapidamente evolui para um power metal grandioso e cinematográfico. A combinação entre riffs velozes, orquestrações exuberantes e corais imponentes cria uma atmosfera de aventura que remete aos melhores momentos do gênero. O refrão possui força suficiente para permanecer na memória logo na primeira audição, enquanto as passagens progressivas demonstram a preocupação da banda em equilibrar técnica e narrativa. É uma introdução impactante que estabelece o tom épico do álbum.
Se a faixa anterior aposta no impacto imediato, "Here I Stand" mergulha em uma construção mais elaborada. Os arranjos progressivos ganham protagonismo, especialmente através da interação entre baixo e bateria, que conduzem mudanças de dinâmica constantes sem comprometer a fluidez da composição. Edu Falaschi entrega uma interpretação segura e expressiva, evitando excessos e priorizando a força melódica. O refrão funciona como ponto de equilíbrio entre complexidade e acessibilidade, mostrando que a sofisticação estrutural não precisa sacrificar o apelo emocional.
A faixa-título "MI'RAJ" é, em muitos aspectos, a síntese da proposta artística do álbum. As influências musicais do norte da África convivem naturalmente com elementos de power metal e rock progressivo, resultando em uma composição rica em detalhes e constantemente mutável. A participação de Veronica Bordacchini acrescenta profundidade e contraste às linhas vocais, ampliando o alcance dramático da música. O trabalho instrumental é igualmente impressionante, alternando momentos de virtuosismo técnico com passagens focadas na construção atmosférica. Não por acaso, trata-se de uma das peças centrais da obra.
Após a intensidade das primeiras faixas, "Echoes of Vows" surge como um dos momentos mais emocionais do álbum. A introdução conduzida pelo piano e pelas orquestrações cria uma atmosfera melancólica e contemplativa que serve de base para uma das interpretações mais sensíveis de Falaschi. Embora se aproxime da estrutura de uma power ballad tradicional, a composição evita clichês ao incorporar uma seção final acelerada que eleva a carga dramática sem soar artificial. Os corais, os arranjos sinfônicos e o excelente solo de guitarra contribuem para transformar a faixa em um dos pontos altos do disco.
Com "Unchained", o álbum mergulha mais profundamente em sua vertente progressiva. A composição desafia constantemente as expectativas do ouvinte através de mudanças rítmicas, arranjos sofisticados e uma construção menos previsível. O protagonismo compartilhado entre baixo, teclados e guitarra reforça a sensação de movimento contínuo, enquanto o refrão oferece um raro momento de estabilidade melódica em meio à complexidade instrumental.
A participação de Wagner Barbosa no saxofone é particularmente inspirada, acrescentando novas texturas sem comprometer a identidade metal da faixa. É uma composição que recompensa audições repetidas.
Provavelmente a maior surpresa de MI'RAJ, "Intuição", rompe momentaneamente com a linguagem predominante do álbum ao incorporar influências da música brasileira e apresentar letra integralmente em português. Longe de soar deslocada, a faixa funciona como um importante momento de introspecção dentro da narrativa.
A participação de Rafael Bittencourt reforça a conexão histórica entre os músicos e adiciona um toque especial ao arranjo. A riqueza melódica do refrão, aliada ao cuidado com os vocais e às contribuições de Thiago Mineiro ao piano, transforma a canção em um dos momentos mais autênticos e emocionantes do disco. É uma ousadia artística que encontra plena justificativa dentro do contexto da obra.
Depois da atmosfera contemplativa de Intuição, "Circle of Dust" devolve ao álbum sua energia mais agressiva. Trata-se de uma das composições mais diretas de "MI'RAJ", construída sobre uma base rítmica veloz e extremamente precisa. O trabalho de Jean Gardinalli merece destaque especial, sustentando a intensidade da faixa sem comprometer sua clareza. A participação de Roy Khan agrega valor emocional ao refrão e cria um interessante contraste entre os timbres vocais. Mesmo dentro de uma estrutura relativamente tradicional, a composição demonstra refinamento suficiente para evitar qualquer sensação de repetição.
Em contraste com a velocidade da faixa anterior, "On Your Own" aposta na emoção e na construção atmosférica. As orquestrações assumem papel central desde os primeiros instantes, criando um cenário ideal para uma interpretação carregada de sentimento. O refrão, impulsionado por um belo coral de inspiração gospel, figura entre os momentos mais memoráveis do álbum. Há uma elegância evidente em todos os aspectos da composição, desde os arranjos até a produção, reforçando a capacidade de Falaschi de construir baladas grandiosas sem recorrer ao sentimentalismo excessivo.
O encerramento da trilogia não poderia acontecer de outra forma. "Wrath Into the War" reúne praticamente todos os elementos que definem o álbum: velocidade, melodias marcantes, corais grandiosos e uma forte carga épica. Desde os primeiros acordes, a composição assume o papel de clímax narrativo e musical da obra.
O refrão é poderoso, os arranjos instrumentais mantêm a tensão elevada durante toda a execução e a sensação de urgência permanece intacta até os momentos finais. Como conclusão, a faixa entrega exatamente o que se espera de um desfecho dessa magnitude: intensidade, emoção e um sentimento de encerramento genuinamente satisfatório.
Ao longo de seus pouco mais de sessenta minutos, "MI'RAJ" demonstra uma rara combinação de ambição artística e capacidade de execução. Poucos músicos do metal brasileiro contemporâneo possuem a confiança necessária para construir uma trilogia conceitual dessa magnitude e, menos ainda, conseguem encerrá-la de maneira satisfatória.
Se "Vera Cruz" representava o início de uma nova fase e Eldorado expandiu seus horizontes narrativos, "MI'RAJ" surge como a obra que une todas as peças do quebra-cabeça. O álbum não apenas entrega alguns dos momentos mais inspirados da carreira solo de Edu Falaschi, como também reforça sua posição entre os principais compositores do heavy metal latino-americano, e mundial, porque não?
Embora a abundância de elementos sinfônicos e progressivos possa exigir mais dedicação do ouvinte em comparação aos trabalhos anteriores, é justamente essa riqueza de detalhes que transforma "MI'RAJ" em uma experiência recompensadora. Trata-se de um disco que valoriza audições repetidas, revelando novas camadas a cada retorno.
Mais do que o encerramento de uma trilogia, "MI'RAJ" representa a consolidação de uma visão artística. É um álbum grandioso, tecnicamente impecável e emocionalmente envolvente, destinado a ocupar lugar de destaque entre os lançamentos mais relevantes do power metal em 2026.
***ENGLISH VERSION***
After reconnecting with his melodic heavy metal roots on Vera Cruz (2021) and expanding his conceptual ambitions with Eldorado (2023), Edu Falaschi brings his epic narrative trilogy to a close with MI'RAJ, an album that not only concludes a saga five years in the making but also cements one of the most creative periods of his solo career.
Set in the Middle East during the 16th century, the album follows the final chapter in the journey of Jorge, a protagonist who crosses continents in search of Janaína, kidnapped by the mysterious Order of the Cross of Nero. Throughout the story, themes such as faith, identity, sacrifice, love, and transcendence are explored through a rich mythology that blends historical, spiritual, and fantastical elements. More than a simple conclusion to a storyline, MI'RAJ serves as a meditation on destiny, self-discovery, and redemption.
Musically, Falaschi further expands the scope established on the previous two albums. Power metal remains the backbone of the record, but it is consistently enriched by elements of progressive rock, symphonic music, traditional heavy metal, and Middle Eastern influences that reinforce the album’s unique identity. The production embraces a cinematic approach, filled with orchestral layers and meticulously crafted arrangements without sacrificing the power and energy that define the genre.
The presence of guest musicians such as Roy Khan, Veronica Bordacchini, and Rafael Bittencourt adds new colors to the experience, while the debut of drummer Jean Gardinalli and the growing creative influence of guitarist Victor Franco help revitalize the dynamic of Falaschi’s backing band.
Opening the album, "Watchers of the Light" perfectly fulfills its role of transporting the listener into the world of MI'RAJ. Introduced by Middle Eastern-inspired musical motifs, the song quickly evolves into a grandiose and cinematic power metal statement. The combination of blazing riffs, lush orchestration, and imposing choirs creates a sense of adventure reminiscent of the genre’s finest moments. The chorus is memorable from the very first listen, while the progressive passages demonstrate the band's commitment to balancing technical prowess with storytelling. It is a powerful opening statement that establishes the album’s epic tone.
If its predecessor relies on immediate impact, "Here I Stand" takes a more intricate approach. Progressive arrangements take center stage, particularly through the interaction between bass and drums, which drive constant shifts in dynamics without disrupting the composition’s flow. Falaschi delivers a confident and expressive performance, avoiding excess in favor of melodic strength. The chorus serves as the perfect meeting point between complexity and accessibility, proving that structural sophistication does not have to come at the expense of emotional resonance.
The title track, "MI'RAJ", is in many ways the definitive statement of the album’s artistic vision. North African influences coexist naturally with elements of power metal and progressive rock, resulting in a composition rich in detail and constantly evolving in scope. Veronica Bordacchini’s guest appearance adds depth and contrast to the vocal arrangements, broadening the song’s dramatic reach. The instrumental work is equally impressive, alternating moments of technical virtuosity with passages focused on atmosphere and mood. Unsurprisingly, it stands as one of the record’s central pillars.
Following the intensity of the opening stretch, "Echoes of Vows" emerges as one of the album’s most emotional moments. The piano-led introduction and sweeping orchestral arrangements establish a melancholic and contemplative atmosphere that supports one of Falaschi’s most heartfelt vocal performances. While the song approaches the structure of a traditional power ballad, it avoids cliché through a climactic accelerated section that elevates the drama without feeling forced. The choirs, symphonic arrangements, and outstanding guitar solo all contribute to making it one of the album’s highlights.
With "Unchained", the album dives deeper into its progressive side. The composition continuously challenges expectations through shifting rhythms, sophisticated arrangements, and a less predictable structure. The shared spotlight between bass, keyboards, and guitar reinforces a sense of perpetual motion, while the chorus provides a rare moment of melodic stability amid the instrumental complexity. Wagner Barbosa’s saxophone contribution is particularly inspired, adding fresh textures without compromising the song’s metal identity. It is a track that reveals new details with every listen.
Arguably the album’s biggest surprise, "Intuição" temporarily breaks away from the prevailing musical language by incorporating Brazilian influences and featuring lyrics sung entirely in Portuguese. Far from feeling out of place, the song functions as an important moment of introspection within the narrative. Rafael Bittencourt’s participation reinforces the long-standing connection between the musicians while adding an extra layer of significance to the arrangement. The richness of the chorus, combined with carefully crafted vocal harmonies and Thiago Mineiro’s elegant piano work, transforms the song into one of the album’s most authentic and emotionally rewarding moments. It is a bold artistic choice that finds full justification within the broader context of the record.
After the contemplative atmosphere of "Intuição", "Circle of Dust" restores the album’s more aggressive energy. One of the most straightforward compositions on MI'RAJ, it is built upon a fast and exceptionally precise rhythmic foundation. Jean Gardinalli deserves special recognition for sustaining the song’s intensity without sacrificing clarity. Roy Khan’s guest appearance adds emotional weight to the chorus while creating an intriguing contrast between the vocal timbres. Even within a relatively traditional structure, the song displays enough refinement to avoid any sense of repetition.
In contrast to the speed of its predecessor, "On Your Own" places its focus firmly on emotion and atmosphere. Orchestral arrangements take center stage from the outset, creating the ideal backdrop for one of Falaschi’s most heartfelt performances. Driven by a beautiful gospel-inspired choir, the chorus ranks among the album’s most memorable moments. There is a clear elegance in every aspect of the composition, from the arrangements to the production, further demonstrating Falaschi’s ability to craft grandiose ballads without descending into sentimentality.
The trilogy could hardly have ended in a more fitting fashion than with "Wrath Into the War". The closing track encapsulates nearly everything that defines the album: speed, memorable melodies, towering choirs, and a strong epic sensibility. From its opening moments, the song assumes the role of both narrative and musical climax. The chorus is powerful, the instrumental arrangements sustain tension throughout, and the sense of urgency remains intact until the final note. As a conclusion, it delivers exactly what one would expect from a finale of this scale: intensity, emotion, and a genuinely satisfying sense of closure.
Across its slightly more than sixty-minute running time, MI'RAJ showcases a rare combination of artistic ambition and execution. Few figures in contemporary Brazilian metal possess the confidence required to build a conceptual trilogy of this magnitude, and even fewer manage to bring it to such a convincing conclusion.
If Vera Cruz marked the beginning of a new chapter and Eldorado expanded its narrative horizons, MI'RAJ is the work that brings every piece of the puzzle together. Not only does it contain some of the finest moments of Edu Falaschi’s solo career, but it also reinforces his standing as one of the leading composers in Latin American heavy metal—and arguably on the global stage as well.
While the abundance of symphonic and progressive elements may demand greater attention from the listener compared to its predecessors, it is precisely this wealth of detail that makes MI'RAJ such a rewarding experience. This is an album that benefits enormously from repeated listens, revealing new layers and nuances with each return.
More than simply the conclusion of a trilogy, MI'RAJ represents the consolidation of an artistic vision. Grand in scope, technically impeccable, and emotionally engaging, it stands as one of the most significant power metal releases of 2026.
Desde que iniciou sua carreira solo após deixar o Nightwish, Tarja Turunen construiu uma discografia marcada pela constante busca por equilíbrio entre metal, música clássica e experimentação. Em Frisson Noir, seu mais novo álbum de estúdio, a cantora finlandesa parece finalmente reunir todas as facetas de sua identidade artística em uma obra coesa, madura e profundamente pessoal. O resultado é um trabalho que remete tanto à grandiosidade de My Winter Storm (2007) quanto ao peso de What Lies Beneath (2010), mas com uma personalidade própria que o coloca entre os pontos mais altos de sua trajetória solo.
Em Frisson Noir, a artista parece olhar para toda essa trajetória e transformá-la em arte. Descrito pela própria Tarja como um de seus trabalhos mais pessoais, o álbum mergulha em temas ligados à memória, identidade, emoções e experiências que moldaram sua visão de mundo. O próprio título sugere uma dualidade entre fascínio e escuridão, beleza e melancolia, elementos que acompanham Tarja desde os primeiros passos de sua carreira e que aqui encontram uma de suas expressões mais maduras.
O disco abre com uma breve introdução instrumental que funciona como um portal para a experiência proposta por Tarja. Sons meditativos, sinos que evocam atmosferas orientais e uma ambientação quase hipnótica conduzem o ouvinte para dentro do universo do álbum.
A faixa-título, "Frisson Noir", surge logo em seguida e estabelece o tom da obra. Iniciando de forma intimista através do piano, a composição cresce gradualmente até explodir em riffs marcantes e passagens orquestrais grandiosas. É uma música pesada, envolvente e carregada de tensão dramática, condensando em poucos minutos tudo aquilo que faz o metal sinfônico funcionar tão bem.
"The Eternal Return" aposta em contrastes inteligentes. A canção começa com intensidade, mas interrompe abruptamente sua agressividade para mergulhar em uma passagem operística delicada e intimista. A transição é executada com naturalidade e demonstra o domínio que Tarja possui sobre dinâmica e narrativa musical, antes de a faixa retornar ao peso para um desfecho impactante.
Um dos momentos mais aguardados do álbum é "Leap of Faith", que marca mais uma colaboração entre Tarja e Marko Hietala. É impossível não sentir certa nostalgia ao ouvir os dois dividindo os vocais novamente. O timbre rouco e característico de Marko complementa perfeitamente a voz lírica de Tarja, criando uma química que permanece intacta. Somado às orquestrações exuberantes e aos riffs pesados, o resultado é uma das faixas mais grandiosas do disco.
Em "At Sea", a artista explora de maneira brilhante sua ligação com a música clássica, contando com as participações especiais de Mervi Myllyoja no violino e Nikolas Pokki no piano. Eles conduzem uma atmosfera elegante que remete a uma apresentação erudita, enquanto o metal surge como elemento complementar e não como protagonista absoluto. O violino assume papel fundamental na construção emocional da faixa, culminando em um encerramento onde instrumentos e voz se fundem de forma magistral.
"The Trace Outlives" é uma das faixas mais pesadas do álbum e conta com a participação de Sayo Komada no shamisen, instrumento tradicional japonês que contribui para a construção de uma ambientação inspirada na cultura do país. A composição faz referência ao fenômeno conhecido como "Johatsu" termo que significa "evaporação" e é utilizado para descrever pessoas que desaparecem voluntariamente sem deixar rastros no Japão.
No entanto, a música utiliza esse conceito como uma metáfora para questões relacionadas à saúde mental e às marcas emocionais que permanecem mesmo após o desaparecimento físico, algo reforçado pelo videoclipe. O tema despertou o interesse de Tarja e serviu como ponto de partida para uma composição que incorpora elementos tradicionais orientais sem perder sua identidade metálica.
O resultado é uma faixa sombria e intrigante, cuja atmosfera e melodia chegam a remeter, em alguns momentos, a "Smooth Criminal", clássico de Michael Jackson. O videoclipe amplia ainda mais essa sensação imersiva.
"Tango", que tem a participação especial do Apocalyptica, revela outra faceta da cantora. Funcionando como uma homenagem à Argentina, país pelo qual Tarja nutre profundo carinho e onde viveu durante anos, a faixa mistura influências latinas e eruditas com grande naturalidade. É também uma das músicas que melhor evidenciam o caráter autobiográfico presente ao longo de todo o álbum.
Após tantos momentos grandiosos, "Anemoia" surge como uma pausa necessária. A balada deposita sua força na interpretação emocional da cantora e no delicado trabalho do violão, criando uma das composições mais belas e sensíveis do repertório. Aqui, o peso não está nos riffs, mas na emoção transmitida por cada nota.
Já "I Don't Care" traz uma colaboração inesperada e extremamente bem-sucedida com Dani Filth. Os elementos sombrios e quase industriais dialogam perfeitamente com a estética do vocalista, enquanto Tarja mantém o caráter épico da composição. O contraste entre as vozes cria momentos memoráveis, reforçados por um refrão intenso, uma atmosfera envolvente e um solo que acrescenta ainda mais profundidade emocional à música.
"Against the Odds" conta com a participação especial de Chad Smith, baterista do Red Hot Chili Peppers, que imprime à faixa o groove característico de seu estilo sem comprometer a essência sinfônica de Tarja. A música funciona perfeitamente como o capítulo final da narrativa proposta pelo álbum, amarrando seus temas centrais e reforçando a identidade sonora da artista. Seu desfecho não poderia ser mais épico: grandioso, emocionante e digno dos créditos finais de um filme, encerrando a jornada de forma memorável.
"Outro" retoma os elementos da introdução e fecha o ciclo iniciado na abertura. Se a intro funciona como um convite para entrar no universo criado por Tarja, o desfecho atua como um despertar gradual, conduzindo o ouvinte de volta à realidade após uma jornada musical imersiva.
Se fosse necessário definir Frisson Noir em apenas uma palavra, ela seria: imersivo. Cada elemento do álbum — dos arranjos orquestrais aos riffs, dos videoclipes às interpretações vocais — contribui para criar uma experiência que vai além da simples audição. Tarja entrega um trabalho que reúne o melhor de suas diferentes fases, ao mesmo tempo em que demonstra coragem para explorar novos caminhos.
Frisson Noir é mais do que um álbum de metal sinfônico: é uma declaração artística de uma artista que continua expandindo seus horizontes criativos após décadas de carreira. Um disco ambicioso, pessoal e executado com excelência, que certamente figura entre os momentos mais inspirados de sua discografia solo e merece ser apreciado do início ao fim. O resultado é uma obra cinematográfica, intensa e emocionalmente envolvente, que reafirma por que Tarja continua sendo uma das vozes mais importantes e influentes do metal sinfônico.
***ENGLISH VERSION***
Since launching her solo career after leaving Nightwish, Tarja Turunen has built a discography defined by a constant pursuit of balance between metal, classical music, and experimentation. On Frisson Noir, her latest studio album, the Finnish singer finally seems to bring together every facet of her artistic identity into a cohesive, mature, and deeply personal work. The result is an album that recalls both the grandeur of My Winter Storm (2007) and the heaviness of What Lies Beneath (2010), while possessing a distinct personality that places it among the finest achievements of her solo career.
On Frisson Noir, Tarja appears to reflect upon her entire journey and transform it into art. Described by the artist herself as one of her most personal works, the album dives into themes of memory, identity, emotions, and experiences that have shaped her worldview. Even the title suggests a duality between fascination and darkness, beauty and melancholy—elements that have accompanied Tarja since the earliest stages of her career and that find one of their most mature expressions here.
The album opens with a brief instrumental introduction that serves as a gateway into the experience Tarja has crafted. Meditative sounds, bells evoking Eastern atmospheres, and an almost hypnotic ambiance guide the listener into the album's universe.
The title track, "Frisson Noir," arrives shortly afterward and establishes the tone of the record. Beginning intimately with piano, the composition gradually builds before erupting into powerful riffs and grand orchestral passages. It is a heavy, captivating piece filled with dramatic tension, condensing into a few minutes everything that makes symphonic metal so effective.
"The Eternal Return" thrives on intelligent contrasts. The song begins with intensity but abruptly interrupts its aggression to plunge into a delicate and intimate operatic passage. The transition is executed naturally and demonstrates Tarja's mastery of dynamics and musical storytelling before the track returns to its heavier side for an impactful conclusion.
One of the album's most anticipated moments is "Leap of Faith," which marks another collaboration between Tarja and Marko Hietala. It's impossible not to feel a sense of nostalgia hearing the two share vocals once again. Marko's rough and distinctive voice perfectly complements Tarja's operatic style, creating a chemistry that remains as strong as ever. Combined with lush orchestration and crushing riffs, the result is one of the album's most majestic tracks.
On "At Sea," Tarja brilliantly explores her connection to classical music, joined by special guests Mervi Myllyoja on violin and Nikolas Pokki on piano. Together, they create an elegant atmosphere reminiscent of a classical performance, while metal serves as a complementary element rather than the primary focus. The violin plays a fundamental role in shaping the song's emotional landscape, culminating in a finale where voice and instruments merge beautifully.
"The Trace Outlives" is one of the heaviest songs on the album and features Sayo Komada on the shamisen, a traditional Japanese instrument that helps create an atmosphere inspired by Japanese culture. The composition references the phenomenon known as "Johatsu"—a term meaning "evaporation" that is used to describe people who voluntarily disappear without leaving a trace in Japan.
However, the song uses this concept as a metaphor for mental health struggles and the emotional scars that remain even after physical absence, an idea further reinforced by the music video.
The theme sparked Tarja's interest and served as the starting point for a composition that incorporates traditional Eastern elements without sacrificing its metallic identity. The result is a dark and intriguing track whose atmosphere and melody occasionally evoke "Smooth Criminal," Michael Jackson's classic hit. The music video further enhances the song's immersive quality.
"Tango," featuring a special appearance by Apocalyptica, reveals another side of the singer. Functioning as a tribute to Argentina—a country for which Tarja holds deep affection and where she lived for many years—the song blends Latin and classical influences with remarkable naturalness. It is also one of the tracks that best highlights the autobiographical character present throughout the album.
After so many grand moments, "Anemoia" arrives as a welcome pause. The ballad draws its strength from Tarja's emotional performance and delicate acoustic guitar work, creating one of the most beautiful and sensitive compositions on the record. Here, the weight lies not in the riffs but in the emotion conveyed through every note.
"I Don't Care" brings an unexpected and highly successful collaboration with Dani Filth. The dark, almost industrial elements blend perfectly with the vocalist's aesthetic, while Tarja preserves the song's epic character. The contrast between their voices creates memorable moments, reinforced by an intense chorus, an engaging atmosphere, and a solo that adds even more emotional depth to the track.
"Against the Odds" features a special appearance by Chad Smith, drummer of the Red Hot Chili Peppers, who injects the song with his signature groove without compromising Tarja's symphonic essence. The track works perfectly as the final chapter of the album's narrative, tying together its central themes while reinforcing the artist's sonic identity. Its conclusion could not be more epic: grand, emotional, and worthy of a film's closing credits, bringing the journey to a memorable end.
"Outro" revisits the elements introduced in the opening track and closes the cycle that began at the album's start. If the intro serves as an invitation into Tarja's universe, the finale acts as a gradual awakening, guiding the listener back to reality after an immersive musical journey.
If Frisson Noir had to be defined in a single word, it would be: immersive. Every element of the album—from the orchestral arrangements and riffs to the music videos and vocal performances—contributes to an experience that goes far beyond simple listening. Tarja delivers a work that gathers the finest aspects of her different creative phases while simultaneously demonstrating the courage to explore new directions.
Frisson Noir is more than a symphonic metal album; it is an artistic statement from a musician who continues to expand her creative horizons after decades of performing. An ambitious, personal, and masterfully executed record, it undoubtedly ranks among the most inspired moments of her solo discography and deserves to be experienced from beginning to end.
The result is a cinematic, intense, and emotionally engaging work that reaffirms why Tarja remains one of the most important and influential voices in symphonic metal.
Dan Byrne chega ao seu aguardado álbum de estreia, This Is Where The Show Begins, após uma ascensão meteórica na cena rock britânica. Impulsionado pelo sucesso do EP Beginnings, por uma intensa agenda de shows e pelo apoio consistente da rádio Planet Rock, o cantor e compositor apresenta um trabalho que combina a energia do hard rock contemporâneo com uma sensibilidade emocional genuína. Repleto de personalidade, melodias marcantes e interpretações vocais arrebatadoras, o disco revela um artista disposto a transitar entre força e vulnerabilidade sem comprometer sua identidade. Mais do que um cartão de visitas, este álbum soa como a declaração de intenções de um nome que tem potencial para ocupar espaço de destaque no rock moderno.
A abertura com “Saviour” estabelece imediatamente as bases do trabalho. Trata-se de um hard rock moderno sustentado por guitarras encorpadas, baixo pulsante e uma performance vocal intensa. Influências são facilmente identificáveis — especialmente ecos de Soundgarden e da escola vocal de Chris Cornell — mas Byrne evita a armadilha da mera imitação. Há uma clara intenção de romper fórmulas tradicionais, combinando elementos de diferentes vertentes do rock de maneira orgânica e convincente.
“She’s The Devil” mantém parte do peso sonoro da faixa de abertura, mas desloca o foco para a construção melódica. O destaque absoluto continua sendo a voz de Byrne, que domina a canção com naturalidade. A seção rítmica trabalha de forma eficiente, especialmente o baixo e a bateria, enquanto o solo de guitarra introduz uma estética mais clássica em contraste com a produção contemporânea. O resultado é uma faixa que equilibra agressividade e acessibilidade com competência.
A terceira faixa, “Praise Hell”, representa a primeira grande mudança de atmosfera do álbum. Com influências evidentes do gospel norte-americano, a composição desacelera o andamento e amplia o espaço para a interpretação vocal. Os teclados assumem papel central na condução da melodia, enquanto elementos de groove enriquecem a dinâmica instrumental. É uma canção que demonstra maturidade na construção dos arranjos e impede que o álbum caia na previsibilidade. Além disso, oferece um dos momentos mais expressivos para Byrne exibir a amplitude e o controle de sua voz.
Em “Sober”, o artista amplia ainda mais o espectro sonoro do disco. A faixa parte de uma base hard rock relativamente tradicional, mas evolui para um refrão moderno, pesado e extremamente melódico. É um excelente exemplo da capacidade de Byrne em fundir referências distintas sem perder coerência. Os timbres foram cuidadosamente selecionados para valorizar o vocal, reforçando uma característica recorrente ao longo de toda a obra: a produção está sempre a serviço da canção.
O peso retorna com força em “Cherry & Leather”, uma das composições mais agressivas do álbum. Elementos eletrônicos aparecem de maneira estratégica, complementando — e não substituindo — a instrumentação orgânica. Em alguns momentos, Byrne remete à expressividade de Corey Glover, do Living Colour, influência clara do cantor. O baixo distorcido cria uma base sólida e moderna, enquanto guitarras e sintetizadores dialogam de forma interessante, ampliando as possibilidades sonoras do trabalho.
“Death Of Me” surge como um dos pontos altos do disco. Construída sobre um piano sombrio e uma base rítmica econômica, a canção cresce gradualmente até alcançar um refrão de proporções épicas. A composição impressiona pelo equilíbrio entre emoção e sofisticação. Camadas vocais, efeitos utilizados com parcimônia e uma instrumentação que alterna peso e delicadeza fazem desta uma faixa rica em detalhes. É o tipo de música que revela novos elementos a cada audição, demonstrando um cuidado composicional acima da média.
A sequência mantém o alto nível com “Temple”, que aposta em uma abordagem mais introspectiva. Piano, baixo e voz conduzem os versos antes da explosão de um refrão altamente memorável. Pequenos elementos de gospel aparecem novamente nos arranjos vocais, enriquecendo a textura da música sem soar excessivos. Byrne demonstra excelente controle interpretativo, explorando nuances emocionais que reforçam a força da composição.
“Pulling Me Under” une timbres clássicos de guitarra a uma base rítmica moderna dominada pelo baixo distorcido. A dualidade entre tradição e contemporaneidade define a essência da faixa. Enquanto versos e refrão remetem ao hard rock clássico por meio dos coros e harmonizações vocais, a produção mantém uma sonoridade atual. O refrão possui caráter grandioso, e Byrne entrega uma de suas melhores performances em todo o álbum.
Com “Hate Me”, surgem influências claras do rock britânico e norte-americano do início dos anos 2000. A combinação de teclados atmosféricos, guitarras pesadas e refrão marcante cria uma sonoridade familiar, mas eficiente. O mérito da faixa está justamente na contenção: Byrne evita excessos, utilizando backing vocals e efeitos apenas quando realmente contribuem para a construção da música. O resultado é uma composição moderna e equilibrada.
O encerramento fica por conta de “Home”, que sintetiza boa parte dos elementos apresentados ao longo do disco. Um coral gospel introduz a faixa antes da entrada de guitarras, baixo e bateria em uma explosão de energia. Os versos recuam para criar contraste, permitindo que o refrão alcance impacto máximo. Trata-se de um fechamento emocionalmente forte e musicalmente representativo, deixando a sensação de que a jornada foi cuidadosamente planejada do início ao fim.
This Is Where The Show Begins cumpre com folga aquilo que se espera de um álbum de estreia: apresenta a identidade do artista, evidencia suas qualidades e aponta caminhos promissores para o futuro. Embora algumas influências sejam facilmente perceptíveis, Dan Byrne demonstra personalidade suficiente para evitar o rótulo de simples discípulo de seus ídolos. Seu mérito está justamente na capacidade de absorver elementos do hard rock, do rock alternativo, do gospel e até de abordagens mais modernas de produção, transformando tudo isso em algo coeso e contemporâneo.
O álbum olha para frente. É um trabalho que desafia classificações fáceis, equilibra acessibilidade e profundidade e confirma Dan Byrne como uma das vozes mais interessantes da nova geração do rock britânico. Um debut sólido, ambicioso e, acima de tudo, autenticamente apaixonado pela música que celebra.
***ENGLISH VERSION***
Dan Byrne arrives at his highly anticipated debut album, This Is Where The Show Begins, following a meteoric rise on the British rock scene. Fueled by the success of the Beginnings EP, an extensive touring schedule, and strong support from Planet Rock radio, the singer-songwriter delivers a record that combines the energy of contemporary hard rock with genuine emotional depth. Packed with personality, memorable melodies, and captivating vocal performances, the album reveals an artist willing to balance power and vulnerability without compromising his identity. More than just an introduction, this record feels like a statement of intent from a musician with the potential to become a major force in modern rock.
Opening track “Saviour” immediately establishes the album’s foundations. Built on muscular guitars, a driving bass line, and an intense vocal performance, it showcases modern hard rock at its finest. Influences are easy to spot—particularly echoes of Soundgarden and the vocal legacy of Chris Cornell—but Byrne avoids the trap of simple imitation. Instead, he demonstrates a clear desire to break away from traditional formulas, blending elements from different branches of rock in an organic and convincing manner.
“She’s The Devil” retains much of the weight of the opener while shifting the focus toward melody. Byrne’s voice remains the undeniable centerpiece, commanding the song with effortless authority. The rhythm section performs admirably, particularly the bass and drums, while the guitar solo introduces a more classic-rock aesthetic that contrasts effectively with the contemporary production. The result is a track that balances aggression and accessibility with confidence.
The album’s third track, “Praise Hell” marks the first major shift in atmosphere. Drawing heavily from American gospel influences, the song slows the pace and creates more room for vocal expression. Keyboards take center stage in driving the melody, while subtle groove elements enrich the instrumental dynamics. It is a composition that demonstrates maturity in its arrangement and prevents the album from becoming predictable. More importantly, it offers one of the record’s finest showcases of Byrne’s vocal range and control.
With “Sober” Byrne broadens the album’s sonic palette even further. The track begins with a relatively traditional hard rock foundation before evolving into a modern, heavy, and highly melodic chorus. It is an excellent example of Byrne’s ability to merge diverse influences without sacrificing cohesion. Every sound appears carefully selected to enhance the vocal performance, reinforcing a recurring theme throughout the album: the production always serves the song rather than overshadowing it.
The heaviness returns in full force with “Cherry & Leather” one of the album’s most aggressive compositions. Electronic elements are incorporated strategically, complementing rather than replacing the organic instrumentation. At times, Byrne’s delivery recalls the expressive power of Living Colour’s Corey Glover, a clear influence on the singer. Distorted bass lines provide a modern and powerful foundation while guitars and synthesizers interact effectively, expanding the album’s sonic possibilities.
“Death Of Me” emerges as one of the album’s standout moments. Built around a dark piano motif and a restrained rhythm section, the song gradually builds toward an epic chorus. The composition impresses through its balance of emotion and sophistication. Layered vocals, carefully applied effects, and instrumentation that shifts seamlessly between heaviness and delicacy make this a remarkably detailed piece. It is the kind of song that reveals new nuances with every listen, highlighting a level of compositional craftsmanship that rises above the norm.
The quality remains high with “Temple” which embraces a more introspective approach. Piano, bass, and vocals guide the verses before giving way to a highly memorable chorus. Subtle gospel influences reappear in the vocal arrangements, enriching the texture without feeling excessive. Byrne demonstrates excellent interpretive control, exploring emotional nuances that further strengthen the song’s impact.
“Pulling Me Under” combines classic guitar tones with a modern rhythm section driven by distorted bass. This duality between tradition and contemporary sensibilities defines the track’s identity. While the verses and chorus evoke classic hard rock through their vocal harmonies and backing arrangements, the production maintains a thoroughly modern character. The chorus feels grand and expansive, while Byrne delivers one of his strongest vocal performances on the entire album.
With “Hate Me” clear influences from early-2000s British and American rock come to the forefront. Atmospheric keyboards, heavy guitars, and a memorable chorus create a familiar yet effective sound. The track’s greatest strength lies in its restraint: Byrne avoids overindulgence, employing backing vocals and effects only when they genuinely contribute to the song’s structure. The result is a balanced and contemporary composition.
Closing track “Home” brings together many of the elements explored throughout the album. A gospel choir introduces the song before guitars, bass, and drums erupt with dramatic force. The verses pull back to create contrast, allowing the chorus to achieve maximum impact. It serves as an emotionally powerful and musically representative conclusion, leaving the impression that the entire journey has been carefully planned from beginning to end.
This Is Where The Show Begins comfortably fulfills everything one expects from a debut album: it establishes the artist’s identity, showcases his strengths, and points toward an exciting future. While some influences are unmistakable, Dan Byrne possesses more than enough personality to avoid being dismissed as merely following in the footsteps of his heroes. His greatest achievement lies in his ability to absorb elements of hard rock, alternative rock, gospel, and even modern production techniques, transforming them into something cohesive and contemporary.
Rather than looking backward, this album looks firmly ahead. It is a work that defies easy categorization, balances accessibility with depth, and confirms Dan Byrne as one of the most intriguing voices emerging from the new generation of British rock. A strong, ambitious debut and, above all, a record that radiates a genuine passion for the music it celebrates.
Com Mournbraid, os suecos do Evermore dão um passo decisivo em sua evolução artística e reforçam sua posição entre os nomes mais promissores da nova geração do power metal europeu. Em seu terceiro álbum de estúdio, o trio amplia a fórmula apresentada nos trabalhos anteriores ao combinar a velocidade e a agressividade características do gênero com um refinado senso melódico, refrães memoráveis e uma abordagem lírica mais madura, focada nos conflitos internos e nas fragilidades da condição humana.
Sustentado por uma produção ampla
e cristalina, Mournbraid encontra um equilíbrio convincente entre peso,
emoção e grandiosidade. O resultado é um álbum que respeita as tradições do
power metal sem soar preso ao passado, explorando novas nuances dentro de uma
identidade já bem estabelecida.
A introdução instrumental "The
Void" estabelece imediatamente a atmosfera épica do disco. Construída
sobre camadas de teclados sinfônicos e percussão cinematográfica, a faixa
funciona como uma abertura solene para a explosiva "Underdark".
A primeira composição completa do álbum apresenta todos os elementos que
definem o som do Evermore: riffs velozes, bateria incansável, melodias
grandiosas e uma performance vocal impressionante, marcada por agudos extremos
executados com notável controle técnico. O refrão surge como um dos primeiros
grandes momentos do disco, enquanto os teclados acrescentam profundidade sem
competir com o peso das guitarras.
"Nightstar Odyssey"
reduz ligeiramente a velocidade, mas preserva intacta a sensação de
grandiosidade. A influência do Edguy da fase inicial é perceptível,
especialmente na combinação entre melodias heroicas e refrães expansivos. A
dinâmica mais variada da composição permite que a banda explore diferentes
atmosferas sem comprometer a coesão da faixa.
Acelerando novamente o andamento,
"Titans" remete diretamente à energia dos primeiros trabalhos
do Helloween. A agressividade dos riffs e os vocais sobrepostos evocam a escola
germânica do power metal, enquanto o refrão incorpora elementos mais modernos
que aproximam a canção de nomes como HammerFall, Edguy e Avantasia. As mudanças
de andamento e os momentos mais contemplativos demonstram uma maturidade
composicional que impede a faixa de se tornar apenas mais um exercício de
velocidade.
"Oath Of Apathy"
introduz uma atmosfera mais sombria e contemplativa. O protagonismo inicial do
baixo e dos teclados cria uma tensão interessante antes da entrada das
guitarras. Aqui, o Evermore demonstra habilidade para construir camadas sonoras
mais sofisticadas, aproximando-se novamente de certas características do Edguy
da era Vain Glory Opera até Mandrake, mas com uma abordagem mais
pesada e contemporânea. O refrão figura entre os mais fortes do álbum,
sustentado por um excelente trabalho de harmonização vocal.
A sequência central do disco
mantém o alto nível. "The Illusionist (Raise The Curtain)"
aposta em uma abordagem mais teatral, reforçando as inevitáveis comparações com
o Avantasia dos primeiros anos. Ainda assim, o Evermore evita cair na mera
imitação ao imprimir personalidade própria às composições. O uso de teclados
simulando sinos acrescenta dramaticidade à música, enquanto a bateria se
destaca não apenas pela precisão técnica, mas também pela criatividade de suas
viradas e acentuações.
"Armored Will"
apresenta uma faceta mais agressiva da banda. Com menos ornamentações vocais e
um foco maior nos riffs, a música estabelece uma ponte eficiente entre o heavy
metal tradicional e o power metal moderno. Essa mudança de perspectiva
contribui para a diversidade do álbum e evita a sensação de repetição que
frequentemente afeta trabalhos excessivamente homogêneos do gênero.
"Ravens At The
Gates" segue caminho semelhante, flertando inicialmente com o heavy
metal tradicional antes de revelar sua verdadeira natureza power metal através
de um refrão expansivo e altamente melódico. A influência de bandas como Primal
Fear pode ser percebida na construção dos riffs e na abordagem mais musculosa
das guitarras, mas a composição mantém identidade própria graças ao excelente
trabalho melódico.
A faixa-título representa o
momento mais ambicioso e agressivo do disco. "Mournbraid"
incorpora elementos que extrapolam os limites tradicionais do power metal,
flertando ocasionalmente com o death metal melódico da fase clássica do In
Flames e até com a agressividade do thrash metal germânico de Kreator e
Destruction. Apesar dessa diversidade de influências, a composição jamais perde
sua essência melódica. O resultado é uma das músicas mais complexas e
impressionantes do álbum, destacando especialmente o trabalho da bateria e das
guitarras.
Encerrando a edição com faixa
bônus, "Old Man's Tale" oferece um contraste bem-vindo. A
balada combina piano, teclados sinfônicos e uma interpretação vocal carregada
de emoção, funcionando como um epílogo elegante após a intensidade da jornada
anterior.
Mais do que uma simples
celebração dos elementos clássicos do power metal, Mournbraid demonstra
que o Evermore possui talento suficiente para dialogar com o legado dos grandes
nomes do gênero sem se tornar refém dele. Embora as influências sejam
evidentes, a banda consegue integrá-las a uma identidade própria, apoiada por
composições sólidas, excelente execução técnica e uma produção de alto nível.
Em um cenário frequentemente saturado por fórmulas repetitivas, o Evermore
entrega um álbum vibrante, inspirado e extremamente consistente — um dos
lançamentos mais fortes do power metal europeu em 2026.
***ENGLISH VERSION***
With Mournbraid, Swedish power metal
outfit Evermore take a decisive step forward in their artistic evolution,
further cementing their status as one of the most promising acts of the new
European power metal generation. On their third studio album, the trio expands
upon the foundations laid by their previous releases, combining the speed and
aggression that define the genre with a refined melodic sensibility, memorable
choruses, and a more mature lyrical approach centered on inner struggles and
the complexities of the human condition.
Backed by a massive yet crystal-clear
production, Mournbraid strikes a convincing balance between heaviness,
emotion, and grandeur. The result is an album that honors power metal’s
traditions without sounding trapped by them, exploring new shades and textures
within a well-established musical identity.
Instrumental opener “The Void”
immediately establishes the album’s epic atmosphere. Built around layers of
symphonic keyboards and cinematic percussion, the track serves as a solemn
introduction to the explosive “Underdark.” The album’s first full
composition showcases everything that defines Evermore’s sound: lightning-fast
riffs, relentless drumming, soaring melodies, and a remarkable vocal
performance marked by sky-high notes delivered with impressive technical
control. The chorus emerges as one of the record’s first standout moments,
while the keyboards add depth without ever overshadowing the crushing guitar
work.
“Nightstar Odyssey” eases off the accelerator slightly while
preserving the album’s sense of grandeur. Early-era Edguy influences are
evident, particularly in the combination of heroic melodies and expansive
choruses. The song’s more dynamic structure allows the band to explore
different moods without sacrificing cohesion.
Picking up the pace once again, “Titans”
channels the energy of Helloween’s formative years. The aggressive riffing and
layered vocals evoke the classic German power metal school, while the chorus
incorporates more modern elements that bring to mind bands such as HammerFall,
Edguy, and Avantasia. Changes in tempo and more reflective passages reveal a
compositional maturity that elevates the track beyond a simple exercise in
speed and technicality.
“Oath Of Apathy” introduces a darker, more contemplative
atmosphere. The prominent role of bass and keyboards during the opening moments
creates a compelling sense of tension before the guitars enter. Here, Evermore
demonstrate an ability to build more sophisticated sonic textures, recalling
aspects of Edguy’s Vain Glory Opera to Mandrake era, albeit
through a heavier and more contemporary lens. The chorus ranks among the
album’s strongest, supported by outstanding vocal harmonies.
The album’s central section maintains the high
standard. “The Illusionist (Raise The Curtain)” embraces a more
theatrical approach, inevitably inviting comparisons with early Avantasia.
Nevertheless, Evermore avoid mere imitation by injecting the song with their
own personality. The use of bell-like keyboard textures adds an extra layer of
drama, while the drumming stands out not only for its precision but also for
the creativity of its fills and accents.
“Armored Will” showcases a more aggressive side of the band.
With fewer vocal embellishments and a stronger emphasis on riff-driven
songwriting, the track builds an effective bridge between traditional heavy
metal and modern power metal. This shift in perspective contributes to the
album’s diversity and helps prevent the sense of repetition that often affects
overly homogeneous releases within the genre.
“Ravens At The Gates” follows a similar path, initially
flirting with traditional heavy metal before revealing its true power metal
nature through a soaring and highly melodic chorus. The influence of bands such
as Primal Fear can be heard in the muscular guitar work and riff construction,
yet the song maintains its own identity thanks to its strong melodic focus.
The title track represents the album’s most
ambitious and aggressive moment. “Mournbraid” pushes beyond the
traditional boundaries of power metal, occasionally flirting with the melodic
death metal of classic-era In Flames and even the ferocity of German thrash
legends Kreator and Destruction. Despite this broad range of influences, the
song never loses sight of its melodic core. The result is one of the album’s
most complex and impressive compositions, with particularly outstanding
performances from both the rhythm section and the guitarists.
Closing the special edition, bonus track “Old
Man’s Tale” provides a welcome contrast. The ballad combines piano,
symphonic keyboards, and an emotionally charged vocal performance, serving as
an elegant epilogue after the intensity of the preceding journey.
More than a celebration of power metal’s
classic elements, Mournbraid demonstrates that Evermore possess the
talent and vision required to engage with the genre’s legacy without becoming
constrained by it. While the influences are clear, the band successfully
integrates them into a distinctive identity built on strong songwriting,
exceptional musicianship, and first-class production. In a landscape often
saturated by formulaic releases, Evermore deliver a vibrant, inspired, and
remarkably consistent record—one of the strongest European power metal albums
of 2026.
A banda GODTHRYMM foi formada em 2017, em Halifax na Inglaterra, e traz neste seu novo álbum, “Projections”, o terceiro da banda, uma consolidação de um time que conta com veteranos do Doom Metal inglês, como Hamish Hamilton Glencross e Shaun Taylor-Steels, cujos currículos exibem nomes como: My Dying Bride, Anathema, Solstice, Vallenfyre.
E expandindo esse time, temos Bob Crolla ("Sasquatch Bob") no baixo, além disso a banda enriqueceu sua sonoridade adicionando Catherine Glencross (teclados e vocais) e, mais recentemente, Kris McLaughlin (guitarras).
Com uma sonoridade bem trabalhada e com influências das bandas citadas acima, é notório a qualidade e todo o cuidado com cada faixa, cada linha instrumental, resultando em um Doom Metal complexo, e profundo, e provavelmente no álbum mais agressivo do grupo.
A bateria tem uma pegada bem cadenciada, e os vocais marcantes se destacam, inclusive tendo lindas partes em que Catherine Glencross nos brinda com sua voz. O contrabaixo muito preciso e guitarras em tons de afinações originais, ainda assim, lembrando as influências musicais que já esperamos dentro do estilo.
Com seu Doom da escola inglesa, nos submerge em sonoridades oníricas, com as letras que nos levam para uma grande reflexão sobre nossos próprios pensamentos sobre a vida, as perdas, e até mesmo a esperança.
Destaco músicas como: “The Sun Never Fell”, com sua beleza melancólica, onde os vocais mais limpos e melodiosos dos Glencross se complementam; "Endure My Skin”, que traz como convidado Aaron Stainthorpe, o que dá ainda mais possibilidades nas variações vocais em meio a densidade soturna, etérea e também agressiva; e “Jewels”, destacando as tocantes melodias no piano e guitarras pesadas, que criam a cama perfeita para os vocais de Catherine, que soam ora suaves, ora dramáticos.
Como um todo, “Projections” é notório e merece a atenção devida aos fãs e novos ouvintes.
********ENGLISH VERSION**********
The band GODTHRYMM was formed in 2017 in Halifax, England, and their new album, "Projections," their third, consolidates a lineup that includes veterans of English Doom Metal such as Hamish Hamilton Glencross and Shaun Taylor-Steels, whose resumes boast names like My Dying Bride, Anathema, Solstice, and Vallenfyre.
Expanding this lineup is Bob Crolla ("Sasquatch Bob") on bass. Furthermore, the band has enriched its sound by adding Catherine Glencross (keyboards and vocals) and, more recently, Kris McLaughlin (guitars).
With a well-crafted sound and influences from the aforementioned bands, the quality and care put into each track and instrumental line are evident, resulting in a complex and profound Doom Metal sound, and arguably the group's most aggressive album yet.
The drums have a well-paced rhythm, and the striking vocals stand out, including beautiful parts where Catherine Glencross delights us with her voice. The bass is very precise, and the guitars are in original tunings, still reminiscent of the musical influences we've come to expect from the style.
With its English-school Doom, it immerses us in dreamlike sounds, with lyrics that lead us to a deep reflection on our own thoughts about life, loss, and even hope.
I highlight songs like: "The Sun Never Fell," with its melancholic beauty, where the cleaner and more melodic vocals of the Glencross complement each other; "Endure My Skin," which features Aaron Stainthorpe as a guest, giving even more possibilities for vocal variations amidst the somber, ethereal, and also aggressive density; and "Jewels," highlighting the touching melodies on the piano and heavy guitars, which create the perfect bed for Catherine's vocals, which sound sometimes soft, sometimes dramatic.
Overall, "Projections" is noteworthy and deserves the attention it receives from fans and new listeners alike.
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