Kaasin: Riffs Densos, Musicalidade Refinada e Autenticidade (Also In English)

Pride And Joy Music (Imp.)

Por Flavio Borges 

A banda norueguesa Kaasin retorna em 2026 com The Underworld, álbum que representa uma evolução natural — e significativamente mais ambiciosa — de sua proposta musical. Explorando atmosferas mais densas e sombrias sem abandonar as bases clássicas do hard rock melódico, o grupo liderado pelo guitarrista Jo Henning Kaasin reafirma sua identidade artística através de composições maduras, forte senso melódico e uma produção orgânica que privilegia peso, dinâmica e musicalidade acima de excessos modernos de estúdio.

Após o excelente debut Fired Up, a impressão que fica é a de que o KAASIN compreendeu exatamente quais elementos tornam sua sonoridade especial: a fusão entre o hard rock setentista de escola britânica e uma abordagem contemporânea que evita tanto a caricatura nostálgica quanto a artificialidade excessivamente polida que domina parte do gênero atualmente. The Underworld surge, assim, como um disco mais confiante, coeso e artisticamente refinado, consolidando a banda entre os nomes mais interessantes do hard rock escandinavo contemporâneo.

“The Real World” abre o álbum com impacto imediato. Construída sobre uma base sólida de hard rock europeu clássico, a faixa impressiona pela coesão instrumental e pela forma como os teclados dialogam com guitarras mais pesadas e ásperas do que normalmente se espera do hard melódico tradicional. A cozinha formada por baixo e bateria sustenta tudo com precisão quase orgânica, enquanto o vocal de Jan Thore Grefstad adiciona agressividade sem comprometer o apelo melódico. As influências setentistas aparecem de maneira evidente, mas nunca limitam a personalidade da composição.

A estética setentista domina completamente “Two Hearts”. Os versos remetem diretamente à escola clássica britânica, especialmente pelo trabalho de teclados inspirado em nomes como Deep Purple. Ainda assim, o KAASIN evita soar datado graças a um refrão extremamente melódico e moderno dentro do contexto da faixa. O grande mérito está justamente no equilíbrio entre reverência e atualização estética, algo que poucas bandas conseguem executar com naturalidade.

Mantendo a mesma identidade sonora, mas privilegiando velocidade e dinamismo, “We Speed at Night” apresenta uma abordagem mais direta. O riff principal é extremamente eficiente, enquanto o baixo assume papel fundamental na condução rítmica da música. As referências a Rainbow, Dio e ao próprio Deep Purple aparecem em diversos momentos, porém sem transformar a faixa em simples exercício de nostalgia. O KAASIN demonstra personalidade suficiente para absorver influências clássicas sem perder identidade.

 “Iron Horse” talvez seja uma das faixas que melhor sintetizam a essência do álbum. A introdução construída sobre voz, piano e guitarra cria tensão antes da entrada definitiva do hard rock clássico, claramente influenciado pela fase setentista do Deep Purple. O destaque, porém, está no refinamento dos arranjos: mudanças sutis de dinâmica, linhas de baixo extremamente vivas e teclados com timbres vintage autênticos — especialmente os Hammond — enriquecem a composição sem torná-la excessivamente técnica. Há sofisticação musical aqui, mas sempre a serviço da canção.

 “Invisible” amplia levemente o horizonte sonoro do disco ao incorporar elementos mais contemporâneos em sua estrutura. Após uma introdução atmosférica conduzida pelos teclados, a faixa explode em um refrão extremamente melódico sustentado por ótimos backing vocals. O baixo novamente merece destaque pelas linhas elaboradas e pelo protagonismo nos versos, enquanto Jan Thore Grefstad entrega uma de suas melhores performances do álbum. Sua interpretação confere profundidade emocional à faixa sem recorrer a exageros dramáticos.

 “Over the Mountain” reforça a influência do hard rock clássico dos anos 70, mas talvez seja uma das músicas mais elaboradas do álbum em termos estruturais. As mudanças de andamento e as pequenas variações rítmicas adicionam dinamismo constante à composição. Ao mesmo tempo, elementos modernos surgem discretamente para impedir que a faixa se transforme apenas em homenagem ao passado. Mais uma vez, chama atenção a impressionante coesão instrumental da banda, que executa arranjos relativamente complexos com enorme naturalidade.

Após uma introdução claramente inspirada em sonoridades orientais, “Arabian Night” inevitavelmente remete a clássicos épicos como “Stargazer”, do Rainbow. A influência de Ronnie James Dio também aparece com força nas linhas vocais e na construção melódica, mas o KAASIN demonstra inteligência suficiente para evitar qualquer sensação de cópia. A música possui personalidade própria, especialmente graças ao excelente trabalho de baixo e ao solo melódico extremamente bem encaixado dentro da narrativa da faixa.

“The Descent of Souls” funciona como uma breve vinheta instrumental que prepara o terreno para o encerramento do disco. Guitarras sintetizadas e teclados criam uma atmosfera futurista, sombria e quase cinematográfica, reforçando a identidade conceitual do álbum.

A faixa-título encerra o disco em altíssimo nível. “The Underworld” soa como um encontro improvável entre Motörhead e Deep Purple: veloz, pesada e impulsionada por uma seção rítmica incessante. Baixo e bateria trabalham quase em estado de urgência permanente, permitindo que guitarras e teclados alternem riffs agressivos e passagens melódicas com enorme fluidez. Os teclados, aliás, brilham especialmente aqui, transitando entre timbres modernos e vintage sem perder unidade estética. É um encerramento forte, energético e extremamente eficiente.

The Underworld é um disco denso, pesado e musicalmente sofisticado, feito para fãs do hard rock europeu de orientação setentista, mas suficientemente inteligente para dialogar com ouvintes contemporâneos sem soar preso ao passado. Mais do que apenas reverenciar gigantes como Deep Purple, Rainbow ou Dio, o KAASIN demonstra compreender a essência artística daquele período: composições fortes, musicalidade orgânica e personalidade acima de tendências passageiras. Em um cenário onde grande parte do hard rock atual parece satisfeita em reciclar fórmulas, The Underworld se destaca justamente por soar genuíno, inspirado e artisticamente relevante.

***ENGLISH VERSION***

Norwegian band Kaasin returns in 2026 with The Underworld, an album that represents a natural — and significantly more ambitious — evolution of its musical vision. Exploring darker and denser atmospheres without abandoning the classic foundations of melodic hard rock, the group led by guitarist Jo Henning Kaasin reaffirms its artistic identity through mature songwriting, a strong melodic sense, and an organic production that prioritizes weight, dynamics, and musicianship over modern studio excesses.

Following the excellent debut Fired Up, it becomes clear that KAASIN fully understands what makes its sound distinctive: the fusion of ‘70s British hard rock with a contemporary approach that avoids both nostalgic caricature and the overly polished artificiality that dominates much of the genre today. The Underworld therefore emerges as a more confident, cohesive, and artistically refined record, firmly establishing the band among the most compelling names in contemporary Scandinavian hard rock.

“The Real World” opens the album with immediate impact. Built upon a solid foundation of classic European hard rock, the track impresses through its instrumental cohesion and the way the keyboards interact with guitars that are heavier and rougher than what is typically expected from traditional melodic hard rock. The rhythm section provides an almost organic precision throughout, while Jan Thore Grefstad’s vocals inject aggression without sacrificing melodic appeal. The ‘70s influences are unmistakable, yet they never overshadow the band’s own identity.

The ‘70s aesthetic completely dominates “Two Hearts.” The verses strongly evoke the classic British school of hard rock, particularly through the keyboard work inspired by bands such as Deep Purple. Even so, KAASIN avoids sounding dated thanks to an extremely melodic and modern-sounding chorus within the context of the track. The true achievement lies in the balance between reverence and reinvention — something very few bands manage to execute naturally.

Maintaining the same sonic identity while emphasizing speed and dynamism, “We Speed at Night” delivers a more direct approach. The main riff is remarkably effective, while the bass takes on a fundamental role in driving the song forward. References to Rainbow, Dio, and Deep Purple surface throughout the track, though never to the point of reducing it to a mere exercise in nostalgia. KAASIN demonstrates enough personality to absorb classic influences without losing its own voice.

“Iron Horse” may well be the track that best encapsulates the essence of the album. The introduction, built around vocals, piano, and guitar, creates tension before the definitive arrival of classic hard rock clearly inspired by Deep Purple’s ‘70s era. The true highlight, however, lies in the sophistication of the arrangements: subtle dynamic shifts, highly expressive bass lines, and authentic vintage keyboard tones — especially the Hammond textures — enrich the composition without making it unnecessarily technical. There is undeniable musical sophistication here, but always in service of the song itself.

“Invisible” slightly expands the album’s sonic horizon by incorporating more contemporary elements into its structure. Following an atmospheric keyboard-driven introduction, the song erupts into an extremely melodic chorus supported by excellent backing vocals. Once again, the bass deserves recognition for its intricate lines and strong presence throughout the verses, while Jan Thore Grefstad delivers one of his finest performances on the album. His interpretation adds emotional depth without resorting to theatrical excess.

“Over the Mountain” reinforces the influence of classic ‘70s hard rock, yet structurally it may be one of the album’s most elaborate compositions. Tempo changes and subtle rhythmic variations provide constant movement, while modern elements discreetly emerge to prevent the song from becoming merely a tribute to the past. Once again, the band’s remarkable instrumental cohesion stands out, particularly in the effortless execution of relatively complex arrangements.

Following an introduction clearly inspired by Middle Eastern sonorities, “Arabian Night” inevitably recalls epic classics such as “Stargazer” by Rainbow. The influence of Ronnie James Dio is also strongly present in both the vocal lines and melodic construction, yet KAASIN shows enough intelligence to avoid any sense of imitation. The track possesses its own identity, especially thanks to the outstanding bass work and a beautifully crafted melodic guitar solo seamlessly integrated into the song’s narrative.

“The Descent of Souls” functions as a brief instrumental interlude that prepares the listener for the album’s finale. Synthesized guitars and keyboards create a futuristic, dark, and almost cinematic atmosphere, reinforcing the conceptual identity of the record.

The title track closes the album on an exceptionally high note. “The Underworld” sounds like an unlikely collision between Motörhead and Deep Purple: fast, heavy, and driven by a relentless rhythm section. Bass and drums operate in a near-constant state of urgency, allowing guitars and keyboards to alternate between aggressive riffs and melodic passages with remarkable fluidity. The keyboards, in particular, shine throughout the track, shifting between modern and vintage tones without losing aesthetic cohesion. It is a powerful, energetic, and highly effective conclusion.

The Underworld is a dense, heavy, and musically sophisticated album crafted for fans of ‘70s-oriented European hard rock, yet intelligent enough to resonate with contemporary listeners without sounding trapped in the past. More than simply paying tribute to giants such as Deep Purple, Rainbow, or Dio, KAASIN demonstrates a genuine understanding of the artistic essence of that era: strong songwriting, organic musicianship, and personality above fleeting trends. In a landscape where much of modern hard rock seems content recycling formulas, The Underworld stands out precisely because it feels genuine, inspired, and artistically relevant.

Alicate: Clássico, Melódico e Surpreendentemente Orgânico (Also In English)

Pride And Joy Music (Imp.)

Por Flavio Borges 

Após décadas transitando pelo cenário do melodic rock escandinavo, os suecos do Alicate chegam a Too Bad to Be Good determinados não apenas a reafirmar sua identidade artística, mas também a consolidar uma sonoridade mais madura, coesa e sofisticada. Impulsionada pela entrada do tecladista Marcus Zerath e pela experiência acumulada ao longo de uma trajetória que inclui apresentações no Sweden Rock Festival, a banda entrega um trabalho sustentado por refrães fortes, produção refinada e um entendimento genuíno da linguagem clássica do AOR e do hard melódico europeu.

Mais do que uma simples celebração nostálgica dos anos 80 e 90, Too Bad to Be Good demonstra consciência estética e habilidade na construção de atmosferas capazes de equilibrar tradição e contemporaneidade sem soar artificial ou excessivamente calculado — um problema recorrente dentro do melodic rock atual.

“Changes” funciona como uma abertura exemplar para o álbum. A introdução instrumental, construída sobre a interação entre guitarras e teclados, estabelece imediatamente a identidade sonora do disco antes de desembocar em um refrão extremamente melódico e envolvente. Os timbres remetem diretamente à era de ouro do AOR escandinavo, evocando referências clássicas sem cair na mera reprodução estética. Os vocais de Jonas Erixon merecem destaque especial: sua interpretação em tons médios encaixa-se perfeitamente na proposta da banda e oferece profundidade às harmonizações vocais, um dos pontos mais fortes da composição.

A faixa-título surge carregada de apelo radiofônico, trazendo elementos pop inseridos com inteligência dentro da estrutura hard rock da música. O refrão possui aquele imediatismo típico dos grandes discos do gênero — feito para ser cantado em coro e funcionar perfeitamente ao vivo. Ao mesmo tempo, “Too Bad to Be Good” sintetiza praticamente tudo aquilo que define o álbum: timbres clássicos, refrães acessíveis, coros muito bem trabalhados e uma produção que entende a importância da dinâmica dentro do melodic rock. Existe aqui uma naturalidade que impede a música de soar excessivamente plastificada, algo raro em muitas bandas contemporâneas do estilo.

“One Shot” começa de maneira mais contida, apoiada em um belo trabalho de baixo e violão antes da entrada gradual dos demais instrumentos. A construção da faixa é particularmente eficiente na forma como desenvolve tensão até atingir um refrão forte e direto. Novamente, Jonas Erixon assume protagonismo absoluto. Sua capacidade de alternar suavidade melódica e intensidade emocional confere personalidade à música, enquanto os arranjos de guitarra ajudam a criar uma atmosfera elegante e bastante orgânica.

Mais cadenciada e emocional, “Save Our Love” mergulha sem pudor na tradição do hard melódico clássico. A influência de Whitesnake aparece de forma evidente nas linhas vocais, na construção das guitarras e até na dinâmica da cozinha rítmica.

O solo de abertura já estabelece o tom melancólico da composição, enquanto teclados e backing vocals ampliam o caráter sentimental da faixa. Ainda assim, a banda evita transformar a música em uma balada excessivamente açucarada, preservando peso e elegância ao longo de toda a execução.

“Right Here Right Now” apresenta uma abordagem ligeiramente diferente dentro do repertório. O piano assume papel mais central na estrutura da música, trazendo nuances quase cinematográficas em determinados momentos. Embora o refrão mantenha o DNA melódico predominante no álbum, o solo adiciona um breve senso de grandiosidade épica que diferencia a faixa das anteriores. É justamente essa pequena variação de atmosfera que impede o disco de se tornar previsível em sua segunda metade.

Como o próprio título sugere, “Mysterious” aposta em uma introdução mais atmosférica, marcada pela presença de flauta e teclados que ajudam a construir uma ambientação incomum dentro do disco. A cozinha rítmica dita o andamento da música enquanto as guitarras conduzem a linha melódica principal com eficiência. O refrão é extremamente direto e funciona justamente pela simplicidade. Merece destaque também o excelente equilíbrio entre guitarras limpas, distorcidas e linhas de baixo muito bem encaixadas na mixagem.

“For Now” aposta em uma construção gradual, permitindo que cada instrumento encontre espaço antes da chegada do refrão. O andamento cadenciado reforça o clima clássico da composição, enquanto os backing vocals surgem como um dos elementos mais fortes da música. O trabalho das guitarras — alternando bases limpas e distorcidas — demonstra maturidade nos arranjos, e o solo central surge com precisão cirúrgica, conduzindo a faixa até um encerramento vocalmente bastante forte.

“High on Livin” talvez seja um dos momentos mais completos do álbum. A abertura com guitarra em tom épico conduz naturalmente a uma excelente linha vocal e a um refrão extremamente forte. Baixo e bateria sustentam a música com firmeza, criando uma base sólida tanto para os trechos mais suaves quanto para as explosões melódicas do refrão. As mudanças de dinâmica e tonalidade ajudam a manter a faixa constantemente interessante, enquanto Jonas Erixon entrega aqui uma de suas melhores performances em todo o disco.

“Don’t Turn Around” começa como uma típica power ballad antes de rapidamente se transformar em um hard melódico de arena, daqueles que parecem feitos sob medida para grandes refrães coletivos e execução ao vivo. A atmosfera remete diretamente ao glamour publicitário do rock oitentista — algo que poderia facilmente soar cafona nas mãos erradas, mas que aqui funciona graças ao equilíbrio entre nostalgia e autenticidade. O solo mantém a energia elevada até o último refrão, enriquecido por mudança de tom, harmonizações vocais e ótimos arranjos de guitarra.

Encerrando o álbum, “Run” aposta em uma abordagem mais emocional e melódica. Violão e baixo conduzem a introdução antes da entrada de linhas vocais bastante inspiradas, enquanto guitarras discretamente inseridas ampliam a textura sonora da música. O refrão possui um caráter quase gospel em determinados momentos, impulsionado pelos backing vocals extremamente bem dosados. É uma conclusão elegante e eficiente para um disco que entende perfeitamente suas influências e sabe utilizá-las com personalidade.

Too Bad to Be Good está longe de reinventar o melodic rock — e provavelmente nem pretende fazê-lo. O grande mérito do Alicate reside justamente em compreender profundamente os fundamentos do gênero e executá-los com autenticidade, competência técnica e forte apelo melódico.

Em uma cena onde muitos lançamentos contemporâneos do estilo acabam presos entre nostalgia artificial e produções excessivamente esterilizadas, o Alicate encontra um equilíbrio raro: soa clássico sem parecer datado e moderno sem sacrificar emoção. O resultado é um álbum sólido, extremamente agradável e capaz de dialogar tanto com fãs veteranos do AOR escandinavo quanto com ouvintes mais novos em busca de melodic rock genuinamente bem construído.

***ENGLISH VERSION***

After decades navigating the Scandinavian melodic rock scene, Swedish outfit Alicate arrive with Too Bad to Be Good determined not only to reaffirm their artistic identity, but also to establish a more mature, cohesive, and sophisticated sound. Strengthened by the addition of keyboardist Marcus Zerath and the experience accumulated throughout a career that includes appearances at the Sweden Rock Festival, the band delivers a record driven by strong choruses, polished production, and a genuine understanding of the classic language of AOR and European melodic hard rock.

More than a simple nostalgic celebration of the ‘80s and ‘90s, Too Bad to Be Good demonstrates a clear aesthetic awareness and a refined ability to craft atmospheres capable of balancing tradition and modernity without sounding artificial or overly calculated — a recurring issue within today’s melodic rock landscape.

“Changes” works as a perfect introduction to the album. Built around the interplay between guitars and keyboards, the instrumental opening immediately establishes the sonic identity of the record before exploding into an extremely melodic and engaging chorus. The chosen tones directly evoke the golden age of Scandinavian AOR, referencing classic influences without merely replicating them aesthetically. Jonas Erixon’s vocals deserve special recognition: his mid-range delivery fits the band’s proposal perfectly and adds remarkable depth to the vocal harmonies, one of the track’s greatest strengths.

The title track arrives loaded with radio-friendly appeal, incorporating pop elements intelligently within the song’s hard rock framework. Its chorus carries the immediacy typical of the genre’s great records — designed to be sung collectively and to thrive in a live setting. At the same time, “Too Bad to Be Good” encapsulates virtually everything that defines the album: classic tones, accessible hooks, expertly crafted gang vocals, and a production that fully understands the importance of dynamics within melodic rock. There is a natural quality here that prevents the music from sounding overly polished or sterile, something increasingly rare among many contemporary bands in the genre.

“One Shot” begins in a more restrained fashion, supported by beautiful bass work and acoustic guitar before the gradual entrance of the remaining instruments. The composition is particularly effective in the way it steadily builds tension until reaching a strong and direct chorus. Once again, Jonas Erixon assumes a central role. His ability to alternate melodic subtlety and emotional intensity gives the song real personality, while the guitar arrangements help create an elegant and remarkably organic atmosphere.

More emotional and slower-paced, “Save Our Love” dives headfirst into the tradition of classic melodic hard rock. The influence of Whitesnake is evident throughout the vocal lines, guitar arrangements, and even the rhythmic foundation itself.

The opening solo immediately establishes the song’s melancholic tone, while keyboards and backing vocals further enhance its emotional weight. Even so, the band avoids turning the track into an overly sugary power ballad, preserving both elegance and musical weight throughout the performance.

“Right Here Right Now” offers a slightly different approach within the album’s tracklist. The piano assumes a more central role in the arrangement, adding almost cinematic nuances at certain moments. Although the chorus maintains the melodic DNA that dominates the record, the solo introduces a brief sense of epic grandeur that distinguishes the song from the previous tracks. It is precisely this subtle variation in atmosphere that prevents the album from becoming predictable during its second half.

As the title itself suggests, “Mysterious” embraces a more atmospheric introduction, highlighted by the presence of flute and keyboards that help build one of the album’s most unusual sonic landscapes. The rhythm section dictates the pace while the guitars efficiently carry the main melodic line. The chorus is extremely direct and works precisely because of its simplicity. Special mention must also be made of the excellent balance between clean and distorted guitars, as well as the bass lines, which are perfectly integrated into the mix.

“For Now” relies on a gradual build-up, allowing each instrument room to breathe before the chorus arrives. Its slower pacing reinforces the composition’s classic atmosphere, while the backing vocals emerge as one of the track’s defining elements. The guitar work — alternating between clean passages and distorted foundations — demonstrates real maturity in the arrangements, and the central solo appears with surgical precision, carrying the song toward a vocally powerful conclusion.

“High on Livin” may well represent one of the album’s strongest moments. The epic-sounding guitar introduction naturally leads into an excellent vocal performance and an exceptionally strong chorus. Bass and drums provide a firm backbone throughout the song, creating a solid foundation for both the softer passages and the melodic explosions of the chorus. The dynamic and tonal shifts help keep the track consistently engaging, while Jonas Erixon delivers one of his finest performances on the entire album.

“Don’t Turn Around” begins like a typical power ballad before quickly transforming into arena-ready melodic hard rock, the kind seemingly tailor-made for massive singalong choruses and live performances. Its atmosphere directly recalls the glossy commercial glamour of ‘80s rock — something that could easily become cheesy in less capable hands, but which works here thanks to the careful balance between nostalgia and authenticity. The solo maintains the song’s momentum all the way to the final chorus, elevated further by a key change, layered vocal harmonies, and excellent guitar arrangements.

Closing the album, “Run” opts for a more emotional and melodic approach. Acoustic guitar and bass guide the introduction before the arrival of highly inspired vocal lines, while subtly placed electric guitars enrich the song’s sonic texture. The chorus occasionally carries an almost gospel-like character, driven by exceptionally well-balanced backing vocals. It is an elegant and highly effective conclusion to a record that fully understands its influences and knows exactly how to use them with personality.

Too Bad to Be Good is far from reinventing melodic rock — and it probably has no intention of doing so. Alicate’s greatest strength lies precisely in their deep understanding of the genre’s foundations and their ability to execute them with authenticity, technical competence, and a strong melodic appeal.

In a scene where many contemporary releases remain trapped between artificial nostalgia and excessively sterilized production, Alicate find a rare balance: they sound classic without feeling dated and modern without sacrificing emotion. The result is a solid, immensely enjoyable album capable of resonating both with longtime fans of Scandinavian AOR and with newer listeners searching for genuinely well-crafted melodic rock.

Divulgação 

Entrevista - Vlad V: Quatro Décadas de Rock & Roll

 

O Vlad V é uma banda de hard rock progressivo fundada em Blumenau (SC) em 1986. Liderado pelo multi-instrumentista Jean Carlo, o grupo é considerado um dos pioneiros e a banda de rock autoral mais antiga em atividade no estado de Santa Catarina.

Com letras em português e uma fusão de Hard e Classic Rock/ Progressivo, Blues, Folk e MPB, o Vlav V apresenta uma personalidade musical marcante. 

Mesmo com diversas alterações na formação, a identidade musical e resiliência da banda se manteve através dos anos, sempre com a liderança e talento de Jean a frente.

Com uma formação consolidada como trio desde o início de 2024, quando Seco Mafra (baixo e backing vocals) e Clifton Macnamara (bateria) - músicos que cresceram acompanhando os passos do Vlad V - juntam-se a Jean Carlo para uma nova fase, e continuar a escrever capítulos importantes dessa história.

Completando 40 anos de história, o Vlad V prepara novidades, enquanto segue na estrada, seu habitat natural, e levará ainda muita música produzida com alma aos fãs!

Conversamos com a banda, para falar um pouquinho sobre essa história e os planos futuros.

RtM: A banda Vlad V já tem uma trajetória consolidada no cenário catarinense e no sul do país. Como vocês definem a identidade musical do grupo desde a formação até os dias atuais?

Jean Carlo: O Vlad carrega uma identidade forte ligada ao hard rock, ao rock clássico e ao progressivo, mas também dialoga com a MPB. Somos bem ecléticos. As letras fazem parte desse contexto, assim como a nossa sonoridade característica. Em mais de 30 anos de trajetória, construímos uma marca própria, que começa pelo próprio nome da banda.

RtM: O nome "Vlad V" carrega uma carga simbólica forte. Qual o significado por trás do nome da banda e como ele se conecta com a proposta artística da banda?

Jean Carlo: Na minha adolescência, encontrei uma revista com histórias do Drácula, e havia ali um príncipe da Valáquia chamado Vlad. Achei o nome muito legal para uma banda de heavy metal. 

Acabou que fomos tocar em um festival e ainda estávamos sem nome, então adotamos Vlad. No fim, viramos uma banda de hard progressivo com nome de banda de heavy metal.

RtM: O que representa para vocês o álbum de estreia da banda, “Vlad V” (1993)? Certamente sentimentos, muitos diferentes, mas para o Jean, que é o fundador e único remanescente, tem um significado mais profundo e pessoal. Inclusive há o detalhe no selo do LP, que está escrito “Jean Carlo”, e nunca tive oportunidade de perguntar antes: o Vlad nasceu como um projeto solo?

Jean Carlo: O álbum de 1993 é, na verdade, um disco solo, por isso aparece apenas o nome Jean Carlo nos créditos. Depois de uma breve estada em São Paulo, voltamos para Santa Catarina e a banda se desfez. 

Como as composições e o nome da banda eram meus, resolvi gravar um primeiro disco com músicos de estúdio, para deixar o caminho preparado para uma nova formação, que viria no trabalho seguinte.

RtM: E vamos falando um pouco mais sobre a história do Vlad V, como o também clássico segundo álbum, a “Espada e o Dragão” (1997), que tem essa aura mais épica, com temas medievais, mas claro, ainda sim com músicas poéticas e que falam de sentimentos humanos. Gostaria que vocês comentassem um pouco sobre ele.

Jean Carlo:  O “Espada e o Dragão” foi meticulosamente planejado antes da gravação com a nova formação da banda. Essa nova formação estava afiada e com muita vontade de registrar aquele trabalho naquele momento. 

É um álbum muito importante para a carreira do Vlad, com grandes composições que se tornaram clássicos na trajetória da banda.

RtM: Um álbum que adoro demais é o “Viagens Acústicas”, que deixa mais nítido esse lado folk, intimista e poético da banda. Gostaria que comentasse sobre esse trabalho, que também rendeu apresentações especiais.

Jean Carlo: “Viagens Acústicas” surgiu em uma fase em que eu estava me dedicando mais à flauta e aos violões. Naturalmente, o trabalho veio com uma pegada mais suave, voltada para o folk e a MPB.

RtM: Quebrando um hiato, pois desde 2017 o Vlad V não lançava uma música inédita, tivemos em 2025 a primeira amostra do que virá por aí com a atual formação, o single “O Tempo Cansou de Esperar”, que traz as características marcantes da banda, e soando revigoradas. Gostaria que vocês comentasse sobre essa canção.

Jean Carlo: “O Tempo Cansou de Esperar” é uma canção que resume bem as pretensões da banda. Ela começa com elementos de música clássica na introdução, com vocais melódicos, e vai evoluindo até se transformar em um hard rock poderoso. É, de certa forma, um retrato da característica do Vlad.

RtM: E para vocês, Clifton e Seco. Como foi o processo de integração à Vlad V? O que mais chamou a atenção de vocês na proposta da banda e como se deu essa conexão musical?

Clifton: Foi um processo bem natural na verdade. Nós já conhecíamos o Jean há muito tempo. Já éramos fãs e frequentávamos os shows do Vlad. 

Eu até já havia promovido um show deles em um dos festivais que organizo. Mais tarde nós passamos a tocar juntos no formato “Máquina Seca & Jean Carlo”.

A Máquina Seca é um projeto paralelo que eu tenho com o Seco há mais de dez anos. Então juntamos forças com o Jean e fizemos vários shows há alguns anos atrás. Tocamos alguns covers e também canções do Vlad. Foi meio que um pré Vlad com essa formação. 

O projeto deu uma esfriada e há cerca de dois anos acabamos entrando pro Vlad. E hoje aqui estamos! Muito felizes e honrados em fazer parte dessa lendária banda que sempre nos influenciou e nos marcou na nossa trajetória musical. 

RtM: Vocês chegaram trazendo novas influências para o som da Vlad V? Como têm contribuído criativamente nos novos projetos e o que o público pode esperar dessa nova fase?

Seco: Nossas influências são muito parecidas: todos gostamos do bom rock progressivo dos anos 70. Nas novas composições participamos ativamente em todas as partes do processo, afinal somos uma banda e é importante ter características individuais de cada integrante nas canções. O público pode esperar o Vlad V voltando às suas raízes nessa nova fase!

RtM: Como vocês avaliam o papel das plataformas digitais na difusão da música da Vlad V? O que mudou na relação com o público desde a ascensão dessas tecnologias?

Jean Carlo: O maior problema é a grande mídia, como rádio e TV, que muitas vezes ignora a boa música. Somando isso às dificuldades de um país subdesenvolvido, temos um pacote completo de desafios. Mas o rock alivia tudo isso, então nem pensamos em parar.

Entrevista: Caco Garcia 

Fotos: Divulgação 

Vlad V Instagram 

Vlad V Spotify 

Von Groove: Um Comeback Que Justifica Sua Existência (Also In English)

Frontiers Records (Imp.)

Por Flavio Borges 

Após mais de duas décadas afastado dos estúdios, o Von Groove retorna em um cenário completamente diferente daquele que ajudou a consolidar sua identidade nos anos 90. Em tempos nos quais o hard melódico frequentemente oscila entre a caricatura nostálgica e a superprodução artificial, Born To Rock surpreende justamente por compreender aquilo que muitas bandas do gênero parecem ter esquecido: grandes discos de AOR nunca dependeram apenas de refrães pegajosos, mas principalmente de personalidade, dinâmica e convicção.

Sem tentar modernizar excessivamente sua sonoridade nem se prender a uma reprodução mecânica do passado, o trio canadense encontra um ponto de equilíbrio raro entre reverência estética e atualização sonora. O resultado é um álbum que soa orgânico, energético e, acima de tudo, honesto dentro da proposta que abraça.

A faixa-título funciona como uma declaração de intenções. Não há espaço para sutileza: guitarras abertas, refrão instantaneamente memorável e uma construção pensada claramente para arenas e festivais. Ainda que a estrutura siga fielmente a cartilha clássica do hard melódico, a banda evita cair no automático graças ao excelente trabalho de camadas vocais e à dinâmica instrumental muito bem distribuída. O refrão possui aquele senso de grandiosidade quase hínica típico do AOR norte-americano do início dos anos 90, mas executado com uma energia contemporânea que impede a música de soar como mera nostalgia reciclada.

“Fearless” mostra um lado mais grooveado da banda e reforça a importância da cozinha dentro da identidade do disco. Baixo e bateria conduzem a faixa com firmeza enquanto as guitarras trabalham menos na agressividade e mais na criação de ambiência melódica. Existe aqui uma preocupação evidente com equilíbrio sonoro: nada soa excessivo, cada elemento ocupa seu espaço com precisão cirúrgica. Mesmo trabalhando exclusivamente com recursos tradicionais do gênero, a produção adiciona pequenas nuances modernas que impedem a faixa de parecer presa ao passado.

Uma das composições mais fortes do álbum. “Champion” amplia o peso da sonoridade e aproxima o Von Groove de um hard rock mais metálico e épico. O riff principal possui densidade suficiente para sustentar toda a faixa, enquanto o refrão entrega exatamente o senso de grandiosidade esperado. O destaque absoluto, entretanto, está no trabalho de guitarras: solos extremamente melódicos, harmonizações elegantes e dobras muito bem executadas acrescentam sofisticação sem comprometer a fluidez da música. É justamente aqui que o álbum começa a revelar uma profundidade maior do que a esperada inicialmente.

Se existe uma faixa em que a banda tenta expandir sua linguagem sem romper completamente com suas raízes, é “Adrenaline”. A composição flerta diretamente com o metal moderno, especialmente pela abordagem rítmica mais pesada e pela utilização pontual de bumbo duplo durante o solo. Ainda assim, o Von Groove nunca abandona totalmente sua essência melódica. O refrão continua sendo o centro gravitacional da música, funcionando quase como contraponto à agressividade instrumental. Os efeitos discretos aplicados à bateria e aos backing vocals ajudam a atualizar a estética sonora sem comprometer a organicidade da execução.

Toda banda de hard rock clássico precisa de uma grande power ballad — e “Angela” cumpre exatamente esse papel. Sim, a temática romântica beira o clichê absoluto, mas o Von Groove demonstra experiência suficiente para transformar fórmulas conhecidas em algo genuinamente eficiente. A construção gradual da faixa funciona muito bem, crescendo emocionalmente até alcançar um refrão carregado de dramaticidade. O interlúdio que antecede o solo é particularmente eficiente ao criar tensão antes da explosão melódica final.

Com pouco mais de três minutos e meio, “Undefeated” sintetiza praticamente toda a proposta estética do disco. Direta, acessível e extremamente coesa, a faixa aposta menos em excessos técnicos e mais em eficiência estrutural. O entrosamento entre os músicos se torna evidente justamente pela naturalidade da execução: tudo soa fluido, confortável e espontâneo. A produção, mais pesada e cristalina do que nos trabalhos clássicos da banda, reforça a sensação de atualização sem descaracterizar o DNA noventista do grupo.

Em “Do It All Over Again” o álbum mergulha sem reservas no AOR clássico. Os timbres escolhidos — especialmente guitarras e vocais — remetem imediatamente às produções do final dos anos 80 e início dos 90. Há ecos claros de Def Leppard nos backing vocals e na abordagem melódica do refrão, mas a banda evita soar derivativa graças à naturalidade com que absorve essas influências. É uma das músicas mais acessíveis e radiofônicas do disco, construída para permanecer na memória após poucas audições.

“Heart Of Forgiveness” é mais uma faixa sustentada por groove, mas aqui o destaque maior está no trabalho vocal. Existe uma dinâmica muito interessante entre voz principal e backing vocals, criando uma sensação quase conversacional em alguns momentos da composição. As linhas de baixo também aparecem com maior protagonismo, adicionando profundidade à estrutura instrumental. O crescimento progressivo da música até sua reta final mais acelerada reforça novamente essa aproximação ocasional com o metal moderno.

“Dreams” talvez seja a música mais experimental do álbum dentro dos limites da proposta da banda. A introdução eletrônica e etérea cria uma atmosfera inesperadamente sombria antes da entrada do groove principal. O baixo conduz boa parte da narrativa instrumental enquanto as guitarras trabalham mais em texturas do que em riffs tradicionais. O refrão abandona parcialmente o apelo AOR clássico em favor de algo mais pesado e contemporâneo. É justamente essa quebra de expectativa que torna a faixa uma das mais interessantes do disco.

Waiting For The Sky To Fall é a inevitável balada semiacústica que aparece aqui de maneira eficiente e sem exageros sentimentais. O grande mérito da faixa está na forma como incorpora elementos sinfônicos sem soar artificialmente grandiosa. A sessão orquestral que antecede o solo adiciona dramaticidade suficiente para elevar a composição sem transformá-la em algo excessivamente pomposo.

Encerrando o álbum, “Always Endlessly” entrega tudo aquilo que se espera de uma power ballad clássica: crescimento gradual, refrão monumental, mudança de tom e forte apelo emocional. O diferencial está na maturidade com que a banda conduz a composição. Em vez de soar exageradamente melodramática, a faixa transmite sinceridade — algo cada vez mais raro dentro do hard melódico contemporâneo.

Com Born To Rock, o Von Groove evita tanto a armadilha da reinvenção forçada quanto a da nostalgia vazia. O álbum compreende perfeitamente sua identidade e trabalha em cima dela com inteligência, produção refinada e composições suficientemente fortes para justificar o retorno após mais de vinte anos.

Mais do que um simples comeback, o disco funciona como uma reafirmação de relevância artística. Em uma era dominada por revivalismos superficiais, o Von Groove entrega um trabalho que entende profundamente a essência do hard rock melódico: emoção, impacto e refrães feitos para sobreviver ao tempo.

***ENGLISH VERSION***

After more than two decades away from the studio, Von Groove return to a completely different landscape from the one that helped shape their identity back in the ’90s. At a time when melodic hard rock often swings between nostalgic caricature and artificial overproduction, Born To Rock stands out precisely because it understands something many bands in the genre seem to have forgotten: great AOR records were never built solely on catchy choruses, but on personality, dynamics, and conviction above all else.

Without trying to excessively modernize their sound or mechanically recreate the past, the Canadian trio finds a rare balance between aesthetic reverence and sonic обновление. The result is an album that feels organic, energetic, and, above all, genuinely honest in the vision it embraces.

The title track works as a clear statement of intent. There is no room for subtlety here: wide-open guitars, an instantly memorable chorus, and a structure obviously designed for arenas and festival stages. Even though the song follows the classic melodic hard rock formula faithfully, the band avoids sounding automatic thanks to the excellent layering of vocals and the well-balanced instrumental dynamics. The chorus carries that almost hymn-like grandeur typical of early ’90s North American AOR, yet delivered with a contemporary energy that keeps the track from sounding like recycled nostalgia.

“Fearless” reveals a groovier side of the band and reinforces the importance of the rhythm section within the album’s identity. Bass and drums drive the song with confidence while the guitars focus less on aggression and more on creating melodic atmosphere. There is a clear concern for sonic balance here: nothing feels excessive, and every element occupies its place with surgical precision. Even while relying exclusively on traditional genre elements, the production introduces subtle modern nuances that prevent the track from feeling trapped in the past.

One of the strongest compositions on the album, “Champion” expands the weight of the band’s sound and brings Von Groove closer to a more metallic and epic style of hard rock. The main riff carries enough density to sustain the entire track, while the chorus delivers exactly the sense of grandeur one expects. The absolute highlight, however, lies in the guitar work: highly melodic solos, elegant harmonies, and beautifully executed dual guitar passages add sophistication without compromising the song’s flow. It is here that the album begins to reveal a deeper level than initially expected.

If there is one song where the band attempts to expand its musical language without completely abandoning its roots, it is “Adrenaline”. The composition openly flirts with modern metal, especially through its heavier rhythmic approach and the occasional use of double bass drumming during the solo section. Even so, Von Groove never fully abandons its melodic essence. The chorus remains the gravitational center of the track, functioning almost as a counterbalance to the instrumental aggression. The subtle effects applied to the drums and backing vocals help modernize the sonic aesthetic without sacrificing the organic feel of the performance.

Every classic hard rock band needs a great power ballad — and “Angela” fulfills that role perfectly. Yes, the romantic theme borders on absolute cliché, but Von Groove demonstrate enough experience to transform familiar formulas into something genuinely effective. The gradual build-up works beautifully, growing emotionally until it reaches a chorus loaded with dramatic weight. The interlude leading into the solo is particularly effective in creating tension before the final melodic explosion.

At just over three and a half minutes, “Undefeated” practically summarizes the entire aesthetic proposal of the album. Direct, accessible, and extremely cohesive, the track relies less on technical excess and more on structural efficiency. The chemistry between the musicians becomes evident precisely through the naturalness of the execution: everything sounds fluid, comfortable, and spontaneous. The production — heavier and more crystalline than on the band’s classic releases — reinforces the feeling of evolution without stripping away the group’s unmistakable ’90s DNA.

With “Do It All Over Again”, the album dives headfirst into classic AOR territory. The chosen tones — especially the guitars and vocals — immediately recall the productions of the late ’80s and early ’90s. There are unmistakable echoes of Def Leppard in the backing vocals and melodic chorus approach, yet the band avoids sounding derivative thanks to the natural way these influences are absorbed. It is one of the album’s most accessible and radio-friendly tracks, designed to stay in the listener’s memory after only a few spins.

“Heart Of Forgiveness” is another groove-driven track, but the real highlight here is the vocal work. There is a particularly interesting dynamic between the lead vocals and backing harmonies, creating an almost conversational feel in certain moments of the composition. The bass lines also take on a more prominent role, adding depth to the instrumental structure. The song’s gradual build toward its faster final section once again reinforces the band’s occasional proximity to modern metal influences.

“Dreams” may well be the album’s most experimental piece within the boundaries of the band’s established formula. The electronic and ethereal introduction creates an unexpectedly dark atmosphere before the main groove kicks in. The bass carries much of the instrumental narrative while the guitars focus more on textures than traditional riffing. The chorus partially abandons the classic AOR appeal in favor of something heavier and more contemporary. It is precisely this break from expectation that makes the track one of the album’s most compelling moments.

“Waiting For The Sky To Fall” is the inevitable semi-acoustic ballad, presented here with efficiency and without emotional excess. The song’s greatest strength lies in how it incorporates symphonic elements without sounding artificially grandiose. The orchestral section leading into the solo adds just enough dramatic weight to elevate the composition without turning it into something overly pompous.

Closing the album, “Always Endlessly” delivers everything one expects from a classic power ballad: gradual build-up, monumental chorus, key change, and strong emotional appeal. What truly sets the song apart, however, is the maturity with which the band handles the composition. Rather than sounding excessively melodramatic, the track conveys sincerity — something increasingly rare in contemporary melodic hard rock.

With Born To Rock, Von Groove successfully avoids both the trap of forced reinvention and that of empty nostalgia. The album fully understands its identity and builds upon it with intelligence, refined production, and compositions strong enough to justify the band’s return after more than twenty years.

More than just a comeback, the record works as a reaffirmation of artistic relevance. In an era dominated by superficial revivalism, Von Groove deliver a work that deeply understands the essence of melodic hard rock: emotion, impact, and choruses built to outlive time itself.

Divulgação 

Grand: O futuro do AOR passa por aqui (Also In English)

Frontiers Records (Imp.)

Por Flavio Borges 

Em um cenário onde o AOR contemporâneo frequentemente oscila entre a reverência nostálgica e a repetição formulaica, o Grand retorna com “Guilty Pleasure” disposto a reafirmar não apenas sua identidade, mas também a relevância do gênero em pleno 2026. O terceiro álbum dos suecos é menos sobre resgatar o passado e mais sobre reinterpretá-lo com precisão cirúrgica, equilibrando polimento moderno e alma oitentista sem soar derivativo.

Logo na abertura, “Wild Heart” estabelece o tom com elegância. A construção gradual — partindo de camadas etéreas de teclado até a entrada plena da banda — revela uma maturidade composicional evidente. A dinâmica entre guitarras limpas e distorcidas não é mero recurso estético, mas ferramenta narrativa, enquanto o solo privilegia melodia sobre exibicionismo, um traço que se repetirá ao longo do disco.

A faixa-título, “Guilty Pleasure”, injeta energia com uma pegada mais direta e hard, reforçando os pilares do hard melódico clássico. Aqui, o Grand joga com convenções — coros expansivos, condução rítmica pulsante — mas evita o lugar-comum graças a uma produção que privilegia impacto sem sacrificar clareza. É um refrão construído para permanecer.

“Have a Little Faith in Me” reposiciona o álbum em território mais AOR, mas com nuances que impedem qualquer leitura simplista. As mudanças de andamento e o uso inteligente de harmonizações elevam a faixa acima do padrão médio do gênero. Há uma clara preocupação em manter o ouvinte engajado não apenas pelo gancho melódico, mas pela progressão musical.

Em “Coldhearted”, o Grand flerta com texturas mais contemporâneas. As guitarras, por vezes quase sintetizadas, ampliam o espectro sonoro da banda, enquanto o solo evolui de forma orgânica de uma abordagem lírica para algo mais técnico. O desempenho vocal de Mattias Olofsson merece destaque especial: seguro, expressivo e tecnicamente sólido, sem cair em excessos.

A acessível “Party Galore” poderia facilmente descambar para o território do previsível, mas encontra força na execução. A influência de Bryan Adams é perceptível, porém reinterpretada com identidade própria. O uso de coros e a construção do refrão demonstram um entendimento claro de como criar momentos de catarse sem comprometer a sofisticação estrutural.

Com “Still So Beautiful”, o álbum começa a expandir seu vocabulário. A inclusão do saxofone, longe de soar como um clichê oitentista, é integrada com naturalidade, enriquecendo a textura da faixa. A transição entre momentos mais contidos e explosões melódicas evidencia um controle refinado de dinâmica.

A cinematográfica “I’m Ready” reforça o caráter expansivo do disco. O baixo de Johannes Arvidsson assume um papel mais protagonista, adicionando complexidade rítmica, enquanto os teclados de Maja Thorén funcionam como elemento de coesão estética. É um dos momentos em que o Grand mais claramente aponta para uma identidade além das influências.

Já “Undo” representa o ponto de maior peso e modernidade do álbum. Sem abandonar suas raízes, a banda incorpora timbres e abordagens mais atuais, demonstrando consciência de seu tempo. A bateria de Axel Nilsson é fundamental aqui, tanto na escolha de timbres quanto na condução, contribuindo para a densidade da faixa.

Em “Amelie”, o Grand abraça o épico sem hesitação. As referências a nomes como Toto e Bon Jovi são evidentes, mas funcionam mais como linguagem do que como dependência. O arranjo é cuidadosamente construído, permitindo que cada elemento — especialmente teclados e guitarras — tenha espaço para respirar e se destacar.

“Beggin’” surpreende ao incorporar influências de blues, gospel e até jazz, ampliando o alcance estilístico do álbum. É uma faixa que exige mais do ouvinte, tanto pela estrutura quanto pelas escolhas harmônicas, e justamente por isso se destaca como um dos momentos mais ousados do disco.

O encerramento com “Love Me Or Leave Me” opta por uma abordagem mais intimista, quase acústica, funcionando como contraponto emocional ao restante do álbum. A construção gradual e a instrumentação orgânica reforçam o caráter sensível da faixa, fechando o disco de maneira elegante e coerente.

No fim, “Guilty Pleasure” não é apenas um exercício de estilo, mas uma afirmação de propósito. O Grand demonstra compreender profundamente as engrenagens do AOR e do hard melódico, utilizando esse conhecimento não para replicar fórmulas, mas para refiná-las. Em um gênero frequentemente associado ao passado, o álbum soa surpreendentemente presente — e, em seus melhores momentos, essencial.

***ENGLISH VERSION***

In a landscape where contemporary AOR often wavers between nostalgic reverence and formulaic repetition, Grand return with “Guilty Pleasure” determined not only to reaffirm their identity, but also to underline the genre’s relevance in 2026. The Swedish outfit’s third album is less about reviving the past and more about reinterpreting it with surgical precision, balancing modern polish with an unmistakable ’80s soul without ever sounding derivative.

Opening track “Wild Heart” sets the tone with elegance. Its gradual build — from atmospheric keyboard layers to the full-band arrival — showcases clear compositional maturity. The interplay between clean and distorted guitars is not merely aesthetic, but narrative, while the solo favors melody over flash, a recurring trait throughout the record.

The title track, “Guilty Pleasure”, injects immediate energy with a more direct, hard-edged approach, reinforcing the pillars of classic melodic hard rock. Here, Grand plays with familiar conventions — expansive choruses, driving rhythms — yet avoids cliché thanks to a production that prioritizes impact without sacrificing clarity. It’s a chorus built to linger.

“Have a Little Faith in Me” shifts the album back into AOR territory, though with enough nuance to avoid predictability. Changes in tempo and intelligent vocal layering elevate the track beyond genre standards. There’s a clear intent to engage the listener not just through hooks, but through progression.

On “Coldhearted”, Grand flirt with more contemporary textures. The guitars, at times bordering on synthetic, broaden the band’s sonic palette, while the solo evolves organically from lyrical phrasing into a more technical approach. Mattias Olofsson’s vocal performance deserves particular praise: controlled, expressive, and technically assured without excess.

The accessible “Party Galore” could easily fall into predictable territory, yet thrives on execution. The Bryan Adams influence is evident, but reinterpreted with personality. The use of layered vocals and the construction of the chorus reveal a sharp understanding of how to craft anthemic moments without compromising structural sophistication.

With “Still So Beautiful”, the album expands its vocabulary. The inclusion of saxophone, far from feeling like an ’80s cliché, is tastefully integrated, enriching the track’s texture. The transitions between restrained passages and melodic peaks highlight a refined command of dynamics.

The cinematic “I’m Ready” reinforces the album’s expansive character. Johannes Arvidsson’s bass takes on a more prominent role, adding rhythmic complexity, while Maja Thorén’s keyboards act as a cohesive force. It’s one of the moments where Grand most clearly step beyond their influences.

“Undo” marks the album’s heaviest and most modern point. Without abandoning their roots, the band embraces contemporary tones and approaches, demonstrating a clear awareness of the present. Axel Nilsson’s drumming is pivotal here, both in tone and drive, contributing to the track’s density.

On “Amelie”, Grand fully embrace the epic. References to bands like Toto and Bon Jovi are unmistakable, yet function more as a language than a crutch. The arrangement is carefully constructed, allowing each element — particularly keyboards and guitars — to breathe and shine.

“Beggin’” stands out by incorporating blues, gospel, and even jazz influences, expanding the album’s stylistic reach. It’s a track that demands more from the listener, both structurally and harmonically, and for that very reason becomes one of the record’s most daring moments.

Closing track “Love Me Or Leave Me” opts for a more intimate, almost acoustic approach, serving as an emotional counterpoint to the rest of the album. Its gradual build and organic instrumentation reinforce its sensitivity, ending the record on an elegant and cohesive note.

Ultimately, “Guilty Pleasure” is not just an exercise in style, but a statement of intent. Grand demonstrate a deep understanding of AOR and melodic hard rock mechanics, using that knowledge not to replicate formulas, but to refine them. In a genre so often tied to the past, this album sounds strikingly present — and, at its best, essential.

Johan Larsson 

Rozario: Hinos de aço e fogo (Also In English)

Pride And Joy (Imp.)

Por Flavio Borges 

Após causar excelente impressão com To The Gods We Swear em 2023, os noruegueses do Rozario retornam com um trabalho ainda mais ambicioso e seguro de sua identidade artística. Northern Crusaders não apenas amplia os horizontes sonoros apresentados no disco anterior, como também consolida a banda entre os nomes mais promissores da nova geração do heavy metal melódico europeu. Em vez de simplesmente reproduzir fórmulas nostálgicas, o grupo compreende que a essência do metal clássico está menos na reverência estética e mais na capacidade de transformar riffs, melodias e refrães em experiências grandiosas.

Com produção robusta assinada por Trond Holter (Jorn , Wig Wam) e a adição do jovem guitarrista Taran Lister, o álbum exibe uma sonoridade ampla, poderosa e extremamente coesa. Há ecos evidentes de gigantes do gênero, mas o Rozario evita cair na armadilha da simples homenagem. O que se encontra aqui é uma banda que entende perfeitamente a linguagem do heavy metal tradicional e a utiliza para construir algo moderno, vibrante e genuinamente apaixonado.

A abertura com “Fire and Ice” já deixa clara a proposta do álbum: heavy metal direto, épico e sem excessos desnecessários. Os riffs surgem afiados, a cozinha baixo/bateria trabalha com precisão cirúrgica e os vocais aparecem carregados de imponência. O refrão, sustentado por coros grandiosos e backing vocals extremamente bem posicionados, possui aquele caráter imediato típico dos grandes hinos do gênero. Sem reinventar a roda, a faixa acerta justamente por entender que impacto e execução ainda são elementos fundamentais no metal tradicional.

Mantendo o tom heroico do disco, “We Are One” aposta em uma construção mais melódica e emocional. O tema inicial de guitarra conduz a faixa para uma levada cadenciada enriquecida por teclados e piano discretamente inseridos na mixagem. O refrão é colossal — claramente pensado para ser entoado por grandes audiências — enquanto as guitarras trabalham em perfeita sintonia entre peso e melodia. Há uma forte influência de power metal europeu aqui, mas equilibrada por uma abordagem mais clássica e orgânica. David demonstra excelente controle vocal, escolhendo timbres e intensidades com inteligência ao longo de toda a música.

“Down Low” introduz uma abordagem mais pesada e moderna, tanto na estrutura instrumental quanto em determinadas linhas vocais. O andamento mais arrastado adiciona variedade ao repertório sem quebrar a identidade do álbum. Embora o refrão não alcance o mesmo impacto épico das faixas anteriores, a música funciona justamente por expandir o alcance sonoro da banda. É um momento importante para demonstrar que o Rozario não pretende permanecer preso a uma única fórmula composicional.

Com “Free Forever”, a banda explora uma interessante combinação entre heavy metal tradicional e hard rock melódico. Os riffs mantêm o peso elevado, enquanto o refrão surge carregado de energia festiva graças ao excelente trabalho dos backing vocals. A seção rítmica funciona como uma engrenagem perfeitamente ajustada, oferecendo base sólida para o intenso trabalho das guitarras. O solo encaixa-se com naturalidade absoluta, reforçando o caráter vibrante da faixa. É daquelas músicas que praticamente exigem o movimento involuntário da cabeça do início ao fim.

O título do álbum praticamente ganha vida em “Crusader”. Desde a introdução grandiosa, quase litúrgica, a música assume postura de verdadeiro hino metálico. Mudanças de andamento, riffs clássicos e uma construção crescente desembocam em um refrão extremamente épico, onde os vocais assumem protagonismo absoluto. A atmosfera heroica é intensificada pelos coros e pelas camadas vocais cuidadosamente distribuídas na produção. É exatamente o tipo de faixa criada para transformar apresentações ao vivo em celebrações coletivas.

“Coming Home” abre espaço para uma abordagem mais melódica e refinada. A interação entre voz, guitarra e teclados cria uma ambientação rica, sustentada por uma base rítmica firme e elegante. Há claras reminiscências do Deep Purple da era The Battle Rages On..., especialmente no tratamento dado aos teclados e à dinâmica dos riffs. Os solos e licks distribuídos ao longo dos versos adicionam sofisticação à composição sem comprometer sua fluidez.

Uma das grandes faixas do álbum. “Die Like Warriors” abraça completamente a grandiosidade épica que define Northern Crusaders. A introdução baseada apenas em voz e guitarra cria expectativa antes da entrada triunfal de baixo e bateria. A partir daí, tudo cresce de maneira monumental até atingir um refrão que nasce com status de clássico. Os timbres foram escolhidos com extremo cuidado, e o trabalho de coros e dobras vocais amplia ainda mais a dimensão cinematográfica da música. É impossível não imaginar arenas inteiras cantando esse refrão em uníssono.

Mais direta e objetiva, “Until the Gods Are Calling” resgata elementos mais tradicionais do heavy metal oitentista. A dinâmica entre riffs pesados, versos conduzidos pela guitarra e refrões carregados de coros funciona com enorme eficiência. Existe novamente uma aproximação com o hard rock melódico em determinados momentos, mas sempre dentro da proposta central do álbum. O contraste com a grandiosidade da faixa anterior ajuda a manter a audição dinâmica e evita qualquer sensação de repetição estrutural.

“Sleepless” talvez seja a faixa mais atmosférica do disco. Após uma introdução pesada e marcada pelos teclados, a música assume contornos quase de power ballad antes de explodir em um refrão épico e emocional. O andamento mais lento e sombrio diferencia a composição do restante do repertório, enquanto pequenos elementos modernos adicionam textura sem descaracterizar a identidade da banda. O solo de guitarra surge como ponto alto emocional da faixa, reforçando seu caráter melancólico e introspectivo.

“The Warning” retorna imediatamente ao território épico. Desde os primeiros segundos, a música apresenta uma construção extremamente sólida, equilibrando peso, melodia e dramaticidade com precisão. O refrão aposta novamente em coros grandiosos, mas sem soterrar a interpretação principal de David — mérito tanto da produção quanto da inteligência dos arranjos. Tudo parece cuidadosamente calculado: melodias, timbres, dinâmica e estrutura trabalham em favor de uma experiência coesa e impactante.

A introdução remete imediatamente a “Wasted Years”, do Iron Maiden, mas “Haunted by the Past” rapidamente encontra sua própria personalidade. A forte presença dos teclados adiciona profundidade à composição, enquanto os backing vocals criam uma atmosfera quase de registro ao vivo durante os refrães. Após o solo, o destaque passa para a condução vocal, que leva a música ao encerramento mantendo o nível de energia do álbum em alta.

Encerrando o disco, “Betrayed” surpreende ao incorporar um groove distinto do restante do repertório. Mais moderna e carregada de influência hard/blues americana, a faixa mostra novamente a disposição do Rozario em expandir sua paleta sonora sem perder identidade. É um fechamento inteligente justamente por evitar repetir fórmulas já exploradas anteriormente.

Northern Crusaders é o tipo de álbum que reafirma por que o heavy metal tradicional continua relevante mesmo em tempos dominados por excessos de produção e fórmulas previsíveis. O Rozario demonstra enorme maturidade ao equilibrar peso, melodia, técnica e acessibilidade sem soar artificial ou excessivamente nostálgico. A produção é poderosa, os refrães são memoráveis e a dinâmica do repertório impede que o disco se torne cansativo em qualquer momento.

Mais do que simplesmente celebrar influências clássicas, o Rozario entrega um trabalho que compreende profundamente o espírito do gênero. Northern Crusaders não soa como um exercício de saudosismo — soa como uma banda determinada a carregar o heavy metal clássico para frente com convicção, personalidade e ambição genuína.

***ENGLISH VERSION***

After making a strong impression with To The Gods We Swear in 2023, the Norwegian metallers of Rozario return with an even more ambitious and self-assured effort. Northern Crusaders not only expands upon the sonic foundations laid by its predecessor, but also firmly establishes the band among the most promising names of the new generation of European melodic heavy metal. Rather than merely reproducing nostalgic formulas, the group understands that the essence of classic metal lies less in aesthetic reverence and more in the ability to transform riffs, melodies, and choruses into truly grand experiences.

With a powerful production handled by Trond Holter (Jorn, Wig Wam) and the addition of young guitarist Taran Lister, the album delivers a broad, commanding, and remarkably cohesive sound. There are obvious echoes of genre giants throughout the record, yet Rozario avoids the trap of becoming a mere tribute act. What emerges instead is a band that fully understands the language of traditional heavy metal and uses it to craft something modern, vibrant, and genuinely passionate.

Opening track “Fire and Ice” immediately establishes the album’s mission statement: direct, epic heavy metal stripped of unnecessary excess. The riffs arrive razor-sharp, the rhythm section operates with surgical precision, and the vocals carry undeniable authority. Supported by massive choirs and expertly placed backing vocals, the chorus possesses that instant, fist-raising quality that defines the genre’s greatest anthems. Without reinventing the wheel, the track succeeds because it understands that impact and execution remain essential elements of traditional metal.

Maintaining the album’s heroic tone, “We Are One” leans into a more melodic and emotional approach. The opening guitar theme guides the song into a mid-tempo groove enriched by subtly layered keyboards and piano textures. The chorus is colossal — clearly designed to be sung back by festival-sized crowds — while the guitars balance weight and melody with impressive finesse. There is a strong European power metal influence here, but it is tempered by a more organic and classic sensibility. David delivers an outstanding vocal performance, carefully selecting tones and dynamics throughout the song.

“Down Low” introduces a heavier and more modern dimension, both instrumentally and vocally. Its slower pacing adds welcome diversity to the album without compromising its identity. Although the chorus does not reach the same epic heights as the previous tracks, the song succeeds by broadening the band’s sonic range. It serves as an important reminder that Rozario has no intention of confining itself to a single compositional formula.

With “Free Forever,” the band explores an engaging fusion of traditional heavy metal and melodic hard rock. The riffs remain heavy, while the chorus bursts with celebratory energy thanks to the excellent backing vocal arrangements. The rhythm section functions like a perfectly tuned machine, providing a solid foundation for the dynamic guitar work. The solo fits naturally into the composition, reinforcing the song’s vibrant character. It is the kind of track that practically demands involuntary headbanging from start to finish.

The album’s title truly comes alive in “Crusader.” From its grand, almost liturgical introduction, the song presents itself as a genuine metal anthem. Tempo changes, classic riffs, and a steadily escalating structure culminate in an enormously epic chorus where the vocals take center stage. The heroic atmosphere is intensified by carefully layered choirs and vocal harmonies throughout the production. This is exactly the type of song built to transform live performances into collective celebrations.

“Coming Home” opens the door to a more melodic and refined side of the band. The interplay between vocals, guitars, and keyboards creates a rich atmosphere supported by an elegant and steady rhythm section. There are clear reminiscences of Deep Purple during The Battle Rages On... era, particularly in the keyboard textures and riff dynamics. The solos and guitar licks woven throughout the verses add sophistication to the composition without sacrificing its fluidity.

One of the album’s undeniable highlights, “Die Like Warriors” fully embraces the epic grandeur that defines Northern Crusaders. The introduction, built solely around voice and guitar, creates anticipation before the triumphant entrance of bass and drums. From there, everything grows monumentally until reaching a chorus that feels destined to become an instant classic. The tones were chosen with exceptional care, and the layered choirs and vocal harmonies amplify the song’s cinematic scale even further. It is impossible not to imagine entire arenas singing along in unison.

More direct and straightforward, “Until the Gods Are Calling” revisits the more traditional side of ‘80s heavy metal. The interplay between crushing riffs, guitar-driven verses, and choir-laden choruses works with tremendous efficiency. Once again, traces of melodic hard rock emerge in certain moments, though always within the album’s central framework. The contrast with the previous track’s grandiosity helps maintain the album’s dynamic pacing and prevents any sense of structural repetition.

“Sleepless” is perhaps the album’s most atmospheric composition. After a heavy keyboard-driven introduction, the song evolves into something close to a power ballad before exploding into an emotional and epic chorus. Its darker and slower pacing sets it apart from the rest of the material, while subtle modern elements add texture without compromising the band’s identity. The guitar solo emerges as the emotional centerpiece of the track, reinforcing its melancholic and introspective character.

“The Warning” immediately returns the album to epic territory. From the opening moments, the song showcases an exceptionally solid construction, balancing heaviness, melody, and dramatic tension with precision. Once again, the chorus relies on massive choirs, though never at the expense of David’s lead vocal performance — a testament both to the production quality and the intelligence of the arrangements. Everything feels meticulously crafted: melodies, tones, dynamics, and structure all work together to create a cohesive and impactful experience.

The introduction to “Haunted by the Past” instantly recalls “Wasted Years” by Iron Maiden, yet the song quickly establishes its own identity. The strong presence of keyboards adds depth to the composition, while the backing vocals create an almost live-performance atmosphere during the choruses. After the solo section, the spotlight shifts to the vocal delivery, which guides the track toward its conclusion while keeping the album’s energy level consistently high.

Closing the album, “Betrayed” surprises by incorporating a groove distinct from the rest of the record. More modern and infused with American hard rock and blues influences, the track once again demonstrates Rozario’s willingness to expand its sonic palette without losing its identity. It is a smart conclusion precisely because it avoids simply repeating formulas already explored earlier in the album.

Northern Crusaders is the kind of album that reaffirms why traditional heavy metal remains relevant even in an era dominated by overproduction and predictable formulas. Rozario displays remarkable maturity in balancing heaviness, melody, technique, and accessibility without ever sounding artificial or excessively nostalgic. The production is powerful, the choruses are memorable, and the album’s pacing prevents it from becoming tiresome at any point.

More than simply celebrating classic influences, Rozario delivers a work that deeply understands the spirit of the genre. Northern Crusaders does not feel like an exercise in nostalgia — it sounds like a band determined to carry classic heavy metal forward with conviction, personality, and genuine ambition.

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