Completando seus 26 anos de existência, mas com músicos com uma bagagem ainda maior, a banda Epitaph, de Porto Alegre (RS), lançou recentemente seu segundo full-lenght, "Digital Screams", 17 anos após seu debut. Um tempo bem razoável, mas sabemos das dificuldades e riscos que uma banda independente corre para lançar material, e ainda um álbum completo e em formato físico.
Bom, a espera valeu a pena, e com o álbum físico em mãos, pude sentir mais precisamente a evolução de "Digital Screams" com relação ao seu antecessor, "Gettin Down to Business" (2010), e é o que se espera, e o que creio que todo artista busca: evoluir com relação a si mesmo.
Sim, o Heavy Metal tradicional da Epitaph ganhou ainda mais contornos Thrash, enriquecendo o som com mais pegada, e ainda trazendo elementos do Hard, Southern e Classic Rock com essa roupagem contemporânea e muito coesa.
A bela arte gráfica já chama a atenção, e quando o CD começa a rodar, também já se percebe a qualidade da produção sonora, e em seguida das composições, onde podemos ver que a banda foi maturando um trabalho de alta qualidade, dispondo de toda a experiência e entrosamento adquiridos nesses anos todos.
Sobre a arte, feita por Rômulo Dias e com projeto gráfico de Juliana Louis e fotos de Diogo Nunes, traz na capa o personagem que aparece no primeiro álbum, e na foto da banda no encarte, podem ser encontradas diversas referências à cultura pop, Rock, Metal e outras, coisas que fizeram e fazem parte da vida dos músicos.
Na parte lírica, a Epitaph contou novamente com letras do escritor Denis Winston Brum, que aborda de forma crítica e ácida vários temas atuais. Ainda há a participação especial de Gustavo Demarchi, da banda brasileira de Rock Progressivo Apocalypse, na faixa-título, onde, além de colaborar com a letra, novamente divide vocais com Joe F. Louder, a exemplo de “Death Belt”, do álbum de estreia.
A produção, por Lucas Santorum, está excelente, realçando essa evolução da banda, que soa contemporânea e ainda mais pesada, mas sem perder as raízes.
"Digital Screams" traz oito faixas, apresentando alto nível. Dinâmico e empolgante, é daqueles albums em que ouvimos sem pular nenhuma faixa, e quando chega ao fim, já dá vontade de ouvir de novo!
Acho que para expressar bem o que senti no momento em que coloquei o álbum no player, foi como um nocaute! "Loser's Life" entra com uma introdução pesada, para em seguida os riffs e a pegada da cozinha te acertarem em cheio! J. Louder ataca com vocais agressivos e altos, e já nesta abertura podemos perceber claramente a pegada mais pesada e Thrash, trazendo à mente aqueles grandes nomes da Bay Area.
Riffs cortantes, andamento dinâmico, refrão marcante e solos que alternam velocidade e técnica, com precisos wha-whas. Bateção de cabeça garantida. Grande abertura.
E sem tempo de recuperar o fôlego, o riff marcante de "The Girl Who Loved the Dead" já prende de imediato. A primeira faixa apresentada de "Digital Screams", com o lançamento do vídeo dia 09/05, traz riffs em profusão, guitarras nervosas e com variações de andamento, ora com trechos mais rápidos, ora com outros mais cadenciados e carregadas de peso.
E seguindo o tema da letra e vídeo, há uma passagem que traz aquele clima de mistério e tensão.
Na sequência, a auto intitulada “Epitaph”, que inicia com uma citação a Allan Poe, tem andamento mais arrastado e carregada de groove. Riffs marcantes e a cozinha trazendo peso e precisão, com Fábio Figueiredo mostrando peso e refino nos graves, e César “Five” pesando a mão e também mostrando sua versatilidade. Baterias “reais”, daquelas da escola de mestres como Paice.
Abro parênteses para ressaltar as variações e arranjos elaborados nas linhas vocais, guitarras e cozinha, algo que é recorrente nas oito faixas, mostrando todo o cuidado e trabalho que a banda dedicou, alcançando um alto nível.
“Road of Fire”, uma das minhas favoritas , segue mantendo o nível lá em cima, dando uma pisada no acelerador, trazendo slide guitars, riffs e refrão marcantes, algo também recorrente no álbum. O groove se une ao peso, com alternância desses trechos que trazem a malícia do Hard e Southern Rock contemporâneo, com passagens mais agressivas, e Joe Louder mais uma vez traz linhas versáteis, com agudos estilo Halford.
E as guitarras…ah as guitarras! Trabalho impecável, com a dupla Marlon e André Canhoto destilando peso, técnica, melodia e criatividade nas bases, arranjos, solos e riffs. Ambos, assim como os demais músicos, trabalham em prol das composições, dosando precisamente e tendo o protagonismo quando a música pede.
E esse parágrafo acima usei para introduzir a faixa título, e outra das minhas favoritas. Um excelente cartão de visitas para apresentar a alguém o álbum, e corroborar o que falei acima. “Digital Screams”, uma das duas faixas mais longas do álbum, é uma paulada na orelha do início ao fim.
Traz a participação e letra de Gustavo Demarchi, que divide os vocais com Joe, e a inspiração lírica foi a polarização política acirrada nas redes sociais, além do avanço da tecnologia de Inteligência Artificial (IA), com suas polêmicas, prós e contras, defensores e opositores.
Carregada de urgência, a música nos transmite um clima de tensão, com seu andamento cadenciado, climático e pesadíssimo. O dueto entre Demarchi e Louder soa como um discurso de alerta, com interpretações cheias de teatralidade e aflição.
A dupla de guitarras nos trazem riffs solos que enfatizam essa tensão, seja quando atuam individualmente, ou nos momentos que dividem as melodias e soam gêmeas.
Depois dessa tensão e peso, novamente a banda dá uma pisada no acelerador em “NationalGuard”, uma faixa dinâmica, de riffs rápidos e cortantes, destacando o groove no refrão, os wha-whas novamente dando as caras com destaque, e as melodias Heavy Tradicional que surgem após os solos.
Realmente, a banda reuniu com coesão os elementos de Heavy Metal Tradicional, Thrash e as influências individuais neste álbum.
“National Guard” é um bom exemplo, pois por mais que soe Heavy Metal naquela linha Judas (que, convenhamos, é sinônimo de Metal), há esses outros elementos, e claro, ao final criam a marca pessoal da Epitaph.
A letra, a exemplo da faixa título, também aborda as questões do uso das redes sociais e ferramentas virtuais para fins escusos, como perpetuar fake news e discursos de ódio. "O Captain, my Captain, you teach me to hate..."
E na faixa seguinte, nada de tirar o pé do acelerador. “Something Better than God” tem pegadas de Heavy Metal tradicional, mas seguindo essa marca pessoal que a banda imprimiu, mesclando com coesão as suas inspirações.
Destaque para os vocais agressivos e lá em cima de Joe, numa linha Halford/Bobby Blitz. E claro, preste atenção nas letras ácidas do álbum. Em "Something...", temos uma crítica ao uso da religião em benefício próprio, idolatria e venda, literal, de ilusões.
Fechando, temos “Blue Cave”. E na primeira audição do álbum pensei: “Já é a última!?!?”
Isso mostra a dinâmica e a qualidade do disco, que jamais cansa o ouvinte, daqueles álbuns de se ouvir sem pular uma faixa.
“Blue Cave”, mais uma das minhas favoritas, segue o ritmo mais acelerado, com o baixo fazendo a intro, para em seguida os riffs entrarem pesadíssimos e com César sentando a mão sem dó no seu kit.
Aqui acho que temos um dos refrãos mais marcantes do álbum. E para quem não é de Porto Alegre e região, “Blue Cave” é uma famosa boate da capital. A história da letra é tipo, digamos, estilo "Don't Stop Believing", mas com uma realidade mais dura, onde a garota da cidade pequena acaba seguindo caminhos não tão sonhados inicialmente.
Para situar o ouvinte, posso dizer que ela soa como um Judas Priest com pegada mais thrash. E claro, destaque para as variações vocais de Joe, e os excelentes solos, novamente tendo o uso de wha-whas, mesclando melodia e tensão, e ainda o violão “Southern” com que a faixa vai se despedindo.
Ufff! Agora é recuperar o fôlego e colocar para rodar de novo! Discaço de Metal!
Concluindo, ressalto novamente a evolução da banda, materializada e registrada em "Digital Screams", um ótimo álbum de Metal, pesado, orgânico e contemporâneo, sem perder as raízes.
No dia 09 de maio de 2026 a banda brasileira de Heavy Metal, Epitaph (não confundir com a clássica banda alemã de rock progressivo e hard rock dos anos 70), lançou seu novo vídeo clipe, The Girl Who Loved the Dead, no Estúdio Legato em Porto Alegre, local onde também foi realizada a sua gravação sob produção da Chama Vídeo Independente.
Com abertura da banda Fire Machine, que também está retornando aos palcos depois de longo hiato com energia redobrada e músicas novas, o evento entregou ótimas performance e um clima leve e divertido.
Com seu Hard com inspiração 70's e 80's, com muita pegada e groove, essa nova formação da Fire Machine se mostra cada vez mais coesa. Destaque para "She's a Good Lover", que mostra essa alma 70's bem evidente.
Era hora dos donos da festa. Formada em 2000 e lançando seu primeiro álbum em 2009, intitulado "Getting Down to Business", e com.o novo trabalho já a caminho, a Epitaph reúne em seu line-up músicos altamente qualificados.
Com Joe F. Louder nos vocais, Marlon Steindorff e André Carvalho nas guitarras, Fábio Figueredo no baixo e César "Five" Louis na bateria, a banda que por muitos anos eu conhecia de nome, porém nunca parei para escutar por pensar que fossem de um estilo próximo da Obituary (se parar para pensar, as duas são parte de funerais, e planejo deixar o meu para muito mais adiante...), a Epitaph realmente me surpreendeu, tanto tecnicamente em relação aos instrumentistas quanto ao vocalista.
É Heavy Metal Clássico, com inspiração em Judas, Accept, Saxon, resumindo, ícones que ajudaram a forjar e lapidaram o estilo.
Gurizada! Além das músicas serem boas pra caramba e quase todas "falarem de amor", segundo Joe durante os intervalos entre cada música, o carisma, humildade e carinho que Louder tem com seus parceiros e amigos de banda e com o público me cativaram de uma forma enorme.
Foi a hora em que todos os presentes na festa começaram a perceber que a Epitaph estava fazendo um "PQP! QUE P*** SHOW!"
E de quebra ainda vivi algo que nunca imaginei presenciar em um show de rock e metal, onde sempre imaginamos pessoas com caras de poucos amigos e balançando suas cabeleiras tirando o pó dos locais (o que é muito longe da realidade, porém imaginário popular é complicado, com exceção de tirar o pó com as cabeleiras, essa parte é real), simplesmente ocorreu um quase show de comédia stand up por parte de Joe a cada pausa.
Sério, quem não conseguiu ir não tem ideia do que foi. Era uma música, um comentário e risadas começavam a ecoar no Legato. Eu sempre me considerei muito profissional no que faço, seja fotografia seja texto e mesmo assim teve horas que eu precisava largar a câmera, parar de rir, secar os olhos (sim, foi esse o naipe do negócio!) e voltar a fotografar e ou escrever anotações para esta resenha!
E devo admitir, Joe F. Louder aos meus olhos é muito parecido com um artista brasileiro que eu pessoalmente gosto, Sidnei Magal (sim, me julguem), as feições, a fala, alguns trejeitos em cima do palco, gurizada, sério, é o Magal do Metal em pessoa, mas com um estilo não tão "brega" (mesmo que fosse uma alcunha usada pelo próprio Magal para brincar com seu próprio estilo) quanto o original.
"Ah mas e o clipe, não vai falar nada"? Calma jovens gafanhotos, irei!
A produção foi ótima, o visual com uma temática mais gótica e sombria que usaram para a produção e proposta do videoclipe também encaixou muito bem com a música, uma ruivaça vestida de preto carregando taças de vinho (ou sangue... deixarei para a imaginação de vocês) a qual ajeitava caveiras, fazia rituais para conversar com seus "beloveds" e surgia a banda (genial), e ainda por cima, com toda esta temática geralmente utilizada por bandas de um estilo levemente diferente? Sensacional!
Que venham muitos mais shows, muitas músicas, clipes e álbuns, além de reconhecimento à esta banda que num piscar de olhos, chegará à marca dos trinta anos de existência!
Texto e fotos: Vinny Vanoni Edição/revisão: Caco Garcia
Na última quinta-feira (26/10), o Angra promoveu na School Of Rock, localizado no bairro Jardins, em SP, uma audição exclusiva do novo álbum, “Cycles Of Pain”, para alguns fãs que adquiram acesso ao evento e veículos de imprensa antes do lançamento mundial do álbum, que acontecerá na próxima quarta-feira (01/11) no Japão e na sexta-feira (03/11) para o resto do mundo.
As músicas, em alto e bom som, foram executadas dentro do auditório da escola. No palco estiveram nada menos que Rafael Bittencourt (guitarra), Felipe Andreoli (baixo), Fabio Lione (vocal), Marcelo Barbosa (guitarra) e Bruno Valverde (bateria) dissecando e curtindo diante dos presentes cada faixa do trabalho que criaram.
Mas antes da banda tomar a palavra, o empresário Paulo Baron mostrou o seu exemplar do álbum (em LP) e relembrou que o processo de criação “foi quem nem uma gestação de elefante”, fazendo referência ao estúdio onde boa parte da bolacha foi gravada, Elephant Office (localizado em Santa Catarina), com exceção da bateria, que foi gravada no estúdio Sonasterio, em Belo Horizonte.
A reação de todos foi muito além do esperado. Cada verso, nota e refrão foi apreciada com muito prazer, pois era de se imaginar um grande trabalho depois ver todo empenho e dedicação dos músicos nos vídeos ‘reports’ que estão disponíveis no canal da banda no Youtube. E os fãs que não estiveram presentes, e que estão lendo essa matéria, podem esperar por um belo disco.
Em “Ride Into The Storm”, “Tide Of Change” e “Gods Of The World”, três primeiros singles, a banda fez questão exibir o clip de todas nos televisores que estavam posicionados nas laterais. Leo Liberti, responsável por ter dirigido os vídeos, aproveitou a rápida presença para explicar um pouco sobre o conceito deles. “É sempre um prazer trabalhar com todo esse pessoal”, afirmou Léo.
Também estavam, além do Léo, alguns dos artistas que participaram do trabalho, casos da pianista Juliana D’Agostini, que fez participação em “Tears Of Blood” junto com a vocalista Amanda Somerville; as vocalistas Angel Sberse (ex-Malvada), Mayara Puertas (Torture Squad) e Karina Menasce (Allen Key), que fez os coros em “Ride Into The Storm”.
o vocalista Marcello Pompeu, do Korzus, que também contribuiu com coros em “Gods Of The World”; o pianista Bruno Alves, que fez os arranjos da faixa título e da cantora Vanessa Moreno, que fez participação na faixa “Here In The Now” e na “Tide Of Changes” cantando o trecho inicial da clássica “Carolina IV”, do álbum “Holy Land” (1996). Ela também estará presente no show de lançamento (03/11), em SP, no Tokio Marine Hall.
Fora as celebridades, os fãs mais simbólicos da banda também marcaram presença, casos do Dener Ariani, da House Of Bootleg e idealizador do Museu Angra; Filipe Prado, da página Angra Collection; Caio Martori, vereador de Piedade, interior de SP, e que já levou a banda duas vezes para tocar na cidade; e Lirian Beretta, uma das fãs mais antigas da banda e moderadora das redes oficiais da banda junto com o Dener.
Sobre “Here In The Now”, que foi executada pela primeira vez na gravação do DVD acústico – a ser lançado no primeiro semestre do ano que vem –, o guitarrista Marcelo Barbosa relembrou que a faixa era para ter entrado no álbum antecessor, “OMNI” (2018), mas que foi vetada pelo produtor Jens Bogren por achar a música “cafona”, chegando até ter vontade de vomitar ao ouvi-la.
A versão oficial da música conta com o Fabio Lione cantando os versos principais, mas, para o mercado brasileiro, contará com uma versão bônus com a Vanessa cantando sozinha.
Em “Tears Of Blood”, que encerra o álbum, Rafael falou que sempre teve vontade de escrever uma música que tivesse o Fabio cantando de forma operística. O guitarrista, e principal compositor da banda, se inspirou muito na música “Phantom Of The Opera”, do musical O Fantasma da Opera, para compô-la: “O personagem do Fabio é um assassino da sua amada, e a Amanda [Somerville] é o espirito da amada.
Esse diálogo é uma tentativa de conciliação com a própria culpa, deixando ele [assassino] cada vez mais atormentado”, explicou Rafael sobre o conceito. A música ganhou uma versão alternativa, que só sairia na versão japonesa, tendo a participação da vocalista Fernanda Lira (ex-Nervosa, Crypta) e do guitarrista Kiko Loureiro (ex Angra, Megadeth) nos solos.
“Vida Seca”, a mais aguardada da audição, tem a participação do Lenine, um dos nomes mais importantes da música brasileira. O que era de se pensar, o cantor a introduz cantando em português, além, claro, de trazer elementos brazucas logo no começo.
O nome do Lenine, segundo o Felipe, já vinha “flutuando no imaginário da banda há anos”, e a participação dele faz todo sentido para música: “O Lenine foi perfeito para Vida Seca! Ele interpretou a música com muita verdade! Ele trouxe exatamente o que a música precisava, ou até mais”, disse o baixista.
No caso da Amanda Somerville, conhecida por ter feito trabalhos com o Avantasia, foi por intermédio do Lione, que teve que recorrer ao produtor e guitarrista Sascha Paeth para obter contato com a cantora americana. Rafael relembrou do choro e da forte emoção que ela teve ao receber o convite da banda onde seu saudoso amigo e vocalista, Andre Matos, fez parte.
Não só bastou a participação no álbum, mas como também na gravação do DVD acústico cantando “Wuthering Hights”, do “Angels Cry” (1993). “Ela realmente fez com muita vontade e dedicação”, garantiu Rafael.
“Cycles Of Pain”, que em tradução livre significa Ciclos da Dor, não tem uma história por de trás das letras. Cada tema fala de como “a dor é cíclica”, procurando os tradicionais prazeres, como felicidade e conforto, por exemplo, para poder evita-la: “Os grandes desafios, que muitas vezes nos derrubam, são os que nos moldam e que nos fazem prece.
No fim das contas, nós somos a consequência dos momentos de dor, e não dos momentos de prazer”, definiu Rafael.
A pandemia também colaborou para falar sobre as cicatrizes e das perdas que ela causou. A intenção do Rafael, junto com os demais membros, é também de usar a dor para passar uma mensagem positiva para a nova geração de jovens, que, muitas vezes, trata a dor como uma doença, precisando de tudo quanto é substância para lidar com tristezas e angustias: “É também um clamor para o enfrentamento nos momentos difíceis e para a gente ter a coragem de lidar com a contrariedade e com as frustrações das nossas expectativas”, concluiu.
A audição encerrou com uma pergunta de uma fã muita ativa nas redes sociais da banda, que perguntou se a banda leva em consideração os comentários dos fãs na hora de compor, onde vários reclamam que deve soar mais prog, mais power, mais isso e aquilo.
Para o Felipe, o mais importante é que a banda componha “um disco do ANGRA”: “Eu acho que agora, com oito anos dessa formação, todo mundo está cansado de saber o que é o Angra”, exclama.
“Vocês são os fãs do Angra, e nós também somos fãs do Angra. Cada um de nós é um fã da banda também com suas visões, vontades e expectativas sobre a banda”, completa.
“Quando a gente compõe, a gente sabe muito bem o que precisa existir no disco do Angra, mas, primeiro de tudo, vem a nossa verdade artística de colocar para fora aquilo que a gente quer apresentar para o público”, finaliza o baixista.
Que venha o Cycles Of Pain!
Texto: Gabriel Arruda Fotos: André Tedim Edição/Revisão: Carlos Garcia
Agradecimentos ao Clovis Roman e a toda equipe da Top Link Music pelo convite!
Após uma tour comemorativa que trouxe vários dos integrantes originais de volta, incluindo Andre Matos, o choque com a morte do grande vocalista, incertezas sobre a continuidade e então a reformulação e uma ótima notícia para os fãs, o aguardado novo álbum depois de 16 anos de hiato. Sim, um dos pioneiros do Metal nacional mostra que tem muito ainda a oferecer.
Passado algum tempo do lançamento de "Timeless", tecemos nossas impressões bem maturadas a respeito do álbum nesta matéria especial. Confira a seguir.
Viper "Timeless", por Renato Sanson
O que eu posso dizer sobre o Viper? É uma das bandas que mais gosto e ter a oportunidade de vê-los ao vivo com o Andre e depois nessa nova fase foi sensacional! Claro que “Timeless” era mais do que aguardado, até porque são 16 anos sem um disco inédito.
Mas com a formação atual (que conta com Caçoilo nos vocais e Kiko Shered na guitarra) sabíamos que teríamos um grande material em mãos e não foi diferente!
A vibe do passado se entrelaça muito bem com o Viper do presente. Temos uma ótima mescla dos dois primeiros discos com a segunda fase onde Pit assumiu os vocais e com a cara da atualidade.
A diversificação musical é um dos pontos a se destacar, pois o álbum em si vai muito além dos singles liberados. Feeling, técnica e muita consistência mostrando que o Viper tem muito a oferecer e claro, muitas surpresas ao decorrer da audição, como no caso da belíssima “Thais”. Ouça e surpreenda-se!
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Viper "Timeless", por Caco Garcia
As sensações que tive ao ouvir "Timeless" foram diversas: satisfação e alegria, de ver a banda lançando material novo, um nome importante e histórico do Metal nacional mostrando que está bem vivo. A sensação de nostalgia também veio, com as lembranças de quando ouvi o LP "Soldiers of Sunrise", com aquela surpresa de que ali surgia uma banda diferente, de nível internacional.
Surpresa também com o disco seguinte, "Theatre of Fate", e suas incursões com a música clássica. Bom, o Viper nunca ficou estagnado em uma só fórmula, e podemos constatar isso revisitando a discografia da banda.
E eles me surpreenderam de novo, "Timeless" me trouxe sensação de nostalgia, mas não significa que é um álbum musicalmente datado. Ele traz sim elementos que lembram o Power Metal Melódico dos primeiros anos, mas com sonoridade atual.
Nele podemos encontrar várias ligações com todas as nuances musicais que o Viper explorou durante sua carreira, como o já citado Power Metal veloz, melódico e de vocais altos, os flertes com a música clássica, as músicas mais diretas e pesadas, e até o acento pop rock do "Tem pra Todo Mundo".
As referências a história da banda não estão só na sonoridade, mas também estão espalhadas pelas artes da capa do álbum e singles, e nas letras das músicas. Bem como as referências à passagem do tempo.
Um disco que cresce a cada audição, e traz uma diversidade saudável, coesa e agradável de ouvir. Do Power vigoroso, melódico e acelerado de "Under The Sun" e "Timeless", a porrada mais direta de "The Android", o Hard moderno de "Angel Heart", a pegada de "Vit Righta", que traz nuances com pé no punk, a balada pop rock "Thais" e as doses de Alternative Rock em "Echoes in The Mirror".
Seria redundante dizer que Viper é um nome eterno, já que o nome do disco é "Timeless"? Não importa, fato é que eles já estão eternizados no hall de honra do Metal nacional, mas é muito bom que seguiram a escrever essa história.
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Fechando esta matéria, trazemos para vocês os depoimentos de Leandro Caçoilo e Kiko Shred, que completaram maravilhosamente essa nova formação, e incorporaram a essência do Viper.
"Para mim é uma grande honra participar do 'Timeless' e ter um álbum na discografia do Viper, que é uma das mais importantes bandas do Metal nacional. Eu contribui com solos e alguns arranjos, e o disco ficou muito bom, com a excelente produção do Maurício Cersosimo. Agradeço a todos os fãs que estão curtindo, adquirindo o álbum e indo aos shows. Um grande abraço aos fãs e todos da família Viper."
"Acho que 'Timeless' conseguiu resumir bem todo o trabalho, todos os anos de espera, que consegue passar por todas as fases da banda, desde o "Soldiers..." até o "Coma Rage".
Um disco muito honesto de uma banda que está retomando seu posto de uma das principais do Metal do Brasil. Eu fiquei muito orgulhoso, e acho que o 'Timeless' ainda vai ter o seu lugar entre os grandes discos da banda." (LeandroCaçoilo)
Formada em Limeira-SP no ano de 2015, o Suck This Punch no mesmo ano já lançou seu debut, indo logo ao ponto, e o álbum é bem interessante, com uma certa crueza, e trazendo um Hard Rock/Heavy com influências clássicas e nuances Rock n' Roll, riffs tradicionais e até guittaras dobradas, remetendo a bandas AC/DC, Motörhead, Thin Lizzy e etc, e buscando agregar a isso sonoridades mais contemporâneas. A experiência dos músicos contribuiu para que não soasse algo precipitado essa debut.
Durante esses 7 anos que separam os álbuns, o grupo passou por mudanças na formação e uma evolução natural. Agora em 2021 o grupo lança seu segundo trabalho, "The Evil on All of Us", o qual já haviam antecipado algum material, mostrando a evolução sonora, trazendo principalmente mais peso e groove, timbres mais graves e wha-whas nas guitarras, uma maior diversidade, tanto instrumental como nos vocais de Tadeu Bon Scott (que além do inconfundível timbre, que é desnecessário dizer com quem se assemelha, explora outra nuances de sua voz). Resumindo, aquela proposta musical que a banda perseguia, está aqui realizada, madura e coesa.
Não é uma comparação, mas para ajudar a situar o leitor, a banda agregou ás inspirações tradicionais, sonoridades mais contemporâneas do Metal e Thrash, além de Southern, Stoner e Groove Metal, e citaria como referência o Black Label Society, Kyuss, Pantera e Audioslave.
O que logo nota-se é qualidade da produção, bem superior ao debut, e em seguida a evolução na sonoridade, conforme já citei, trazendo maturidade e coesão na mistura que a banda pretendia, entre as influências tradicionais com as mais atuais do Heavy Rock e Metal.
Temos que elogiar também o trabalho gráfico, com o design da capa muito legal, e a parte lírica, tratando de temas psicológicos e comportamentais, e Tadeu explicou sobre o contexto: "Trata sobre o mal que está sob o homem e também sobre o mal que ele cria para si e para as outras pessoas. Toda a angústia, mágoa, depressão, raiva e temores que são guardados e enterrados do qual acaba criando monstros, pessoas perdidas que acabam se tornando alienadas, escravas de um sistema que suga seu tempo e suas mentes, e as tornam cegas, sem direitos à pensar ou ter uma opinião sobre algo."
São 9 faixas, iniciando com "Machines", onde já salta aos ouvidos a evolução em termos de produção e sonoridade, trazendo bastante peso e groove, timbres "gordos" e vocais mais diversificados, com Tadeu utilizando drives, soando com agressividade e indo a tons mais altos quando necessário; "You're the Best Gun" tem um riff arrastadão, andamento bem quebrado, vocais agressivos e um ótimo solo com utilização precisa do wha-wha;
"Alone" traz um andamento mais acelerado, timbres robustos na guitarra e baixo, batera quebradona, riff principal marcante e um refrão forte. Tadeu varia entre vocais graves e mais rasgados e agressivos; "Just Follows" tem nuances do Stoner, inicia com uma linha do baixo para em seguida a guitarra entrar com riffs graves e cheios de groove e harmônicos, assim como a seção rítmica quebrada. Um trecho de calmaria e com o baixo em destaque abre caminho para mais um solo com técnica e melodia;
"Shout it Out" traz também um andamento mais arrastado e riffs carregados de groove, uso sempre preciso dos harmônicos e wha-wha, seção ritmica sempre técnica e com "suingue", e Tadeu mais uma vez abusando de vocais agressivos e técnicos. "We All live in a Hole" inicia em um tom nostálgico, com o ruído de um vinil ao fundo, vocais a capella e acompanhamento de dedos estalando, mas logo após entra todo o peso e groove que permeia este trabalho de ótimo nível.
"Coward", é tipo uma balada pesada, começa com arranjos de viola, com uma levada meio Southern, meio country, e vocais sussurrados, e em seguida vai crescendo, com o peso pouco a pouco entrando, alternando com trechos mais melodiosos;
"Blindman" entra com um peso caótico e guitarras numa levada do Thrash contemporâneo, destacando os riffs carregados de wha-wha; "Sons of War" inicia com percussões e berimbau, e uma narrativa falando sobre como a religião foi "empurrada" a alguns povos, que eram impedidos de praticar suas crenças. É uma faixa com muita percussão, groove e peso, inevitávelmente lembrando o que o Sepultura fez lá atrás em discos como "Roots". Um ótimo encerramento para um belo trabalho.
Um álbum com uma excelente produção, trazendo um Suck This Punch mostrando sua personalidade, em um álbum maduro, moderno, com groove e peso, mas acima de tudo, com músicas marcantes, bem construídas e diversificadas.
Texto: Carlos Garcia
Banda: Suck this Punch Álbum: "The Evil on All of Us" 2021 Estilo: Heavy/Thrash/Stoner/Groove Metal País: Brasil Selo: Voice Music Assessoria: Som do Darma
An experienced and known figure in the Metal scene, mainly for his history with the Brazilian band Orquídea Negra - considered the first Heavy Metal band in the state of Santa Catarina - Robson Anadom recently have released his first solo flight: "....and a New Story Begins. .."An old dream of the bass player and multi-instrumentalist, the solo album finally began to take shape last year, including a crowdfunding campaign to support the costs.
The result can already be seen on digital platforms, and especially with the physical material, which was released in a neat digipack edition, containing a beautiful graphic design, where each song, all instrumental, received a text and art inspired by them.
We talked with Robson and practically dissected the album, with the musician telling us about his dedication, recordings, inspirations, quotes and other details. Check out!
RtM: First of all, congratulations for the album, and I believe that every artist, at some point, has the desire to show his influences, which somehow don't fit on his band, and reflect your more personal side. Anadom:This is a great reality. The artist who says he doesn't have the dream of releasing an album of his own, showing all his influences and mainly, expressing his feelings and the more personal side in the form of music, doesn't seem to be very honest with himself, this is inherent to the human being , wanting to show the “something more” without external interference, just the “inner self”, or they don't have the courage to admit this desire.
RtM: And how was the idea of this first solo coming up? Anadom: This desire that emerged in the mid-90s, when I started to create my own songs, knowing that they would be mine alone. I even painted a t-shirt with just the name “Anadom” and a design of tacky taste, and I said that it would be the cover of my first album (thank goodness I didn't use that design hahahahahaha) it was too crude. With the arrival of the pandemic, everything came to the fore, a whirlwind of emotions, doubts, feelings and fears, perfect ingredients for every artist to create. Thus, the songs were born, each one at its own time.
RtM: And how was this beginning of production and creation of the repertoire? Anadom:As I already had some ideas done, they were perfected, as they were just riffs, but most of the songs were created from June and in September when I had about four or five songs ready, I saw that I could make this big dream come true and composed the other songs to complete the album. I did all the planning to reconcile the work with the vacation I would take to be able to go into the studio and in January I started the official recordings, finishing all the recording, mixing and mastering work in May.
RtM: What about title? "...and a New Story Begins..." , tell us about the meanings and general concept of the album. Anadom: The title says it all, the beginning of a new story I'm writing with this release, as it will certainly be the first of many. We cannot be stagnant, we have to do something more, show that the world needs music. I realized with this album that it took me too long to do this, but I believe that everything happens when it really has to happen, if it was now it was supposed to be now. And it came at a delicate moment the world is going through, it's a restart for all of us. When this pandemic ends, everything will be different, it's a new story starting, not just for me, but for everyone in the world.
RtM: The cover also brings an idea of this general concept. Anadom:The album brings this concept of restart, reinvention. When we see the cover, the scared girl, behind the curtain seeing a big explosion, a big world reset. Even the sunflowers have their backs to the sun, showing that “things weren't going very well” was all wrong and something needed to happen to try to reverse this situation. As the opening line of the album says: the world was not going well and the people who lived in it were lost and sick, that sums up the whole feeling of the album. We need to do something, it's where we live, it can't be bad, it has to be a comfortable and happy place, no wars, no disagreements, no evil.
RtM: A very strong quality on the album is that, despite being instrumental, it is not music that will please only a niche, as they practically "talk" with the listener, as if in your mind, while composing the songs you imagined verses and choruses . Anadom:You perfectly described what I thought when I was making the songs. In some of them, the melodies were first created in my head, and then passed on to the instruments. Others were born while I played and created something that sounded good to my ear, and from there, I created the rest of the music. As I was creating, I was recording to listen and see what I could do to enrich the song, putting together what would be the stanzas, choruses, etc. SomeI certainly created them by imagining a vocal line that was later replaced by guitar phrases.
RtM: And did you even consider having some songs with vocals on the album? Anadom: The idea of at least 3 songs was to have a voice, but then I realized it would be interesting to do something like that, different, and I really liked the idea. Maybe next time I decide to use the same songs, with voice to see how it will look.
RtM: A very cool idea were texts and illustrations that each song received, so that the listener, in addition to the sound part, will also have these other details to imagine the feeling you wanted to pass. Tell us more about this idea. Anadom: All this credit belongs to my great friend Neto Santos. After following the entire song composition process, suggesting names, ideas for them, he decided to make an art for each song, and then write the stories, also calling some friends to participate, so that everything was linked, music, art and story. Thus, when the person takes the CD in their hands, they will be able to listen to the songs, see the art and read the stories, understanding what it is about. Because I believe that everything will be very clear, my intention placed in each of the compositions is understood by the listener. Neto managed to capture this during the composition process, as we were talking about the music and that way it became easier for him to create the art.
RtM: Talking a little more about the graphic part, we have to highlight the beautiful work developed, where you, as I mentioned before, had Neto Santos in the general direction of the arts. Tell us a little about the general art and the beautiful cover. Anadom: Exactly. This part deserves a very special highlight, as expressing through art what one tries to go through with music is not very easy, and Neto was correct in all the arts created. He managed to masterfully demonstrate this, closing with a golden key the album cover art, which is the icing on the cake. One of the most beautiful covers I've seen in recent times, which shows us innocently (a child) scared by the reality of the world, portrayed there with a big explosion, barely knowing that what's to come will not be pleasant at all .
RtM: Now, let's talk a little about the songs, we have soft and melodious themes mixed with moments very Heavy Metal and Power Metal. Anadom:I wanted to put in the songs all my influences, all the music that I like to listen to, so there's this whole mix of styles. That's the good thing about doing solo work, because certainly in a band it wouldn't be possible.
RtM: "Wake Up to the World", for example, has doubled guitars and bass lines that refer to classic Heavy Metal, reminding a lot of Maiden. Anadom:Wake up to the World, it's an uplifting, uplifting song, and as the title says: Wake up to the world! React, do something to change this reality. This was the first song I showed Neto and he already saw in the first few seconds that there was potential there. It was a little different, but the main one, which is the opening riff and the guitar phrase, were already present there. I just added a second part which is like a chorus, part this maid while taking a shower and this melody came into my head.
Its bass was completely different. In the demo version it is very simple. This final version was created the day before recording, which made me very happy, as this song called for a better, more exciting bass line.
RtM: And with softer and more melodic nuances, we have "Águas de Inverno" ("Winter Waters"), which brings a ballad atmosphere, calm and beautiful melodies. Anadom: "Winter Waters" is already a more introspective, melodious song. While Neto and I talked about fish, fishkeeping, lakes, I said that I had built a small pond in front of my mother's house, which was often visited by a frog who liked to stay there a lot, enjoying the warm water, especially in winter . So he suggested that I write a song about it, something different from what I had been doing, and one afternoon I composed and recorded it, putting in it all the feeling of love for living beings.
RtM: A very curious title is "The Amazing Jango's Death", which has a Power Metal 80's, with fast tempo, something a bit classic Helloween. Tell us about its inspiration and about the title. Anadom:This is without a doubt one of my favorite styles. The inspiration for this song came from a few years ago. After playing at a festival with Orquídea Negra, Neto said: "Dude 'Jango Live's (instrumental music present in our second album) needs to have a sequel, a part two". And that I already thought about too, but it had been forgotten, as time goes by and other things are being done. During the writing process of ...and a New Story Begins, this subject came up and it was the perfect moment. That's why the song also has some references to the original, to remember the first one and to make with those who do not know, to come to know it.
RtM: Wow! I hadn't remembered it. Cool idea of the continuation and references to the first part. Anadom: As the first one celebrates Jango's life, now it's his farewell to this plane, hence the name Jango's Incredible Death. The duel is interpreted by the keyboard solo (performed by Daniel Dante Finardi) and death follows, with the guitar solo, which tries to pass all the emotion and suffering of Jango after being hit by his tormentor. But then it goes back to being a happy song, demonstrating the satisfaction of those who stayed.
RtM: "Dreams Are Not Untouchable", besides the inspiring and positive title, has a very Progressive vibe. Anadom: "Dreams..." is without a doubt one of my favorite songs, it was the penultimate one to be written. Its opening phrase would have been used in the middle of the song "People Call me Insane" (present on the Orquídea Negra's "Blood of the Gods" album), but ended up being left out. So I decided to use it now, creating the rest of the music from it.
With the participation of Deny Bonfante (excellent guitarist from Santa Catarina) in two solos, this song tries to express the feeling that dreams can really be touched, nothing is impossible when you feel like it. A clear reference to the song "Touch Your Dream" (present on Orquídea Negra's second album) can be found throughout the song, hence the confirmation through the name.
RtM: "Da Costa ao Oeste"("from the West Coast") brings several tempo changes, highlighting the acoustic sections, with a folk feel, and the sounds of nature. Anadom:On the other hand, from Costa ao Oeste is a great representation of friendship. Bonds created between people, whether they are in the north, south, east or west, but they have something in common, mainly the love of music. As Neto says: “arts from the coast and songs from the west”.
The acoustic part at the beginning of the song represents the coast of Santa Catarina, with a slightly Portuguese style, sounds of the sea and seagulls. The journey in progress is the way to arrive here in the mountains where the scenery changes, represented by our native birds, and the acoustic part was a special participation of the excellent group Quarteto Coração de Potro. With the arrangements made by Kiko Goulart, accentuating the mountain characteristic.
RtM: I couldn't let to ask to you to comment on one of my favorites, "Living on a Fairy Tale". In addition to the beautiful melodies, I identified with the title. Anadom:Another one of my favorites (actually, they all are) because I like them all, but I'm suspicious to give my opinion. This song was born at the height of winter and pandemic last year, more precisely in June on the 13th, I sent an audio to Neto showing an excerpt of what the song would become. It was just that intro, but from there I was sure a great song would be born. I started working on it then, until it was finished and the name was given last. Upon completion I realized that it had a fairy tale feel to it, which is even clearer with the piano part in the middle, which was created separately to be another song, but I realized it would fit really well there, and it worked. This song brings great peace every time I listen to it.
RtM: Another one that caught my attention on the first audition was "The Myth Behind the Waterfall Cave", which brings several climate changes, starting softly, alternating heavier and "mysterious" sections with other melodious and "forward" parts , also having sax arrangements. Tell us more about it. Anadom:This song is about Plato's Allegory of the Cave, so in the beginning it comes with that weight, demonstrating the existence of a cave where prisoners live since childhood. With their hands tied to a wall, they can see only the shadows that are projected onto the wall ahead. The shadows are caused by a fire, on top of a fence, situated at the back of the wall where the men are trapped. Men pass before the fire, make gestures and pass objects, forming shadows that, in a distorted way, are all the knowledge that the prisoners have of the world. That cave wall, those remnants and the echoes of the sounds the people above made was the restricted world of the prisoners. Suddenly, one of the prisoners was released.
Walking through the cave, he notices that there were people and a fire pit casting shadows that he thought were the entirety of the world. When he finds his way out of the cave, he has a fright when he encounters the outside world (the liveliest part of the song). Sunlight blurs his vision and he feels helpless, uncomfortable, out of place. Gradually, his vision gets used to the light and he begins to realize the infinity of the world and nature that exists outside the cave. He realizes that those shadows, which he believed to be reality, are actually imperfect copies of a small portion of reality.
The freed prisoner could do two things: return to the cave na and free your companions or live your freedom. A possible consequence of the first possibility would be the attacks that he would suffer from his companions, who would judge him as crazy, but it could be a necessary attitude, as it is the fairest thing to do. And that's what he did. That's why the song returns to the beginning, with a sax solo. From the beginning when I recorded the demo version of this song, I already imagined a sax in the final part.
RtM: Great! After this philosophy class, let's talk about "People From the Otherside", which brings a lot of weight, and has voices in the intro whispering "Help me...Help me..."? Anadom:This one brings the beginning of a sequel: People From the Otherside, Emancipation of the Soul and Returning to Myself. It's the heaviest moment of all the work. I tried to convey with her the existence of another world, where people can be trapped after death and asking for help. Lost souls who are not understanding what is happening feeling disturbed.
RtM: We could comment one by one, but I think we gave a general idea and some details of the work, but to close, comment the ending with "Requiém", with its melancholy and touching air, and at the end there is a sentence, which it is certainly a tribute. Anadom:This one was composed in a moment of extreme sadness. The idea of the tribute came on the day of the passing of a great friend, with whom I played for a long time and was one of my idols in Santa Catarina music, the late poet Daniel Lucena of the Expresso Rural group.
I thought of adding a guitar phrase, referring to the song “Certos Amigos” in one of my compositions, as a brief tribute, that's when Neto suggested making a track just for him. I decided to use the same notes as Prelude and I Saw the Future, and add this guitar. The phrase added at the end was the idea of Daniel Dante Finardi, who made a beautiful arrangement to close this album with a golden key.
RtM: And the news about Orquídea Negra? Are you preparing new songs? And the documentary about the band? Anadom: With the band we are currently working on another song that will be present in the tribute to the 80s, by Secret Service Records that released our last album in Europe, and we also participated in the Motorhead tributes with "I ain't a Nice Guy ", Black Sabbath with "Heaven and Hell" and Iron Mainden with "Prodigal Son". We also have the last two recorded more recently, "Fly Away" which is already on digital platforms and "Sacrifice" which has not yet entered, but will soon be released (this one featuring the voices of André Graebin and Felipe Holmack). And the documentary about the history of the band is being finalized and should go on air by the end of the year.
RtM: Robson, thanks for the interview, send your message to the readers.
Anadom: I would like to thank you Caco and Road to Metal for the opportunity I was given to talk a little more about this work, talking about some details that people often don't know how they happen and that come to enrich every work. . I would also like to ask everyone who follows the site to get to know this work, which was done with a lot of love and affection.
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