Kamelot: Grandioso Por Natureza (Also In English)

Napalm Records (Imp.)

Por Flavio Borges 

Depois de mais de três décadas de carreira, o Kamelot já não precisa provar que sabe construir mundos. Dark Asylum, seu 14º álbum de estúdio, apenas leva essa habilidade a um território ainda mais sombrio, teatral e cinematográfico. 

Ambientado no fictício RavenHill Asylum, o disco mergulha em temas como identidade, loucura, fé e transformação, combinando narrativa conceitual, orquestrações grandiosas e o power metal melódico que se tornou a assinatura da banda. Mais do que reinventar sua fórmula, o Kamelot a refina — e, em vários momentos, parece reencontrar justamente os elementos que fizeram de sua música uma referência dentro do metal sinfônico.

A introdução “Sanctorium” estabelece o cenário antes mesmo que a primeira música propriamente dita comece. Narração e piano constroem uma atmosfera inquietante, preparando a entrada de “Ashen World”, primeiro single e uma das faixas que melhor resumem a proposta do álbum. A guitarra veloz abre caminho para a entrada de Tommy Karevik, que novamente demonstra por que se tornou uma das vozes mais importantes do metal contemporâneo. 

Seu registro é simultaneamente poderoso e teatral, enquanto as orquestrações ampliam a dimensão épica da composição. A participação de Ignacia Fernández, com seus vocais guturais, introduz um contraste agressivo que ajuda a estabelecer desde cedo a atmosfera mais obscura de Dark Asylum.

A faixa-título aprofunda essa sensação. “Dark Asylum” começa pesada e sombria, mas progressivamente incorpora melodias mais marcantes e mudanças de andamento que acrescentam uma discreta dimensão progressiva à composição. O trabalho de Thomas Youngblood, particularmente no solo, encontra excelente contraponto nos teclados de Oliver Palotai. É uma composição que reúne praticamente todos os elementos que o público espera do Kamelot sem soar como mera repetição de fórmulas.

“Sanctuary” reduz o andamento e amplia consideravelmente o peso dramático. Com Karevik, Clémentine Delauney e Ignacia Fernández dividindo os vocais, a música explora diferentes registros e perspectivas dentro da narrativa. A alternância entre voz limpa, vocais guturais e os efeitos vocais utilizados pela banda cria um dos momentos mais sombrios do álbum, enquanto o refrão devolve à composição sua característica melódica. É um exemplo particularmente eficiente de como o Kamelot utiliza seus convidados para ampliar a paleta sonora sem perder a própria identidade.

Depois da breve e enigmática “Nocte Veritas”, “One Last Masquerade” coloca Tobias Sammet ao lado de Karevik. A combinação funciona naturalmente: o peso dramático de Sammet encontra a versatilidade do vocalista do Kamelot em uma composição de power metal melódico, sustentada por um refrão amplo e repleta de nuances vocais. A produção de Sascha Paeth, que retorna ao comando do Kamelot, também se faz sentir aqui. Há uma textura ligeiramente mais áspera e orgânica nos arranjos, acrescentando personalidade a uma produção que, de modo geral, é extremamente limpa e detalhada.

“Ivy, My Dear” representa uma mudança significativa de atmosfera. Construída sobre instrumentos acústicos, a balada introduz uma dimensão quase medieval que ainda não havia aparecido com tanta força no álbum. Karevik aproveita o espaço para explorar sua faceta mais teatral, alternando delicadeza e potência e alcançando regiões de sua voz pouco exploradas nas faixas anteriores. A composição é particularmente rica em detalhes e, dentro do conceito de Dark Asylum, funciona quase como uma peça de trilha sonora.

Se existe uma música que resume o Kamelot em sua forma mais imediatamente reconhecível, é “Godlike Alchemy”. Segundo single do álbum, a faixa reúne velocidade, melodias marcantes, orquestrações e um refrão construído para permanecer na memória depois da primeira audição. As linhas vocais e instrumentais caminham praticamente em uníssono, criando um daqueles momentos em que a grandiosidade da banda não depende do excesso, mas da eficiência da composição.

“The Sleeping Mind (Orphic Paradigm)” acelera novamente o ritmo. Mais direta e menos ornamentada, a faixa aproxima-se do Kamelot mais tradicional e oferece a Alex Landenburg uma oportunidade de mostrar seu trabalho de bateria, especialmente nos dois bumbos. O piano que antecede o solo de Youngblood é outro detalhe bem resolvido em uma composição que privilegia velocidade e impacto.

“Kaleidoscope” retoma as orquestrações e os grandes coros, funcionando como uma síntese bastante eficiente do lado power metal melódico da banda. As mudanças de andamento são acompanhadas por uma base instrumental extremamente coesa, enquanto teclados, guitarras e vocais se encaixam sem que nenhum elemento pareça deslocado. Karevik novamente brinca com diferentes possibilidades vocais, mantendo a música acessível mesmo quando sua estrutura se torna mais elaborada.

“Enigma (Think of Me)” surpreende pela dinâmica. Uma introdução que parece anunciar uma balada dá lugar a uma passagem pesada e quebrada, antes de a música reduzir novamente sua intensidade para piano e voz. O resultado é um dos momentos mais interessantes do álbum justamente por trabalhar com contraste. E, apesar das mudanças, há uma constante: em nenhum momento o Kamelot deixa de soar como Kamelot. Para alguns ouvintes, essa familiaridade poderá ser interpretada como falta de ousadia; para outros, é exatamente o que torna Dark Asylum tão convincente.

“Cassandra's Disease” reforça essa capacidade de alternar atmosferas. Piano e guitarra pesada dividem espaço em uma composição de andamento quebrado e forte caráter teatral, permitindo que Karevik explore novamente toda a extensão de sua interpretação. O refrão extremamente melódico, reforçado por backing vocals bem posicionados, acrescenta uma nova camada à narrativa e mantém a sensação de mistério que percorre todo o álbum.

Um dos maiores pontos de ruptura vem com “Beneath the Moon (Tunglið)”. Cantada em islandês por Rannveig Sif Sigurðardóttir, com a participação vocal de Sólveig Sara Leupold e violino de Lea-Sophie Fischer, do Eluveitie, a faixa abandona momentaneamente o núcleo mais tradicional do Kamelot para mergulhar em uma atmosfera folk-gótica. 

A presença de Rannveig tem ainda um significado especial para os seguidores antigos da banda: a soprano islandesa já havia participado de The Fourth Legacy, de 1999, na faixa “The Inquisitor”. Quase três décadas depois, seu retorno estabelece uma inesperada ponte com o passado do Kamelot. O resultado é uma das experiências mais particulares do álbum.

“The Puppet King” recoloca a banda em terreno familiar, mas sem abandonar as nuances construídas ao longo do disco. Guitarras rápidas, mudanças rítmicas, teclados cuidadosamente integrados e uma base extremamente coesa servem de suporte para outra grande interpretação de Karevik. O solo é econômico e eficiente, e o momento em que a instrumentação desaparece para deixar apenas a voz prepara adequadamente a chegada do último refrão.

“Sanctum Requiem” encerra o álbum de maneira coerente com seu conceito. Instrumental e dominada pelo piano, a composição abandona a velocidade e deixa no ar uma atmosfera sombria e contemplativa. Mais do que um simples encerramento, funciona como o último capítulo de uma história que começou a ser construída antes mesmo da primeira faixa.

"Dark Asylum" não é um álbum que procura reinventar o Kamelot — e talvez essa seja justamente sua maior força. A banda parece compreender que sua identidade já é suficientemente poderosa para não precisar ser constantemente desconstruída. O que existe aqui é um trabalho mais maduro e complexo, mas também surpreendentemente acessível, no qual o power metal melódico, as orquestrações e a teatralidade são utilizados com precisão.

As 15 faixas podem, à primeira vista, sugerir uma experiência excessivamente longa, mas a variedade de atmosferas e a quantidade de detalhes impedem que o álbum se torne cansativo. Algumas composições são curtas e funcionam como elementos de transição dentro do conceito, enquanto outras assumem proporções mais épicas. A sequência é cuidadosamente construída e recompensa audições repetidas.

Também merece destaque a produção de Sascha Paeth, responsável por recuperar uma sonoridade ligeiramente mais orgânica sem abrir mão da clareza característica das produções modernas, enquanto Jacob Hansen garante uma mixagem e masterização que permitem que cada camada encontre seu espaço. Guitarras, teclados, orquestrações, coros e bateria formam um conjunto monumental, mas nunca excessivamente congestionado.

Acima de tudo, porém, Dark Asylum pertence a Tommy Karevik. Sua interpretação atravessa todo o álbum, passando da delicadeza à dramaticidade, do registro mais melódico aos momentos de maior intensidade, sempre com controle e personalidade. Se a intenção do Kamelot era construir uma experiência conceitual capaz de unir narrativa, atmosfera e grandes canções, encontrou em seu vocalista o intérprete ideal.

No fim, Dark Asylum é menos uma reinvenção do que uma reafirmação. O Kamelot conhece profundamente a linguagem que ajudou a consolidar e demonstra aqui que ainda é capaz de utilizá-la com inteligência, riqueza de detalhes e, sobretudo, boas canções. É um álbum que deve satisfazer plenamente os fãs de longa data, mas que também oferece uma excelente porta de entrada para quem procura power metal melódico com ambição sinfônica e teatral. Depois de tantos anos, o Kamelot não precisa abrir um novo caminho. Basta mostrar, com a segurança de quem conhece o território, por que continua sendo um dos nomes mais relevantes dentro dele.

***ENGLISH VERSION***

After more than three decades of career, Kamelot no longer needs to prove that it knows how to build worlds. Dark Asylum, the band’s 14th studio album, simply takes that ability into darker, more theatrical and cinematic territory. Set within the fictional RavenHill Asylum, the record delves into themes of identity, madness, faith and transformation, combining a conceptual narrative, grand orchestral arrangements and the melodic power metal that has become the band’s trademark. Rather than reinventing their formula, Kamelot refines it — and, at several points, seems to rediscover precisely the elements that made the band such an important name in symphonic metal.

The introduction “Sanctorium” establishes the setting before the first proper song even begins. Narration and piano create an unsettling atmosphere, preparing the arrival of “Ashen World”, the first single and one of the tracks that best summarizes the album’s concept. Fast guitars pave the way for Tommy Karevik’s entrance, once again demonstrating why he has become one of contemporary metal’s most important vocalists. His voice is both powerful and theatrical, while the orchestral arrangements expand the song’s epic dimension. The contribution of Ignacia Fernández, with her guttural vocals, provides an aggressive contrast that helps establish the darker atmosphere of Dark Asylum from the outset.

The title track deepens that feeling. “Dark Asylum” begins heavy and ominous, but gradually incorporates more prominent melodies and tempo changes that add a subtle progressive dimension to the composition. Thomas Youngblood’s work, particularly on the solo, finds an excellent counterpart in Oliver Palotai’s keyboards. It is a composition that brings together virtually every element listeners expect from Kamelot without sounding like a mere repetition of old formulas.

“Sanctuary” slows the pace and considerably increases the dramatic weight. With Karevik, Clémentine Delauney and Ignacia Fernández sharing vocal duties, the song explores different registers and perspectives within the narrative. The alternation between clean vocals, gutturals and the vocal effects employed by the band creates one of the album’s darkest moments, while the chorus restores its trademark melodic character. It is a particularly effective example of how Kamelot uses its guests to expand its sonic palette without compromising its own identity.

After the brief and enigmatic “Nocte Veritas”, “One Last Masquerade” brings Tobias Sammet together with Karevik. The combination works naturally: Sammet’s dramatic presence meets the versatility of Kamelot’s vocalist in a melodic power metal composition built around a broad, anthemic chorus and filled with vocal nuances. The production of Sascha Paeth, who returns to the helm of Kamelot, is also evident here. There is a slightly rougher, more organic texture to the arrangements, adding character to an album whose production is otherwise exceptionally clean and detailed.

“Ivy, My Dear” represents a significant change of atmosphere. Built around acoustic instrumentation, the ballad introduces an almost medieval dimension that had not appeared with such force earlier in the album. Karevik uses the space to explore his more theatrical side, moving between delicacy and power and reaching areas of his voice that had not been explored in the preceding tracks. The composition is particularly rich in detail and, within the concept of Dark Asylum, almost functions as a piece of soundtrack music.

If there is one song that sums up Kamelot in its most immediately recognizable form, it is “Godlike Alchemy”. The album’s second single brings together speed, memorable melodies, orchestration and a chorus designed to stay in the listener’s head after the first spin. The vocal and instrumental lines move almost in unison, creating one of those moments where the band’s grandeur depends not on excess, but on the efficiency of the songwriting.

“The Sleeping Mind (Orphic Paradigm)” picks up the pace again. More direct and less ornate, the track brings Kamelot closer to its traditional sound and gives Alex Landenburg an opportunity to showcase his drumming, particularly his double-bass work. The piano leading into Youngblood’s solo is another well-executed detail in a composition that prioritizes speed and impact.

“Kaleidoscope” brings back the orchestration and huge choirs, working as a highly effective synthesis of the band’s melodic power metal side. The tempo changes are supported by an exceptionally tight instrumental foundation, while keyboards, guitars and vocals fit together without any element feeling out of place. Karevik once again plays with different vocal approaches, keeping the song accessible even as its structure becomes more elaborate.

“Enigma (Think of Me)” surprises through its dynamics. An introduction that initially appears to announce a ballad gives way to a heavy, broken section before the song once again strips down to piano and vocals. The result is one of the album’s most interesting moments precisely because it works through contrast. And despite all the changes, there is one constant: Kamelot never stops sounding like Kamelot. For some listeners, that familiarity may be interpreted as a lack of adventurousness; for others, it is precisely what makes Dark Asylum so convincing.

“Cassandra’s Disease” reinforces the band’s ability to shift atmospheres. Piano and heavy guitar share the spotlight in a composition built around a broken rhythm and a strong theatrical character, once again allowing Karevik to explore the full range of his performance. The extremely melodic chorus, reinforced by well-placed backing vocals, adds another layer to the narrative while maintaining the sense of mystery that runs throughout the album.

One of the biggest departures comes with “Beneath the Moon (Tunglið)”. Sung in Icelandic by Rannveig Sif Sigurðardóttir, with vocal contributions from Sólveig Sara Leupold and violin by Lea-Sophie Fischer of Eluveitie, the song temporarily abandons Kamelot’s more traditional core to delve into a folk-gothic atmosphere. Rannveig’s presence carries an added significance for longtime followers of the band: the Icelandic soprano previously appeared on The Fourth Legacy, from 1999, on “The Inquisitor”. Almost three decades later, her return creates an unexpected bridge to Kamelot’s past. The result is one of the album’s most distinctive experiences.

“The Puppet King” brings the band back onto familiar ground without abandoning the nuances developed throughout the record. Fast guitars, rhythmic shifts, carefully integrated keyboards and an extremely tight rhythm section provide the foundation for another powerful performance from Karevik. The solo is economical and effective, while the moment when the instrumentation drops away to leave only the voice appropriately sets up the arrival of the final chorus.

“Sanctum Requiem” closes the album in a way that is entirely consistent with its concept. Instrumental and dominated by piano, the composition leaves behind the speed and creates a dark, contemplative atmosphere. More than simply an ending, it functions as the final chapter of a story that began taking shape even before the first track.

Dark Asylum is not an album that seeks to reinvent Kamelot — and perhaps that is precisely its greatest strength. The band seems to understand that its identity is already powerful enough that it does not need to be constantly dismantled and rebuilt. What we have here is a more mature and complex work that is also surprisingly accessible, in which melodic power metal, orchestration and theatricality are used with precision.

The 15-track running time may initially suggest an overly long experience, but the variety of atmospheres and sheer amount of detail prevent the album from becoming tiring. Some compositions are short and work as transitional elements within the concept, while others take on more epic proportions. The sequencing is carefully constructed and rewards repeated listens.

Sascha Paeth’s production also deserves special mention, bringing back a slightly more organic sound without sacrificing the clarity associated with modern productions, while Jacob Hansen’s mixing and mastering ensure that every layer finds its place. Guitars, keyboards, orchestration, choirs and drums form a monumental whole without ever becoming excessively congested.

Above all, however, Dark Asylum belongs to Tommy Karevik. His performance runs through the entire album, moving from delicacy to drama, from melodic passages to moments of greater intensity, always with control and personality. If Kamelot’s intention was to create a conceptual experience capable of bringing together narrative, atmosphere and great songs, they found the ideal interpreter in their vocalist.

In the end, Dark Asylum is less a reinvention than a reaffirmation. Kamelot knows the language it helped establish intimately, and here the band demonstrates that it can still use it with intelligence, attention to detail and, above all, strong songwriting. It should fully satisfy longtime fans, while also providing an excellent entry point for anyone looking for melodic power metal with symphonic ambition and theatrical flair. After all these years, Kamelot does not need to forge a new path. It only needs to show, with the confidence of a band that knows the territory inside out, why it remains one of the most relevant names within it.

Natalie Enemede

Xandria: Um Reencontro Com a Essência do Metal Sinfônico (Also In English)

Napalm Records (Imp.)

Por Michelle F. Santana - @mii.santanna

Quem acompanha o metal sinfônico há algum tempo certamente conhece o Xandria. Formada na Alemanha em 1994, a banda construiu uma carreira marcada por grandes mudanças de formação, mas sempre manteve como marca registrada a união entre peso, orquestrações grandiosas e melodias marcantes. Depois de apresentar sua nova fase em The Wonders Still Awaiting (2023), o grupo volta com Eclipse, um álbum que já dava sinais do que viria pelos singles lançados nos últimos meses. E a boa notícia é que a expectativa se confirma: o Xandria entrega um trabalho seguro, inspirado e que lembra por que se tornou um dos nomes mais importantes do metal sinfônico.

Se o álbum anterior tinha um clima de recomeço e servia para apresentar a nova formação, Eclipse mostra uma banda muito mais confiante. Aqui tudo parece mais natural. As ideias fluem melhor, as composições são mais coesas e a identidade do grupo aparece com muito mais força do início ao fim.

O conceito do álbum gira em torno dos ciclos da vida, da transformação e do contraste entre luz e escuridão — exatamente como sugere o próprio título. Essa ideia aparece tanto nas letras quanto na identidade visual, que combina perfeitamente com o clima épico e cinematográfico do disco.

Musicalmente, Eclipse é um prato cheio para quem sente falta daquele metal sinfônico que marcou os anos 90 e 2000. Ao mesmo tempo em que mantém uma sonoridade moderna, o álbum traz uma atmosfera nostálgica, reforçada pelos elementos folk, celta espalhados ao longo das faixas. É pesado quando precisa ser, delicado nos momentos certos e sempre muito bem orquestrado.

A produção também merece destaque. Tudo soa muito equilibrado: as orquestrações têm espaço para brilhar sem esconder as guitarras, enquanto baixo e bateria sustentam a intensidade do álbum do começo ao fim. Marco Heubaum continua sendo o cérebro criativo da banda, conduzindo teclados e arranjos sinfônicos com muito bom gosto. Rob Klawonn entrega riffs pesados e melodias envolventes, Tim Schwarz mantém uma base firme no baixo e Dimitrios Gatsios mostra segurança e precisão na bateria, contribuindo para que cada música tenha sua própria personalidade.

E claro, não dá para falar de Eclipse sem destacar Ambre Vourvahis. A vocalista está simplesmente impecável. Sua interpretação vai muito além da técnica: ela passeia com naturalidade entre vocais limpos, passagens operísticas e guturais, sempre colocando emoção acima da exibição. É uma performance que reforça ainda mais a identidade desta nova fase do Xandria.

Se tem uma coisa que Eclipse faz muito bem, é transformar cada faixa em uma experiência diferente.

A faixa-título, "Eclipse", resume perfeitamente a proposta do disco. Corais grandiosos, guitarras pesadas e uma atmosfera quase apocalíptica fazem dela o coração do álbum e mostram toda a força dessa nova fase da banda.

"Colours" é uma daquelas músicas que conquistam logo na primeira audição. Além de um refrão forte, ela evidencia toda a versatilidade de Ambre, que alterna entre vocais operísticos, limpos e guturais com uma facilidade impressionante, sem perder a emoção em nenhum momento.

Já "The Shannon's Home" leva o ouvinte para um cenário completamente diferente. A faixa funciona como um conto de fadas sombrio, usando o rio Shannon como metáfora para as diferentes fases da vida. Os arranjos folk celtas se misturam ao peso das guitarras de forma muito natural, criando uma das músicas mais bonitas e envolventes do álbum.

Essa influência folk continua em "Masquerade", enriquecida pelas flautas irlandesas (tin e low whistles) de McAlbi. São detalhes como esse que deixam o disco ainda mais rico e ajudam a construir uma identidade muito própria.

Em "Northstar", o Xandria aposta em uma composição longa, cheia de mudanças e com orquestrações densas. É uma faixa que cresce a cada minuto e entrega exatamente aquela sensação épica que os fãs do gênero esperam.

Outro momento que merece atenção é "The Last Generation". Além de um instrumental poderoso, a música traz uma das letras mais diretas do álbum, abordando críticas à sociedade contemporânea sem abrir mão da grandiosidade característica da banda.

Para fechar, "Lore" entrega um dos finais mais bonitos do disco. A participação da violinista Ally Storch (Subway to Sally), junto aos instrumentos de sopro celtas de McAlbi, transforma a música em um encerramento emocionante e cinematográfico, daqueles que deixam vontade de ouvir tudo de novo.

No fim das contas, Eclipse mostra um Xandria mais maduro, mais seguro e totalmente confortável com a própria identidade. É um álbum que resgata a essência do metal sinfônico clássico sem parecer preso ao passado, mistura elementos folk com muito bom gosto e entrega uma coleção de músicas fortes do começo ao fim. Para quem gosta de metal sinfônico, é um daqueles discos que valem cada minuto da audição.

***ENGLISH VERSION***

Anyone who has been following the symphonic metal scene for a while is certainly familiar with Xandria. Formed in Germany in 1994, the band has built a career marked by several lineup changes while always staying true to its signature blend of heavy riffs, grand orchestral arrangements, and memorable melodies. After introducing its new era with The Wonders Still Awaiting (2023), the band returns with Eclipse, an album that had already hinted at its direction through the singles released over the past few months. The good news is that it more than lives up to the expectations. Xandria delivers a confident, inspired record that reminds listeners why the band remains one of the leading names in symphonic metal.

While the previous album felt like a fresh start and served as an introduction to the band's new lineup, Eclipse presents a much more confident Xandria. Everything feels more natural here. The songwriting flows effortlessly, the compositions are more cohesive, and the band's identity shines through from beginning to end.

The album revolves around themes of life's cycles, transformation, and the contrast between light and darkness—exactly what its title suggests. These ideas are reflected not only in the lyrics but also in the album's stunning visual identity, perfectly matching its epic and cinematic atmosphere.

Musically, Eclipse is a treat for anyone who misses the golden era of symphonic metal from the late '90s and 2000s. While maintaining a modern production, the album embraces a nostalgic atmosphere, enhanced by Celtic and folk influences woven naturally throughout the songs. It's heavy when it needs to be, delicate at the right moments, and consistently supported by rich, beautifully crafted orchestral arrangements.

The production also deserves special praise. Everything feels perfectly balanced: the orchestral layers have plenty of room to shine without overshadowing the guitars, while the bass and drums provide a powerful backbone from start to finish. Marco Heubaum remains the band's creative mastermind, crafting keyboards and symphonic arrangements with remarkable taste. Rob Klawonn delivers crushing riffs alongside memorable melodies, Tim Schwarz provides a solid foundation on bass, and Dimitrios Gatsios drives each song forward with precision and energy, giving every track its own personality.

And of course, it's impossible to talk about Eclipse without highlighting Ambre Vourvahis. Her performance is simply outstanding. More than showcasing technical ability, she moves effortlessly between clean vocals, operatic passages, and harsh growls, always putting emotion before showmanship. It's a performance that further cements the identity of this new era of Xandria.

If there's one thing Eclipse does exceptionally well, it's making every song feel like its own unique journey.

The title track, "Eclipse" perfectly captures the spirit of the album. Monumental choirs, crushing guitars, and an almost apocalyptic atmosphere make it the emotional centerpiece of the record, showcasing the full strength of this new chapter for the band.

"Colours" is one of those songs that grabs your attention from the very first listen. Beyond its memorable chorus, it highlights Ambre's incredible versatility as she effortlessly shifts between operatic vocals, clean singing, and aggressive growls without ever sacrificing emotion. 

"The Shannon's Home" takes the listener somewhere completely different. The song unfolds like a dark fairy tale, using Ireland's River Shannon as a metaphor for the different stages of life. Celtic folk arrangements blend naturally with heavy guitars, creating one of the album's most beautiful and immersive moments.

That folk influence continues in "Masquerade" enriched by McAlbi's Irish tin and low whistles. Small details like these make the album even richer and help establish its own unique identity.

With "Northstar" Xandria embraces a longer, more expansive composition filled with dynamic shifts and dense orchestral layers. It's a song that builds steadily, delivering exactly the kind of epic journey symphonic metal fans love.

Another standout is "The Last Generation". Alongside its powerful instrumentation, the track features one of the album's most direct lyrical statements, offering sharp criticism of contemporary society without losing the band's trademark grandeur.

Closing the album, "Lore" provides one of its most breathtaking moments. The guest appearance by violinist Ally Storch (Subway to Sally), combined with McAlbi's Celtic wind instruments, turns the song into a deeply emotional and cinematic finale that leaves you wanting to press play all over again.

In the end, Eclipse showcases a more mature, more confident Xandria that feels completely comfortable with its identity. It's an album that recaptures the spirit of classic symphonic metal without sounding trapped in the past, blending folk influences with remarkable elegance while delivering a collection of memorable songs from beginning to end. For anyone who loves symphonic metal, this is one of those albums that's worth experiencing from start to finish.

Stefan Heilemann/Mirko Witzki

Seven Spires: Uma Obra Ainda Maior (Also In English)

Frontiers Records (Imp.)

A celebração definitiva de um dos grandes álbuns do metal moderno

Por Michelle F. Santana 

Desde sua formação em 2013, em Boston, Massachusetts (EUA), o Seven Spires consolidou uma identidade singular dentro do metal contemporâneo. Sem se prender às convenções de um único estilo, o quarteto construiu uma sonoridade que transita naturalmente entre o metal sinfônico, power metal, metal progressivo e metal extremo. Essa identidade musical é conduzida por composições grandiosas, mudanças dinâmicas constantes e uma escrita extremamente rica, capaz de equilibrar técnica, intensidade e emoção. Em A Fortress Called Home (Master Key Edition), a banda não apenas revisita um de seus trabalhos mais importantes, como oferece a forma mais completa de apreciá-lo.

Originalmente lançado em 2024, A Fortress Called Home já demonstrava uma banda em plena maturidade artística. O álbum aborda temas como pertencimento, identidade, perda, esperança e reconstrução, transformando a ideia de uma "fortaleza" em um refúgio emocional diante das adversidades. A Master Key Edition amplia essa experiência ao reunir três discos: o álbum original, incluindo a versão acústica de "House of Lies", lançada anteriormente na edição deluxe; um segundo disco inteiramente instrumental; e um terceiro dedicado a versões orquestradas e registros ao vivo gravados durante turnês recentes, incluindo apresentações em Tilburg e Montréal. Mais do que um relançamento, esta edição funciona como uma celebração do encerramento do ciclo de A Fortress Called Home e da evolução artística do Seven Spires.

Grande parte da força da banda está na impressionante performance de Adrienne Cowan. Poucas vocalistas transitam com tanta naturalidade entre vocais limpos, guturais extremos e técnicas oriundas do teatro musical. Sua impressionante extensão vocal e o controle absoluto da dinâmica permitem que percorra diferentes registros com absoluta fluidez, passando da delicadeza quase etérea à agressividade mais extrema sem perder precisão ou expressividade. Sua versatilidade impressiona, mas jamais soa como uma demonstração gratuita de virtuosismo. Cada escolha interpretativa serve à narrativa das músicas, carregando diferentes nuances emocionais conforme os arranjos evoluem. Adrienne entrega uma performance impecável, alternando delicadeza, dramaticidade e agressividade com naturalidade, consolidando-se como uma das vocalistas mais completas da atualidade.

Nas guitarras, Jack Kosto entrega riffs inspirados, harmonizações sofisticadas e solos tecnicamente brilhantes, sempre a serviço das composições. Sua execução amplia o caráter épico das músicas sem jamais soar excessiva. O baixo de Peter de Reyna acrescenta profundidade às harmonias e fortalece a base melódica do álbum, enquanto Chris Dovas demonstra enorme versatilidade na bateria, conduzindo com precisão as constantes mudanças de andamento e dinâmica que caracterizam o repertório.

Entre os destaques, "Songs Upon Wine-Stained Tongues" permanece como uma das faixas mais enérgicas do álbum. A intensidade dos riffs, a bateria pulsante e a constante sensação de movimento fazem dela um dos momentos mais explosivos do disco, equilibrando agressividade e melodias marcantes com impressionante naturalidade.

"Almosttown" evidencia uma das grandes virtudes composicionais do Seven Spires: a capacidade de construir melodias memoráveis sem abrir mão da complexidade dos arranjos. A faixa alterna momentos de introspecção e explosão de maneira orgânica, criando uma narrativa dinâmica que mantém o ouvinte completamente envolvido do início ao fim. É uma composição que sintetiza com precisão o equilíbrio entre peso, emoção e refinamento característico da banda.

Já "Love's Souvenir" apresenta uma das experimentações mais interessantes do álbum ao incorporar elementos de jazz à identidade musical do Seven Spires. A fusão entre harmonias sofisticadas e a intensidade do metal acontece de forma extremamente natural, conferindo personalidade única à faixa. O resultado é uma composição elegante, imprevisível e rica em nuances, reforçando a disposição da banda em expandir seus horizontes sem perder sua essência.

"Architect of Creation" representa um dos momentos mais pesados e grandiosos de A Fortress Called Home. Os riffs agressivos, a bateria intensa e a alternância entre vocais limpos e guturais transformam a faixa em uma demonstração da capacidade do Seven Spires de unir brutalidade e sofisticação em uma mesma composição.

Por sua vez, "Emerald Necklace" revela um lado mais contemplativo do álbum. Adrienne conduz a música com vocais limpos, emocionais e extremamente equilibrados, enquanto os arranjos crescem gradualmente até culminar em um solo de guitarra inspirado e emocionante. Trata-se de uma balada grandiosa, sensível e cuidadosamente construída, capaz de emocionar sem recorrer a excessos.

"Where Sorrows Bear My Name" inicia de forma atmosférica, envolta por elementos característicos do metal sinfônico. A interpretação de Adrienne começa delicada e melódica, mas evolui progressivamente para seus guturais característicos, intensificando a dramaticidade da composição e reforçando o contraste entre beleza e brutalidade que permeia toda a obra.

Entre todas as composições, "House of Lies" talvez seja a que melhor sintetize a essência emocional de A Fortress Called Home. Sua versão original já impressiona pela interpretação intensa e pela profundidade de sua construção melódica. Já a versão acústica, lançada anteriormente na edição deluxe e incorporada a esta edição, reduz os arranjos ao essencial e evidencia ainda mais a sensibilidade da composição e da interpretação de Adrienne, tornando sua carga emocional ainda mais impactante.

Um dos maiores méritos da Master Key Edition está justamente na maneira como ela convida o ouvinte a redescobrir A Fortress Called Home sob diferentes perspectivas. O segundo disco, composto integralmente por versões instrumentais, vai muito além de um material complementar. Ao retirar os vocais do centro da experiência, o Seven Spires permite que toda a arquitetura de suas composições seja apreciada em primeiro plano. Guitarras, baixo, bateria e teclados revelam camadas que muitas vezes passam despercebidas na audição tradicional, evidenciando não apenas o virtuosismo técnico do quarteto, mas também o cuidado na construção dos arranjos, na produção e na riqueza de detalhes que sustentam cada música.

É justamente nesse contexto que o trabalho de Jack Kosto, Peter de Reyna e Chris Dovas ganha ainda mais destaque. As harmonizações de guitarra, as linhas de baixo cuidadosamente elaboradas e a precisão da bateria demonstram que a força do Seven Spires não depende exclusivamente da impressionante performance vocal de Adrienne Cowan. Pelo contrário: cada integrante desempenha um papel fundamental na construção dessa identidade sonora sofisticada, em que cada elemento ocupa seu espaço sem comprometer a coesão do conjunto.

O terceiro disco amplia ainda mais essa experiência ao apresentar versões orquestradas e registros ao vivo. As releituras sinfônicas de "A Fortress Called Home", "Songs Upon Wine-Stained Tongues" e "Architect of Creation" reforçam a grandiosidade das composições, destacando melodias, contrapontos e texturas que dialogam naturalmente com a linguagem da música orquestral. Longe de parecerem meros exercícios de rearranjo, essas versões evidenciam o quanto as composições do Seven Spires já nasceram com uma estrutura profundamente cinematográfica e narrativa.

Os registros ao vivo funcionam como a celebração perfeita para o encerramento desse ciclo. As performances de "Succumb", clássico de Emerald Seas (2020), além de "Love's Souvenir", "Wanderer's Prayer" e "Gods of Debauchery", originalmente presentes em Gods of Debauchery (2021), capturam toda a intensidade que o grupo desenvolveu nos palcos durante as últimas turnês. Gravadas em apresentações realizadas em Tilburg e Montréal, essas versões acrescentam espontaneidade, energia e emoção, demonstrando como o repertório evoluiu naturalmente diante do público.

Mesmo dois anos após seu lançamento original, A Fortress Called Home permanece surpreendente. Poucos álbuns recentes conseguem oferecer uma experiência tão recompensadora a cada nova audição. Suas composições continuam revelando detalhes antes despercebidos, os arranjos apresentam uma riqueza impressionante de informações e a fusão entre metal sinfônico, power metal, metal progressivo e metal extremo permanece orgânica, equilibrada e extremamente sofisticada. O Seven Spires evita soluções fáceis, refrões excessivamente previsíveis e estruturas convencionais, preferindo investir em narrativas musicais densas, atmosferas cuidadosamente construídas e ganchos melódicos inteligentes que recompensam o ouvinte mais atento.

A Fortress Called Home já nasceu grandioso. A Master Key Edition busca reafirmar a força de uma obra que continua surpreendente a cada audição. Ao reunir o álbum original, versões instrumentais, releituras orquestrais e registros ao vivo, o Seven Spires demonstra que suas composições mantêm a mesma intensidade independentemente da roupagem que recebem. Mais do que uma edição expandida, este lançamento celebra o encerramento de um ciclo criativo brilhante e reafirma o quarteto como um dos nomes mais inventivos, ambiciosos e tecnicamente refinados do metal contemporâneo.

***ENGLISH VERSION***

The Definitive Celebration of One of Modern Metal's Finest Albums

Since their formation in 2013 in Boston, Massachusetts, Seven Spires have established a singular identity within contemporary metal. Refusing to be confined by the conventions of any single subgenre, the quartet has crafted a sound that seamlessly blends symphonic metal, power metal, progressive metal, and extreme metal. Their musical identity is driven by grandiose songwriting, constant dynamic shifts, and remarkably intricate compositions that balance technical prowess, intensity, and emotional depth. With A Fortress Called Home (Master Key Edition), the band not only revisits one of its most significant works but also offers the most comprehensive way to experience it.

Originally released in 2024, A Fortress Called Home already showcased a band operating at the height of its creative maturity. The album explores themes of belonging, identity, loss, hope, and renewal, transforming the concept of a "fortress" into an emotional sanctuary amid life's adversities. The Master Key Edition expands this experience by bringing together three discs: the original album, including the acoustic version of "House of Lies," previously available only on the deluxe edition; a second disc featuring entirely instrumental versions; and a third dedicated to orchestral arrangements and live recordings captured during recent tours, including performances in Tilburg and Montréal. Rather than a simple reissue, this edition serves as a celebration of the closing chapter of A Fortress Called Home and Seven Spires' remarkable artistic evolution.

Much of the band's strength lies in Adrienne Cowan's extraordinary performance. Few vocalists transition so effortlessly between pristine clean vocals, ferocious harsh vocals, and techniques drawn from musical theater. Her remarkable vocal range and exceptional dynamic control allow her to move seamlessly across vastly different registers, shifting from ethereal delicacy to uncompromising aggression without ever sacrificing precision or expressiveness. Her versatility is astonishing, yet it never feels like an exercise in virtuosity for its own sake. Every interpretative choice serves the songs' narrative, conveying a wide range of emotional nuances as the arrangements unfold. Adrienne delivers a flawless performance, effortlessly balancing tenderness, drama, and aggression while firmly establishing herself as one of the most complete vocalists in modern metal.

On guitar, Jack Kosto delivers inspired riffs, sophisticated harmonies, and technically dazzling solos, always in service of the compositions themselves. His playing enhances the music's epic character without ever becoming excessive. Peter de Reyna's bass adds depth to the harmonic foundation while reinforcing the album's melodic core, and Chris Dovas demonstrates remarkable versatility behind the drum kit, navigating the constant tempo changes and dynamic shifts that define the band's songwriting with absolute precision.

Among the album's highlights, "Songs Upon Wine-Stained Tongues" remains one of its most energetic moments. Driven by crushing riffs, relentless drumming, and an ever-present sense of momentum, the track stands as one of the record's most explosive offerings, balancing aggression and memorable melodies with impressive ease.

"Almosttown" showcases one of Seven Spires' greatest compositional strengths: the ability to craft unforgettable melodies without sacrificing the complexity of their arrangements. The song moves organically between introspective passages and explosive climaxes, creating a dynamic narrative that keeps the listener fully engaged from beginning to end. It perfectly encapsulates the band's signature balance between heaviness, emotion, and musical sophistication.

Meanwhile, "Love's Souvenir" presents one of the album's most intriguing experiments by incorporating elements of jazz into Seven Spires' musical identity. The fusion of sophisticated harmonies and metallic intensity feels entirely natural, giving the track a distinctive personality. The result is an elegant, unpredictable composition filled with subtle nuances, further demonstrating the band's willingness to expand its musical horizons without compromising its core identity.

"Architect of Creation" represents one of the heaviest and most monumental moments on A Fortress Called Home. Crushing riffs, relentless drumming, and the interplay between clean and harsh vocals turn the song into a powerful demonstration of Seven Spires' ability to merge brutality and sophistication within a single composition.

By contrast, "Emerald Necklace" reveals the album's more contemplative side. Adrienne guides the song with emotionally rich, impeccably controlled clean vocals, while the arrangements gradually build toward an inspired and deeply moving guitar solo. It is a majestic, heartfelt ballad, carefully constructed to evoke emotion without relying on excess.

"Where Sorrows Bear My Name" begins with an atmospheric introduction steeped in symphonic metal textures. Adrienne's performance initially unfolds with delicate, melodic vocals before gradually evolving into her signature harsh delivery, heightening the song's dramatic impact and reinforcing the constant interplay between beauty and brutality that permeates the album.

Among all the compositions, "House of Lies" perhaps best encapsulates the emotional essence of A Fortress Called Home. The original version already stands out through its powerful vocal performance and profound melodic development. The acoustic version, previously exclusive to the deluxe edition and now included here, strips the arrangement down to its essentials, further highlighting both the song's emotional depth and Adrienne's deeply affecting interpretation.

One of the greatest strengths of the Master Key Edition lies precisely in the way it invites listeners to rediscover A Fortress Called Home from entirely new perspectives. The second disc, consisting exclusively of instrumental versions, goes far beyond serving as bonus material. By removing the vocals from the forefront, Seven Spires allows the full architectural complexity of its compositions to shine. Guitars, bass, drums, and keyboards reveal countless layers that often remain hidden during a traditional listening experience, highlighting not only the quartet's remarkable musicianship but also the meticulous craftsmanship behind every arrangement, production choice, and musical detail.

Within this context, the contributions of Jack Kosto, Peter de Reyna, and Chris Dovas become even more evident. The intricate guitar harmonies, carefully constructed bass lines, and exceptionally precise drumming demonstrate that Seven Spires' strength extends well beyond Adrienne Cowan's astonishing vocal abilities. On the contrary, every member plays an indispensable role in shaping the band's sophisticated sonic identity, where each musical element occupies its own space while contributing to the cohesion of the whole.

The third disc further expands the experience by presenting orchestral reinterpretations alongside live recordings. The symphonic versions of "A Fortress Called Home", "Songs Upon Wine-Stained Tongues" and "Architect of Creation" reinforce the grandeur of the original compositions, emphasizing melodies, counterpoints, and textures that naturally lend themselves to orchestral language. Far from feeling like simple rearrangements, these versions reveal just how inherently cinematic and narrative-driven Seven Spires' songwriting has always been.

The live recordings provide the perfect conclusion to this celebration. Performances of "Succumb" the standout track from Emerald Seas (2020), alongside "Love's Souvenir" "Wanderer's Prayer" and "Gods of Debauchery" originally featured on Gods of Debauchery (2021), capture the intensity and confidence the band has developed on stage throughout its recent tours. Recorded during performances in Tilburg and Montréal, these versions bring an added sense of spontaneity, energy, and emotion while demonstrating how naturally the material has evolved in front of live audiences.

Even two years after its original release, A Fortress Called Home remains a remarkable achievement. Few recent albums offer such a consistently rewarding experience with every revisit. Each listen reveals previously unnoticed details, the arrangements continue to impress with their extraordinary depth, and the fusion of symphonic metal, power metal, progressive metal, and extreme metal remains organic, balanced, and exceptionally refined. Seven Spires avoids easy solutions, predictable choruses, and conventional song structures, instead embracing dense musical narratives, meticulously crafted atmospheres, and intelligent melodic hooks that richly reward attentive listeners.

A Fortress Called Home was already a monumental achievement upon its original release. The Master Key Edition reinforces the enduring strength of an album that continues to surprise with every listen. By bringing together the original record, instrumental versions, orchestral reinterpretations, and live performances, Seven Spires demonstrates that its compositions retain their emotional and artistic power regardless of the form they take. More than simply an expanded edition, this release celebrates the conclusion of a brilliant creative chapter while reaffirming the quartet as one of the most inventive, ambitious, and technically accomplished bands in contemporary metal.

Jeremy Saffer

Soulwitch: O metal sinfônico curitibano que une ocultismo, orquestra e protagonismo feminino

Lucas de Melo - @olucasdemelo_

Por Michelle F. Santana (@mii.santanna) e Paula Butter (@paulabutter.rocks)

Dois anos após o lançamento de Principium, a Soulwitch segue construindo uma das trajetórias mais consistentes do metal sinfônico brasileiro. Formada em Curitiba (PR), a banda reúne peso, arranjos orquestrais e uma identidade conceitual densa, ancorada em espiritualidade, hermetismo e simbolismo, numa proposta que dialoga com referências internacionais do metal sinfônico sem abrir mão de uma voz própria.

À frente do grupo está a vocalista e diretora artística Maria Sliviany, responsável pelas letras, pelo figurino e pela narrativa visual que atravessa o álbum. Lançado pelo selo Voice Music, Principium percorre temas como amor, morte, transformação da consciência e renascimento, os chamados princípios herméticos, traduzidos em faixas como Teufelsbuhlschaft, que explora os arquétipos da bruxaria e da Inquisição, e Beltane, selecionada para o Roadie Crew Online Fest, um dos principais eventos digitais de metal do país.

Em junho de 2026, às vésperas de um show especial no Teatro Paiol, em Curitiba, para celebrar os dois anos do disco, Maria Sliviany conversou com a Road To Metal, e falou sobre o processo criativo por trás das músicas, a filosofia que atravessa cada faixa e videoclipe, e também o papel da mulher no cenário do metal brasileiro. Para ela, a Soulwitch vai além de uma banda: é uma ferramenta de cura, uma ponte entre o humano e o divino, e um convite ao autoconhecimento. "A música tem que ser sentida antes de ser compreendida", disse ela, sintetizando em uma frase o que Principium busca provocar em quem ouve.

Confira a seguir a entrevista na íntegra:

Michelle: Prazer enorme conversar com você. Eu ouvi a banda e, como fã de metal sinfônico, fiquei muito feliz de conhecer uma banda brasileira com tamanha qualidade. Muito obrigada mesmo!

Maria: Nossa, eu que agradeço, Michelle. Esse reconhecimento significa muito para nós. Querendo ou não, a gente faz tudo com muito amor e muito trabalho. As bandas brasileiras também precisam de visibilidade, então acho que existem muitas bandas boas que, às vezes, o público simplesmente ainda não conhece. Fico muito feliz que você tenha gostado, de coração. Para nós, isso significa muito, ainda mais vindo de uma fã de metal sinfônico.

Michelle: Falando um pouquinho sobre isso, Maria, na sua visão, o que faz uma banda brasileira de metal sinfônico conseguir se destacar em um cenário que é tão europeu?

Maria: Então, pela quantidade de bandas e pela quantidade de conteúdo que temos hoje nas redes sociais, acaba sendo bem difícil. O metal sinfônico é bem nichado. Querendo ou não, tem a questão dos arranjos orquestrais e toda uma imersão, uma atmosfera diferente dentro do metal. Eu sempre falo que é como se fosse uma trilha sonora se juntando com o peso do metal. É um trabalho muito massa de fazer, mas exige demais também.

Toda essa parte quem cria é o Jack. Ele é o criador da banda e quem dá origem a todas essas músicas. Por ser tecladista, ele tem o conhecimento necessário para construir toda essa atmosfera e todo esse universo que o metal sinfônico exige.

Luca de Melo - @olucasdemelo_

Michelle: É bem cinematográfico, né? Muito trabalhado.

Maria: É porque você consegue se transportar para uma época, para um lugar. Acho que a ideia da Soulwitch e do metal sinfônico em si sempre foi isso. E cada banda vai trazer uma personalidade, um conceito, uma ideia. Você ouve Nightwish, Epica, Within Temptation... Todas elas têm algo em comum, mas também têm algo muito diferente, com muita personalidade, tanto na temática quanto na sonoridade.

A gente também tem essas bandas como referência e sempre quis trazer a nossa própria identidade. Acho que a gente sempre acaba se espelhando em outras bandas, porém trazendo também as nossas ideias e a nossa personalidade para criar uma arte única.

Paula: Com relação à arte e ao figurino, eu vi que vocês têm um trabalho muito grande com isso. O álbum, a capa, a arte... É uma coisa muito perfeita e muito bem-feita que, atualmente, é difícil ver em bandas nacionais. Eu queria saber como surgem essas ideias: o figurino da banda, os videoclipes... O quanto dá de trabalho elaborar esses conceitos, esses figurinos? Isso vem de dentro de você?

Maria: Eu falo que a nossa criação é muito fluida. Eu acredito que a arte tem que nascer dessa sensibilidade do artista. Tem toda a parte técnica, que é super necessária. O conhecimento geral da música, saber estruturar uma música, a técnica que você vai utilizar, tanto como instrumentista quanto como vocalista, é essencial. Mas a alma tem que falar através desse sentimento, dessa liberdade que a arte permite, porque, se você pensa demais, a arte acaba travando.

Então, a gente sempre tenta fazer tudo de uma forma muito fluida, livre de amarras. A Soulwitch se torna bruxa também dentro desse conceito por conta dessa liberdade de expressão.

E a questão do figurino, do audiovisual, dos videoclipes e da parte gráfica é uma extensão disso. Eu sou apaixonada por arte. Estudei arte, estudo arte, consumo arte. Sou apaixonada por moda, por cinema e por arte gráfica. Adoro frequentar museus. Eu acho que, se a gente pode proporcionar uma experiência completa para o público, por que não? Por que não entregar o melhor? Por que não entregar um universo? A gente faz isso com esse propósito.

Hoje eu até trouxe aqui o disco da Soulwitch, que a Paula comentou. Se você for analisar, tem toda essa questão através da arte gráfica, das cores e do videoclipe também. Inclusive, tem uma foto no encarte que foi feita com o figurino de "Teufelsbuhlschaft". A gente quis trazer esse link para que o público tivesse uma imersão completa nessa experiência.

Divulgação

Michelle: Eu acho que vocês conseguem exprimir bastante essa estética, que é muito marcante. E, você falando desse processo criativo, Maria, qual foi a primeira imagem ou ideia que surgiu antes mesmo das filmagens começarem?

Maria: Você diz quando a gente já tinha as músicas prontas ou no início de tudo mesmo?

Michelle: Eu acredito que quando vocês já tinham a música pronta. Como vocês imaginavam esse clipe, que ficou muito bonito? Parabéns!

Maria: Ai, obrigada! "Teufelsbuhlschaft" foi escolhida como o primeiro single por ser a raiz da banda. Foi a primeira música que lançamos para anunciar o álbum, mas também a primeira a ser composta. O Jack já tinha esse instrumental há muitos anos e, quando ele me mostrou, foi a primeira letra que eu escrevi.

Foi algo muito intuitivo, porque, quando escutei toda aquela sonoridade que ele trouxe, ela me remeteu a uma época, a um cenário e a um sentimento também. Era como se ela contasse uma história: uma perseguição, mas que não termina com um final triste.

A questão da integração das sombras, da cura e de trazer a história de uma bruxa no século XVI não representa um fim, e sim um novo começo, porque a morte não representa um fim; ela é uma transmutação.

E a gente também pode morrer diversas vezes em vida. Quantas vezes a gente chega e fala: "Cara, é hora de mudar. É hora de fazer algo diferente." A gente se renova constantemente. Sempre foi essa a ideia: a transmutação e a integração das sombras.

O preto e o branco vêm com isso. O preto como a integração da sombra, enquanto o branco representa a nossa essência, que nunca se perde, apesar de tudo o que a gente passa, dos altos e baixos da nossa vida.

Eu acredito que essa é a principal lição, a principal mensagem que a gente gostaria de trazer.

Paula: E, tocando nesse assunto, você acabou de falar que vocês conseguem unir temas como amor, morte, transformação, renascimento e os princípios herméticos. O que eu acho muito interessante é que isso chega muito facilmente ao ouvinte, porque, se você for analisar as letras, é uma música que te toca imediatamente. A primeira vez que eu ouvi o álbum, eu me apaixonei pelas letras, porque é aquilo que você falou: tem a parte das sombras, tem a parte do renascimento e da própria vida. Parece que é uma história sendo contada, e ela ficou acessível para vários ouvintes. Tem bandas que fazem obras extremamente boas, mas que, às vezes, ficam um pouco complicadas para todo mundo. Com vocês, eu tenho a impressão de que muita gente que nem escutava esse tipo de música passou a escutar. Já fazem dois anos desde o lançamento do álbum, e ele continua muito atual. Tem muita gente descobrindo ou redescobrindo esse trabalho. A gente mesmo fala: "Olha, você já ouviu?" E todo mundo que ouve acaba gostando. Como vocês se sentem vendo essa repercussão?

Maria: Primeiro, Paula, muito obrigada pelas palavras. Eu vou guardar muito isso para mim, porque é esse feedback que a gente ama receber. É por isso que eu gosto tanto de manter contato com o público, porque eu tenho muito interesse em saber o que a Soulwitch desperta em vocês. E ouvir isso de você é muito lindo, porque é um desafio tanto em questão técnica quanto conceitual.

Ontem (22/07) eu estava conversando com a Maria Correia, do Heavy Metal Online, e eu falei sobre isso para ela. A magia se divide em duas polaridades. A primeira é a questão do conhecimento racional, ligada aos estudos. E a outra é a parte intuitiva, do inconsciente e do sentimento, que também está ligada ao ritual.

Eu pensava: ‘como é que a gente vai conseguir trazer a magia de uma forma humanizada e de um jeito que as pessoas não apenas compreendam, mas sintam?’

Eu acredito que a música tem que ser sentida antes de ser compreendida, porque cada pessoa vai ter a sua interpretação. Eu posso trazer essa temática, mas cada um de vocês vai ouvir e vai ter um sentimento, uma memória e algo que desperta em vocês de forma única. Esse é o verdadeiro poder da arte.

É muito gratificante ter esse feedback e saber que você realmente mergulhou nesse universo que a gente tenta trazer, porque essa sempre foi a ideia.

Paula: E vocês já estão pensando em um novo projeto? Alguma coisa já está sendo trabalhada ou vocês vão focar mesmo nos shows, que vai ter agora no dia 27/06 (N.T.: a entrevista foi realizada no dia 23/06, quatro dias antes do show), e para os quais estamos todos ansiosos?

Maria: Fico feliz que você vá, Paula. Gostaria que a Michelle também fosse.

Michelle: Ah, eu queria muito! Estou em São Paulo, esperando vocês por aqui.

Maria: Pois é! São Paulo está nos encantando, porque a gente quer muito tocar aí. A Soulwitch está louca para fazer um show em São Paulo. Quem sabe no próximo ano? Seria maravilhoso.

Sobre os planos da banda, a gente nunca para. Claro que a gente não pode falar sobre as novas composições, mas é que nem eu digo: se a gente deixa de compor, parece que para de respirar, porque é o que a gente ama fazer.

Então, a Soulwitch está sempre em atividade, sempre compondo. O Jack está sempre lá, que nem uma maquininha, fazendo as músicas, passando para mim, e a gente vai trabalhando.

Enquanto isso, a banda precisa acontecer. O ao vivo é muito importante para nós. Esse show no teatro é uma experiência muito legal, muito diferente. O teatro permite que você tenha uma proximidade muito grande com o público. Durante a apresentação, às vezes a gente faz uma pausa, conversa com o pessoal e explica um pouquinho sobre o que fala cada música. E, no final do show, ter esse feedback, conseguir dar um abraço no pessoal, conversar e conhecer quem é o nosso público... O teatro permite muito isso.

Então, estamos muito ansiosos para esse sábado e, claro, seguimos com os shows.

Michelle: Você estava falando da expectativa para essa comemoração dos dois anos do álbum. Existe alguma faixa que ganhou um significado completamente diferente para você depois desses dois anos?

Maria: Eu acho que cada faixa é como um filho. Você vai amar todas. Cada uma tem a sua peculiaridade, porque tem dias em que uma música vai fazer mais sentido pelo que você está vivendo.

Tem dias em que você está mais introspectiva e vai estar mais "Aura Spectrum". Você teve um sonho, um desdobramento astral, uma revelação, e pensa: "Cara, isso faz total sentido para mim."

Em outros dias, você está com sangue nos olhos, cheia de revolta, e vem "Pandemonium". É aquela coisa: "Eu preciso falar, preciso ouvir, preciso cantar essa música hoje."

Então, cada música é vivida de uma forma diferente. Dependendo do momento, elas acabam falando por si só.

Eu amo todas as músicas e espero que o público também goste. Claro que cada um vai se conectar de uma forma mais especial com uma em específico. A gente sempre brinca que é como uma caixa de bombons: você sempre vai ter um preferido. (risos)

Voice Music (Nac.)

Paula: Como você definiria a Soulwitch para uma pessoa que vai ao show pela primeira vez e está ouvindo a banda pela primeira vez?

Maria: Eu sempre digo que a Soulwitch é uma ponte entre os limiares. Ela é uma conexão do nosso lado humano com o divino. E, na minha visão, o divino é o nosso eu superior. É a emancipação da consciência do ser. É essa questão do equilíbrio, em que a gente encontra as nossas forças interiores. E é uma oportunidade de dar voz a pessoas que não puderam falar em sua época e também aos registros que carregamos na nossa alma.

Eu acredito muito que vivi outras vidas e que consigo resgatar essas memórias através dos meus sentimentos. Quando a gente compõe as músicas, deixamos que esse sentimento nos transporte. É um momento de cura, um momento de resgate.

A Soulwitch não é apenas uma banda. Ela é uma filosofia de vida, uma ferramenta de cura. Ela consegue resgatar vozes silenciadas, tanto do passado quanto do presente, e também trazer energias futuras. É um universo.

Michelle: E quando você começou nesse universo, Maria? Nesse universo mágico e ritualístico que vocês trazem e exprimem tão bem na arte de vocês. Quando foi o seu primeiro contato com esse universo?

Maria: Eu acho que isso é algo que a gente carrega desde o nascimento. Mas sempre existe um momento de despertar, algum momento específico da sua vida em que isso vem com tudo. É como uma serpente que está adormecida e desperta. É como se fosse a kundalini: a nossa serpente, o nosso instinto, o nosso lado humano despertando para se conectar com esse eu superior, com esse divino, com essa consciência cósmica, essa consciência maior que nós temos.

Não tem um momento específico. Foi um despertar que foi acontecendo e que continua acontecendo. Acho que, a cada dia, a gente acaba se conhecendo mais. Eu vivo uma jornada de autoconhecimento e expresso muito isso nas letras da Soulwitch. Eu posso estar bem velhinha e, com certeza, ainda vou estar descobrindo coisas novas e vivendo novas experiências.

Paula: A tua postura e o teu figurino transmitem feminilidade, mas, ao mesmo tempo, muito poder. Você acaba sendo uma inspiração para muitas cantoras, principalmente daqui de Curitiba e também de outros estados. Só que esse mundo da música, às vezes, é um pouco cruel. O que você diria para essas cantoras que ainda não encontraram esse poder dentro delas? Que conselho você daria para aquelas que, de repente, pensam em desistir?

Maria: Eu acho que o autoconhecimento é a chave de tudo. Eu sempre digo que a verdadeira magia está nisso. Você tem que ter controle sobre você mesma, controle sobre a sua sombra, primeiramente, e reconhecer aquilo que te machuca, que te limita, que te afeta.

Então, em vez de ignorar isso, eu acho que você tem que encarar como se fosse um espelho, aceitar, integrar e ir resolvendo tudo dentro de você. É um processo de respeito ao seu próprio tempo.

Cara, todos nós passamos por muita coisa. Todo mundo tem uma história, todo mundo tem uma ferida. Então, eu acho que nunca é uma questão de desistir. É uma questão de integrar tudo isso. E, quando você integra a sua sombra, ela vira poder.

Até em "Teufelsbuhlschaft", se você for analisar essa jornada da bruxa que eu trago, é quando a igreja toma dela essa liberdade. As mãos, que são um instrumento de trabalho e, para mim, algo sagrado, ficam manchadas pelo preto, que representa a sombra. Só que ela não se desfaz disso. Até o final, ela permanece com essas marcas, e aquilo se transforma em algo poderoso, em uma ferramenta de poder para ela.

Então, acho que as mulheres têm que ter isso em mente, porque a mulher já é uma maga por natureza. Existe essa energia lunar que a mulher carrega, porque a gente tem o poder da geração. Só a mulher pode gerar a vida. E a magia é isso: criação. É criar a sua própria realidade.

Então, como você falou, Paula, existe a nossa feminilidade, mas também existe o nosso poder. E o feminino é isso. Também é encontrar o seu masculino, o seu sol, a hora de brilhar, a hora de trazer isso para o mundo, para o público.

Para conseguir se conectar com outras pessoas, você primeiro precisa se resolver consigo mesma. O feminino, a lua, tudo isso representa essa imersão interior. É um momento de recolhimento para integrar essas sombras e, só então, brilhar com o seu sol.

É esse o conselho que eu deixaria para as meninas. Espero que elas encontrem esse equilíbrio entre o feminino e o masculino dentro delas.

Paula: Muito obrigada pelo conselho.

Maria: Eu adorei essa pergunta. Achei muito massa, porque é uma oportunidade de compartilhar essas ideias. Eu queria estar em uma roda de meninas, conversando e conhecendo também as experiências delas. Quem sabe a gente não tenha essa oportunidade algum dia?

Paula: Só um adendo: aqui em Curitiba a gente tem um grupo, não sei se você já ouviu falar, chamado FeMetal. É uma iniciativa muito legal. A gente tenta reunir as mulheres da cena independente, sejam elas musicistas, empresárias ou de outras profissões. Tudo gira em torno do heavy metal. Por isso o nome FeMetal. A gente tenta fortalecer esse lado feminino de todas elas, mas ainda é difícil.

Maria: É difícil, Paula? Como assim? O que acaba acontecendo?

Paula: Porque, às vezes, existe muita desunião nesse meio musical. Falta um pouquinho mais de união.

Maria: Eu acho que muitas feridas acabam vindo à tona. Então é isso que a gente fala: quando a gente não está bem resolvido com a gente mesma, acaba ferindo os outros também, porque a gente está ferida.

O cenário tem muito essa questão do ego. Então, eu acho que a união deveria acontecer por um propósito maior. Essa disputa para tentar fazer uma brilhar mais do que a outra não pode existir, porque eu acredito que há espaço para todo mundo.

Paula: Mas, graças a Deus, está perseverando. A união está ficando cada vez maior. Eu considero isso uma vitória, por enquanto.

Maria: Também acho que pode começar por grupos menores. Por exemplo, três bandas unidas ou algo assim. Porque eu acho que, quanto mais gente envolvida, às vezes pode surgir algum desentendimento. Mas o importante é as coisas fluírem.

Paula: É por isso que eu te perguntei sobre as meninas, as novas cantoras, que acabam desistindo. Elas precisam encontrar esse poder, essa magia, essa força natural que existe dentro delas. Precisam amar mais. O teu álbum, o teu conceito... O conceito da Soulwitch ajuda muito nisso. Muitas meninas gostam muito e admiram esse trabalho. Então é bem legal.

Maria: Nossa, eu fico lisonjeada de saber que tantas mulheres se conectam com isso. Quer dizer que realmente o nosso propósito está funcionando, que a gente está tocando pessoas, fazendo com que elas despertem para também investir esse tempo nelas, investir essa energia.

A gente sabe que não é fácil. Todo mundo tem a sua rotina, às vezes falta tempo. Você pensa: 'ah, eu vou investir em arte', mas a gente sabe que o retorno é complicado. Mesmo assim, a gente não pode desistir. Tem que encontrar uma força, um propósito nisso.

Então, eu fico feliz de estar inspirando essas mulheres, porque acredito que cada uma tem algo único para trazer através da própria arte. Eu apoio muito a questão do autoral, porque ele permite criar algo realmente único.

Claro que existem as bandas cover, que fazem parte de um cenário muito movimentado, mas o autoral é o novo. Toda banda deveria buscar criar suas próprias músicas. A gente precisa de novas bandas. Precisa dar continuidade a essa história.

Paula: Sim, com certeza. Eu concordo plenamente com você. Precisamos de autoral, precisamos de identidade, de arte. Não apenas de coisas feitas por inteligência artificial. Lógico que ela ajuda em algumas tarefas do dia a dia, mas não na arte. Não na criação. A gente ainda precisa da música, do ser humano, do artista, do fotógrafo e de tudo aquilo que nos permite ser quem somos. E essa questão do autoral também... Eu sempre faço essa reflexão. Tem tanto artista maravilhoso que, meu Deus, eu fico impressionada! E, às vezes, as pessoas preferem recorrer ao computador para fazer alguma coisa, em vez de chamar um artista, até mesmo o próprio vizinho. Tem muita gente boa.

Maria: Eu não consigo nem imaginar como alguém consegue fazer uma música através da inteligência artificial. A tecnologia vem para ajudar, mas também pode acabar destruindo muita coisa.

A inteligência artificial pode ser uma ferramenta, mas ela nunca vai ter a alma do artista. Então é uma situação bem complicada. Eu não vejo isso com muitos bons olhos.

Paula: É por isso que a gente tem que exaltar aqueles que realmente contratam artistas, que fazem tudo do jeito que vocês fizeram. Graças a Deus, ainda tem bastante banda fazendo isso.

Maria: Sim, com certeza.

Michelle: Qual é o maior obstáculo que você enxerga hoje em dia em ser independente e também ser uma mulher à frente de uma banda?

Maria: Eu acho que passa muito pela questão que a Paula trouxe: as oportunidades. Mas a gente sempre encontra, na dificuldade, um novo caminho.

Eu nunca me dou por derrotada. A gente realmente não desiste de nada. Sabemos que, às vezes, os passos para uma banda como a nossa conseguir tocar são muito complicados, quando não deveriam ser.

Eu acho que ainda faltam muitas oportunidades para bandas autorais no ao vivo. Tanto que a gente faz a produção dos nossos próprios eventos por causa disso. Mas acabou sendo algo muito positivo, porque conseguimos oferecer uma estrutura de teatro que proporciona uma imersão maravilhosa.

Além da conexão com o público, existe toda a qualidade sonora que um teatro oferece quando você escolhe um espaço com boa estrutura.

Mas, claro, toda essa correria fica por conta da banda. Tem a locação do teatro, técnico de som, técnico de luz, venda de ingressos, divulgação... Tudo é responsabilidade nossa. Não é apenas fazer um cartaz; é divulgar o evento, organizar toda a campanha e cuidar de toda a parte burocrática.

Para o público, normalmente a divulgação começa cerca de dois meses antes, mas o trabalho de organização começa muito antes disso.

A gente está aí para isso e sempre vai procurar novas oportunidades. Mas eu acredito que um dos maiores desafios continua sendo encontrar os parceiros certos para conseguir realizar esses shows.

Paula: E, para encerrar, deixa uma mensagem para os fãs.

Maria: Eu só tenho a agradecer ao nosso público, que é maravilhoso. Sem vocês, a gente não seria nada. A música vive por causa do público.

Eu amo ter essa conexão com vocês. Espero que algo do que eu tenha dito aqui hoje fique com vocês, que desperte alguma coisa aí dentro e possa ajudá-los de alguma forma.

Hoje a gente falou muito sobre integração das sombras. Espero, de coração, que vocês encontrem o próprio caminho.

E eu também estou sempre disponível para conversar. Então podem me mandar mensagem no direct do Instagram. Qualquer dúvida, qualquer conselho... Estou aqui para isso também. Sou superaberta. Podem mandar mensagem que a gente conversa.

Amberian Dawn: Sinfonia de Renascimento (Also In English)

Napalm Records (Imp.)

Temptation's Gates: O Triunfo Épico do Amberian Dawn sob uma Nova Liderança Vocal

Por Michelle F. Santana - @mii.santanna

Depois de uma fase de transição entre estilos e mudanças na formação, a banda finlandesa de power metal sinfônico Amberian Dawn, formada em 2006, retorna com Temptation's Gates, seis anos após seu último álbum de estúdio. O novo trabalho resgata a veia power metal sinfônica que consolidou a identidade da banda, sem abrir mão dos elementos incorporados ao longo da última década, demonstrando que ainda há espaço para evoluir sem perder a própria essência. O álbum se desenvolve como uma obra de caráter épico, conduzindo o ouvinte por temas que transitam entre tentação, transformação, conflitos internos e elementos fantásticos. Mais do que servir de pano de fundo, esse conceito dá unidade ao disco e faz com que cada faixa ocupe um lugar específico dentro de uma narrativa maior.

Um dos maiores acertos desta nova fase é a performance de Nicole Willerton, que faz sua estreia em estúdio pela banda com grande personalidade. Sua interpretação impressiona pela segurança e pelo controle técnico, mas vai além da precisão. Há identidade em sua forma de cantar, alternando momentos delicados com passagens de grande intensidade sem perder a expressividade. Sua voz encontra o equilíbrio ideal entre a grandiosidade exigida pelo metal sinfônico e a emoção necessária para dar vida às composições, tornando sua estreia um dos pontos altos do álbum.

Instrumentalmente, o Amberian Dawn demonstra um cuidado evidente na construção das melodias. Os refrões são envolventes, as linhas vocais dialogam naturalmente com os teclados de Tuomas Seppälä e as guitarras de Emil "Emppu" Pohjalainen, enquanto os arranjos orquestrais ampliam a atmosfera sem transformar as músicas em um excesso de camadas. Tudo soa muito bem dosado, permitindo que peso, melodia e elementos sinfônicos coexistam de forma orgânica.

Entre os destaques, a faixa-título "Temptation's Gates" resume com precisão a proposta do álbum. Grandiosa e envolvente, ela combina refrões marcantes, orquestrações imponentes e uma interpretação vocal que traduz toda a dramaticidade da composição, funcionando como a principal representação do conceito do disco.

"Moon" explora uma atmosfera épica, equilibrando delicadeza e intensidade por meio de melodias elegantes que crescem naturalmente ao longo da música. Os teclados e as guitarras se fundem com naturalidade, criando uma sonoridade rica e envolvente. O desfecho ganha ainda mais força com a voz levemente rasgada de Nicole, um contraste que acrescenta personalidade e intensidade à composição.

Outro momento que merece atenção é "Unchained", uma das faixas mais pesadas do álbum. Além dos riffs mais incisivos, a música surpreende pela inclusão de vocais guturais, utilizados de forma estratégica para ampliar a tensão e o impacto da composição. O contraste entre os guturais e a voz limpa e cristalina de Nicole Willerton funciona de maneira impecável, adicionando uma nova dimensão à sonoridade do Amberian Dawn sem comprometer sua identidade melódica. A combinação entre peso, elementos sinfônicos e uma abordagem mais agressiva faz desta uma das faixas mais marcantes de Temptation's Gates. Merece destaque também o solo de guitarra, executado com precisão e bom gosto, que acrescenta brilho à composição e reforça seu caráter épico.

Já "Life Is Art" apresenta uma energia mais vibrante e acessível, apostando em um refrão forte e em uma construção melódica que permanece na memória desde as primeiras audições. Os teclados assumem papel de destaque ao lado da interpretação de Nicole, contribuindo para uma atmosfera ampla e emocionante que evidencia a habilidade da banda em criar músicas cativantes sem abrir mão da sofisticação dos arranjos.

Um dos momentos mais interessantes do álbum surge em "Undying Colors", que incorpora passagens eletrônicas com forte inspiração oitentista. Os sintetizadores remetem ao synth-pop e ao AOR da década de 1980, criando uma atmosfera nostálgica que dialoga diretamente com a influência do ABBA sobre Tuomas Seppälä. As harmonias vocais, a construção melódica e o brilho dos teclados remetem ao pop sueco clássico, mas são reinterpretados dentro da linguagem do metal sinfônico, resultando em uma das faixas mais criativas do disco.

Essa influência volta a aparecer em "Phantasmagoria", embora de maneira mais sutil. Em meio às orquestrações grandiosas e ao clima cinematográfico, a composição apresenta melodias vocais sofisticadas e refrões de forte apelo melódico que evocam a elegância característica do quarteto sueco. Ao mesmo tempo, a faixa reúne mudanças de dinâmica, riqueza de arranjos e uma execução impecável, sintetizando tudo o que faz Temptation's Gates funcionar tão bem e encerrando o álbum em alto nível.

O álbum trás um resultado que impressiona tanto pela imponência quanto pela riqueza de detalhes. Temptation's Gates entrega uma experiência consistente do início ao fim, sustentada por composições inspiradas, melodias marcantes e uma interpretação vocal impecável. Sem depender apenas do impacto da primeira audição, o disco revela novas facetas a cada retorno, reforçando que o Amberian Dawn inicia este novo capítulo com criatividade, maturidade e um forte senso de identidade. Mais do que um retorno às origens, Temptation's Gates mostra uma banda que compreende sua própria trajetória e a utiliza como base para seguir em frente, deixando a expectativa de que essa formação ainda tem muito a oferecer.

***ENGLISH VERSION***

Temptation's Gates: Amberian Dawn's Epic Triumph Under a New Vocal Leadership

After a period of stylistic transitions and lineup changes, Finnish symphonic power metal band Amberian Dawn, formed in 2006, returns with Temptation's Gates, six years after its last studio album. The new release revives the symphonic power metal spirit that established the band's identity while preserving the musical elements developed over the past decade, proving there is still room to evolve without sacrificing its essence. The album unfolds as an epic work, guiding the listener through themes of temptation, transformation, inner conflict, and fantasy. Rather than serving as a mere backdrop, this concept unifies the record, making each track feel like an essential chapter in a larger narrative.

One of the greatest strengths of this new era is Nicole Willerton's performance, making her studio debut with the band in remarkable fashion. Her delivery is not only technically flawless and confident but also deeply expressive. She effortlessly shifts between delicate passages and moments of soaring intensity without ever losing emotional depth. Her voice strikes the perfect balance between the grandeur expected from symphonic metal and the emotion required to bring these compositions to life, making her debut one of the album's undeniable highlights.

Instrumentally, Amberian Dawn displays exceptional attention to melodic craftsmanship. The choruses are captivating, the vocal lines intertwine naturally with Tuomas Seppälä's keyboards and Emil "Emppu" Pohjalainen's guitars, while the orchestral arrangements enrich the atmosphere without overwhelming the compositions. Everything feels carefully balanced, allowing heaviness, melody, and symphonic elements to coexist seamlessly.

Among the highlights, the title track, "Temptation's Gates," perfectly encapsulates the album's vision. Grandiose and immersive, it combines memorable choruses, majestic orchestrations, and a commanding vocal performance that captures the full dramatic scope of the composition, serving as the definitive representation of the album's concept.

"Moon" embraces an epic yet  atmosphere, balancing delicacy and intensity through elegant melodies that naturally build throughout the song. Keyboards and guitars merge effortlessly, creating a rich and immersive sonic landscape. The closing section gains additional impact through Nicole's slightly raspy vocal delivery, adding both character and emotional intensity to the composition.

Another standout is "Unchained," one of the heaviest tracks on the record. Beyond its sharper guitar riffs, the song surprises with the strategic use of harsh vocals, intensifying both its tension and emotional weight. The contrast between the growls and Nicole Willerton's crystal-clear voice works flawlessly, adding a new dimension to Amberian Dawn's sound without compromising its melodic identity. The combination of heaviness, symphonic arrangements, and a more aggressive approach makes it one of Temptation's Gates' most memorable moments. The tastefully executed guitar solo also deserves special mention, adding brilliance and reinforcing the track's epic character.

"Life Is Art" brings a more vibrant and accessible energy, built around a powerful chorus and melodic hooks that linger long after the first listen. The keyboards take center stage alongside Nicole's performance, creating a sweeping and emotionally engaging atmosphere that showcases the band's ability to craft memorable songs without sacrificing musical sophistication.

One of the album's most fascinating moments arrives with "Undying Colors," which incorporates electronic passages heavily inspired by the 1980s. Its shimmering synthesizers evoke synth-pop and AOR, creating a nostalgic atmosphere that directly reflects Tuomas Seppälä's well-known admiration for ABBA. The layered vocal harmonies, infectious melodic structure, and bright keyboard work recall the timeless elegance of Swedish pop, yet they are reimagined through the lens of symphonic metal, resulting in one of the album's most inventive compositions.

That ABBA influence resurfaces in "Phantasmagoria," albeit in a subtler way. Amid sweeping orchestral arrangements and a cinematic atmosphere, the song features sophisticated vocal melodies and irresistibly melodic choruses that echo the refined songwriting associated with the legendary Swedish quartet. At the same time, the track combines dynamic shifts, rich arrangements, and impeccable musicianship, bringing together everything that makes Temptation's Gates such a rewarding listening experience while closing the album on a powerful note.

The final result is an album that impresses through both its grandeur and its meticulous attention to detail. Temptation's Gates delivers a consistently engaging experience from beginning to end, driven by inspired songwriting, memorable melodies, and an outstanding vocal performance. Rather than relying solely on the impact of a first listen, the record reveals new layers with each revisit, confirming that Amberian Dawn enters this new chapter with creativity, maturity, and a renewed sense of identity. More than a return to its roots, Temptation's Gates demonstrates a band that fully understands its own musical journey and uses it as a foundation for the future, leaving listeners eager to discover what this lineup will accomplish next.

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