Pride And Joy Music (Imp.)
Por Flavio Borges
Após décadas transitando pelo cenário do melodic rock escandinavo, os suecos do Alicate chegam a Too Bad to Be Good determinados não apenas a reafirmar sua identidade artística, mas também a consolidar uma sonoridade mais madura, coesa e sofisticada. Impulsionada pela entrada do tecladista Marcus Zerath e pela experiência acumulada ao longo de uma trajetória que inclui apresentações no Sweden Rock Festival, a banda entrega um trabalho sustentado por refrães fortes, produção refinada e um entendimento genuíno da linguagem clássica do AOR e do hard melódico europeu.
Mais do que uma simples celebração nostálgica dos anos 80 e 90, Too Bad to Be Good demonstra consciência estética e habilidade na construção de atmosferas capazes de equilibrar tradição e contemporaneidade sem soar artificial ou excessivamente calculado — um problema recorrente dentro do melodic rock atual.
“Changes” funciona como uma abertura exemplar para o álbum. A introdução instrumental, construída sobre a interação entre guitarras e teclados, estabelece imediatamente a identidade sonora do disco antes de desembocar em um refrão extremamente melódico e envolvente. Os timbres remetem diretamente à era de ouro do AOR escandinavo, evocando referências clássicas sem cair na mera reprodução estética. Os vocais de Jonas Erixon merecem destaque especial: sua interpretação em tons médios encaixa-se perfeitamente na proposta da banda e oferece profundidade às harmonizações vocais, um dos pontos mais fortes da composição.
A faixa-título surge carregada de apelo radiofônico, trazendo elementos pop inseridos com inteligência dentro da estrutura hard rock da música. O refrão possui aquele imediatismo típico dos grandes discos do gênero — feito para ser cantado em coro e funcionar perfeitamente ao vivo. Ao mesmo tempo, “Too Bad to Be Good” sintetiza praticamente tudo aquilo que define o álbum: timbres clássicos, refrães acessíveis, coros muito bem trabalhados e uma produção que entende a importância da dinâmica dentro do melodic rock. Existe aqui uma naturalidade que impede a música de soar excessivamente plastificada, algo raro em muitas bandas contemporâneas do estilo.
“One Shot” começa de maneira mais contida, apoiada em um belo trabalho de baixo e violão antes da entrada gradual dos demais instrumentos. A construção da faixa é particularmente eficiente na forma como desenvolve tensão até atingir um refrão forte e direto. Novamente, Jonas Erixon assume protagonismo absoluto. Sua capacidade de alternar suavidade melódica e intensidade emocional confere personalidade à música, enquanto os arranjos de guitarra ajudam a criar uma atmosfera elegante e bastante orgânica.
Mais cadenciada e emocional, “Save Our Love” mergulha sem pudor na tradição do hard melódico clássico. A influência de Whitesnake aparece de forma evidente nas linhas vocais, na construção das guitarras e até na dinâmica da cozinha rítmica.
O solo de abertura já estabelece o tom melancólico da composição, enquanto teclados e backing vocals ampliam o caráter sentimental da faixa. Ainda assim, a banda evita transformar a música em uma balada excessivamente açucarada, preservando peso e elegância ao longo de toda a execução.
“Right Here Right Now” apresenta uma abordagem ligeiramente diferente dentro do repertório. O piano assume papel mais central na estrutura da música, trazendo nuances quase cinematográficas em determinados momentos. Embora o refrão mantenha o DNA melódico predominante no álbum, o solo adiciona um breve senso de grandiosidade épica que diferencia a faixa das anteriores. É justamente essa pequena variação de atmosfera que impede o disco de se tornar previsível em sua segunda metade.
Como o próprio título sugere, “Mysterious” aposta em uma introdução mais atmosférica, marcada pela presença de flauta e teclados que ajudam a construir uma ambientação incomum dentro do disco. A cozinha rítmica dita o andamento da música enquanto as guitarras conduzem a linha melódica principal com eficiência. O refrão é extremamente direto e funciona justamente pela simplicidade. Merece destaque também o excelente equilíbrio entre guitarras limpas, distorcidas e linhas de baixo muito bem encaixadas na mixagem.
“For Now” aposta em uma construção gradual, permitindo que cada instrumento encontre espaço antes da chegada do refrão. O andamento cadenciado reforça o clima clássico da composição, enquanto os backing vocals surgem como um dos elementos mais fortes da música. O trabalho das guitarras — alternando bases limpas e distorcidas — demonstra maturidade nos arranjos, e o solo central surge com precisão cirúrgica, conduzindo a faixa até um encerramento vocalmente bastante forte.
“High on Livin” talvez seja um dos momentos mais completos do álbum. A abertura com guitarra em tom épico conduz naturalmente a uma excelente linha vocal e a um refrão extremamente forte. Baixo e bateria sustentam a música com firmeza, criando uma base sólida tanto para os trechos mais suaves quanto para as explosões melódicas do refrão. As mudanças de dinâmica e tonalidade ajudam a manter a faixa constantemente interessante, enquanto Jonas Erixon entrega aqui uma de suas melhores performances em todo o disco.
“Don’t Turn Around” começa como uma típica power ballad antes de rapidamente se transformar em um hard melódico de arena, daqueles que parecem feitos sob medida para grandes refrães coletivos e execução ao vivo. A atmosfera remete diretamente ao glamour publicitário do rock oitentista — algo que poderia facilmente soar cafona nas mãos erradas, mas que aqui funciona graças ao equilíbrio entre nostalgia e autenticidade. O solo mantém a energia elevada até o último refrão, enriquecido por mudança de tom, harmonizações vocais e ótimos arranjos de guitarra.
Encerrando o álbum, “Run” aposta em uma abordagem mais emocional e melódica. Violão e baixo conduzem a introdução antes da entrada de linhas vocais bastante inspiradas, enquanto guitarras discretamente inseridas ampliam a textura sonora da música. O refrão possui um caráter quase gospel em determinados momentos, impulsionado pelos backing vocals extremamente bem dosados. É uma conclusão elegante e eficiente para um disco que entende perfeitamente suas influências e sabe utilizá-las com personalidade.
Too Bad to Be Good está longe de reinventar o melodic rock — e provavelmente nem pretende fazê-lo. O grande mérito do Alicate reside justamente em compreender profundamente os fundamentos do gênero e executá-los com autenticidade, competência técnica e forte apelo melódico.
Em uma cena onde muitos lançamentos contemporâneos do estilo acabam presos entre nostalgia artificial e produções excessivamente esterilizadas, o Alicate encontra um equilíbrio raro: soa clássico sem parecer datado e moderno sem sacrificar emoção. O resultado é um álbum sólido, extremamente agradável e capaz de dialogar tanto com fãs veteranos do AOR escandinavo quanto com ouvintes mais novos em busca de melodic rock genuinamente bem construído.
***ENGLISH VERSION***
After decades navigating the Scandinavian melodic rock scene, Swedish outfit Alicate arrive with Too Bad to Be Good determined not only to reaffirm their artistic identity, but also to establish a more mature, cohesive, and sophisticated sound. Strengthened by the addition of keyboardist Marcus Zerath and the experience accumulated throughout a career that includes appearances at the Sweden Rock Festival, the band delivers a record driven by strong choruses, polished production, and a genuine understanding of the classic language of AOR and European melodic hard rock.
More than a simple nostalgic celebration of the ‘80s and ‘90s, Too Bad to Be Good demonstrates a clear aesthetic awareness and a refined ability to craft atmospheres capable of balancing tradition and modernity without sounding artificial or overly calculated — a recurring issue within today’s melodic rock landscape.
“Changes” works as a perfect introduction to the album. Built around the interplay between guitars and keyboards, the instrumental opening immediately establishes the sonic identity of the record before exploding into an extremely melodic and engaging chorus. The chosen tones directly evoke the golden age of Scandinavian AOR, referencing classic influences without merely replicating them aesthetically. Jonas Erixon’s vocals deserve special recognition: his mid-range delivery fits the band’s proposal perfectly and adds remarkable depth to the vocal harmonies, one of the track’s greatest strengths.
The title track arrives loaded with radio-friendly appeal, incorporating pop elements intelligently within the song’s hard rock framework. Its chorus carries the immediacy typical of the genre’s great records — designed to be sung collectively and to thrive in a live setting. At the same time, “Too Bad to Be Good” encapsulates virtually everything that defines the album: classic tones, accessible hooks, expertly crafted gang vocals, and a production that fully understands the importance of dynamics within melodic rock. There is a natural quality here that prevents the music from sounding overly polished or sterile, something increasingly rare among many contemporary bands in the genre.
“One Shot” begins in a more restrained fashion, supported by beautiful bass work and acoustic guitar before the gradual entrance of the remaining instruments. The composition is particularly effective in the way it steadily builds tension until reaching a strong and direct chorus. Once again, Jonas Erixon assumes a central role. His ability to alternate melodic subtlety and emotional intensity gives the song real personality, while the guitar arrangements help create an elegant and remarkably organic atmosphere.
More emotional and slower-paced, “Save Our Love” dives headfirst into the tradition of classic melodic hard rock. The influence of Whitesnake is evident throughout the vocal lines, guitar arrangements, and even the rhythmic foundation itself.
The opening solo immediately establishes the song’s melancholic tone, while keyboards and backing vocals further enhance its emotional weight. Even so, the band avoids turning the track into an overly sugary power ballad, preserving both elegance and musical weight throughout the performance.
“Right Here Right Now” offers a slightly different approach within the album’s tracklist. The piano assumes a more central role in the arrangement, adding almost cinematic nuances at certain moments. Although the chorus maintains the melodic DNA that dominates the record, the solo introduces a brief sense of epic grandeur that distinguishes the song from the previous tracks. It is precisely this subtle variation in atmosphere that prevents the album from becoming predictable during its second half.
As the title itself suggests, “Mysterious” embraces a more atmospheric introduction, highlighted by the presence of flute and keyboards that help build one of the album’s most unusual sonic landscapes. The rhythm section dictates the pace while the guitars efficiently carry the main melodic line. The chorus is extremely direct and works precisely because of its simplicity. Special mention must also be made of the excellent balance between clean and distorted guitars, as well as the bass lines, which are perfectly integrated into the mix.
“For Now” relies on a gradual build-up, allowing each instrument room to breathe before the chorus arrives. Its slower pacing reinforces the composition’s classic atmosphere, while the backing vocals emerge as one of the track’s defining elements. The guitar work — alternating between clean passages and distorted foundations — demonstrates real maturity in the arrangements, and the central solo appears with surgical precision, carrying the song toward a vocally powerful conclusion.
“High on Livin” may well represent one of the album’s strongest moments. The epic-sounding guitar introduction naturally leads into an excellent vocal performance and an exceptionally strong chorus. Bass and drums provide a firm backbone throughout the song, creating a solid foundation for both the softer passages and the melodic explosions of the chorus. The dynamic and tonal shifts help keep the track consistently engaging, while Jonas Erixon delivers one of his finest performances on the entire album.
“Don’t Turn Around” begins like a typical power ballad before quickly transforming into arena-ready melodic hard rock, the kind seemingly tailor-made for massive singalong choruses and live performances. Its atmosphere directly recalls the glossy commercial glamour of ‘80s rock — something that could easily become cheesy in less capable hands, but which works here thanks to the careful balance between nostalgia and authenticity. The solo maintains the song’s momentum all the way to the final chorus, elevated further by a key change, layered vocal harmonies, and excellent guitar arrangements.
Closing the album, “Run” opts for a more emotional and melodic approach. Acoustic guitar and bass guide the introduction before the arrival of highly inspired vocal lines, while subtly placed electric guitars enrich the song’s sonic texture. The chorus occasionally carries an almost gospel-like character, driven by exceptionally well-balanced backing vocals. It is an elegant and highly effective conclusion to a record that fully understands its influences and knows exactly how to use them with personality.
Too Bad to Be Good is far from reinventing melodic rock — and it probably has no intention of doing so. Alicate’s greatest strength lies precisely in their deep understanding of the genre’s foundations and their ability to execute them with authenticity, technical competence, and a strong melodic appeal.
In a scene where many contemporary releases remain trapped between artificial nostalgia and excessively sterilized production, Alicate find a rare balance: they sound classic without feeling dated and modern without sacrificing emotion. The result is a solid, immensely enjoyable album capable of resonating both with longtime fans of Scandinavian AOR and with newer listeners searching for genuinely well-crafted melodic rock.
 |
| Divulgação |
Nenhum comentário:
Postar um comentário