Entrevista - Sunflower Fox & the Chicken Leg: Resgatando a Alma 70's

 

Por: Carlos Garcia (com colaboração de Raquel de Avelar)

Fotos: Divulgação e Arquivo da banda 

(English Version)

Criada por músicos experientes em Minneapolis, e "surgindo das cinzas da pandemia" em 2021, a SUNFLOWER FOXX & THE CHICKEN LEG nasceu com o propósito de resgatar a alma do Rock 70's e trazer de volta aquele poder do Rock & Roll, com sonoridade orgânica e carregada de feeling, trazendo os elementos e nuances que moldaram aquela época.

E realmente, eles trazem de volta aquela essência dos anos 70, com instrumentos que soam reais, passando longe da música "pasteurizada" e "perfeita" produzida nos dias de hoje, e é sem dúvida uma das melhores bandas desse estilo "Retro Rock". 

Seu primeiro full-lenght teve mixagem da lenda RON NEVISON (The Who, Zeppelin, UFO, Ozzy e muitos outros), e com um potencial para se tornarem um dos próximos grandes nomes do Rock & Roll atual, a banda vem lançando novos singles, excursionando pelos USA e buscando levar sua música à mais pessoas.

Conversamos com a incrível vocalista Kaity Heart, que achou um tempinho para nos atender em meio à sua agenda caótica, contabilizando já mais de 200 shows no ano! Kaity nos contou um pouco mais sobre a banda, sua carreira e planos. Confira!

RtM: Oi Kaity, obrigado por reservar um tempo para nos conceder esta entrevista, me tornei um grande fã seu e da banda Sunflower Fox.

Kaity Heart: Olá! Obrigada. Muito legal o interesse de vocês, temos tido muitos streamings no Brasil.

RtM: Eu (Carlos, editor/redator) e a Raquel (redatora) achamos o nome da banda muito legal! "Sunflower Fox and the Chicken Leg" — um dos nomes mais legais de todos os tempos! Então, para começar, eu gostaria de saber como surgiu a ideia para o nome, bem como as inspirações e os significados por trás dele para vocês.
Kaity: Bem, existem muitas histórias por trás desse nome — na verdade, por um tempo, toda vez que dávamos uma entrevista, inventávamos alguma coisa para ver o quão ridícula a história ficaria antes que alguém percebesse! (Risos) 

A história real é que estávamos compondo no porão do nosso baterista, Kyle. Eu sugeri o nome "Sunflower Fox", mas achei que soava muito "indie" ou "feminino", e o James, nosso líder de fato, ficava dizendo "and the chicken leg"... Não faço ideia de por que ele insistia tanto nisso. Um apelido que ele usava para um amigo. 

Ele não parava de falar, hahaha, então eu disse: "TÁ BOM. É Sunflower Fox and the Chicken Leg!!! Cala a boca!!" hahaha.

RtM: Com tanta música hoje em dia que, digamos, carece de "alma", é uma grata surpresa encontrar uma banda como a Sunflower Fox. Vocês capturam aquela vibe e a energia das grandes bandas dos anos 70, com aquele som orgânico e real. Gostaríamos de saber como surgiu a ideia de formar a banda e seguir esse caminho — e, claro, quais são suas principais inspirações.
Kaity: Somos todos músicos profissionais e, quando a covid aconteceu, todos perdemos nossos shows. Essa foi a primeira vez em MUITO tempo que tivemos tempo para compor! Inclusive eu: e meu gênero FAVORITO, sem dúvida, é o rock dos anos 70. É tão cru. É cheio de coração e magia, e eles nunca deixaram de lado a humanidade — principalmente pela ausência de tecnologia. 

Então, tive a ideia de formar um grupo que compusesse nesse estilo, com pouca ou nenhuma tecnologia, sem Melodyne ou Auto-Tune, e que gravássemos todos juntos em um estúdio. Foi bem fácil encontrar músicos que topassem isso. Porque agora... tudo é tão polido e perfeito. Falta humanidade.

RtM: E você tem "Heart" no seu nome! Kaity Heart — uma cantora que faz música e canta com o coração. 
Kaity: Ah! É verdade! Na verdade, mudei meu nome para esse depois que minha mãe faleceu, há uns 20 anos. Nossa banda favorita é Heart — foi uma mudança fácil.

RtM: Descobri seu trabalho — e o da banda — pela primeira vez através da sua participação no álbum *River of Music - The Power of Duets Vol. I*, de Jim Peterik. Conte-nos como surgiu essa oportunidade e como foi a experiência.

Kaity: Primeiramente, ADOREI que você tenha me encontrado, e ao Sunflower, por meio disso. Porque o Jim me encontrou através do Ron! Literalmente, como na maioria das coisas, foi o lugar certo na hora certa. 

Eu estava gravando os vocais para o terceiro álbum em Portland com o Ron e o Sunflower, e o Ron perguntou se eu gostaria de cantar com o Jim, e eu disse que sim! Tivemos uma reunião, e no outono eles me levaram para Chicago!

RtM: Quais foram os seus momentos mais memoráveis das sessões de gravação?

Kaity: Eles são tipo... OS CARAS MAIS LEGAIS. É estranho ouvi-los te elogiando enquanto você está na sala, especialmente sabendo o que eles já fizeram. Eu fiquei tão desconfortável - eu simplesmente não sabia como reagir. O Jim me mostrou a casa dele e ele tem centenas de guitarras. 

Ele me mostrou qual gravador usou para gravar "Vehicle" do Ides of March (uma das minhas músicas favoritas de todos os tempos). Ele disse que comprou na Sears há muito tempo. E o significado da música é tão doce! É sobre a esposa dele!! Terrivelmente fofo.

RtM: Vocês têm lançado vários singles após o full-lenght; há planos para um novo álbum completo em breve? Ou a estratégia é continuar lançando singles junto com material físico esporádico, como os compactos/EPs que vocês disponibilizaram no seu Bandcamp?

Kaity: Uma das coisas que eu não gosto nessa nova indústria musical é a falta de atenção de todo mundo. Então, é claro que temos que lançar tudo aos poucos. Já lançamos o primeiro álbum completo, que leva o nome da banda. 

E para variar um pouco, vamos lançar o segundo álbum em formato de dois singles de 7 polegadas que eventualmente estarão disponíveis como um conjunto! Só para dar uma variada! O terceiro álbum, que será lançado no ano que vem, provavelmente será um álbum normal novamente.

RtM: Sobre os singles, os mais recentes são linda e emocionante "Wishing Well" e aquela versão incrível de "Hair of the Dog". Eu toquei a última para um amigo que adorou; ele disse que imaginou se Janis Joplin fizesse um cover, soaria muito parecido com a sua versão.

Kaity: Nossa, que elogio! Sobre "Wishing Well", eu não sou muito de baladas, sou mais do tipo que curte músicas animadas. Tenho energia demais. Então, quando escrevo letras/melodias, geralmente é sobre algo peculiar. Escrever canções de amor melosas não é a minha praia.

RtM: Dos singles lançados em 2025, meu favorito é "The Watcher", uma música muito intensa; seus vocais são incríveis e profundos — me lembram um pouco o Heart. Você poderia falar um pouco sobre essa música e sua letra?

Kaity: Foi muito legal gravar essa música com o Ron Nevison. Principalmente porque ela é tão estranha, e a história por trás dela também é peculiar. Uma grande amiga minha estava sendo perseguida por um cara que morava no mesmo prédio que ela. 

A situação tomou um rumo estranho e descobrimos que ele era suspeito de uma série de assassinatos. 

RtM: Que situação assustadora! E o que houve com o sujeito?

Kaity: Minha amiga não pode dar muitos detalhes porque, até onde eu sei, o caso ainda está em aberto. Mas eu escrevi a música para ela… curiosamente, ela diz que a usa em suas sessões de terapia em grupo. Eu acho incrível!

RtM: Quais são as principais mensagens que vocês buscam transmitir através da música? E existe alguma música da banda que tenha um significado especial para vocês?

Kaity: Há muita coisa sobre recuperar o poder, justiça, raiva… existe uma forte influência punk nas letras. Por exemplo: “Naughty Little Girl” não é a musiquinha sexy que parece ser. É sobre vingança. 

Também gosto muito de usar contos populares como alegorias para o que está acontecendo agora — isso fica bem evidente em Siren Song, Wishing Well, The Watcher, Selling Lies, Shadow Girl… Eu poderia falar sobre isso para sempre!

RtM: "Breath it in" é a música de vocês que possui mais streamings, e é uma das minhas favoritas. Acho que é uma ótima maneira de mostrar a personalidade da banda, com feeling, groove, aquela parte incrível do teclado e um refrão memorável. Gostaria que você comentasse um pouco mais sobre ela.

Kaity: Bem, é o seguinte: "Breathe It In" foi a música que enganou o Ron Nevison quando a enviamos para ele (risos). Quando eu estava compondo e esboçando a música, escrevi as versões para os refrãos e pontes. Quando enviei para os caras, em vez de uma ponte normal, eu tinha esboçado uma ponte instrumental, que não era necessariamente complicada. Porque nos anos 70, existem muitas músicas que possuem essas pontes estranhas, que parecem não ter nada a ver com a música, e geralmente instrumentais. Uma das minhas favoritas é a música "I Could Be Good for You" do 707. 

RtM: Eu também adoro esse tipo de coisa meio inusitadas que os artistas criavam nos amos 70.

Kaity: É completamente aleatório. Por que está ali? Não tem nada a ver com o resto da música, mas está lá. Então, eu queria fazer algo parecido, e aí o nosso tecladista, Al Berg, simplesmente pegou a ideia e a desenvolveu. E depois, tem uma parte mais adiante em que é um compasso 5/4 em vez de 4/4. E quando tocamos ao vivo, eu ainda preciso literalmente contar nos dedos para não errar! (risos) Eu ainda erro o tempo todo. Mas enfim, é isso aí. 

É muito divertido. E no nosso processo, quando é uma música que eu escrevo, eu faço um esboço e depois, sabe, os acordes, os acordes básicos, a letra e a melodia, e aí eu mando para os caras, e aí a gente compõe junto. Então, enfim, é assim que a gente faz. Foi assim que fizemos "Breathe It In".

RtM: Falando um pouco sobre sua carreira e trajetória: como começou seu interesse por música e quais artistas mais influenciaram seu desenvolvimento como cantora?

Kaity: Ah, eu sempre cantei. Meu pai dizia que eu cantava na garupa da bicicleta dele quando tinha três anos. As maiores influências foram Ann Wilson, Stevie Nicks, Grace Slick, En Vogue, Diana Ross, Aretha Franklin… Eu me sentia dividida entre rock, blues e soul. Era o que eu mais ouvia.

RtM: Em que momento você percebeu que a música poderia ser uma carreira para você? E quais foram os principais desafios que você enfrentou ao longo do caminho?

Kaity: Bom, você precisa ter um milhão de pequenos trabalhos para fazer disso uma carreira. Tenho a sorte de ter muitos shows, mas também sei editar vídeos, montar um sistema de som completo sozinha, montar estruturas de cortina e palco, montar treliças (com ajuda), operar o som do palco, cantar em estúdio, fazer locuções, tocar teclado, dar aulas, orientar e arrumar um trailer impecável. Isso é... literalmente o que 95% dos músicos fazem para se sustentar.

RtM: E quanto à representação das mulheres na cena musical hoje? Você ainda vê muitas barreiras?

Kaity: Está melhor. Temos igualdade? De jeito nenhum. Eu tenho que fazer, tipo, 10 vezes mais trabalho do que meus colegas de banda para ser levada a sério, e mesmo assim, muitas vezes, sou reduzida à minha aparência. Isso pode ser extremamente frustrante quando você tem um corpo e um rosto normais como eu. 

Não sou uma supermodelo, nem quero ser. Eu só quero cantar: acho que é por isso que idolatro tanto os anos 70… eles realmente NÃO se importavam com a aparência de ninguém (homens ou mulheres)… o importante era a qualidade da música. Eu realmente queria que fosse assim de novo.

RtM: Se você pudesse cantar uma música com qualquer artista da história, quem você escolheria e qual seria a música?

Kaity: "Gimme Shelter", dos Rolling Stones. Que música incrível. Eu adoraria ser a cantora que cantava ao lado de Mic Jagger nessa. A letra, a melodia. Perfeição.

Essa ou "Great Gig in the Sky", do Pink Floyd – eu já cantei ao vivo… adoraria ter sido eu a criar toda aquela loucura.

RtM: Eu adoraria ouvir uma versão sua de "Great Gig in the Sky". Bom, além da música, quando sobra um tempinho, quais hobbies ou atividades você gosta de fazer no seu tempo livre? 

Kaity: Tempo livre??? O que é isso? (Risos), gosto de livros de terror e Harry Potter (sem julgamentos), Os Simpsons e curtir meus gatos,  Scrambles e Lil' Ral.

RtM: Você conseguiria citar somente cinco álbuns que você considera essenciais para a sua vida?

Kaity: Hum...Vamos lá:

1. Rumors - Fleetwood Mac

2. Dreamboat Annie - Heart

3. 13 Tales of Love and Revenge - The Pierces

4. 8 Arms to Hold You - Veruca Salt

5. Jagged Little Pill - Alanis Morissette

RtM: Kaity, obrigado mais uma vez, adoramos saber um pouquinho mais sobre você e seu trabalho, fica o espaço para sua mensagem final.

Kaity: Queremos muito tocar no Brasil, estamos muito focados nisso. Atenção produtores, e também gravadoras e distribuidoras, pois também queremos lançar nosso álbum aí.

Sunflower Fox & the Chicken Leg é:

Kaity Heart (vocals), James Gross (guitar), Mike Schmidt (guitar), Craig Holets (bass), Kyle Primus (drums), and Al Berg (keys)

Sunflower Foxx Site

Instagram 

Adquira o álbum e merchandising no Bandcamp 

Youtube 

Spotify 

Interview - Sunflower Foxx & the Chicken Leg: rescuing the soul of 70s Rock

 

Interview By: Carlos Garcia (with collab of Raquel de Avelar)

Photos: Band's archives

(Versão em Português)

Created by experienced musicians in Minneapolis, and "rising from the ashes of the pandemic" in 2021, SUNFLOWER FOXX & THE CHICKEN LEG was born with the purpose of rescuing the soul of 70s Rock and bringing back that power of Rock & Roll, with an organic sound full of feeling, bringing the elements and nuances that shaped that era.

And indeed, they bring back that essence of the 70s, with instruments that sound real, far from the "pasteurized" and "perfect" music produced today, and are undoubtedly one of the best bands in this "Retro Rock" style.

Their first full-length album was mixed by the legendary Ron Nevison (The Who, Led Zeppelin, UFO, Ozzy and many others), and with the potential to become one of the next big names in current Rock & Roll, the band has been releasing new singles, touring the USA and seeking to bring their music to more people.

We talked to the incredible vocalist Kaity Heart, who found some time to speak with us amidst her chaotic schedule, already counting more than 200 shows this year! Kaity told us a little more about the band, her career and plans. Check it out!

RtM: Hi Kaity, thank you for taking the time to grant us this interview, I've become a big fan of you and the band Sunflower Fox.
Kaity Heart: Hello! Thank you. It's great that you're interested, we've had a lot of streaming in Brazil.

RtM: I (Carlos, editor/writer) and Raquel (writer) think the band's name is very cool! "Sunflower Fox and the Chicken Leg" — one of the coolest names ever! So, to start, I'd like to know how the idea for the name came about, as well as the inspirations and meanings behind it for you.
Kaity: Well, there are many stories behind this name — in fact, for a while, every time we gave an interview, we made something up to see how ridiculous the story would sound before anyone noticed! (Laughs)

The real story is that we were writing in our drummer Kyle's basement. I suggested the name "Sunflower Fox," but I thought it sounded too "indie" or "girly," and James, our de facto leader, kept saying "and the chicken leg"... I have no idea why he insisted so much on it. It was a nickname he used for a friend.
He wouldn't stop talking, hahaha, so I said, "OKAY. It's Sunflower Fox and the Chicken Leg!!! Shut up!!" hahaha.

RtM: With so much music these days that, let's say, lacks "soul," it's a pleasant surprise to find a band like Sunflower Fox. You capture that vibe and energy of the great bands of the '70s, with that organic and real sound. We'd like to know how the idea of forming the band and following this path came about — and, of course, what your main inspirations are.
Kaity: We are all professional musicians and, when Covid happened, we all lost our shows. This was the first time in a VERY long time that we had time to compose! Including me: and my FAVORITE genre, without a doubt, is '70s rock. It's so raw. It's full of heart and magic, and they never left humanity aside — mainly due to the absence of technology.

So, I had the idea of forming a group that would compose in this style, with little or no technology, without Melodyne or Auto-Tune, and that we would all record together in a studio. It was quite easy to find musicians who were up for it. Because now... everything is so polished and perfect. It lacks humanity.

RtM: And you have "Heart" in your name! Kaity Heart — a singer who makes music and sings with her heart.
Kaity: Oh! That's right! Actually, I changed my name to that after my mother passed away, about 20 years ago. Our favorite band is Heart — it was an easy change.

RtM: I first discovered your work — and the band's — through your participation in Jim Peterik's album *River of Music - The Power of Duets Vol. I*. Tell us how that opportunity came about and what the experience was like.
Kaity: First of all, I LOVED that you found me, and Sunflower, through that. Because Jim found me through Ron! Literally, as with most things, it was the right place at the right time.
I was recording vocals for the third album in Portland with Ron and Sunflower, and Ron asked if I would like to sing with Jim, and I said yes! We had a meeting, and in the fall they took me to Chicago!

RtM: What were your most memorable moments from the recording sessions?
Kaity: They're like... THE NICEEST GUYS. It's weird hearing them praising you while you're in the room, especially knowing what they've done. I was so uncomfortable—I just didn't know how to react. Jim showed me his house, and he has hundreds of guitars.

He showed me which recorder he used to record "Vehicle" by Ides of March (one of my all-time favorite songs). He said he bought it at Sears a long time ago. And the meaning of the song is so sweet! It's about his wife. So freaking cute!

RtM: You've released several singles after the full-length album; are there plans for a new full album soon? Or is the strategy to continue releasing singles along with sporadic physical material, like the EPs/Singles you made available on your Bandcamp?

Kaity: One of the things I don't like about this new music industry is everyone's lack of attention. So, of course, we have to release everything little by little. We've already released the first full album, which is self-titled.

And to mix things up a bit, we're going to release the second album as two 7-inch singles that will eventually be available as a set! Just to mix things up! The third album, which will be released next year, will probably be a normal album again.

RtM: Regarding the singles, the most recent ones are the beautiful and moving "Wishing Well" and that incredible version of "Hair of the Dog." I played the latter for a friend who loved it; he said he imagined if Janis Joplin did a cover, it would sound very similar to your version.

Kaity: Wow, what a compliment! Regarding "Wishing Well," I'm not really into ballads; I'm more the type who enjoys upbeat music. I have too much energy. So, when I write lyrics/melodies, it's usually about something peculiar. Writing sappy love songs isn't my thing.

RtM: Of the singles released in 2025, my favorite is "The Watcher," a very intense song; your vocals are incredible and deep—they remind me a bit of Heart. Could you talk a little about this song and its lyrics?

Kaity: It was really cool to record this song with Ron Nevison. Mainly because it's so strange, and the story behind it is peculiar too. A close friend of mine was being stalked by a guy who lived in the same building as her.

The situation took a strange turn, and we found out he was a suspect in a series of murders.

RtM: What a scary situation! And what happened to the guy?

Kaity: My friend can't give many details because, as far as I know, the case is still open. But I wrote the song for her… interestingly, she says she uses it in her group therapy sessions. I think that's incredible!

RtM: What are the main messages you seek to convey through your music? And is there any song by the band that has a special meaning for you?

Kaity: There's a lot about reclaiming power, justice, anger… there's a strong punk influence in the lyrics. For example: “Naughty Little Girl” isn't the sexy little song it seems to be. It's about revenge.

I also really like using folk tales as allegories for what's happening now — this is very evident in "Siren Song", "Wishing Well", "The Watcher", "Selling Lies", "Shadow Girl"… I could talk about this forever!

RtM: "Breath it in" is your most streamed song, and it's one of my favorites. I think it's a great way to showcase the band's personality, with feeling, groove, that amazing keyboard part, and a memorable chorus. I'd like you to comment a little more on it.

Kaity: Well, here's the thing: "Breathe It In" was the song that fooled Ron Nevison when we sent it to him (laughs). When I was composing and sketching the song, I wrote versions for the choruses and bridges. When I sent it to the guys, instead of a normal bridge, I had sketched an instrumental bridge, which wasn't necessarily complicated. Because in the '70s, there are a lot of songs that have these strange bridges, which seem to have nothing to do with the song, and are usually instrumental. One of my favorites is the song "I Could Be Good for You" by 707.

RtM: I also love those kinds of unusual things that artists created in the 70s.

Kaity: It's completely random. Why is it there? It has nothing to do with the rest of the song, but it's there. So, I wanted to do something similar, and then our guitarist, Al, just took the idea and developed it. And then, there's a part later on where it's a 5/4 time signature instead of 4/4. And when we play live, I still literally have to count on my fingers so I don't mess up! (laughs) I still mess up all the time. But anyway, that's it. 

Yes, it's a lot of fun. And in our process, when it's a song I write, I make a sketch and then, you know, the chords, the basic chords, the lyrics and the melody, and then I send it to the guys, and then we compose together. So, anyway, that's how we do it. That's how we made "Breathe It In".

RtM: Speaking a little about your career and trajectory: how did your interest in music begin and which artists most influenced your development as a singer?

Kaity: Oh, I've always sung. My father used to say that I sang on the back of his bicycle when I was three years old. The biggest influences were Ann Wilson, Stevie Nicks, Grace Slick, En Vogue, Diana Ross, Aretha Franklin… I felt divided between rock, blues and soul. That's what I listened to most.

RtM: At what point did you realize that music could be a career for you? And what were the main challenges you faced along the way?

Kaity: Well, you need to have a million small jobs to make it a career. I'm lucky to have many shows, but I also know how to edit videos, set up a complete sound system myself, assemble curtain and stage structures, assemble trusses (with help), operate the stage sound, sing in the studio, do voice-overs, play keyboard, give lessons, mentor, and fix up an impeccable trailer. That's... literally what 95% of musicians do to support themselves.

RtM: And what about the representation of women in the music scene today? Do you still see many barriers?

Kaity: It's better. Do we have equality? Not at all. I have to do, like, 10 times more work than my bandmates to be taken seriously, and even then, many times, I'm reduced to my appearance. That can be extremely frustrating when you have a normal body and face like me.

I'm not a supermodel, nor do I want to be. I just want to sing: I think that's why I idolize the 70s so much… they really DIDN'T care about anyone's appearance (men or women)… what mattered was the quality of the music. I really wish it could be like that again.

RtM: If you could sing a song with any artist in history, who would you choose and what would the song be?
Kaity: "Gimme Shelter" by the Rolling Stones. What an incredible song. I would love to be the singer who sang alongside Mic Jagger on that one. The lyrics, the melody. Perfection.
That one or "Great Gig in the Sky" by Pink Floyd – I've sung it live… I would love to have been the one to create all that craziness.

RtM: I would love to hear your version of "Great Gig in the Sky". Well, besides music, when you have some free time, what hobbies or activities do you like to do in your free time?
Kaity: Free time??? What is that? (Laughs), I like horror books and Harry Potter (no judgment), The Simpsons and enjoying my cats, Scrambles and Lil' Ral.

RtM: Could you name just five albums that you consider essential to your life?
Kaity: Hmm... Let's see:
1. Rumors - Fleetwood Mac
2. Dreamboat Annie - Heart
3. 13 Tales of Love and Revenge - The Pierces
4. 8 Arms to Hold You - Veruca Salt
5. Jagged Little Pill - Alanis Morissette

RtM: Kaity, thank you again, we loved learning a little more about you and your work, here's the space for your final message.
Kaity: We really want to play in Brazil, we're very focused on that. Attention producers, and also record labels and distributors, because we also want to release our album there.

Sunflower Fox & the Chicken Leg are:

Kaity Heart (vocals), James Gross (guitar), Mike Schmidt (guitar), Craig Holets (bass), Kyle Primus (drums), and Al Berg (keys)

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Kissin' Dynamite: Um Adeus Sem Fim (Also In English)

Kissin' Dynamite Records (Imp.)

Por Flavio Borges

Há álbuns que encerram uma fase. Outros tentam abrir uma nova. Kissin' Dynamite, nono trabalho de estúdio do KISSIN' DYNAMITE, faz as duas coisas simultaneamente. Previsto para 18 de setembro de 2026, o disco será o último registro da banda com Hannes Braun nos vocais, transformando aquilo que poderia ser apenas mais um lançamento em um documento de transição.

Braun anunciou em agosto de 2025 sua decisão de deixar os palcos por razões de saúde, mas sua saída não representa um rompimento com o grupo. Ele continuará envolvido como compositor, produtor e uma das principais forças criativas do KISSIN' DYNAMITE. Essa distinção é fundamental para compreender o álbum: estamos diante de uma despedida do vocalista ao vivo, não de uma despedida artística.

E o próprio disco parece consciente dessa diferença.

Kissin' Dynamite combina seis composições inéditas com sete regravações de músicas dos dois primeiros álbuns da banda, Steel of Swabia (2008) e Addicted to Metal (2010). A princípio, a decisão poderia parecer uma tentativa óbvia de capitalizar sobre a nostalgia. Mas existe algo mais interessante acontecendo aqui. As antigas canções são revisitadas por uma banda que passou quase duas décadas amadurecendo, conquistando seu espaço no hard rock europeu e transformando aquela ambição juvenil de conquistar arenas em realidade.

O resultado estabelece um diálogo entre duas versões do KISSIN' DYNAMITE.

Hannes Braun tinha pouco mais de 20 anos quando registrou Steel of Swabia. Em 2026, sua voz retorna às mesmas composições mais encorpada, segura e experiente. As novas gravações não tentam apagar as originais — e tampouco precisam fazê-lo. O que elas oferecem é uma oportunidade de descobrir quanto daquelas melodias, riffs e refrões continua relevante quase duas décadas depois.

É como colocar frente a frente dois retratos da mesma banda: de um lado, a juventude, a energia e a ambição de um grupo que queria chegar às grandes arenas; do outro, a experiência de uma banda que efetivamente chegou lá.

Seis das sete releituras vêm de Steel of Swabia, enquanto “Love Me Hate Me” recupera Addicted to Metal. A escolha funciona quase como uma arqueologia do próprio KISSIN' DYNAMITE. E as participações especiais ampliam essa perspectiva: Saltatio Mortis, Amaranthe, Anna Brunner, Primal Fear, Sam Totman e Eklipse acrescentam novas cores a músicas que já pertenciam ao DNA do grupo.

Mas se as regravações perguntam de onde a banda veio, as seis inéditas precisam responder a uma questão mais difícil: o que o KISSIN' DYNAMITE ainda tem a dizer antes de fechar este capítulo?

“Glory Days”, primeiro single, oferece uma resposta bastante direta. Em vez de transformar o passado em lamento, a banda o celebra. A faixa reúne melodias expansivas, uma atmosfera ensolarada e nostálgica e aquele tipo de refrão concebido para ser devolvido por milhares de vozes. É arena rock em sua essência mais pura — e, neste contexto, a ausência de qualquer tentativa de ruptura parece deliberada. O KISSIN' DYNAMITE não precisa reinventar sua identidade para falar sobre o fim de uma era.

Se “Glory Days” olha para trás com um sorriso, “I Salute You” amplia essa celebração em escala ainda maior. É uma composição épica, bem construída e executada com a precisão que se espera da banda, mas ganha uma dimensão adicional com a participação do Saltatio Mortis. A combinação do hard rock do KISSIN' DYNAMITE com as gaitas de fole e os vocais femininos cria uma das fusões mais interessantes do álbum, sem comprometer a identidade de nenhuma das duas bandas. É uma faixa que consegue soar grandiosa sem perder o caráter festivo que permeia o disco.

“Night Is Calling”, por sua vez, talvez seja a faixa que melhor representa o KISSIN' DYNAMITE em sua zona de conforto — e isso está longe de ser uma crítica. Do primeiro ao último acorde, a música entrega hard rock poderoso, trabalho instrumental preciso e vocais perfeitamente encaixados na composição. O refrão possui aquela qualidade imediata que parece destinada aos palcos, reafirmando uma das maiores virtudes da banda: transformar melodias simples e eficientes em momentos de comunhão com o público.

“I'll Be” desloca o foco para o futuro. Musicalmente, mantém a vocação do grupo para os grandes hinos de arena, mas sua força está no significado. A canção assume a forma de uma promessa de permanência justamente quando Hannes Braun se prepara para deixar os palcos. Ele não estará mais diante do microfone em turnê, mas continuará compondo e produzindo. A aparente contradição transforma a faixa em uma das peças conceitualmente mais importantes do álbum: é uma despedida sem ruptura, uma declaração de que a ausência física não significa o fim da ligação construída entre artista, banda e público.

Em “Nothing Breaks Like a Heart”, a banda novamente aborda a ideia de ruptura, mas sem mergulhar na melancolia. A faixa pode ser interpretada como uma power ballad, embora sua estrutura também permita ouvi-la como um hard rock cadenciado, conduzido mais pela dinâmica e pela melodia do que pelo peso. A temática de superar perdas e aprender com os reveses dialoga diretamente com o momento vivido pelo grupo, mas a composição evita transformar essa circunstância em autopiedade. A ruptura existe; o que importa é aquilo que se constrói depois dela.

E então chega “Good In Goodbye”.

Como encerramento das inéditas — e do próprio álbum — a música assume naturalmente o papel mais emocional do repertório. Trata-se de uma balada em que Hannes Braun abandona qualquer reserva e entrega uma interpretação carregada de emoção. Sua voz, tão importante para a identidade do KISSIN' DYNAMITE desde os primeiros anos, ganha aqui um peso diferente justamente porque sabemos que este é seu último álbum como vocalista da banda.

É impossível ouvir a faixa completamente dissociada desse contexto. Mas o mérito está em ela não depender exclusivamente dele. A composição funciona musicalmente, e a interpretação de Braun transforma o significado da letra em algo maior do que uma simples despedida. Há tristeza, evidentemente, mas também aceitação — e, sobretudo, a sensação de que uma história importante chegou ao seu ponto final sem necessariamente perder seu valor.

É justamente aí que Kissin' Dynamite encontra sua maior força.

O álbum não tenta transformar a saída de Hannes Braun em tragédia, nem utiliza o passado como desculpa para simplesmente repetir fórmulas. As sete regravações colocam a banda de 2026 diante daquela que existia em 2008 e 2010, enquanto as seis inéditas mostram um grupo confortável com sua identidade e consciente do momento que atravessa.

O resultado é menos um epitáfio do que uma celebração.

Kissin' Dynamite funciona como um espelho no qual passado e presente se encontram: a juventude ambiciosa de Steel of Swabia diante da maturidade de uma banda que conquistou seu espaço; o vocalista que sonhava com grandes palcos diante do artista que agora decide deixá-los; e as músicas que ajudaram a construir uma carreira diante de uma nova geração de canções preparadas para carregá-la adiante.

Hannes Braun pode estar deixando os palcos, mas Kissin' Dynamite deixa claro que sua história com a banda está longe de terminar. E talvez essa seja a maior ironia — e também a maior beleza — de um álbum concebido como despedida: no momento em que uma porta se fecha, o KISSIN' DYNAMITE demonstra que ainda existe bastante vida do outro lado.

Mais do que o último álbum de Hannes Braun como vocalista, Kissin' Dynamite é um registro sobre legado, continuidade e transformação. Uma banda olhando para aquilo que construiu, revisitando suas origens e, ao mesmo tempo, tentando descobrir como seguir em frente.

Não é o fim da história.

É apenas o fim de um capítulo.

***ENGLISH VERSION***

Some albums mark the end of an era. Others attempt to open a new one. Kissin' Dynamite, the ninth studio album from KISSIN' DYNAMITE, manages to do both at once. Due for release on September 18, 2026, it will be the band's final record with Hannes Braun on vocals, turning what could have been another chapter in their discography into a document of transition.

Braun announced in August 2025 that he would step away from the stage for health reasons, but his departure does not represent a break with the band. He will remain involved as a songwriter, producer and one of KISSIN' DYNAMITE's key creative forces. That distinction is essential to understanding the album: this is a farewell to Braun as a live vocalist, not a farewell to his artistic relationship with the band.

And the album itself seems fully aware of that difference.

Kissin' Dynamite combines six brand-new compositions with seven re-recordings of songs from the band's first two albums, Steel of Swabia (2008) and Addicted to Metal (2010). At first glance, the decision might look like an obvious exercise in nostalgia. But something more interesting is happening here. These songs are being revisited by a band that has spent almost two decades maturing, establishing itself within the European hard rock scene and turning the youthful ambition of conquering arenas into reality.

The result creates a dialogue between two versions of KISSIN' DYNAMITE.

Hannes Braun was barely in his twenties when he recorded Steel of Swabia. In 2026, his voice returns to those same compositions fuller, more assured and shaped by experience. The new recordings do not attempt to erase the originals — nor do they need to. Instead, they offer an opportunity to discover how much of those melodies, riffs and choruses still holds up almost two decades later.

It is almost like placing two portraits of the same band side by side: on one side, the youth, energy and ambition of a group determined to reach the biggest stages; on the other, the experience of a band that actually made it there.

Six of the seven re-recordings come from Steel of Swabia, while “Love Me Hate Me” revisits Addicted to Metal. The selection works almost like an archaeological dig into KISSIN' DYNAMITE's own history. The guest appearances deepen that perspective, with Saltatio Mortis, Amaranthe, Anna Brunner, Primal Fear, Sam Totman and Eklipse adding new colours to songs that are already part of the band's DNA.

But if the re-recordings ask where the band came from, the six new compositions have to answer a more difficult question: what does KISSIN' DYNAMITE still have to say before closing this chapter?

“Glory Days”, the first single, offers a fairly direct answer. Rather than turning the past into a lament, the band celebrates it. Expansive melodies, a sunny and nostalgic atmosphere, and the kind of chorus designed to be echoed by thousands of voices make this arena rock in its purest form. In this context, the lack of any attempt to reinvent the band's identity feels deliberate. KISSIN' DYNAMITE does not need to redefine itself in order to talk about the end of an era.

If “Glory Days” looks back with a smile, “I Salute You” takes that celebration to an even larger scale. It is an epic, well-crafted composition, performed with the precision expected from the band, but it gains another dimension through the contribution of Saltatio Mortis. The combination of KISSIN' DYNAMITE's hard rock with bagpipes and female vocals creates one of the album's most interesting fusions without compromising either band's identity. It is a track capable of sounding genuinely huge without losing the celebratory spirit running through the record.

“Night Is Calling”, meanwhile, may be the track that best represents KISSIN' DYNAMITE within its comfort zone — and that is far from a criticism. From the opening chord to the final note, it delivers powerful hard rock, precise instrumental work and vocals perfectly integrated into the arrangement. Its chorus has the kind of immediacy that seems destined for the live stage, reaffirming one of the band's greatest strengths: turning simple, effective melodies into moments of collective communion with an audience.

“I'll Be” shifts the focus toward the future. Musically, it retains the band's instinct for huge arena anthems, but its real strength lies in its meaning. The song takes the shape of a promise of permanence precisely as Hannes Braun prepares to leave the stage. He will no longer be standing at the microphone on tour, but he will remain a songwriter and producer. That apparent contradiction makes the track one of the album's most conceptually significant pieces: a farewell without a rupture, a declaration that physical absence does not mean the end of the bond built between artist, band and audience.

On “Nothing Breaks Like a Heart”, the band once again explores the idea of separation without descending into melancholy. It can be heard as a power ballad, although its structure also allows it to be viewed as a more measured hard rock track, driven by dynamics and melody rather than sheer weight. Its theme of overcoming loss and learning from setbacks resonates directly with the band's current circumstances, but the song avoids turning that situation into self-pity. The rupture is real; what matters is what comes after it.

And then comes “Good In Goodbye”.

As the closing track among the new compositions — and the final song on the album — it naturally assumes the record's most emotional role. It is a ballad in which Hannes Braun delivers an unguarded and deeply felt performance. His voice, so central to KISSIN' DYNAMITE's identity since the band's early years, carries a different weight here precisely because we know this is his final album as the band's vocalist.

It is impossible to hear the song completely outside that context. But its strength lies in the fact that it does not depend solely on the circumstances surrounding its release. The composition works on its own terms, while Braun's performance transforms the meaning of the lyrics into something larger than a simple farewell. There is sadness, certainly, but also acceptance — and, above all, the sense that an important story has reached its conclusion without losing its value.

That is where Kissin' Dynamite ultimately finds its greatest strength.

The album does not attempt to turn Hannes Braun's departure into tragedy, nor does it use the past as an excuse to simply repeat old formulas. The seven re-recordings place the 2026 version of the band face to face with the one that existed in 2008 and 2010, while the six new songs show a group comfortable with its identity and fully aware of the moment it is going through.

The result is less an epitaph than a celebration.

Kissin' Dynamite works as a mirror in which past and present meet: the youthful ambition of Steel of Swabia confronted with the maturity of a band that went on to establish itself; the vocalist who once dreamed of conquering the biggest stages standing alongside the artist now choosing to leave them; and the songs that helped build a career placed beside a new generation of compositions prepared to carry that legacy forward.

Hannes Braun may be leaving the stage, but Kissin' Dynamite makes it clear that his story with the band is far from over. And perhaps that is the album's greatest irony — and its greatest beauty. At the very moment one door closes, KISSIN' DYNAMITE makes it clear that there is still plenty of life on the other side.

More than Hannes Braun's final album as the band's vocalist, Kissin' Dynamite is a record about legacy, continuity and transformation. A band looking back at what it has built, revisiting its roots and, at the same time, trying to discover how to move forward.

It is not the end of the story.

It is simply the end of a chapter.

Divulgação

Nestor: Feitos Para o Palco (Also In English)

Napalm Records (Imp.)

Por Flavio Borges

Formado originalmente em 1989, o NESTOR ressurgiu em 2021 com Kids in a Ghost Town, recuperando para o cenário internacional uma sonoridade que muitos julgavam pertencer definitivamente ao passado: o hard rock melódico sueco moldado pelo AOR e pelo rock de arena dos anos 1980. Teenage Rebel (2024) consolidou essa identidade, transformando a nostalgia em algo mais do que um exercício de arqueologia musical. Com Live at Gothenburg Film Studios, a banda finalmente registra em formato oficial aquilo que seus shows já vinham demonstrando: por trás da estética retrô existe uma formação extraordinariamente segura de sua própria identidade.

Musicalmente, o álbum acerta praticamente em cheio. O set list de 16 faixas percorre os dois discos de estúdio com inteligência, alternando hinos de arena, momentos mais pesados, baladas e faixas de forte apelo AOR sem comprometer o ritmo do espetáculo. “We Come Alive”, “Kids in a Ghost Town” e “Stone Cold Eyes” estabelecem imediatamente a identidade da banda, enquanto “Perfect 10”, “Unchain My Heart” e “Signed in Blood” ampliam a paleta. Na reta final, “Victorious”, “Firesign”, “On The Run”, “Teenage Rebel” e “1989” formam uma sequência particularmente forte, antes de “It Ain’t Me” encerrar o percurso. É um repertório cuidadosamente construído para o palco, onde melodias instantâneas e refrãos monumentais assumem uma dimensão naturalmente maior.

E a banda corresponde à altura. Tobias Gustavsson confirma ser uma das grandes armas do NESTOR ao vivo, preservando a potência e a precisão das gravações sem transformar as canções em reproduções mecânicas. Sua voz continua sendo o centro melódico da banda, mas é a interação entre os músicos que dá peso ao conjunto. Jonny Wemmenstedt equilibra riffs musculosos e guitarras melódicas, enquanto os teclados de Martin Frejinger fornecem aquela camada AOR indispensável à identidade do grupo. Baixo e bateria mantêm tudo ancorado com precisão, permitindo que as músicas cresçam sem perder definição.

Entre os destaques, “On The Run” talvez seja a melhor demonstração de como uma composição já eficiente pode ganhar outra dimensão no palco. Os teclados e guitarras assumem um caráter mais épico, enquanto o refrão confirma sua vocação para arenas. “Victorious” segue a mesma lógica, com sua arquitetura de hino cuidadosamente construída, e “Teenage Rebel” representa talvez o ponto em que passado e presente do NESTOR melhor se encontram. “Firesign”, por sua vez, reforça o lado mais direto e hard rock da banda, enquanto “1989” funciona quase como uma declaração de princípios: o NESTOR não está simplesmente revisitando os anos 1980 — está tentando recuperar a linguagem daquela época e fazê-la funcionar no presente.

É justamente aí que surge a única grande ressalva de Live at Gothenburg Film Studios. A produção é limpa, poderosa e detalhada, e cada instrumento encontra seu espaço na mixagem. Porém, um álbum ao vivo precisa transmitir algo que vai além da execução perfeita: precisa criar a ilusão de presença. E é nesse aspecto que o registro fica aquém do potencial da banda. A plateia aparece de maneira excessivamente discreta e algumas decisões de edição tornam a experiência menos espontânea do que seria desejável. O resultado é tecnicamente impecável, mas nem sempre suficientemente visceral.

A ironia é que essa limitação acaba ressaltando justamente a qualidade do NESTOR. Quanto melhor a banda toca, mais evidente se torna aquilo que o registro não consegue reproduzir completamente. Live at Gothenburg Film Studios confirma que Tobias Gustavsson e seus companheiros possuem repertório, músicos e personalidade suficientes para dominar um grande palco. O que falta não é energia, competência ou grandes canções — é aquela dose de caos, interação e atmosfera que transforma uma excelente performance em uma experiência inesquecível.

No fim, Live at Gothenburg Film Studios é um registro musicalmente excelente de uma banda que parece feita para tocar diante de milhares de pessoas. Talvez seu maior paradoxo seja justamente esse: o álbum prova o quanto o NESTOR é extraordinário ao vivo sem conseguir capturar completamente o que torna um show do NESTOR tão especial.

***ENGLISH VERSION***

Originally formed in 1989, NESTOR returned in 2021 with Kids in a Ghost Town, bringing back to the international scene a sound many had assumed belonged firmly to the past: Swedish melodic hard rock shaped by AOR and the arena rock of the 1980s. Teenage Rebel (2024) consolidated that identity, turning nostalgia into something more substantial than a simple exercise in musical archaeology. With Live at Gothenburg Film Studios, the band finally documents officially what their live shows had already been proving: behind the retro aesthetic lies a remarkably assured band with a firm grasp of its own identity.

Musically, the album gets almost everything right. Its 16-track setlist moves intelligently across both studio albums, alternating arena anthems, heavier moments, ballads and strong AOR-driven material without compromising the pace of the performance. “We Come Alive”, “Kids in a Ghost Town” and “Stone Cold Eyes” immediately establish the band’s identity, while “Perfect 10”, “Unchain My Heart” and “Signed in Blood” broaden the palette. Towards the closing stretch, “Victorious”, “Firesign”, “On The Run”, “Teenage Rebel” and “1989” form a particularly strong sequence before “It Ain’t Me” brings the journey to a close. This is a setlist clearly designed for the stage, where instant melodies and monumental choruses naturally assume a larger dimension.

And the band rises to the occasion. Tobias Gustavsson confirms himself as one of NESTOR greatest live assets, retaining the power and precision of the studio recordings without turning the songs into mechanical reproductions. His voice remains the band’s melodic focal point, but it is the interaction between the musicians that gives the performance its weight. Jonny Wemmenstedt balances muscular riffs with melodic guitar work, while Martin Frejinger’s keyboards provide the essential AOR layer that defines the band’s identity. Bass and drums keep everything firmly grounded, allowing the songs to expand without ever losing clarity.

Among the highlights, “On The Run” may be the clearest example of how an already effective composition can take on another dimension on stage. The keyboards and guitars acquire a more epic character, while the chorus confirms its natural arena potential. “Victorious” follows much the same path, with its carefully constructed anthem-like architecture, while “Teenage Rebel” perhaps represents the point where NESTOR past and present intersect most successfully. “Firesign”, meanwhile, reinforces the band’s more direct hard rock side, while “1989” almost feels like a statement of intent: NESTOR isn’t simply revisiting the 1980s — they are reclaiming the language of that era and making it work in the present.

It is precisely here that the one major reservation about Live at Gothenburg Film Studios emerges. The production is clean, powerful and detailed, with every instrument given its own space in the mix. Yet a live album needs to convey something beyond flawless execution: it needs to create the illusion of presence. And this is where the recording falls short of the band’s potential. The audience is captured too discreetly, while certain editing choices make the experience feel less spontaneous than it should. The result is technically immaculate, but not always visceral enough.

The irony is that this limitation ultimately highlights just how good NESTOR are. The better the band plays, the more apparent it becomes what the recording fails to fully reproduce. Live at Gothenburg Film Studios confirms that Tobias Gustavsson and his bandmates have the songs, musicianship and personality required to command a major stage. What is missing is not energy, competence or great material, but that touch of chaos, interaction and atmosphere that turns an excellent performance into an unforgettable experience.

Ultimately, Live at Gothenburg Film Studios is a musically outstanding document of a band that seems tailor-made for the biggest stages. Perhaps its greatest paradox is precisely this: the album proves just how extraordinary NESTOR are live without fully capturing what makes a NESTOR show so special.

Andreas Diaz Pettersson

Triosphere: Um Retorno Que Valeu Cada Ano de Espera (Also In English)

Frontiers Records (Imp.)

Por Michelle F. Santana - @mii.santanna

Tem bandas que desaparecem por um tempo e deixam aquela dúvida: será que ainda voltam? Com o Triosphere foi exatamente assim. Formada em 2004, na cidade de Trondheim, na Noruega, a banda conquistou seu espaço no heavy metal melódico ao combinar riffs marcantes, refrões envolventes e uma identidade que sempre equilibrou peso e emoção. Depois de lançar The Heart of the Matter, em 2014, os noruegueses passaram mais de dez anos sem apresentar um álbum de inéditas. Mas bastaram os primeiros singles de Oceans Above, Stars Below para mostrar que a espera não foi em vão. O grupo voltou inspirado e com um disco que resgata tudo aquilo que fez tanta gente se apaixonar por sua sonoridade.

O mais interessante é que o Triosphere não tenta reinventar o gênero. Em vez disso, aposta justamente no que sempre fez de melhor. O álbum soa maduro, intenso e muito autêntico, alternando momentos de pura energia com passagens mais introspectivas. Existe um clima épico que acompanha praticamente toda a audição, mas sem excessos. Tudo acontece de forma muito natural.

As letras seguem esse mesmo caminho. O disco fala sobre mudanças, superação, manipulação, abuso de poder e conflitos internos. São temas com os quais qualquer pessoa consegue se relacionar, e isso torna a experiência ainda mais envolvente.

Outro ponto que merece elogios é a produção. A mixagem deixa tudo muito claro, permitindo que cada instrumento tenha seu espaço sem perder o impacto. As guitarras aparecem fortes e definidas, o baixo tem presença, a bateria sustenta o peso das músicas e os teclados entram na medida certa, ajudando a construir essa atmosfera cinematográfica que envolve o álbum.

O trabalho dos músicos também merece destaque. Marius Silver Bergesen entrega riffs marcantes e solos cheios de personalidade, enquanto Kenneth Tårneby e Tor Ole Byberg formam uma base sólida que sustenta o álbum do começo ao fim.

E aí chegamos ao grande trunfo do Triosphere: Ida Haukland. Sua voz continua sendo um dos elementos mais marcantes da banda. Ela canta com uma força impressionante, mas também consegue transmitir fragilidade e melancolia quando a música pede. É justamente esse equilíbrio que faz suas interpretações soarem tão sinceras e emocionantes.

Entre os destaques, a faixa-título, Oceans Above, Stars Below, é praticamente o cartão de visitas do álbum. Ela resume muito bem tudo o que o Triosphere quer apresentar aqui: velocidade, peso, melodias envolventes e momentos mais densos que reforçam o lado emocional do disco.

Já Of Tyrants acelera o ritmo e aposta em um heavy metal direto, com guitarras afiadas e muita energia. Além da força instrumental, a música chama atenção pela letra, que critica a ganância, a manipulação e o abuso de poder de forma bastante contundente.

Quem acompanhou o retorno da banda certamente se lembra de Monster's Ball. Escolhida como primeiro single, a faixa teve a missão de encerrar oficialmente o longo hiato e apresentar novamente o Triosphere ao público. E fez isso muito bem, reunindo riffs marcantes, um refrão forte e toda a personalidade que sempre acompanhou a banda.

Já Shorelines mostra um lado mais sensível do grupo. A música cresce aos poucos, mistura passagens progressivas com uma enorme carga emocional e entrega um dos momentos mais bonitos de todo o álbum. É impossível não se envolver.

Encore é uma das faixas mais bonitas do álbum. A balada mantém um ritmo calmo do início ao fim, criando uma atmosfera delicada e envolvente. Aqui, a voz de Ida Haukland assume uma abordagem mais suave, entregando delicadeza e emoção, especialmente em um refrão carregado de sentimento.

O grande destaque fica por conta do piano e das guitarras, que se entrelaçam de maneira sutil ao efeito de reverb hall, criando uma sonoridade ampla e profunda. É justamente essa combinação entre a interpretação vocal e a atmosfera dos instrumentos que dá à faixa uma sensação quase etérea, tornando Encore um dos momentos mais emocionais do álbum.

E quando parece que a viagem chegou ao fim, surge Gjenklang. Uma continuação instrumental, mais orquestrada e cinematográfica, de Encore. O título, que significa “eco” ou “ressonância” em norueguês, quebra a sequência de nomes em inglês e fecha o disco de maneira muito simbólica. A sensação é justamente essa: quando a última nota termina, as músicas continuam ecoando na cabeça por um bom tempo.

No fim das contas, Oceans Above, Stars Below não é apenas o retorno de uma banda depois de onze anos. É a prova de que o Triosphere continua sabendo exatamente como unir peso, melodia e emoção sem perder a própria essência. Um disco que conversa tanto com quem acompanha a banda desde o início quanto com quem está chegando agora — e que faz a longa espera ter valido completamente a pena.

***ENGLISH VERSION***

There are bands that disappear for a while and leave you wondering: will they ever come back? That was exactly the case with Triosphere. Formed in 2004 in Trondheim, Norway, the band carved out its place in melodic heavy metal by combining memorable riffs, captivating choruses, and an identity that has always balanced heaviness and emotion. After releasing The Heart of the Matter in 2014, the Norwegian band spent more than ten years without releasing a new studio album. But the first singles from Oceans Above, Stars Below were enough to show that the wait had not been in vain. The band returned inspired, with an album that brings back everything that made so many people fall in love with their sound.

The most interesting thing is that Triosphere does not try to reinvent the genre. Instead, they rely on what they have always done best. The album sounds mature, intense, and incredibly authentic, alternating moments of pure energy with more introspective passages. There is an epic atmosphere that runs through almost the entire listening experience, but never feels excessive. Everything unfolds naturally.

The lyrics follow the same path. The album deals with themes of change, overcoming adversity, manipulation, abuse of power, and inner conflicts. These are themes anyone can relate to in some way, making the experience even more engaging.

Another aspect that deserves praise is the production. The mix keeps everything clear, allowing each instrument to have its own space without sacrificing impact. The guitars sound powerful and defined, the bass has a strong presence, the drums carry the weight of the songs, and the keyboards are used with just the right amount of restraint, helping build the cinematic atmosphere that surrounds the album.

The musicians' performances also deserve recognition. Marius Silver Bergesen delivers memorable riffs and highly distinctive solos, while Ørjan Haraldset and Tor Ole Byberg provide a solid foundation that carries the album from beginning to end.

And then we come to Triosphere greatest asset: Ida Haukland. Her voice remains one of the band's most distinctive elements. She sings with remarkable power, while also being able to convey vulnerability and melancholy whenever the music calls for it. It is precisely this balance that makes her performances feel so genuine and emotionally compelling.

Among the highlights, the title track, Oceans Above, Stars Below, is practically the album's calling card. It perfectly sums up what Triosphere wants to deliver here: speed, heaviness, captivating melodies, and darker, denser moments that reinforce the album's emotional side.

Of Tyrants picks up the pace and goes for a straightforward heavy metal approach, with sharp guitars and plenty of energy. Beyond its instrumental strength, the song stands out for its lyrics, which deliver a pointed criticism of greed, manipulation, and the abuse of power.

Anyone who followed the band's comeback will certainly remember Monster's Ball. Chosen as the first single, the track had the task of officially ending the band's long hiatus and reintroducing Triosphere to its audience. And it did so brilliantly, bringing together memorable riffs, a powerful chorus, and all the personality that has always been part of the band's identity.

Shorelines, on the other hand, reveals a more sensitive side of the band. The song gradually builds, blending progressive passages with an immense emotional weight and delivering one of the most beautiful moments on the entire album. It is impossible not to get swept up in it.

Encore is one of the album's most beautiful tracks. The ballad maintains a calm pace from beginning to end, creating a delicate and captivating atmosphere. Here, Ida Haukland's voice takes on a softer approach, delivering tenderness and emotion, particularly in a chorus filled with feeling.

The real highlight comes from the piano and guitars, which subtly intertwine with a hall reverb effect, creating a wide and deeply resonant sound. It is precisely this combination of the vocal performance and the instrumental atmosphere that gives the track an almost ethereal quality, making Encore one of the album's most emotional moments.

And just when it seems the journey has come to an end, Gjenklang emerges. It is a more orchestral and cinematic instrumental continuation of Encore. The title, which means “echo” or “resonance” in Norwegian, breaks the album's sequence of English titles and brings the record to a highly symbolic conclusion. The feeling is exactly that: when the final note fades away, the songs continue to echo in your mind for a long time.

Ultimately, Oceans Above, Stars Below is more than just the return of a band after eleven years. It is proof that Triosphere still knows exactly how to combine heaviness, melody, and emotion without losing its essence. An album that speaks both to those who have followed the band since the beginning and to those discovering them now — and one that makes the long wait feel completely worthwhile.

Ronny Danielsen

Marcelo Demichelli: O Metal Oriental e Místico em Sua Fase mais Introspectiva

 

Em seu quinto álbum de estúdio "The Rising Inner Eden” (O Éden Interior Em Ascenção), com data de lançamento para este 10/08,2026, o guitarrista, compositor e produtor fonográfico Marcelo Demichelli - da prolífica cena Metal e Underground da região central do RS - apresenta em seu release que esse é o seu trabalho mais conceitual e introspectivo até então.

E realmente após as primeiras audições é o que podemos sentir, além da constante evolução a cada álbum do seu Metal Místico e Oriental, sendo que neste, Demichelli trouxe uma preocupação maior na construção de riffs e melodias marcantes, além de explorar novos elementos, como o Gothic Metal, que faz parte das inspirações do músico.

Este já é o terceiro trabalho produzido, mixado e masterizado pelo próprio artista em seu home studio, o que lhe proporciona tempo e comodidade para trabalhar e maturar as composições.

Afirmo que o álbum terá a capacidade de agradar além do público que é aficionado aos trabalhos instrumentais, principalmente os voltados à guitarra, pois essa trilha sonora carregada de climas densos, intensos e de melodias introspectivas, conduzem o ouvinte por uma jornada que desperta vários sentimentos, como reflexão, surpresa, ansiedade e libertação. 

O álbum inicia com a atmosférica intro "Inner Cure", que embora traga uma atmosfera bem interessante e introspectiva, em minha impressão inicial, poderia ser um pouco mais curta. 

A intro prepara o caminho da jornada, que começa a tomar mais corpo com "A Irmandade Da Fênix". Os riffs e arranjos de fundo apresentam nuances sombrias que demonstram as inspirações Gothic Metal, transitando por climas e atmosferas orientais, que já são característicos do trabalho de Demichelli, e finaliza com belos e introspectivos arranjos ao violão.

Na sequência temos "O Nascer Da Serpente", e aqui o peso dos riffs vêm mais intenso, e já se percebe o que comentei acima, que neste trabalho o guitarrista deu mais ênfase aos riffs e melodias, tornando as músicas mais marcantes. 

As nuances orientais estão bem presentes e mais marcantes. O clima tenso predomina, e nos solos, virtuosos, mas trabalhando para completar os climas que a música busca traduzir ao ouvinte.

Chegamos à faixa título, "The Rising Inner Eden", e aqui novamente podemos sentir as influências Gothic Metal nos riffs e na atmosfera da música, com peso e melodias sombrias e introspectivas, e nos solos temos nuances neoclássicas. 

Em "Silence Kisses but Silence Kills" prosseguimos a jornada, e ela é a faixa mais pesada do trabalho, onde o clima Dark ainda se faz presente, mas o que se sobressai são os trechos que beiram o Metal Extremo, com riffs velozes e nuances Death Metal. 

E essa variedade de riffs e mudanças de atmosferas, por vezes caóticas e com aquela sensação de urgência, mantém o ouvinte atento e interessado, e a cada audição poderá perceber mais detalhes.

Fechando o trabalho temos "Rosa Mystica" (new version/Bonus Track), umas das músicas mais conhecidas de Demichelli ganhou nova roupagem, e posso dizer que ficou ainda mais encorpada, pesada e dinâmica, e casou perfeita com a proposta deste álbum, que traz esse clima mais Dark/Gothic, com mais ênfase nos riffs e melodias.

Marcelo Demichelli demonstra aqui que sua proposta musical está cada vez mais coesa, madura e carregando forte identidade, e alguns excessos de outrora dão lugar a mais melodias, climas e riffs marcantes, e claro, como o título sugere, podemos sentir que é um álbum bem pessoal e transmite essa atmosfera introspectiva.

Os solos seguem como parte marcante, e muitas vezes se sobressaem, mas de forma a contribuir com o todo, quase "conversando" com o ouvinte, sem "exibição gratuita". Sabemos que muitas vezes, nos trabalhos "guitarrísticos", é difícil para o músico segurar aquela vontade de colocar mais notas aqui e ali (risos). Demichelli traz uma forte identidade, capaz de o diferenciar e ser logo reconhecido aos primeiros acordes, algo que todos certamente buscam. 

Um artista que merece ser "descoberto" por mais ouvintes. Não se enveredou por caminhos fáceis, o Metal já é um nicho, e o Metal Instrumental ainda mais.

Tracklist 
1 - Intro - Inner Cure
2 - A Irmandade Da Fênix 
3 - O Nascer Da Serpente 
4 - The Rising Inner Eden 
5 - Silence Kisses but Silence Kills 
6 - Rosa Mystica (new version/Bonus Track)

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